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Julio 09, 2006

La vida y el arte - JOSÉ MARÍA GUELBENZU

Sobre ANDRÉI RUBLIOV, de Andréi Tarkovski. Eds Sígueme. Salamanca, 2006. Originalmente en ELPAIS.es

Tarkovski
Este libro es el guión de esa obra maestra del cine titulada Andréi Rubliov. No es un guión cinematográfico sino un guión literario; está dividido en secuencias (catorce en total frente a las nueve del filme) y en ellas se describe cada escena, pero éstas no están planificadas sino que sólo contienen una descripción literaria de las mismas. El narrador es un observador, mas no es una cámara y, como tal observador, su visión es subjetiva y, además, se manifiesta frecuentemente por medio de la creación de imágenes, imágenes literarias en las que la palabra es el elemento expresivo fundamental mientras que la estructura del relato es, lógicamente, cinematográfica. Esta coincidencia de lo literario y lo cinematográfico hace del texto una experiencia subyugante, pues apelando siempre a la imaginación del lector al tratarse de palabra escrita, le obliga también a estructurar visualmente cada escena.

Se trata, pues, de un sistema de secuencias o capítulos. El hilo que hace progresar dramáticamente el relato es, desde el punto de vista práctico, el desarrollo cronológico de la vida de Rubliov por medio de unas escenas escogidas y representativas; pero el verdadero impulso dramático que une estas escenas impide que sean como una sucesión de estampas estáticas e independientes y lo que les da coherencia y movimiento no es la cronología -un mero artificio mecánico- sino el pensamiento de Tarkovski, la idea que guía de manera abrasadora todo el relato. Por lo general, un autor ha de montar una carpintería compleja para sostener su narración; a Tarkovski le basta la sola potencia de la intención que le guía. Aparte de eso, decir que no estamos ante un guión cinematográfico sino ante una narración autónoma, eminentemente literaria, que el lector podrá confrontar con la película para su mayor enriquecimiento. No es frecuente que un autor cuente una misma historia en dos lenguajes tan distintos y a cual mejor.

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Junio 14, 2006

El despertar de Asia - Hilario J. Rodríguez

Originalmente en abc.es

Buena parte de las películas asiáticas más recientes tienen protagonistas jóvenes. De algún modo, es como si Asia estuviese despertando de un largo sueño, con energía renovada. Allí donde la Historia se suprimió o se tamizó durante años, ya fuese en China, Tailandia, Corea o Taiwán, se ha comenzado a partir de cero.
Algo así explica el rápido desarrollo económico y el increíble impacto de esas cinematografías en el resto del mundo, donde están dejando una huella indeleble. Lejos de ajustar cuentas con sus demonios colonialistas o de llorar por el tiempo perdido, muchos países asiáticos han querido detenerse en el pasado sólo lo suficiente para lanzarse enseguida en busca de su futuro. Quizás por eso el cine que se hace ahora mismo resulta más fiel al presente que el cine hecho en cualquier otra parte.

Cambios.
La obra del realizador chino Jia Zhang-ke se centra en los cambios que han tenido lugar en China en los últimos años, a partir del colapso del comunismo, momento en el que comenzó la irreversible expansión capitalista. En sus películas se observa esa transformación desde la perspectiva de los jóvenes, cuya deriva moral y emocional se debe a la pérdida de las señas de identidad de sus antepasados, que no han podido reemplazar por otra cosa que no sea un simulacro cultural presidido por bares con neones, móviles, ropa de marca o restaurantes de la cadena MacDonalds.

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Abril 13, 2006

Tras la máscara de V - JORDI COSTA

Originalmente en LA VANGUARDIA

En los títulos de crédito de V de Vendetta,adaptación cinematográfica de la ya clásica historieta (o, si lo prefieren, novela gráfica) de Alan Moore y Dave Lloyd dirigida por James McTeigue y guionizada por los hermanos Wachowski, hay una omisión inquietante: el nombre del propio Alan Moore. Habrá quien se sienta un tanto desconcertado por la ausencia: a fin de cuentas, V de Vendetta no es ni La liga de los hombres extraordinarios de Stephen Norrington, ni el Desde el infierno de Albert y Allen Hughes, adaptaciones de otros trabajos de Moore que se convirtieron en palidísimas sombras de sus respectivos originales. V de Vendetta (el original) es Moore en estado puro: la obra que estableció ese estilo caudaloso, denso y cargado de referencias que el guionista seguiría explorando más tarde en trabajos como Watchmen,From Hell o la abortada Big Numbers.Todo lo que hay de remarcable en Vde Vendetta editorial con la que ha querido romper todo lazo profesional- vendiese al productor Joel Silver los derechos de adaptación.

