::Opinión::

Julio 01, 2006

Delirios del poscapital - Angela Molina

Sobre POSTCAPITAL Política, ciudad, dinero, en Palau de la Virreina. Barcelona. Originalmente en ELPAIS.es

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Escondida en algún rincón del Palau de la Virreina ronda una exposición ideal, abortada en su sueño, más intensa y compleja, sin la ansiedad paralizante del palimpsesto global y la cosmética virtual. En Postcapital hay una anulación del deseo, un miedo a la imaginación; la demostración del cansancio político presente y la desmoralización de la colectividad pospolítica en el futuro, en un mundo colonizado y anulado por el consumo. Esta, por así llamar, exposición, convierte en aseveración categórica el ya célebre reproche de Frederic Jameson (Las semillas del tiempo) a los intelectualizados jinetes del "final de la historia", a saber, que "hoy en día nos resulta más fácil imaginar el total deterioro de la tierra y de la naturaleza que el derrumbe del capitalismo; puede que esto se deba a alguna debilidad de nuestra imaginación".

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Junio 14, 2006

Del minimalismo al sentimiento de culpa - Juan Antonio Ramírez

Originalmente en Babelia

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1. La huella del minimalismo ha sido poderosa y persistente. No me refiero sólo a su empleo recurrente de formas geométricas elementales (sobre todo paralelepípedos), muy claro desde el principio de su carrera, sino a otros aspectos más sutiles, como son el gusto por la repetición, y la neutralización emocional de los ingredientes. Esta herencia se nota también en que Santiago Sierra no pretende exhibir ninguna clase de habilidad artesanal en unas piezas que están hechas por otros, siguiendo sus indicaciones. La enfatización de este aspecto nos permite considerarlo como alguien que ha puesto al minimalismo patas arriba, convirtiendo en el asunto principal de sus trabajos lo que era secundario o estaba escondido en artistas como Judd, Naumann, o Sol Le Witt: el trabajo asalariado de los ejecutantes materiales de sus creaciones.

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Junio 03, 2006

Más humana que nunca - Marta Gili

Originalmente en EL CULTURAL

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Recibo un e-mail de alguien que conozco. Me escribe: “Fotos para relajarte este fin de semana”. Abro el archivo adjunto e inmediatamente se suceden, una tras otra, imágenes de paisajes bucólicos: puestas de sol, montes nevados, horizontes marinos, bosques brumosos, praderas multicolores… Fotografías, en fin, que representan la apoteosis de lo pintoresco, un lugar común que convoca a la mirada, para acallar nuestras atávicas aspiraciones de trascendencia.

“Hay algo en la naturaleza que nos dice: ven y hazme una foto”, afirmaba el fotógrafo americano Minor White (Minneapolis, 1908- Arlington, 1976) en una entrevista realizada cuatro meses antes de morir. White argumentaba que su relación con la naturaleza era básicamente de sumisión ante su pureza y su irresistible llamada. A lo largo de la historia de la fotografía, tanto la canónica como la amateur, la convicción acerca de la inocencia del paisaje ha reducido la experiencia de lo natural a un común denominador.

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Mayo 27, 2006

Bienal del Whitney: un balance: La llegada del cuervo - VIOLANT PORCEL

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

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Este año la Bienal del Whitney Museum, de Nueva York, presentaba una importante novedad: es la primera vez que se le pone un título, Day for night, y que los comisarios, Chrissie Iles y Philippe Vergne, no son americanos, aunque ambos ejercen desde hace tiempo su profesión en este país. El título es la traducción inglesa de la película La Nuit américane (1973), de François Truffaut, y hace referencia a una técnica cinematográfica que consiste en filmar escenas de ambientación nocturna durante el día a través de un filtro especial. Aunque actualmente la tecnología se ha sofisticado y la de hace un cuarto de siglo ha pasado a ser un material menos utilizado, pues provoca un efecto de sombras muy contrastado e irreal. En cualquier caso, su nombre resulta evocador, habla de la invención deun artificio sustentado por una ficción, una doble simulación que expresa una situación de confusión e incertidumbre, pues el día se muestra inmerso en la penumbra.

La bienal refleja con acierto y coherencia -al menos según sus postulados- la esencia de la América actual y de la sociedad occidental en general, y de las obras se desprende una oscuridad y una angustia que ya empezaba a apuntar en la anterior edición, pero que ahora se radicaliza materializando la irracionalidad, la violencia, la erótica o la religión. Así a lo largo de su recorrido sobresalen varias propuestas de estética punk de tono político y social encendido, como la del veterano Kenneth Anger que ofrece la faceta más dark de Mickey Mouse, aunque también hay algunas piezas que se quedan en el deshecho arbitrariamente dispuesto, sin trascender.

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Mayo 24, 2006

Es sólo una broma - PEIO AGUIRRE

Sobre la Bienal de Berlín. Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

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Si una imagen tuviera que resumir la 4ª Bienal de Berlín ésta no sería una obra de arte sino la fotografía longitudinal de una calle en pleno Mitte: Auguststrasse. La expandida idea de que eventos de este tipo cartografían la ciudad queda superada en un tour de force que no deja de tener su intríngulis. Era el caso de la edición anterior, dirigida por Ute Meta Bauer, donde los mapas y un sentido de la desorientación benjaminiana servían como introducción a la historia de la ciudad. También en esta bienal, comisariada por el artista Maurizio Cattelan junto a Massimiliano Gioni y Ali Subotnick, el historicismo urbano juega un papel destacado. La concentración a lo largo de una sola calle nunca había dado tanto juego en cuanto a lugares expositivos cargados de atmósferas. Un cementerio, una iglesia, apartamentos privados, una escuela abandonada entre otros sitios. A decir verdad, en Berlín cualquier esquina que escojamos al azar portará con orgullo galones de condecorada como heridas de guerra. En el catálogo se narra los comienzos de Kunst Werke, sede central y reputado centro de arte, su nacimiento y también cómo después de la caída del muro los artistas migraron a Mitte, ocupando espacios, dando origen a una potente escena artística.

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Mayo 07, 2006

La historia no se repite - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

A finales de enero 2002 se inauguró el Palais de Tokyo con una Exposición colectiva, ese era precisamente el título, que agrupaba sin un orden o concepto predeterminado a un grupo de artistas internacionales. Cuatro años de programacióndespués, Nicolas Bourriaud y Jérôme Sans se despiden como codirectores del «Site de création contemporaine» con una exposición también colectiva, no internacional sino local y con este tema como concepto, titulada Notre histoire. En medio, han quedado numeras exposiciones y «exposicioncitas» individuales, algunas colectivas de diferente calibre y trascendencia, pero, sobre todo, una forma de entender un centro de arte contemporáneo como un lugar dinámico donde pasan cosas, muchas cosas. El nuevo director, Marc-Olivier Wahler -hasta hace poco responsable del Instituto Suizo en Nueva York- quiere acentuar aún más si cabe este aspecto haciéndolo «más rápido, reactivo y abierto a la improvisación». La velocidad y el movimiento como emblemas de nuestro tiempo. Sin duda, el Palais de Tokyo ha ayudado a cambiar el panorama artístico francés actual, su historia reciente, de una manera decisiva. No sólo por su éxito de público y por la notable influencia internacional que ha ejercido -sin ir más lejos, en nuestro país su huella se ha dejado sentir en el Centro de Arte Santa Mónica (Barcelona), en el MUSAC, de León, o en la Casa Encendida-, sino también por cambiar la imagen -entre pretenciosa y aburrida- que el arte contemporáneo francés presentaba.

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Abril 30, 2006

La rebelión de los profesionales del arte - CATALINA SERRA

Originalmente en ELPAIS.es

La eclosión de museos y centros de arte contemporáneo en España ha sido espectacular en los últimos años, pero muchas veces los políticos consideraban que la inversión en el edificio era suficiente para conseguir el rédito publicitario de situar la localidad en el mapa o darse la pátina de modernidad exigida y descuidaban el programa cultural y artístico que debían desarrollar estos espacios. Esto se ha traducido en presupuestos escasos, en patronatos más políticos que técnicos y en la intromisión partidista en el trabajo de los profesionales. Pero ha comenzado la rebelión pacífica del sector, que reclama desde sus distintas responsabilidades que se respete su labor y se valore su función social.

En los últimos meses, han pasado cosas sorprendentes en el sector del arte contemporáneo en España.

Por ejemplo, que galeristas, críticos, artistas y directores de museos, además del recién creado Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), han coincidido en denunciar, a través de comunicados públicos unitarios o realizados por las respectivas asociaciones por separado, distintos casos de intervenciones políticas en la gestión de los museos de arte contemporáneo. Casos como el del Museo Patio Herreriano de Valladolid, que ha visto cómo dimitía el comité asesor porque los políticos han impuesto la programación en este centro de arte contemporáneo de una exposición sobre Cristóbal Colón; el del Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, cuya directora dimitió por falta de autonomía; o el del Centro Galego de Arte Contemporánea, que vio cómo el cambio político en el Gobierno autónomo provocaba el posterior cese del director del museo.

