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Septiembre 04, 2008

PROYECTO NOCILLA* - Rafael Lemus

Originalmente en Rafael Lemus

1

La escena es tan hermosa que provoca n useas.
Un hombre -o una mujer, da lo mismo- afina su perfil en Facebook.
O env¡a un SMS.
O seduce a un adolescente en -digamos- Second Life.

Mejor: un hombre lee un texto, un texto cualquiera, en internet.
Un hombre lee un texto en internet y una frase lo arrastra a la siguiente y, de pronto, un link lo dispara a otro texto, profusamente ilustrado, que no tarda en rebotarlo a un blog que reproduce un video, copiado de otro sitio, para terminar comprando, nueve o diecisŽis clics m‡s tarde, un boleto de avi—n -o una computadora m s potente- en un inesperado pliegue de la red.

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PROYECTO NOCILLA* - Rafael Lemus

Originalmente en Rafael Lemus

1

La escena es tan hermosa que provoca náuseas.
Un hombre –o una mujer, da lo mismo– afina su perfil en Facebook.
O envía un SMS.
O seduce a un adolescente en –digamos– Second Life.

Mejor: un hombre lee un texto, un texto cualquiera, en internet.
Un hombre lee un texto en internet y una frase lo arrastra a la siguiente y, de pronto, un link lo dispara a otro texto, profusamente ilustrado, que no tarda en rebotarlo a un blog que reproduce un video, copiado de otro sitio, para terminar comprando, nueve o dieciséis clics más tarde, un boleto de avión –o una computadora más potente– en un inesperado pliegue de la red.

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Septiembre 02, 2008

LOS PAISAJES INVISIBLES - Iv n R¡os Gasc¢n

Originalmente en Laberinto

Hacia 1893 [Paul Val‚ry] viv¡a en el Quartier Latin y desde el peque¤o restaurante donde com¡a, observaba a ciertas luminarias en sus andares cotidianos, como el ilustre ge¢metra Henri Poincar‚, de solitaria y encorvada sombra que rozaba las paredes, o el poeta Paul Verlaine, ataviado con cachucha y bufanda roja, cuyo s‚quito organizaba un alboroto a cada bastonazo que le daba al piso, pues Verlaine hab¡a reunido a aquella tropa por el puro af n de reinar sobre un pu¤ado de locos y bohemios.

Despu‚s de comer se dirig¡a al jard¡n de Luxembourg y ah¡ pod¡a mirar a otro poeta, Leconte de Lisle, que cruzaba la floresta camino del Senado, donde era bibliotecario.

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LOS PAISAJES INVISIBLES - Iván Ríos Gascón

Originalmente en Laberinto

Hacia 1893 [Paul Valéry] vivía en el Quartier Latin y desde el pequeño restaurante donde comía, observaba a ciertas luminarias en sus andares cotidianos, como el ilustre geómetra Henri Poincaré, de solitaria y encorvada sombra que rozaba las paredes, o el poeta Paul Verlaine, ataviado con cachucha y bufanda roja, cuyo séquito organizaba un alboroto a cada bastonazo que le daba al piso, pues Verlaine había reunido a aquella tropa por el puro afán de reinar sobre un puñado de locos y bohemios.

Después de comer se dirigía al jardín de Luxembourg y ahí podía mirar a otro poeta, Leconte de Lisle, que cruzaba la floresta camino del Senado, donde era bibliotecario.

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Agosto 29, 2008

Una venus mutilada - Vicente Luis Mora

Originalmente en Vicente Luis Mora - Diario de lecturas

Germán Gullón
Una venus mutilada. La crítica literaria en la España actual; Biblioteca Nueva, Madrid, 2008.

Sobre una imagen de Proust, para quien la crítica era una venus mutilada que debía completarse con el pensamiento de los lectores (algo que tenemos muy claro en este blog), y como “libro de conducta para la crítica literaria� (p. 16) presenta Germán Gullón este ensayo, continuador en parte de las tesis de su excelente Los mercaderes en el templo de la literatura (Caballo de Troya, 2004). Y, en efecto, a lo largo de sus páginas se van desgranando recomendaciones para ejercer este extraño oficio de crítico, unas de tipo técnico, otras de tipo ético. Entre las primeras, sugiere el autor no llevar a cabo vendettas personales aprovechando el espacio crítico disponible (p. 58), elaborar la aportación personal con autenticidad y coherencia (p. 59), o tener en cuenta que “vivimos atravesados por una cultura multimediática, a la que es imposible volver la espalda� (p. 70).