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Abril 05, 2006

(Cine bajo sospecha) El nuevo ojo de la bestia - FERNANDO DE FELIPE

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

Muy felices se las prometía Francis Ford Coppola a principios de los noventa al confiar en que la aparición de las cámaras de vídeo domésticas permitiría, de una vez por todas, el que la gente que normalmente no se habría planteado nunca la posibilidad de hacer cine se lanzase a intentarlo. "Un día -vaticinaba ilusionado el cineasta- una niña de Ohio será el nuevo Mozart al hacer una hermosa película con la cámara de su padre". Basta con echar un vistazo alrededor (o ver las noticias) para comprender que son muchos los críos que aquí y ahora no pretenden ser ni los nuevos Mozart ni, por descontado, los nuevos Coppola, y que al coger las cámaras de sus padres, o mejor aún, al utilizar sus propios teléfonos móviles de última generación, lo único que persiguen es capturar la inmediatez y la violencia de ciertos momentos terribles y absurdos que ellos mismos precipitan. Por haberlos los hay incluso que, como ocurre en el caso de ese muchacho llamado Ken Park que da título al filme de Larry Clark (2003), utilizan tanto la cámara como la pistola de su padre para dejar videográfica constancia de lo fácil (e inexplicable) que resulta volarse los sesos en mitad del recreo ante la apática mirada de sus compañeros.

Inevitable como metafórico punto de partida de todas esas teorías que ven en el cine la más precisa respuesta a nuestra irreprimible pulsión escópica, el mito edípico de la mirada cercenada, arrancada de cuajo, deja aquí paso al de un Narciso absolutamente (pre) dispuesto a ahogarse en su propio reflejo electrónico. Como advirtiera en 1987 Rosalind Krauss, el vídeo no es un medio físico sino psicológico, un espejo dotado de memoria que nos devuelve la mirada y nos pone definitivamente contra las cuerdas de nuestra propia conciencia al registrar espec (tac) ularmente no ya sólo nuestra imagen (nuestro autorretrato), sino, sobre todo, la verdadera dimensión de nuestros actos.

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Con Brecht en la distancia - Antonio Weinrichter

Originalmente en abc.es

Tras haber tenido que huir de la Alemania de Adolf Hitler, que prohibió tanto la adaptación de su Ópera de los cuatro cuartos como Kuhle Wampe, cuyo guión es el único que refleja claramente su compromiso comunista, Bertolt Brecht llega a Los Angeles en 1941.

Su experiencia en la meca del cine es tan frustrante como la de otros escritores e intelectuales y viene reflejada en su famoso poema «Hollywood» («Cada día voy al mercado en donde se compran mentiras...»); de forma que no parece haber asomo de ironía alguna en la declaración que, nuevamente perseguido, le toca hacer ante el notorio comité de Actividades Antiamericanas de McCarthy en 1947: «No tengo conciencia ?dice? de haber ejercido influencia alguna, política o artística, en la industria cinematográfica».

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Marzo 18, 2006

Apocalipsis Haneke - ÀNGEL QUINTANA

Originalmente en LA VANGUARDIA

Mediante una serie de imágenes frías y glaciales, Michael Haneke no ha cesado de desempolvar los elementos contradictorios de una sociedad del bienestar en la que la opulencia siempre esconde lo siniestro. En el cine de Haneke, la moral encubre la represión y los valses de Viena son, como queda reflejado en La pianista, la tapadera de una sociedad enfermiza. Las pulsiones reprimidas corroen lo que han sublimado las apariencias de la vida burguesa. En su primera película, El séptimo continente (1989), los miembros de una familia austriaca se suicidaban. La familia lo tenía todo para vivir con comodidad pero eran incapaces de comunicarse. La película contemplaba la vida cotidiana como una serie de comportamientos rutinarios tras los que se escondia un estudio de la alienación en la institución familiar.