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Abril 29, 2006

Del cuadro a la pantalla - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

La introducción del vídeo y del cine de exposición en los museos y galerías de arte provocó un cambio importante en dos espacios tradicionales de exhibición: el museístico y el cinematográfico. El híbrido resultante entre el cubo blanco y la caja negra ha sido bien estudiado por Chrissie Iles, que ha resaltado que «el espacio oscurecido de la galería invita a la participación». Realmente, el vídeo y el cine de exposición han posibilitado la apertura de un abanico en cuanto a la exhibición y comunicación de la imagen en movimiento, permitiendo no sólo el ensayo visual en el espacio, sino también su distribución por otros canales y la posibilidad de la ubicuidad. Hoy experimentamos el cine y el vídeo de forma radicalmente diferente a como se hacía en el pasado.

Dos muestras, con soluciones de exhibición diferentes, han coincidido en el tiempo -que no en el espacio- sobre la producción audiovisual actual de artistas de China (una tercera, en la Haus der Kulturen der Welt, que aúna fotografía y vídeo chino, no merece aquí ser considerada por el fracaso de su montaje, algo habitual en este centro berlinés). La primera, a punto de concluir en el P.S.1 de Nueva York, adopta la fórmula de exposición siguiendo quizás esa definición de Iles en la que «las proyecciones y pantallas de vídeo se presentan viajando por las paredes de la galería». En The Thirteen: Chinese Video Now, el visitante puede hacer un recorrido visual por sus paredes o peanas con monitores a su gusto, con las paradas y el detenimiento que estime oportuno.

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Los vaivenes de la utopía - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

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Como bien recuerda Mijail Shwidkoi en uno de los textos del voluminoso catálogo de la también apabullante exposición ¡Rusia!, que ofrece ahora el museo Guggenheim, en Los hermanos Karamazov, Dostoievski hace que el monje Zosima, personaje con entidad casi mística, inste a Aliosha, el hermano más joven, a que vuelva al mundo, no porque éste no esté preparado para la vida monástica, sino porque es de la creencia de que la vida rusa debe ser «santificada por algunas personas espirituales que doten de armonía a su pecaminosa realidad».

Mucho se ha escrito del alma rusa, de su esencia y significado. Precisamente, lo que consigue esta ambiciosa muestra -que recala en Bilbao, ampliada, después de su paso y, dicen, su éxito de crítica y público en Nueva York- es recorrer ochocientos años de la Historia y el arte de este gigante en un transitar en el que la personalidad de la nación se construye y se consolida a través de un sentido utópico del futuro y una concepción casi mesiánica de su papel en el mundo: «Fue con esta actitud -concluye Shwidkoi- con la que Andrei Rublev creó sus iconos y con la que los artistas de la vanguardia cambiaron el concepto de la relación entre los mundos visible e invisible a principios del siglo XX».

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Vídeo Chino, tras la tormenta de arena - Fernando Castro Florez

Originalmente en abc.es

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El Imperio se ha visto «obligado». a montar, desde la Gran Demolición, una estrategia sistemática de culpabilización o, en otros términos, una ofensiva contra todo lo que socava nuestra sacrosanta seguridad. Sean los terroristas víricos que están, literalmente, en la puerta de al lado o las multitudes diferentes e incansables que lo inundan todo con productos «copiados», sean los fundamentalistas o los virus mortíferos de toda clase, lo que hay que aceptar sin rechistar, es que fuera de las fronteras del capitalismo central lo que existe es (casi)satánico. De Oriente ya no llegan las especias ni la serenidad milenaria, lo que nos aplasta, como un tsunami, es la idea absoluta del Mercado. Resulta que aquel comunismo abismal, la Larga Marcha ha llevado de vuelta al Edén de la mercancía dineraria. Los chinos han dejado de sorprendernos o parecernos, en nuestra cerrazón etnocéntica, como «todos iguales» para revelarse como exponente del capitalismo voraz o de un modelo económico y social enrarecido pero, en cualquier caso, sometido a un crecimiento vertiginoso. Aunque la propia política china desearía una lenta desaceleración de su economía, lo cierto es que allí todo crece, desde la inversión extranjera al PIB o a los rascacielos que florecen de la noche a la mañana. Una ciudad como Shanghai ha sido sometida a cambios espectaculares, un polo tan magnético como ese que interviene en el tren más rápido del mundo que conecta la metrópolis ultra-futurista con el aeropuerto. Con todo, análisis recientes de la situación económica y social china revelan aspectos conflictivos inmanentes: desde la falta de técnicos y obreros especializados acordes con la mutación contemporánea hasta la pirámide poblacional invertida como resultado de la política de un hijo por familia.

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Abril 08, 2006

Lo que el viento aún no se ha llevado - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

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Estaba contemplando unos tulipanes danzarines cuando escuché con mi habitual tendencia cotilla un comentario: «Esto es alucinante». Mi mujer hojeaba días después el catálogo de Jennifer Steinkamp en casa y, como si no me conociera, me dijo: «¡No se te ocurrirá poner mal esto!». Si se me apura, ya está todo dicho: entre el hipnotismo y lo demasiado bonito queda la cosa. Había visto en los últimos años, en la galería Lehmann Maupin, de Nueva York, trabajos de esta creadora, y, en una de las ocasiones, un artista me «colocó» una advertencia que tenía algo de inmensa preocupación: «Ándate con cuidado que esta "historia" se va a llevar».

Efectivamente, la deriva del arte contemporáneo ha llevado hacia lo ornamental; incluso lo cursi ha sido rehabilitado con todos los honores. Una época de conflictos descomunales (vale decir: que deshacen toda comunidad) se complace con las modalidades del arte que oscila ente el panfleto perogrullesco o la canción de cuna de una belleza que quiere, literalmente, venderse como panacea para todos los males. No me atrevo a decir lo que pienso más que de la mano de Nietzsche, esto es, acompañando en la distancia al crítico radical del Romanticismo para el que la estética tiene que ir en contra de quienes no son capaces de reconocer en el arte nada más que un accesorio divertido, un tintineo de cascabeles demasiado fútil para la seriedad de la existencia.

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Marzo 18, 2006

Simulacro en el Whitney - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

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Poco crédito parece quedarle a una bienal -o al arte, en general- para tener que echar mano del cine y de uno de sus más soberbios creadores a la hora de acomodar sus argumentos y su presunta capacidad transgresora. El título de uno de los trabajos más deslumbrantes de François Truffaut, amalgama de sensatez y desmesura, ha sido objeto de "apropiación" debida por la Bienal del Whitney 2006, referente actual del efecto perturbador, confuso, híbrido, siniestro, obsesivo, religioso y cínico del arte actual. Se trata de Day for night (La noche americana, 1973), una película que, entre algunas particularidades formales, destacó por haber sido rodada a la luz del día con filtros especiales para simular escenas nocturnas. Es la primera vez que, desde su puesta en marcha, en 1932, la bienal del Whitney adopta un título; y éste ha resultado ser tan fascinante para sus comisarios, Chrissie Iles y Philippe Vergne, que en su interés por descubrir el complejo artificio de la cultura americana -ambos son europeos, aunque han desarrollado gran parte de su carrera en Estados Unidos- han acabado desbordados por la seductora personalidad de Truffaut, de manera que, una vez visitada la bienal, acabamos valorando antes el legado del cineasta francés que las representaciones, entre imposibles e hiperreales, del evento.

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Marzo 02, 2006

Una entrevista a Gayatri Spivak: "Ser socialista sin ser marxista es una quimera"

Originalmente en CULTURA|s de LA VANGUARDIA

Usted se ha definido como socialista y marxista, además de feminista y deconstructivista. Esto me lleva a preguntarle sobre la ortodoxia de su marxismo. ¿Está de acuerdo con Derrida cuando en ´Espectros de Marx´ habla de un marxismo que es, a la vez, indispensable y estructuralmente insuficiente?

Por supuesto, yo he aprendido muchísimo del libro de Derrida sobre Marx, pero mi aproximación al marxismo es diferente. Él afirma que ha llegado el momento de releer a Marxen el contexto europeo. Da la casualidad de que mi país no es europeo. Mi perspectiva es, en primer lugar, global. En segundo lugar, asiática. En tercer lugar, bengalí, porque el marxismo bengalí es el de la Segunda Internacional. Como sabe, la historia de Bangladesh desde su independencia en 1971 ha estado jalonada por la presencia en el parlamento de una enorme cantidad de partidos políticos en medio de una situación muchas veces caótica. En este sentido me gusta la idea estadounidense de tener sólo dos partidos políticos capitalistas (risas), siendo uno la copia del otro, es una manera de clarificar las cosas (más risas). Mi país es, por tanto, muy distinto del de Derrida.