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Agosto 26, 2008

«A la política se llega desde el arte» Francesc Torres - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

Siempre es difícil resumir una trayectoria artística, en este caso, de cuarenta años de trabajo ininterrumpido. En esta segunda antológica de Francesc Torres (Barcelona, 1958) en España -la primera tuvo lugar en el Reina Sofía en 1991-, el artista y el comisario de la muestra, Bartomeu Marí, han optado por mostrar el «rostro» menos conocido, la otra cara de la moneda, de lo que se vio en la exposición madrileña, en la que se puso el énfasis en la instalación.

¿Qué es lo que distingue a esta exposición barcelonesa?

Desde un primer momento me propuse estructurar la exposición al revés, es decir, destacando la parte menos conocida de mi trabajo, y, en lugar de hacer un recorrido por las instalaciones, llenar los agujeros que las separan, ahondando en las fisuras, sin renunciar a ninguno de los leitmotivs de mi obra -la política, la memoria, la cultura, el lenguaje y el poder- expresados a partir de una gran pluralidad de soportes, también instalaciones.

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Agosto 13, 2008

Sin nudo, pero con desenlace - Juan Antonio �lvarez Reyes

Originalmente en abcd

No es fácil. Tampoco sencillo. El trabajo de Seth Price es más bien complejo y sin demasiadas concesiones -al menos, hasta el final de su exposición en Zúrich-. Andrea Viliani tituló un texto que escribió sobre el artista con la siguiente interrogación: «¿Qué es esto?». Sin duda, es una pregunta que asalta nada más comenzar la visita a esta especie de retrospectiva, y la respuesta no es simple. Es más, un somero acercamiento llevaría a largas explicaciones. Y, sin embargo, aunque se quiera y se necesite saber más, también el trabajo despierta, por este mismo motivo, el interés y la curiosidad que al final del recorrido parece hallar una especie de explicación.

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Agosto 12, 2008

Territorios de persuasión - �NGELA MOLINA

Originalmente en babelia

"Somos los hombres huecos / somos los hombres rellenos / apoyados uno en otro / la mollera llena de paja. ¡Ay! / Nuestras voces resecas, cuando / susurramos juntos / son tranquilas y sin significado" (Los hombres huecos, 1925). Fueron probablemente estos versos de T. S. Eliot los que inspiraron a Juan Muñoz para crear sus celebradas Escenas de conversación, pobladas de personajes destinados a desvanecerse dentro de un saco de abultados silencios. Para The Waste Land (La tierra baldía), el artista madrileño siguió la estela del autor norteamericano en el poema del mismo título (1922) en cuyos versos las lilas de abril florecen en un paisaje de desolación y sequía espiritual. Un suelo óptico que dirige la mirada del espectador hacia una pequeña figura que nos observa desde la pared -un muñeco de ventrílocuo- nos habla de la pérdida, la desintegración, la esterilidad y de todas las enfermedades de la civilización moderna. La infamia genera complicidades hasta dejar el mundo reducido a una gran tumba desierta ("Veo multitudes de gente / dando vueltas en círculo...", escribió Eliot). Para combatirlas, el artista extrae de su imaginación los fermentos de la arquitectura barroca -Francesco Borromini- y el diario de la vida en la muerte de tantos hombres y mujeres para quienes la última salida se encuentra en la memoria colectiva de mitos y leyendas. También en el presente -fuera del tiempo- del amor.

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Luz contra la monotonía - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abcd

A Roma no le sienta bien el arte actual. Otra cosa es la moda, y lucir uno y mil complementos de Dolce & Gabbana, independientemente de la clase social. Pero lo de la creación plástica va menos con la Ciudad Eterna, quizá porque está acostumbrada a las digestiones lentas (y así se armó la que se armó cuando se decidió darle al Ara Pacis una «cobertura» contemporánea, lo que al final llevó a cabo el norteamericano Richard Meier). Y quizás también por eso sus museos de arte contemporáneo, en un alarde de optimismo no muy compartido, acuden a acrónimos hiperbólicos para autodenominarse: De un lado está el MACRO, que estos días acoge en su sede en la via Reggio Emilia, entre trabajos de ampliación, una espléndida muestra de Gregor Schneider y, en sus salas del antiguo Mattatoio, la individual que la Fundación Miró dedicó el verano pasado a Sean Scully. Del otro, el MAXXI, ahora cerrado, que espera retomar sus labores en cuanto Zaha Hadid termine de dar forma a sus nuevas dotaciones.