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Enero 14, 2006

Michael Haneke: “Cada uno ve en mis películas lo que lleva dentro” - Beatrice SARTORI

Originalmente en EL CULTURAL

Haneke
En su cruzada por intentar despertar de su indiferencia al mundo occidental, inmunizado frente a la extendida manifestación de violencia global, el cineasta Michael Haneke estrena en nuestras salas la turbadora Caché, por la que obtuvo el premio al Mejor Director en Cannes. El director austríaco ha hablado con El Cultural sobre las entrañas de este espeluznante filme, premio europeo a la Mejor Película.

La familia, la violencia global y la conspiración de los medios de información son los materiales básicos que vertebran la última película del austríaco Michael Haneke (Munich, Baviera, 1942), Caché, coprotagonizada con torturada intensidad por Daniel Auteuil y Juliette Binoche. Haneke se hizo el pasado mes de mayo con el premio al Mejor Director en competición en el Festival Internacional de Cine de Cannes y los más rigurosos críticos le concedieron al filme el galardón de la Fipresci. El mes pasado, Wim Wenders hizo entrega al autor de Funny Games y La Pianista del galardón de la Academia del Cine Europeo a la Mejor Película de 2005. Antes de conocer el veredicto del jurado de Cannes presidido por Emir Kusturica, El Cultural pudo hablar con el cineasta más inquieto, arriesgado y perturbador del momento.

–El orígen de la película arranca de hechos reales acontecidos en los años sesenta, ¿no es así?
–Efectivamente, la chispa que lo puso todo en ignición se produjo tras ver un documental acerca de las algaradas parisinas que se produjeron el 17 de octubre de 1961, que desembocaron en una auténtica masacre de inmigrantes argelinos. Hubo dos cosas que me produjeron un fuerte impacto: el hecho de que ocurriera en una sociedad tan avanzada como la francesa, liberal y siempre adelantada a su tiempo, y aún más, que nadie se atreviera a confrontar la realidad incluso 40 años más tarde. Los argelinos del movimiento independentista del FLN salieron a las calles para protestar por un toque de queda gubernamental y bajo la autoridad del ominoso oficial Maurice Papon fueron reprimidos con extrema brutalidad. Entonces, las autoridades manifestaron que dos hombres habían fallecido. Más tarde, se supo que habían sido 400 y que muchos cadáveres habían sido arrojados al río Sena. Y aún hoy en día, la experiencia franco-argelina sigue siendo un tabú para los ciudadanos franceses.

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Darya Von Berner, el crecimiento invasor - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL

Darya
En oposición a lo que Bachelard llamó el “complejo de Júpiter” –el desmedido orgullo del hombre, que le hace creer que puede dominar la naturaleza– Walt Whitman extendió su defensa de la igualdad democrática también a las relaciones entre todos los seres vivos. Igualdad y posibilidad de transmutación: “Somos la Naturaleza [...]/ Nos convertimos en plantas, en troncos, en follaje, raíces y cortezas,/ Estamos asentados en la tierra, somos peñascos,/ Somos encinas, crecemos juntos en los claros del bosque”. Darya von Berner (México, 1960) rinde homenaje al poeta con esta exposición que se puede ver casi como su presentación en Madrid, pues aunque debutó aquí en 1988 y volvió en 1990 y en 1998, ésta es su primera individual en una galería madrileña en muchos años, y revela la evolución desde su inicial dedicación a la pintura hacia un interés dominante por la instalación y la escultura.