En Bangladesh el Partido Comunista ha llegado a tener mucho poder, y durante mucho tiempo yo he pertenecido a un grupo que se encuentra a la izquierda de la izquierda, crítico con la izquierda debido a que si entras en el sistema parlamentario, en la dinámica de los partidos que tienen el poder, estás ciego a determinados compromisos sociales que son los que a mí me interesan. Por tanto, mi posición no puede ser la de Derrida. Finalmente, mi posición se encuentra marcada por el hecho de que en Estados Unidos no existe la izquierda organizada en términos políticos, ni siquiera en el mundo académico, lo cual también me aleja de la situación europea.

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Spivak o el mundo subalterno - MANUEL ASENSI

Originalmente en CULTURA|S de LA VANGUARDIA

Para Gayatri Chakravorty Spivak (Calcuta, 1942), romper las reglas es una obligación ética. Cuando era todavía una niña en su país natal se sintió fascinada por la forma en que un grupo de teatro conocido como Indian People´s Theatre Association empleaba la escena como lucha política contra el imperialismo británico. Y se sintió fascinada porque allí aprendió que la estetización del arte, defendida por los británicos, es cómplice del fascismo. Walter Benjamin lo sabía, y Spivak también lo supo a través de su experiencia infantil. Si, además, se pasa una hambruna, si ves cómo unas jóvenes hindúes se arrojan, siguiendo un antiguo rito, a la pira funeraria en la que está ardiendo el cadáver del marido, si contemplas a esas personas que pasan en silencio fantasmagórico por el mundo y mueren no dejando tras de sí más que la falta de oportunidades, un rostro demacrado y deprimido, entonces se comprende que Spivak estaba lista para revisar el concepto de explotación. Desde entonces, desde la época de sus estudios preuniversitarios y universitarios en la India, los escritos de Marx se convirtieron en sus compañeros de viaje. Spivak piensa la explotación a través y más allá de Marx. De la tesis leninista según la cual el imperialismo fue el último estadio del capitalismo se llega sin demasiada dificultad a la conclusión de que el grupo de los explotados reviste tal heterogeneidad que es necesario volver a pensarlo. Porque ¿cómo poner en la misma balanza a un proletario francés, blanco, hombre, perteneciente a un sindicato, y a una colonizada hindú, de piel oscura, mujer o equis, analfabeta y sirviente del sirviente? El primero es un explotado, la segunda es una subalterna. La palabra la aprendió de Antonio Gramsci.

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Febrero 23, 2006

Las multilecturas y las multiperspectivas en ARCO - Mariano Barona

Lllegué a la XXV edición de ARCO buscando respuestas. Al cabo de cuatro días de conferencias, paneles y reflexiones me encontré con más dudas que al principio. Sin embargo, estaría lejos de considerar eso una tragedia. Pensaría mejor, junto a García Canclini, que inició brillantemente la sesión del sábado, "si no conocemos las respuestas, iniciemos por plantearnos las preguntas"

El menú de conferencias de ARCO era rico y variado. una vez hecha mi selección, me inicié el viernes con dos paneles sobre "mapas asiaticos" organizados por Casa Asia, el sábado me centré en el curso "geopolíticas de la imagen en la era del conocimiento" regresé a los mercados periféricos el domingo con "entre olvidar y alcanzar, nuevas (im)posibilidades en la Europa del Este” para cerrar el lunes con paneles sobre “propiedad intelectual y nuevos escenarios tecnológicos”, y “estudios de comisariado”

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Enero 29, 2006

RETORNO A LA UTOPÍA: PROPUESTA ARTÍSTICA EN LUGAR DE ARTE - Elvia Rosa Castro

La escena de la joven anegada en llanto, mirando los lienzos de Fidelio Ponce en el filme Madagascar, ya tiene más de cien años. Y esta afirmación, en términos de sensibilidad, equivale a decir que no es una escena contemporánea.

Pero no se trata de enjuiciar la obra de Fernando Pérez, a quien debemos los mejores momentos de la gran pantalla cubana, nada de eso. Me estoy refiriendo a lo representado: una joven con cierta propensión a lo “artístico” llora consternada frente a las conocidas obras de nuestro Ponce.

Este planteamiento es tajante pero no el primero que existe. Luego de haber escrito las primeras líneas del presente texto, por esas lógicas asociaciones y búsquedas de referencias teóricas, me re-encuentro con el texto de Arthur C. Danto El final del arte, ensayo escrito en 1995. El teórico del arte comenzó afirmando: “El arte ha muerto. Sus movimientos actuales no reflejan la menor vitalidad; ni siquiera muestran las agónicas convulsiones que preceden a la muerte; no son más que las mecánicas acciones reflejas de un cadáver sometido a una fuerza galvánica.”

(este artículo está originalmente redactado con formato hipertextual. si deseas leerlo en ese formato, sigue este enlace)

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En busca del humor perdido: la tragicomedia del arte contemporáneo - Gerardo Verdecia Vilier

La imagen del arte contemporáneo que nos ha dejado el fenómeno de la posmodernidad es la de un arte dedicado a la crítica y la deconstrucción de todo lo que es y ha sido en la tradición. Deconstrucción que ha asumido diversas formas y que ha echado mano a diferentes recursos, siendo la ironía, la parodia y el pastiche de los más extendidos. Dependiendo de la idea que uno se haga de lo que es el humor, el arte contemporáneo podría verse lo mismo como un arte humorista que como un arte ajeno al humor. Yves Cousset, en una conferencia dictada en la Chapelle des Ursules, en Angers (25 de mayo de 2000), con el título “Le Musée, entre ironie et communication. A propos des estrategies d´ exposition de l´art contemporain” plantea un par de preguntas sobre el asunto y las deja sin responder como si fueran retóricas: “¿la risa, como manera de apreciar una obra, es una emoción estética? Y la segunda: ¿las obras que procuran la risa o el placer lúdico, no son Arte de cualidad?” Las respuestas a preguntas como estas suponen, en mi opinión, abandonar el registro de la ironía y entrar en el del humor. Implican, en otras palabras, la elaboración del humor como una categoría estética diferenciada de, aunque evidentemente relacionada con la ironía y con otros recursos de representación cercanos. Pero lo que haré aquí será más modesto que eso. Sólo intentaré breves notas, no sistemáticas, sobre el desplazamiento del humor en el arte contemporáneo.
Predominio de la ironía en el arte contemporáneo

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Enero 28, 2006

La jerga de la crítica - Miguel Cerceda

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural :

Ahora que Rosa Montero ha acusado a toda la crítica de arte en general de «parloteo incomprensible, jerga rimbombante y jerigonza por el estilo» (El País, 17/01/2006), a propósito de un comunicado no demasiado afortunado del Consejo de Críticos de Artes Visuales, parece que los críticos, y en particular los que nos ocupamos de arte contemporáneo, deberíamos como réplica hacer simplemente un esfuerzo de estilo, para que nuestro lenguaje se volviese más asequible al público en general y menos críptico. Pienso en estas cosas cuando me enfrento a la tarea de poner por escrito lo que he sentido y percibido al contemplar la doble exposición del escultor Fernando Sinaga en el Domus Artium de Salamanca y en la galería Adora Calvo de la misma ciudad.

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Golpes de efecto - Por Laura Revuelta.

Originalmente en abc.es

El gran mundo del arte, aquí y allende las fronteras, siempre se ha entretenido discutiendo ?discutir, al cabo, es lo que da razón de vida a casi todo?. Por ejemplo, si nos ponemos localistas y si encima nos miramos el ombligo con una inclinación casi en ángulo recto, descubrimos ahora que la crítica del arte está pendiente de cómo una conocida articulista escribió hace unos días en su columna habitual que esto del arte contemporáneo es una birria y los críticos, más o menos, crípticos egiptólogos que además defienden desde su oscurantismo conceptual obras en las que se maltratan animales. Como vivimos en el mundo y en el reino de la simplicidad absoluta, la firme quien la firme y desde donde la firme, con conocimiento o no de causa y efecto, también podemos coger al aire esa otra discutible teoría de que vuelve la pintura, aquella que se denostó tanto. Asunto acuñado a la vera del señor Saatchi a quien desprecian los más puristas, pero que en una cínica pirueta se pone del lado de su peor enemigo y su peor enemigo ya no sabemos dónde se va colocar y sus amigos, ya no digamos, a la espera de que cambien las tornas. Para que vean que con tal de discutir se pueden decir y desdecir las más peregrinas cosas, y todo ello siempre bajo el signo de un nada oculto deseo de revanchismo.

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Enero 21, 2006

ENTREVISTA: Pedro G. Romero - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

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Pedro G. Romero (Aracena, 1964) es el artista ejemplar de este periodo artístico porque, sin estar ausente del mercado y de las instituciones, ha sido capaz de intuir una manera diferente de ver en perspectiva la historia, la tradición, dotar su trabajo de un marco distinto y autónomo en el que moverse. Tocado del "mal de archivo", lleva más de diez años haciendo "catas arqueológicas" para engrasar su "máquina", el Archivo FX, un proyecto comunitario cuya base es un conjunto de imágenes de la iconoclastia en España, entre 1845 y 1945. El proyecto se amplía ahora con otro experimento, La ciudad vacía, a partir del próximo jueves en la Fundación Tàpies, "un espacio", explica, "que define el triunfo absoluto del proyecto moderno que deja fuera al hombre". Donde más claramente se nos presenta esta polis despolitizada es en las afueras, Badía del Vallés, o Ciudad Badía, la ciudad más joven del Estado español. "El caso de estudio no tenía que ser un centro histórico, hoy pasto del turismo, ni los nuevos arrabales posmodernos, sino esas barriadas donde todavía se pueden encontrar los problemas de la ciudad moderna, como ha pasado recientemente en Francia. Esos espacios que adoptan una vida de barrio más comunitaria son también los focos más conflictivos y que políticamente tienen más fuerza, en el sentido de que cuando se mueven, se mueve la ciudad entera".

"La exposición", aclara Pedro G. Romero, "es portátil, el andamiaje de toda la ciudad funciona a la contra de un teatro de la memoria, así que lo que pone en juego más bien es un arte del olvido frente a una totalizadora ars mnemónica".

PREGUNTA. En el catálogo de la exposición que el Macba hizo de la obra de Tàpies, en 2004, usted decía que, frente a su obra, tiene una "sensación persistente de autorreferencia, hasta cierto punto mitómana", lo que hace que se pregunte, "¿qué hago yo aquí?". ¿Se lo cuestiona todavía?

RESPUESTA. Gran parte de mi trabajo ha tenido que ver con la institución, porque para mí los movimientos sociales son una institución tanto como pueden serlo "la Caixa" o el Ayuntamiento. Existe un marco de trabajo, como cuando trabajas con una técnica, la acuarela o el óleo. En este caso la institución está marcada por Tàpies, pero también por la trayectoria de la fundación. En el Archivo FX, Tàpies aparece en muchas entradas. La cruz -y nunca mejor dicho- del trabajo de Tàpies toca el terreno de lo sagrado y la profanación de lo sagrado. No tengo problema en rozarme con el establishment e intentar hacer ese trabajo de transformación. La institución Arte, que para mí es ese triángulo perverso, estudio-galería-mercado, hace tiempo que lo abandoné. Si tuviera que darle a la institución el nombre de un santo, le daría el de Antoni Tàpies.

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Diciembre 03, 2005

Homilía de adviento - LUIS FERNÁNDEZ-GALIANO

Originalmente en Babelia

En la arquitectura de las celebridades hay más vinagre que vino. Tomando prestadas las metáforas evangélicas de Ratzinger ante el sínodo, la ciudad europea es una viña devastada por jabalíes, una construcción cultivada y paulatina arrasada por fuerzas económicas y mediáticas que han impuesto su apetito animal a la lentitud vegetal de la continuidad urbana, suministrando el brillo compensatorio de las arquitecturas de autor como placebos de orientación e identidad en el territorio mutante de la globalización. Pero la proliferación de estos hitos o iconos erosiona su ficción curativa, y la sonoridad publicitaria de sus trinos se apaga en el estrépito de los tiempos, disolviendo en humo y espejos su promesse de bonheur. Deploraba Ortega que los debates parlamentarios de su época se produjeran entre jabalíes y tenores, y es probable que nuestros diálogos urbanos se formulen también entre el dinero que embiste y los artistas que cantan, por más que el vino de su voz, devenido vinagre, haya dejado de emborracharnos. Regresando a la teología enológica benedictina, las arquitecturas simbólicas se elaboran hoy con uvas selváticas, tras el paso por la viña de los cerdos salvajes, y su consumo produce más resaca que euforia.

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Noviembre 27, 2005

La foto española de ayer y hoy -DNI imprescindible - Javier Diaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

El de ParisPhoto hacia España ha sido un regalo «envenenado», aunque, regalo al fin y al cabo. Y es que no podemos olvidar que esta cita no deja de ser una feria -cuyos intereses son comerciales, lejos de los de la promoción artística de bienales u otros eventos-, centrada en una técnica muy concreta (ya PHotoEspaña, que no es feria, sino festival, se dio cuenta de los riesgos del encorsetamiento, y expandió sus tentáculos al cine y el vídeo) y con unos comparecientes y un público muy determinado (no se esperaba encontrar allí ni a los grandes nombres de la foto internacional, ni a las más destacadas galerías del mundo. Es más, difícil resulta que las galerías presentes no se salgan del «área de influencia» de Francia en Europa). Sin embargo -no lo negamos- es un escaparate válido y pertinente para la nación invitada, que contaba con una cifra de partida de 40.000 visitantes potenciales, que, seguramente se ha superado con facilidad.

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Noviembre 19, 2005

Anuncios , necrológicas y perplejidades artísticas - Fernando Castro Flórez

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural

El 27 de agosto de 1978, publica Ernesto Giménez Caballero, en ABC, el texto Tarde en Cuelgamuros, en el que recuerda cómo se había acercado al Valle de los Caídos, donde le pidió al abad que le permitiera profesar allí como el último de sus fraticelos, pues quería estar cerca de las tumbas de tan legendarios muertos, «como humilde evangelista y doctrinario que fui suyo»; ahí no quedaba la cosa, porque el visionario que pretendió catolizar el nazismo casando a Pilar Primo de Rivera con el Führer, deseaba recibir sepultura en lo que calificó como «hipogeo carpetano». El inspector de alcantarillas, el «memorioso» dictador que mezcló, a su manera, casticismo y vanguardia, tenía claro, aún en sus delirios, que, a esas alturas, lo que se cernía sobre España era el Apocalipsis, y solo podía confiar en que los combatientes regresaran ?espectralmente, todo hay que decirlo? sobre caballos blancos para separar las siete cabezas del dragón, o que bien un ángel levantara en alto «la nación redimida». El tiempo no jugaba en ningún sentido a favor de este incorrecto. La amnesia, el pacto y la mitologización de la transición habían generado contundentes efectos.

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Nada pasa y todo acaba - MERY CUESTA

LA VANGUARDIA DIGITAL - Nada pasa y todo acaba

David Bestué y Blanca Casas Brullet son los dos jóvenes artistas que cierran el ciclo Nada/ Algo pasa en la Sala Montcada. El ciclo acaba y habrá que hacer balance. Su leitmotiv ha remitido a cuestiones como la espera, la duda y la recreación de mundos suspendidos e inquietantes. Esta insistencia en la ambigüedad y los paréntesis espacio-temporales es, además del territorio común de trabajo de los 6 artistas participantes, un tema de enorme aceptación y cultivo exhaustivo en las expresiones artísticas contemporáneas, porque apelan directamente a la subjetividad del espectador (como dice Casas Brullet, "dejo espacio para que el espectador llene el vacío de la narración"). Y es que es muy sencillo cargarle el muerto de la lectura y contenido de la obra al propio espectador y sus vivencias. Reconozcamos pues que la poética de la inconcrección, el no-lugar, etc. es un naipe bastante sobado en una partida poco arriesgada, aunque sí es cierto que los integrantes de Nada/ Algo pasa no lo han jugado mal. Los comisarios de la temporada, Martí Manen y Fabienne Fulchéri, se muestran optimistas tras la experiencia: "El ciclo ha dado visibilidad a artistas de aquí que han trabajado en condiciones dignas y con un buen presupuesto de producción - declara Manen-. Estamos contentos de haber podido trabajar sin un condicionante excesivamente resultadista".

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Octubre 28, 2005

Cómo seleccionar un director de museo - Elena VOZMEDIANO

Originalmente publicado en EL CULTURAL DE EL MUNDO

Son cada vez más notorios y polémicos los despidos y nombramientos de directores de nuestros museos de titularidad estatal. Claro está que viven del erario público, pero eso no debería excluir a la sociedad civil de su gestión y dirección. Se trata aquí de analizar las formas de elegir a director y patronos de estos centros, de señalar posibles modelos (nuestros vecinos pueden enseñarnos) y, sobre todo, de hacer una llamada a los agentes culturales para que, entre todos, exijamos el fin de un intervencionismo inadmisible.

El Museo Nacional de Arte de Cataluña, tras la reciente dimisión de su director, Eduard Carbonell, ha anunciado que cubrirá la plaza mediante convocatoria pública e internacional. Han avanzado a El Cultural que una comisión de directores y exdirectores de museos examinará a los aspirantes (que superen los lógicos requisitos) para proponer al patronato del MNAC un candidato idóneo. Tal proceso es habitual en países de largo rodaje museístico, como Gran Bretaña, Estados Unidos o Alemania; en España supone tal rareza que el presidente del patronato del MNAC ha tenido que advertir que, con su iniciativa, no pretenden dar lecciones a ninguna otra institución cultural. Pero estarán demostrando que es posible hacer las cosas como es debido, en lugar de la acostumbrada imposición de un director por parte del ministro o consejero de cultura de turno. Es bien sabido que, en España, cada nuevo gobierno, central o autonómico, renueva por sistema todos o casi todos los directores de instituciones culturales, sea cual sea su objeto: artes plásticas, teatro, música, literatura... Son nombramientos que se hacen con precipitación, en sólo unas semanas, y que se dictan sin la menor consideración hacia los patronatos que supuestamente las gobiernan, sin dar opción a una elección abierta y sin consultar a los representantes legítimos en cada campo. Que esto sea la norma no significa que debamos aceptarlo. Que sea legal no significa que sea democrático, y conduce en ocasiones a verdaderos desastres.