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Enero 05, 2006

Entusiasmo en el cineclub - ANDRÉS HISPANO

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

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Las salas subterráneas de la Fundació Tàpies se han convertido en un viejo cineclub, mitad máquina del tiempo, mitad filmoteca doméstica. La exposición ENTUSIASME presenta allí más de sesenta películas amateur realizadas en Polonia entre las décadas de los cincuenta y los ochenta. Tres grandes pantallas, en acogedoras salas delimitadas por cortinas, y dos monitores de televisión ordenan las películas de manera que algunas forman sesiones temáticas y el resto pueden verse a la carta. ENTUSIASME es un proyecto dirigido por dos artistas, Neil Cummings y Marysia Lewandowska, que a lo largo de dos años recopilaron multitud de cortometrajes dispersos en colecciones privadas, para seleccionar después unos cuantos capaces de resumir la fuerza del cine como testimonio artístico, histórico y político. En resumen: muchas películas de aficionados en una disposición muy interesante que incluye la escenificación de un cineclub polaco de los años setenta. Naturalmente, aficionado no traduce correctamente amateur. De hecho, muchos de estos realizadores no profesionales eran perfectamente conscientes de su rol como cineastas, activistas subversivos y hasta de artistas, así a secas. El título de la exposición, Entusiastas en su primera presentación, recalca el denominador común de los autores.

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Diciembre 26, 2005

Sokurov inédito - ÀNGEL QUINTANA

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

En 1997, al proyectarse Madre e hijo de Aleksandr Sokurov en el festival de cine de Berlín, cierta crítica empezó a señalar que había surgido el apéndice de Sacrificio de Tarkovski, que había surgido la película que establecía una continuidad estética respecto a la gran tradición espiritualista rusa. Mediante una serie de imágenes de sofisticado calado pictórico, Madre e hijo nos introduce en un extraño territorio situado entre lo visible y lo invisible, entre la muerte y la vida. La película muestra a un hijo que lleva en brazos a su madre agonizante como si fuera una transformación de la Pietà. En poco más de una hora, la cámara de Sokurov describe los afectos paterno-filiales que se ponen de manifiesto en el momento del tránsito hacia el más allá, mientras elabora una especie de visión panteísta de la existencia que contrapone la agonía de un cuerpo físico al esplendor del paisaje natural que rodea el escenario de la defunción. Madre e hijo sirvió para consagrar en el panorama del cine internacional a Aleksandr Sokurov, cuya trayectoria anterior empezó a ser revisitada y su filmografía -tanto sus elegías documentales como sus ficciones- pasaron a ser consideradas como un hito mayor en el terreno de la creación cinematográfica. A diferencia de la mayoría de países europeos, Madre e hijo nunca fue estrenada en España y no fue seleccionada por ningún festival de cine. El nombre de Sokurov tuvo que esperar al estreno de El arca rusa para empezar a ser considerado como un nombre clave.

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Diciembre 03, 2005

«Introducing» Ramón, El gato del milenio - Eduardo Chamorro

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural

Hay una similitud básica entre Lost in translation, la película de Sofía Coppola, y Flores rotas, la última de Jim Jarmusch: ambas recurren al mismo actor para que su presencia argumental resuelva un vacío narrativo salpicado de hallazgos minimalistas y de reiteraciones dictadas por el autismo o sometidas a su muy vidrioso imperio. Las dos películas son crónicas del autismo, azarosos testimonios de un continente extraviado y rumiante, y sólo algunos detalles de inspiración asombrosa impiden catalogarlas bajo la etiqueta del documental al que se añaden los ingredientes de una cautelosa ficción a muy baja temperatura.

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Octubre 22, 2005

En busca del hijo perdido (y triste) - ÀNGEL QUINTANA

Sobre 'Flores rotas', de Jim Jarmusch. Originalmente publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL

Hace unos años, el filósofo Gilles Deleuze escribió que el cine moderno se caracterizaba por hacer evidente las capas del tiempo y por la imposibilidad que tenían los personajes para dar respuesta a unas situaciones que generalmente les sobrepasaban. Superado el cine moderno y anunciado el declive del cine posmoderno, parece como si esa imagentiempo diseccionada por Deleuze se hubiera instalado de nuevo en el corazón del cine contemporáneo, pero lo hubiera hecho llevando a cabo una vuelta de tuerca consistente en la superposición de un determinado pasado en el corazón del presente. El tiempo olvidado resucita y se inscribe en los trayectos de la acción ya sea como memoria o como simple advertencia hasta el punto de resquebrajar el relato y anunciar su sutura imposible. Flores rotas,el último trabajo del minimalista Jim Jarmusch, es un ejemplo clarividente de un proceso que ha empezado a afectar algunas de las películas clave del cine contemporáneo, desde Mulholland Drive de David Lynch hasta Caché de Michael Haneke.

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Septiembre 11, 2005

"El cine es la forma de arte más completa" - ALBERTO MARTÍN

Reenviamos esta entrevista con Shirin Neshat, originalmente publicada en Babelia

Shirin Neshat (Irán, 1957) salió de su país con 17 años. Desde entonces reside en Estados Unidos. Durante su ausencia fue la caída del régimen del Sha y la instauración de una República Islámica teocrática. Doce años después de su marcha, en 1990, Shirin Neshat volvió por primera vez a Irán. A raíz de aquel viaje comenzó una trayectoria artística que la ha convertido en una de las artistas contemporáneas más destacadas. Ha mantenido una mirada compleja sobre las diferencias culturales y sobre la identidad de la mujer. Desde finales de los años noventa comenzó a realizar videoinstalaciones y a interesarse por el cine, desarrollando una obra cada vez más lírica y poética.

PREGUNTA. En su trayectoria, la fotografía ha ido cediendo terreno en beneficio de la imagen en movimiento.

RESPUESTA. De 1993 a 1997 realicé una extensa serie fotográfica titulada Women of Allah; cubría esencialmente el tema de la mujer en relación con la revolución islámica y la fe en Irán. Pero hacia 1997, cuando empezaba a obtener un reconocimiento como fotógrafa, me cuestioné mi estilo y tendencias y reformulé mi obra. Sentí la necesidad de ir más allá, de pasar de temas políticos a otros más filosóficos e intemporales. Necesitaba un medio que me permitiera esa transición. Sentí frustración con mi fotografía, que se había convertido en icónica y monumental, casi escultórica. Buscaba más poética, más lirismo, que mis imágenes y personajes se convirtieran en reales. Quería contar historias. Ofrecer al espectador una experiencia en vez de un objeto. Por tanto, con mi primer trabajo serio en vídeo, Turbulent (1998), se abrió una nueva aventura ante mí. Desde entonces mi obra ha sido un cruce entre artes visuales y cine.

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Agosto 23, 2005

Negro sueño de poscine - JORDI COSTA

A propósito de la película ´Sin City´, de Frank Miller, por parte del mismo autor y Robert Rodríguez. Originalmente publicada en CULTURAS de LA VANGUARDIA

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Sin City es como una enorme y asquerosa fulana tumbada de espaldas pidiéndolo, y la poseo, y le gusta, y vuelvo a poseerla, y aún pide más", escribía Frank Miller en el primer álbum de Sin City,su experimental destilación de la estética noir que acabaría inspirando una arborescente saga encerrada en seis álbumes y un buen puñado de historias cortas. Escrita con el estilo hiperbólico de un Mickey Spillane malo (o peor) tocado por el halo artúrico chandleriano y dibujada bajo el sintético influjo de un Hugo Pratt filtrado a través del expresionismo americano de Will Eisner, Sin City fue un ejercicio de tebeo puro: una exasperación de blancos y negros en violento pulso sobre la superficie de la página que asaltaba, con inaudita ferocidad, el ojo del lector habituado a la cuatricomía pop de ese tradicional comic-book de superhéroes, cuyo lenguaje el propio Miller ya había intentado transgredir en sus aportaciones a la serie Daredevil y, especialmente, en su fundamental Batman, el regreso del Señor de la Noche.

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Junio 04, 2005

"El cine como arte aún no ha nacido" - Alexandr Sokurov

Reenviamos esta entrevista de Carlos REVIRIEGO con Alexandr Sokurov. Originalmente publicada en EL CULTURAL

El cineasta ruso Alexandr Sokurov, discípulo directo de Andrei Tarkovsky, es una de las voces más esenciales, líricas y trascendentes del cine mundial. Director de culto por excelencia, presenta hoy parte de su filmografía en una retrospectiva que le dedica el I Congreso de Cine Europeo Contemporáneo que se celebra en Barcelona, en el que varios de los creadores, gestores y teóricos más influyentes de la cinematografía europea pondrán sobre la mesa cuestiones relacionadas con su tejido industrial y su incidencia artística. Justo antes de su visita a España, el autor de obras maestras como Madre e hijo y El arca rusa ha hablado con El Cultural.