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Octubre 22, 2005

"Si los museos no compiten con el ocio, tienen los días contados". ENTREVISTA: Richard Gluckman - ANATXU ZABALBEASCOA

Originalmente publicado en Babelia


"Un museo debe mantener su rol pedagógico, como instrumento para la educación del pueblo. De ahí la importancia de las bibliotecas, las cafeterías y las tiendas"

Entre todos los arquitectos reunidos por el Grupo Silken para diseñar su hotel Puerta América, Richard Gluckman (Buffalo, 1948) es, seguramente, el más discreto. Y, probablemente, el más escondidamente cosmopolita. Ha levantado museos en Tokio, Pittsburgh, Málaga -por el que le acaban de otorgar un premio del American Institute of Architects-, Nueva York o Santa Fe. Su arquitectura convive con las obras de Warhol, Georgia O'Keeffe, Marcel Breuer o Picasso. Tal vez por eso, ha encontrado en la sutileza la clave para firmar museos y tiendas de artistas que hablaron en voz alta.

PREGUNTA. ¿Qué ha aprendido trabajando con artistas?

RESPUESTA. Su habilidad para transformar el espacio creando un reto, una tensión, entre la escultura, el espacio y el espectador. Un objeto puede transformar un espacio. Cuando no trabajamos con artistas ni con piezas escultóricas (por ejemplo, en una tienda de moda) usamos ese conocimiento mediador que nos da la escala del lugar.

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"Los museos se están convirtiendo en simples negocios". ENTREVISTA: Lisa Dennison - ÁNGELA MOLINA

Originalmente publicada en Babelia

Sobre la despejada mesa de madera llama la atención un enorme abrecartas. Parece un estilete para picar bloques de hielo. La nueva directora del Solomon R. Guggenheim, Lisa Dennison -puro instinto-, espera las preguntas mientras le pide al fotógrafo de Babelia que retire del objetivo de su cámara un accidental ejemplar del Wall Street Journal, "no vayan a pensar que estoy suscrita". Tras 27 años en la fundación, la fidelidad de Dennison , de 52, se ha visto finalmente recompensada. Desde principios de los años noventa, ha sido la persona de confianza de Thomas Krens, como subdirectora y conservadora jefa del Museo de Manhattan. Ahora, su nombramiento como máxima responsable del centro matriz se presenta como una manera de configurar un staff homologable en todos los museos de la firma.

Dos horas antes de la entrevista, Krens y Dennison presentaban en el Guggenheim neoyorquino la nueva temporada de exposiciones de la firma. David Smith, Pollock, Zaha Hadid y La pintura española, de El Greco a Picasso serán los faros que alumbrarán el histórico museo de la Quinta Avenida, mientras Chillida, Beckmann, Kiefer y Koons/Canova lo harán en Bilbao, después de acoger la exposición ¡Rusia!, el próximo abril, que estos días en Nueva York aparece como el fenómeno artístico del otoño: un mes después de su inauguración, el edificio de Frank Lloyd Wright ya ha recibido la visita de 100.000 personas, por el nada módico precio de 18 dólares (tres más que la entrada estándar), que ayudarán a pagar los cuatro millones que ha costado la exhibición. Los cinco museos Guggenheim reciben más de 2,5 millones de visitantes al año.

PREGUNTA. Tras su nombramiento, declaró que "su Guggenheim" iba a ser "diferente". ¿En qué sentido y qué supone su ascenso?

RESPUESTA. Tom y yo compartimos los mismos valores, pero tenemos un estilo diferente y a eso me refería. Mi intención es no hacer más exposiciones como curator, al menos de momento. Tom se hará cargo de la dirección ejecutiva de la fundación, es decir, los valores institucionales, la red de museos, las posibilidades de expansión, la arquitectura. Me concierne la responsabilidad específica para la institución de Nueva York. Mi trabajo será con la colección, la organización de exposiciones, la educación y las ayudas a artistas, que son los valores propios del museo. Dirigir el Guggenheim es lo más apasionante del mundo.

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Octubre 09, 2005

Churras y merinas - Miguel Cereceda

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural

Ahora que ya nadie hace salones de otoño en los que revisar lo mejor de la temporada, el BBVA nos propone una convocatoria bianual, para presentar un panorama del arte español contemporáneo. Pero, mientras que antes se trataba solamente de hacer una revisión de la temporada, y por tanto no había en realidad más que escoger de entre lo mejor que se había visto durante el año, la propuesta BBVA Contemporáneos es algo diferente, pues no ambiciona en principio objetividad alguna, sino más bien todo lo contrario. Explícitamente, se pretende «invitar a distintos comisarios a que articulen y presenten al público su visión personal del panorama de la creación contemporánea en nuestro país», lo que por un lado redime al crítico de cualquier exigencia de objetividad, pero por otro le convierte en la estrella.

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Octubre 06, 2005

Examinando la educación - FERNANDO HERNÁNDEZ

Originalmente publicado en CULTURA | S

Comienza un curso escolar con reforma (LOE) de la reforma (LOCE) de la reforma (LOGSE). Pero mientras las reformas se suceden, el relato fundacional de la escuela no cambia. El mundo, los sujetos, las relaciones, las representaciones, los valores se transforman, pero la narrativa de la escuela permanece inmutable. De este modo, las reformas no son más que parches ante lo urgente. Una reacción ante la alarma social del momento desencadenada por los resultados del informe Pisa, los suspensos de los alumnos o el desánimo del profesorado. Pero esas reformas olvidan lo esencial. El relato en el que se basa la escuela como proyecto de ciudadanía favorecido por el Estado se ha quebrado con la lógica de la mercantilización. La educación se ha transformado en un servicio que puede ser vendido y comprado. Así lo recomienda la Organización Mundial del Comercio. Por eso, en este comienzo de curso parece imprescindible reflexionar sobre las narrativas y los dioses salvadores de los que escribió Postman en El fin de la educación escolar.

Las narrativas son formas de establecer cómo ha de ser pensada y vivida la experiencia. Una de muy poderosa en el terreno escolar es la que tiende a la naturalización: "Las cosas son como son y no pueden ser pensadas de otra manera". Así, uno se encuentra que la única forma de agrupar a los alumnos es por edades; un solo profesor para cada grupo; los libros de texto son la fuente prioritaria de aprendizaje; el espacio del aula ha de ser cerrado para facilitar el control del grupo; los exámenes dan cuenta de lo que los alumnos han aprendido; las asignaturas son la mejor forma de organizar lo que se ha de enseñar; los horarios (como una parrilla de televisión) son la única manera de organizar el tiempo escolar; la ejercitación es la mejor forma de aprendizaje; los alumnos son unos indolentes y no tienen interés por nada; hay que separar a los mejores del resto; los profesores son unas víctimas sufrientes, desamparadas y sin reconocimiento de su labor; las familias no se responsabilizan de la educación de sus hijos; la escuela ha de preparar para el mañana; su función es que los sujetos se conviertan en alumnos. Una lista que, por cierto, comenzó a configurarse en el siglo XVI y se mantiene casi intacta. A pesar de la que nos está cayendo.

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Octubre 02, 2005

ESTUDIO: El papel de la comunicación en la gestión de espacios culturales © Redacción Dosdoce

Reenviamos este estudio que nos han remitido desde la revista Dosdoce

ESTUDIO: El papel de la comunicación en la gestión de espacios culturales

El despegue económico de España desde los años ochenta no puede entenderse sin analizar el papel que está jugando la industria cultural en el desarrollo social y cultural de nuestro país. Los gobiernos centrales y autonómicos, los ayuntamientos y las empresas se han dado cuenta de que la cultura vende, crea miles de puestos de trabajo y atrae importantes ingresos turísticos. En este contexto no es de extrañar la fuerte apuesta realizada por las principales ciudades españolas por crear una amplia y permanente oferta cultural a través de la apertura de museos de arte contemporáneo, centros culturales, fundaciones, etc.

Hasta hace unas décadas, la cultura era una exquisitez apreciada por unos pocos privilegiados, mientras que hoy en día la cultura de la toda la vida, junto con la de masas, constituyen una de las principales industrias de la economía mundial; el 11% del PIB mundial se genera a través de actividades culturales. No cabe la menor duda de que esta evolución cultural es positiva, pero varios expertos opinan que la oferta cultural que se está ofreciendo en muchos de estos nuevos espacios culturales es poco arriesgada, con planteamientos y enfoques muy clónicos.