La figura de Alexandr Sokurov (Podorvikha, Siberia, 1951) se alza majestuosa y solitaria en el entramado cinematográfico internacional. Casi inalcanzable. Y no sólo en el sentido espiritual, como un ser (un artista) que libra su personal batalla contra la mediocridad del mundo (del cine). También en el sentido más prosaico de la palabra “inalcanzable”. Él mismo nos lo dice: “Mi mensaje antes de ver una de mis películas es sencillo: Tened fe”. La radicalidad de su trabajo no ha logrado abrir las puertas de los canales de distribución comerciales. Como parte del trato que reciben en las pantallas españolas un nutrido grupo de cineastas que navegan contra la corriente de la industria –Olivier Assayas, Hou Hsiao-Hsien, Jean-Luc Godard, etc.–, sólo se han estrenado dos de sus películas en salas comerciales, las recientes El arca rusa (2002) y Padre e hijo (2003). Siguiendo el orden, queda por llegar –si efectivamente lo hace– su última propuesta que presentó en el pasado Festival de Berlín, El Sol, un filme que retrata al emperador japonés Hirohito y que se suma a su tetralogía sobre las personalidades tiránicas del siglo XX, compuesta además por sus anteriores y celebrados trabajos en torno a las figuras de Hitler (Moloch, 1999) y Lenin (Taurus, 2001).

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Junio 01, 2005

El tiempo contra Darth Vader - NÚRIA BOU & XAVIER PÉREZ

Reseña de "La venganza de los Sith" Tercera entrega, en tempo narrativo, de ´La guerra de las galaxias´. Originalmente publicada en LA VANGUARDIA DIGITAL

wars.jpgLo que sucedió el pasado 19 de mayo en las salas cinematográficas de todo el planeta no tiene precedentes, y es difícil que tenga imitaciones: multitudes de fieles se congregaron para saludar, con honores de estreno, el clausural episodio 3 de una saga fílmica que se inició, hace tres décadas, con un inaugural episodio 4. Entre las muchas consecuencias sorprendentes que ha provocado esta organización temporal, siempre quedará como un logro mayúsculo por parte de George Lucas su capacidad para seguir movilizando a una audiencia que va a contemplar lo que ya conoce como determinado e invariable. El público entra en el cine sabiendo perfectamente que se la va explicar la transformación del joven Anakin Skywalker en el maligno Darth Vader, por lo que toda su atención se centra en descubrir el modo de tan esperada metamorfosis. A la melodramática pregunta de ¿qué va a pasar?, los espectadores educados por Lucas se enfrentan a la trágica cuestión de cómo y por qué va a suceder lo que ya se sabe.

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Diciembre 03, 2004

Señales de humo

Reenviamos la reseña de Coffee and cigarrettes (de Jarmusch), escrita por ARNAU HORTA
REENVIADA DESDE LA VANGUARDIA - CULTURA|S Publicada originalmente el 01/12/2004

sc2926b.jpgJim Jarmusch recupera en su nuevo filme el formato episódico que ya utilizó en ‘Mistery train’ y ‘Noche en la Tierra’. Son once cortos, filmados a lo largo de quince años, en los que el director nos presenta una galería de personajes solitarios e incomunicativos

 Cuando se cumplen cinco años del estreno de su última película, Ghost dog, Jim Jarmusch reaparece con un nuevo trabajo que, en realidad, son once. Once cortos, de aproximadamente diez minutos cada uno, que el director realizó entre 1987 y 2002 y que ahora recopila bajo el título de Coffe and cigarettes. En ellos, Jarmusch narra, con su habitual austeridad en los diálogos y la puesta en escena, las conversaciones sobre la vida y un variado repertorio de banalidades que, entre sorbos de café y caladas de cigarrillo, entablan anodinamente diversos personajes. Concebidos inicialmente como divertimentos entre los rodajes de sus largometrajes, los cortos recuperan algunos de los rostros más memorables de la filmografía de Jarmusch (Roberto Benigni, Tom Waits, Steve Buschemi...), además de distintas personalidades del mundo de la música, elemento fundamental en los filmes del director. Iggy Pop, Meg y Jack White de The White Stripes y los raperos RZA y GZA son algunos los músicos invitados.

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