En principio, este proceso de democratización de la cultura no es malo si se logra mantener unos niveles de calidad y diversidad en contenidos. Varios expertos han opinado que cualquier inversión en cultura realizada en nuestras ciudades es mínima si se le compara con otros campos. "La gente se sigue sorprendiendo cuando se inauguran centros y museos por que en el fondo se tiene la idea de que no es un dinero práctico, cuando realmente es todo lo contrario". Pero esta nueva industria cultural necesita clientes que consuman "productos culturales"; por ello, otros expertos consultados han opinando que el criterio que impera es el que se ofrezcan contenidos conocidos, fáciles de asimilar, poco controvertidos, mientras que la búsqueda del conocimiento por el conocimiento casi no existe.

La mayoría de estos nuevos espacios culturales no tienen autonomía económica, y por tanto dependen de la generosidad de los presupuestos anuales de los diversos gobiernos autonómicos, diputaciones o ayuntamientos a la hora de elaborar su programación de contenidos. Esta dependencia político-económica les deja muchas veces con las manos atadas para hacer un espacio cultural más vivo, más dialogante con su tiempo y más integrado con la realidad social de sus respectivas ciudades.

Todos los que forman parte de esta nueva industria cultural ( los gestores de estos nuevos museos de arte, los directores de suplementos y revistas culturales, los galeristas y coleccionistas institucionales y privados, los comisarios de exposiciones, etc.) deberían asumir una mayor responsabilidad sobre la oferta que ponen en el mercado. Con la excusa de que el consumidor tiene la última palabra y, por tanto, tienen que ofrecer de todo porque el mercado es el mercado, pocos "se mojan". En este contexto, varios expertos opinan que pocos museos y centros de arte están verdaderamente esforzándose en educar e incrementar el nivel de criterio del público. Parece como si no quisiéramos tener consumidores de cultura con capacidad de sentido crítico, con más gusto y con más criterio.

PRINCIPALES CONCLUSIONES DEL ESTUDIO

A lo largo de los últimos 15 años se ha creado una nueva estructura cultural que necesita nuevos enfoques de gestión, comunicación y acercamiento a sus públicos. Con el fin de analizar cómo afectan a los museos tradicionales y nuevos centros de arte contemporáneo los cambios que se están introduciendo en las estrategias de comunicación culturales, hemos preguntado a los gestores responsables de las principales entidades culturales del país su opinión sobre el papel de la prensa y los críticos de arte, así como los elementos centrales de sus políticas de comunicación.

A continuación os detallamos las principales conclusiones que hemos elaborado una vez leídas y analizadas todas las respuestas aportadas por cada una de las instituciones que han colaborado con la revista Dosdoce.

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Septiembre 24, 2005

Lo que nos dan a ver - CARLES GUERRA

Reenviamos este artículo de Carles Guerra sobre el fotoperiodismo, escrito con ocasión de la celebración del Festival "Visa pour l'Image" de Perpiñán. Originalmente publicado en CULTURAS de la Vanguardia

Hay quien dice que el fotoperiodismo está tan muerto como esos cadáveres que salpican las fotos de tragedias. Se debaten sus límites éticos y se duda de su eficacia. Muchos medios prefieren obtener las imágenes de internet, antes que enviar a alguien sobre el lugar. El acceso al foco de la noticia entraña un riesgo. Las asociaciones profesionales dan fe de ello acumulando un cómputo fiel de las bajas.

Por suerte son muchos los que insisten en que su función es vital. Sin el fotoperiodismo no habría modo de visibilizar conflictos e injusticias. No sabríamos qué rostro tiene el horror.

Pero informar con imágenes fijas tiene estas paradojas. "No hay representación justa de una situación injusta. Aunque lo más injusto sería no hacer nada." Esta es la opinión de Gilles Peress, decano del fotoperiodismo.

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Septiembre 17, 2005

Museo o mausoleo - Delfín Rodríguez

Los museos contemporáneos viven continuos cambios: crecimiento de sus instalaciones, preguntas sobre su identidad. Hace meses fue el MOmA de Nueva York. Ahora le toca al Museo Reina Sofía, que entre sus nuevos planes museísticos y ampliaciones parece vivir en el ojo del huracán. Museos o mausoleos, esa es la cuestión. Originalmente publicado en | ABCD las artes y las letras |

reina.jpgEra cartógrafo y le habían encargado dibujar un mapa con todos los museos y centros de arte que existían en ese país. Naturalmente, el encargo era oficial, porque de siempre los museos habían sido considerados piezas fundamentales de la identidad del Estado, de la nación, de su memoria, de su patrimonio, de su historia, al menos desde la Revolución Francesa. Antes ya habían sido usados como instrumentos de propaganda de la majestad y poder de los príncipes. Después también, pero puestos sus raros objetos y obras de arte a disposición del público, de su educación y cultivo, convertido el arte en patrimonio público, en bien cultural e identitario, con la función decisiva y fundamental de conservar, difundir, socializar, democratizar la experiencia del arte como experiencia social, cultural y benéfica.

Sabía que era una tarea difícil, pero era un hábil y empeñado cartógrafo. El mapa debía incluirlos todos, los museos y los centros de arte, que ya comenzaban a llamarse «de arte contemporáneo», y también debía sintetizar visualmente el contenido y significado de cada uno. Como en una tela de araña, tenía también que mostrar los vínculos, los caminos, a veces pensó hacerlo en forma de largas filas ceremoniales de peregrinos, otras por medio de simples líneas. La tarea era fascinante, difícil pero se la prometía agradecida: era como crear un mapa paralelo al real del país, pero sin conflictos, pacificado, como un país de las hadas lleno de hermosos edificios y extraordinarias obras y objetos artísticos, incluso de artistas y arquitectos.

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Los nuevos pateticos - Fernando Castro Flórez

Reseña crítica de «Historias diferidas», último capítulo del ciclo Los Géneros, presentada en la la sala de exposiciones Alcalá 31 de Madrid. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

En sus consideraciones sobre la memoria perdida de las cosas, Trías señala que en este mundo en que ha gustado la naturaleza de ocultarse a nuestros ojos y silenciarse a nuestros oídos, la reflexión filosófica sólo puede apoyarse ?como experiencia primaria? en la experiencia de la ausencia de experiencia, en la experiencia del vacío dejado por las cosas huidas o desaparecidas. Aquella «agorafobia espiritual» de la que hablara Worringer en su libro Abstracción y naturaleza queda corregida en esta visión de nuestro tiempo como crisis de la memoria, como una ausencia de lo concreto que lleva a una visión totalizadora. En el proceso de rememoración, el sujeto entero se compromete hasta dejarse la piel. Vivimos en el tiempo de la atrofia de la experiencia y, al marginarse ese proceso de desgarro epidérmico, sea en la vida o en el arte, todo queda reducido a nada. Benjamin señaló que cuando impera la experiencia en sentido estricto, ciertos contenidos del pasado individual coinciden en la memoria con otros del colectivo: «Los cultos con su ceremonial, con sus fiestas... llevaban a cabo renovadamente la amalgama de estos materiales de la memoria. Provocaban la reminiscencia en determinados tiempos y seguían siendo manejo de la misma durante la vida entera. Reminiscencia voluntaria y reminiscencia involuntaria perdían así su exclusividad recíproca». Pero, insisto, tras la Gran Demolición, lo único que somos capaces de contemplar (en una peregrinación turística patética) es el calvero, el sitio para el futuro memorial imperialista.

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Septiembre 14, 2005

"La ciencia ganó la batalla" - SALVADOR LLOPART

Reenviamos entrevista con John Brockman (y artículo introductorio más abajo, seguido de un segundo artículo de opinión de Jordi Pigem) realizada por Salvador Llopart y originalmente publicada en CULTURAS de LA VANGUARDIA DIGITAL

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Su última obra -no publicada todavía en España- se llama The new humanists (Los nuevos humanistas), y de ella, y de otras cuestiones relacionadas con la tercera cultura hablamos con Brockman mediante conversación telefónica.

¿Quiénes son los nuevos humanistas?

Los científicos y pensadores cuyos trabajos versan sobre el mundo empírico, y que con su trabajo -y libros- están sustituyendo al intelectual tradicional en su labor de plantear y hacer visibles las grandes cuestiones, y los grandes significados, de nuestra vida. En afrontar con una perspectiva nueva las grandes cuestiones: ¿quiénes somos? ¿qué somos?

¿Todavía necesitamos una tercera cultura?

Más que nunca. La ciencia, al menos la ciencia como forma de cultura, como forma de pensamiento, está en peligro. En EE. UU. desde el 11-S el clima hacia la ciencia ha cambiado. El gobierno parece estar en contra de las nuevas ideas. Actúa como tapón de las esperanzas y expectativas de la gente. No se puede decir otra cosa cuando tenemos frente a nosotros la posibilidad de curar enfermedades que amenazan la vida de miles de personas y, sin embargo, las creencias acríticas de un puñado de personas de la administración Bush tienen el poder de parar todo tipo de investigación. En este aire enrarecido se hace difícil hablar siquiera de primera o segunda cultura...

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Julio 26, 2005

El nuevo plan maestro - Miguel Cereceda

originalmente aparecido en ABC 23 julio 05.

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La propia directora estaba muy sorprendida de la polémica que se había suscitado. Durante la presentación del Pabellón español de la Bienal de Venecia, a pesar de que fue la única autoridad allí presente que no intervino públicamente, fue sin embargo la única a la que de inmediato se dirigieron todos los periodistas, para someterla a un bombardeo de preguntas. El motivo sin embargo no era para menos, pues, con la presentación del nuevo plan director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, no sólo se le cambia de un plumazo el nombre a la institución, sino que a la vez se renuncia a su carácter de Centro de Arte Contemporáneo.

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Julio 17, 2005

Los avestruces mandan - Enrique Andrés Ruiz

Reenviamos este artículo de opinión sobre el poder de los teóricos. Originalmente publicado en | ABCD las artes y las letras |

Lo peor del arte, como se sabía ya de antiguo, es el mundo del arte. Pero no diremos ahora de la mundanidad o secularidad que siempre fue consustancial a él, porque mundana era, a fin de cuentas, la belleza. Hoy, ya sin belleza o contra la belleza, veinte o treinta años después del colapso de la revolución artística permanente y su transformación en arte contemporáneo instituido, hoy, «mundo del arte» significa otra cosa. Sobre todo significa que arte y mundo han llegado a la absoluta paridad, la fijeza, el acoplamiento. Y no por fracaso del gran futuro soñado por el vanguardismo perpetuo, sino, precisamente, por su realización, porque ese futuro está ya instalado, en realidad instaladísimo institucional, social, públicamente, aunque deba aparentar, como sucede tras todas las revoluciones logradas, la existencia de un enemigo que justifica todavía más propaganda y agitación, claro está que meramente retóricas. Boris Groys ha llamado a esto «el desfile victorioso de la teoría crítica a través de las instituciones».

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Julio 16, 2005

Los "dictadores" de la creación actual - Fernando Castro Flórez

Reenviamos artículo de Fernando Castro. Originalmente publicado en | ABCD las artes y las letras |

En la extensa conversación con Benjamin Buchloh, reproducida en el catálogo de la X Documenta de Kassel, advierten Catherine David y Jean-Francois Chevrier que lo que están buscando es otro modelo histórico de intelectual, tras el intelectual crítico o el ligado a su clase que propugnara Gramsci; aproximan la idea foucaultiana del «intelectual específico», capaz de alterar las férreas disciplinas, al comisario entendido no como manipulador, sino como catalizador de procesos que pone en marcha. «Y la exposición -señala Chevrier- puede ser un collage de estos procesos. Puede dejar de ser un espacio universal para convertirse en espacio de collage y montaje que contenga situaciones elaboradas en una relación de participación con el montador y representador, esto es, el comisario. Es la forma en la que los antropólogos poscoloniales más progresistas describen su actividad». Ante esa tematización, lo único que apunta el autor de Neo-Avantgarde and Culture Industry es que una exposición de Gabriel Orozco en Zúrich le ha interesado sobre manera, dado que ni se enfrentó al sujeto ni al proceso como en los sesenta, sino que cambio la dirección de ambos.

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Julio 10, 2005

La crisis de identidad de la madre de todas las bienales

Reenviamos este artículo de Bárbara Rose sobre la Bienal de Venecia. Originalmente aparecido en | ABCD las artes y las letras |

Desde su fundación en 1895 para promover el arte italiano en el contexto internacional, la Bienal de Venecia, la exposición internacional de arte contemporáneo más antigua, ha tenido una historia accidentada. Tras haber perdido, encontrado y redefinido su identidad, hoy por hoy es lo que más se acerca a una cumbre de arte mundial. La Bienal se convirtió rápidamente en escaparate para el arte aclamado por los críticos, así como en escenario de protestas contra los grupos dominantes. Las discusiones sobre sus objetivos empezaron ya en 1910, cuando Marinetti llenó de folletos la plaza de San Marcos, y un cuadro de Picasso fue retirado de la sección española por resultar demasiado escandaloso.

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Julio 08, 2005

Humanidades, humanidad

[ publicación original: EL CULTURAL, 7 de Julio de 2005 ]

Estamos inmersos en un proceso de transformación de las sociedades contemporáneas crucial: uno que viene a situar al conocimiento en el centro de todos los procesos sociales (no sólo los simbólicos y aquellos que propician reconocimiento y autocomprensión, sino los implicados en la propia producción de riqueza material, producto interior bruto, digamos). Eso, que justifica la designación de las actuales como sociedades del conocimiento, va a determinar que todo el conjunto de las agencias depositarias del encargo social de su gestión (producción, validación, archivo y custodia, transmisión …) se vean consiguientemente envueltas en un candente proceso de transformación, igualmente profundo y trascendental.

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Julio 02, 2005

Berlín, capital del duelo

Reenviamos artículo de XAVIER ANTICH originalmente publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL

En su Crónica de Berlín, Walter Benjamin confesaba que llevaba años dándole vueltas a una idea: organizar biográficamente el espacio de su vida en un mapa. Para ello, decía, necesitaría un plano sobre el que, con la ayuda de diversos colores, pudiera ir marcando las casas de sus amigos y amigas, los espacios de reunión de algunos colectivos a los que perteneció, las habitaciones de hoteles y burdeles en las que durmió, los bancos del Tiergarten, el camino de la escuela, las tumbas que vio ocupar, los cafés ya desaparecidos cuyos nombres repite cada día, las canchas de tenis, las salas doradas de baile... De este modo, el que hasta hoy es el gran pensador de la memoria urbana, formulaba algo que puede parecer obvio, pero que acaso no lo sea: que toda ciudad es una medida cruzada entre el espacio y la vida, que todo mapa está atravesado de recuerdos. Por eso a Benjamin le fascinaba E.T.A. Hoffmann, "el padre de la novela berlinesa", y admiraba su capacidad de perderse en aquellos barrios "repletos de todas aquellas cosas que pueden estimular a un narrador, y cuyo rastro sólo puede seguir aquel que se detenga a leer en ellas". Y es que toda ciudad, de hecho, lleva inscrita en su piel el trazado de sus interminables historias. Y Berlín, la ciudad natal de Benjamin, contiene escrita en su superficie, quizás más que cualquier otra ciudad, la historia de todo el siglo XX, con sus tragedias y miserias, sus heridas y sus momentos de gozo. Benjamin, filósofo, judío y comunista, abandonó Berlín, y Alemania, en la primavera de 1933, cuando Hitler accedió a la cancillería del Tercer Reich. Su vida, como la de tantos otros, ya estaba sentenciada a muerte.

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Junio 18, 2005

Funeral por el 'curator' equivocado - ANGELA MOLINA

Reenviamos reseña de Angela Molina sobre la Bienal de Venecia. Originalmente publicada en Babelia

szeeman.jpgDurante los noventa, Harald Szeemann se convirtió en una especie de dios mortal para las últimas generaciones de curadores cuyo máximo deseo era alcanzar el estatus de apóstol divino al frente de una gran bienal de arte. Ahora, en Venecia, suenan las exequias por el comisario suizo, fallecido hace pocos meses, y la organización de la bienal ha decidido dedicar el nombre de una avenida en I Giardini al que fue su director de 1999 a 2001, dos ediciones que funcionaron como bisagra de un cambio de milenio preparado para soportar en una gran "platea de la humanidad" los acentos destructores de un mercado que había abandonado la burbuja por la apisonadora. Hasta Rosa Martínez, que en esta edición ha compartido el comisariado con María de Corral, le ha dedicado su trabajo en el catálogo de la muestra.

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Junio 15, 2005

Un toque de serenidad - FRANCISCO CALVO SERRALLER

Artículo de opinión sobre la Bienal de Venecia, originalmente publicado en Un toque de serenidad - ELPAIS.es - Cultura

Antes de nada, digamos que no sólo es la primera vez que el comisariado de la Bienal se ha dividido, sino también que las responsables son dos mujeres y, además, extranjeras. En cualquier caso, haciendo de la necesidad virtud, María Corral y Rosa Martínez han decidido restringir el número de artistas seleccionados, lo cual ha permitido que el recorrido sea menos agobiante, la contemplación de las obras mejor y que su montaje se desenvuelva dentro de una mayor claridad. De esta forma, el conjunto tiene un toque "museal", serio, sereno, elegante, diáfano, sí, pero también por esa misma causa más aburrido que académico. Los respectivos títulos de cada una de las convocatorias apuntan en esta dirección: muy contundentemente el de María Corral, que ha hecho anteceder su selección con la fórmula La experiencia del arte, pero el Siempre un poco más lejos, de Rosa Martínez, tampoco parece proclamar una posible exuberancia de sorpresas. ¿Puede haber algo así al margen de la voluntad de las actuales comisarias? En realidad, desde que la actualidad artística se ha adueñado del mercado, resulta, no digo difícil, sino prácticamente imposible que una Bienal o una Documenta aporten otras novedades que las que han sido ya presentadas con abundancia por galerías y ferias. De manera que, se quiera o no se quiera, quienes tienen semejantes responsabilidades deben elegir entre una fogosa acumulación aturdidora o la seriedad aburrida de lo consabido.

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Junio 04, 2005

PhotoEspaña llega a la ciudad - Kevin Power

Reenviamos este artículo de opinión sobre la ciudad, tema genérico de PhotoEspaña 05. Originalmente publicado en EL CULTURAL

PhotoEspaña reinunda Madrid con un número sin fin de muestras alrededor del tema sugerente, pero algo trillado, de la ciudad. Antes de entrar en la teoría, quizá más interesante que el conjunto de vídeos y fotos que pretenden visualizarlo, permítanme hacer alguna observación rápida sobre el estatus quo de la fotografía.

Nos enfrentamos de nuevo a una serie de tópicos aparentemente relacionados con conceptos pero que, en el fondo, se presentan más bien como recetas caducadas; las imágenes de trabajadores o la fila de retratos de gente del barrio como representación populoide de la democracia; de los inmigrantes a la deriva en el mundo cruel de la globalización; de pateras, balseros; de los bajos fondos de las nuevas zonas oscuras de la megápolis; de coches en la carretera (y ¡dios me libre! de un vídeo de 10 minutos de unos globos blancos al lado de un coche); de edificios, parkings, interiores, y pasillos; de banalidades escenográficas y tonterías surrealizantes; de la aburrida vida nocturna; de tierras baldías víctimas de la construcción canibalesca; de género, raza o preferencia sexual. Todo eso se ha visto ya y no constituye análisis, ni comentario, ni siquiera documento, sólo nos aburre con su reciclaje de fuentes conocidas y reutilizadas con pasmada inocencia. La fotografía y el vídeo son los medios privilegiados de la sociedad del espectáculo y propios de la megápolis, pero para ser efectivos deben moverse en un filo crítico, coherente y argumentado, con agudeza, sutileza y tensión, pero no suelen conseguirlo y terminan por ocupar un espacio social facilón.

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Mayo 19, 2005

¿Quién teme a la historia del arte? (sobre la guerra contra y entre las Humanidades) - Juan Antonio Ramírez

Reenviamos artículo de opinión de Juan Antonio Ramírez sobre las decisiones de la Subcomisión de Humanidades de eliminar distintas titulaciones, entre otras la Historia del Arte. Originalmente publicado en EL CULTURAL

Los amantes y los profesionales de las humanidades estamos en guerra, todo el mundo lo sabe. Luchamos contra muchas legiones de filisteos de variado pelaje: tecnócratas, leguleyos, productivistas materialistas, cientificistas, y un largo etcétera. Vaya, se diría que el llamado “mundo moderno” entero está contra unos valores que defendemos con un cierto lirismo desencantado, dando por sentado que nuestras posturas son muy débiles y que carecemos de posibilidades de imponerlas al conjunto de la sociedad.

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Mayo 18, 2005

Poco y tirando a mal - Editorial de EL CULTURAL

Reenviamos la editorial que con motivo del Debate sobre el estado de la Nación publica el Cultural de El Mundo.

Pocas veces en la historia de El Cultural nos hemos encontrado con tanta unanimidad y tanto silencio. A los creadores españoles la gestión del Ministerio de Cultura les merece los peores calificativos, pero la mayoría prefiere quejarse en silencio. La lista de personalidades consultadas que en privado confiesan su disgusto y que temen hacerlo público mueve al asombro. Que no se sepa. Y los más preocupados son los más vocingleros en etapas anteriores. La cultura sigue siendo mayoritariamente de izquierdas, pero le asusta las represalias y prefiere no ejercer de conciencia crítica del poder, cuando ese poder se supone que es de izquierdas.

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Marzo 26, 2005

El cuadro del Equipo Crónica de la familia de Ciscar fue incluido en otro catálogo del IVAM

Reenviamos este curioso artículo publicado originalmente en LEVANTE-EMV, Edición digital n. 2722. 26-03-2005

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El cuadro del Equipo Crónica El pintor y la modelo propiedad de la hija de la directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Consuelo Ciscar, ya fue incluido en otra de las publicaciones del museo antes de que apareciera reflejado en el catálogo de la exposición dedicada a mostrar los fondos del Equipo Crónica que pertenecen al IVAM y que fue inaugurada recientemente en Montevideo. La exposición está previsto que realice una itinerancia por Latinoamérica y sólo incluye obras de la colección del museo. En total, la muestra recoge cerca de sesenta obras.

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Marzo 10, 2005

Comunicado del Consejo de Críticos de Artes Visuales

Nombramientos en el MNCARS: nueva subdirectora

            El Consejo de Críticos de Artes Visuales expresa su enorme preocupación ante las decisiones y resoluciones adoptadas o avaladas por el Ministerio de Cultura que afectan al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

            Si el nombramiento, en abril de 2004, de Ana Martínez de Aguilar –hasta entonces directora del Museo Esteban Vicente, de Segovia– como máxima responsable de la institución, ofrecía un perfil profesional singularmente bajo en relación con el arte contemporáneo, pues Martínez de Aguilar ni ha desempeñado actividad comisarial alguna, ni hay noticia siquiera de una sola publicación especializada de la que sea autora, las disposiciones y medidas adoptadas por ésta en los últimos meses no hacen sino acrecentar las alarmas.

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Marzo 05, 2005

Pecados bienales - ÁNGELA MOLINA

ARTICULO DE OPINION DE ANGELA MOLINA A PROPOSITO DE LAS BIENALES. Originalmente publicado en BABELIA - 05-03-2005

Cuentan que un día Jackson Pollock, ya gordo y alcoholizado, leía un libro sobre Picasso. De repente, enfurecido, lo arrojó al suelo, y gritó: "¡Maldita sea, a este tipo no se le escapa una. Ese maldito ya lo ha hecho todo! ¡No queda nada!". Pollock se había dado cuenta de que los Space Drawings de Picasso, fotografiados por Gjon Mili y publicados por doquier en 1950, en los que se le ve pintando sobre un vidrio y estampar su firma como si fuera la estocada mortal a un toro, le convertían en un vulgar imitador, un bailarín de segunda especulando alrededor de los bordes de una tela. Con todo, se dejó convencer por Hans Mamuth para rodar una película donde se le veía a él chorreando pintura sobre una lámina de cristal. Pollock sólo llegó a pintar una serie más, antes de estrellar su bólido contra un árbol en Long Island. La angustia de la imitación había comenzado.

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Febrero 13, 2005

La triple vertiente cultural, comercial y lúdica de ARCO - CATALINA SERRA

Reenviamos este interesante artículo de CATALINA SERRA, publicado el ELPAIS.es - el 12 de Febrero, con el título:

Arrecia el debate sobre la triple vertiente cultural, comercial y lúdica de la feria 
Un libro sobre su historia publicado por Arco y un seminario en el Macba abordan el tema

area.jpg"El sistema del arte español gira en torno a Arco". Así de contundente concluye Juan Ignacio Ruiz López, galerista e historiador del arte, el libro Arco. Arte y mercado en la España democrática, que aborda de forma documentada la historia de la feria desde su creación en 1982 hasta 2001. "La gran paradoja de Arco es que es una feria de arte comercial que subsiste como evento mediático cultural y que ha difundido en la sociedad española una visión mercantilista y espectacular del arte", explica Alberto López Cuenca, director de un seminario en el Macba de Barcelona sobre la feria.

La coincidencia de la publicación del libro de Juan Ignacio Ruiz (Murcia, 1970), editado por Arco y que se presentará mañana en el marco de la feria, y del seminario Las nuevas relaciones entre arte y economía. Los mecanismos de mercantilización a partir de los ochenta a través de Arco, a cargo de Alberto López Cuenca (Nerja, Málaga, 1973), en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), que tendrá su colofón con la visita que mañana realizarán a la feria los 57 matriculados en el curso, son ejemplos de cómo empiezan a aparecer análisis cada vez más documentados y críticos sobre la feria.

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Febrero 10, 2005

Pásalo !

[ El artículo que sigue, de José Luis Brea, se publicó originalmente en EXIT-express, en respuesta a una invitación de la publicación para seleccionar el acontecimiento considerado más relevante para el mundo artístico en el año 2004 ]

Pásalo !

El tema de esta columna no es “arte y política” –si lo fuera, no dudaría en afirmar que la red de conciencia quasipolítica autogenerada mediante el envío de SMS fue sin duda el más interesante de los acontecimientos que en el 2004 demostraron las capacidades de las (micro)prácticas de producción simbólica para intervenir en el curso de las cosas.

El tema de esta columna es más bien el de “arte y legitimidad política” y viene a cuento de la reflexión -que siguió al vuelco electoral, que siguió a la cadena de los pásalo- que se viene extendiendo con el tópico de que no es de recibo que a tenor de lo que digan las urnas proceda a cambiarse a los directores de los museos.

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