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Agosto 11, 2008

Vivir del cuento - Andrés Isaac Santana

Originalmente en abcd

Enfática, humorística, cínica y crítica resulta la obra de este hacedor de cuerpos simulados, de paradigmas discutidos, de estereotipos repelentes que trascienden lo fenomenológico para rozar el plano de la más honda ontología. Es justo en medio de la ansiedad hiperbólica por la corrección cosmética y el excesivo consumo como garantes de prestigio y de éxito social de la sociedad contemporánea que el trabajo de Duane Hanson (1925-1996), revela una peligrosa actualidad que restituye sus posibilidades críticas. Desde la ironía, la narrativa del deseo insatisfecho y el vagar de la utopía en tanto pérdida de la fe y de la ilusión se alimenta una revisión crítica, de carácter introspectivo, en el más rancio modelo del American way of life.

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Agosto 09, 2008

El complejo poético-militar - SLAVOJ ZIZEK

Originalmente en EL PAIS

Radovan Karadzic, el líder serbobosnio responsable de la terrible limpieza étnica en la guerra de la antigua Yugoslavia, está, por fin, detenido. Ahora es el momento de alejarse un poco y examinar la otra faceta de su personalidad: psiquiatra de profesión, no sólo era un jefe político y militar implacable y despiadado, sino también un poeta. Y no debemos despreciar su poesía ni considerarla ridícula; merece una lectura detallada, porque ofrece la clave para entender cómo funciona la limpieza étnica. He aquí los primeros versos de un poema sin título que se identifica por su dedicatoria, "... Para Izlet Sarajlic": "Convertíos a mi nueva fe, muchedumbre. / Os ofrezco lo que nadie ha ofrecido antes. / Os ofrezco inclemencia y vino. / El que no tenga pan se alimentará con la luz de mi sol. / Pueblo, nada está prohibido en mi fe. / Se ama y se bebe. / Y se mira al Sol todo lo que uno quiera. / Y este dios no os prohíbe nada. / Oh, obedeced mi llamada, hermanos, pueblo, muchedumbre".

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Agosto 07, 2008

De Virginia Woolf a Gran Hermano - Leonardo Tarifeño

Originalmente en adncultura

En La intimidad como espectáculo (FCE), Paula Sibilia* escribió un excelente ensayo sobre el pánico al anonimato que parece recorrer la sociedad contemporánea. Personas que no dejan secretos por contar en sus blogs, desconocidos que se hacen famosos por convertir su vida cotidiana en un programa televisivo y escritores que narran sus historias en una primera persona que se confunde con la vida del autor forman parte de una nueva sociedad, que para Sibilia es inseparable de "la economía, la política, los deseos y la moral en el capitalismo posindustrial". Por eso, según ella, no se debe ver a la cultura digital como la enemiga de la cultura letrada. Sencillamente, se trata del sustrato donde florece el Yo contemporáneo, el tipo de subjetividad que exige el mundo actual, "tan necesaria y diferente como la que necesitaba la cultura letrada constituida a partir del siglo XIX".

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Agosto 06, 2008

Donde dice Japón - Aurelio Asiain

Originalmente en hoja por hoja

La literatura japonesa es mucho más que las obras que, en tiempos recientes, han ido conquistando las librerías iberoamericanas. Junto al creciente entusiasmo de quienes leen en español a Haruki Murakami, Kenzaburo Oé o Banana Yoshimoto, y antes apreciaron a Yukio Mishima y K�b� Abe, está el de quienes hoy pueden acercarse a autores esenciales como Yasunari Kawabata y Junichiro Tanizaki (ambos reeditados ampliamente), o a clásicos como el Genji monogatari, el Kojiki o el Heike monogata-ri. Uno de nuestros más asiduos lectores de la literatura nipona presenta aquí tres instantáneas sobre cómo ésta sigue llegando a nuestra lengua y cómo se producen hoy algunos de sus mayores éxitos editoriales.

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Agosto 03, 2008

¿Qué peligro? - Gabi Martínez

Originalmente en BABELIA

"¿Quién en el mundo querría soñar con chinos?", escribió una vez Joseph Conrad, estigmatizando de un plumazo a millones de orientales al colgarles la etiqueta "Pesadilla", equiparando más o menos a un chino con un tiburón. Pero ocurre que estos días el biólogo marino Rob Stewart promociona su documental sobre escualos insistiendo en que "los tiburones no atacan a las personas. Al contrario: huyen de nosotros". Y añadiendo que "no sabíamos casi nada de tiburones y llegó Spielberg y nos enseñó a odiarlos".

Es curioso cómo los miedos o fantasías de algunos (grandes) artistas toman acomodo en el imaginario de sus civilizaciones, convirtiéndose en lugares comunes que casi nadie contesta, sobre todo porque faltan argumentos, información.

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Julio 27, 2008

Aforismos en el librero - Armando González Torres

Originalmente en hoja por hoja

Un lector de Cioran o de Canetti, acostumbrado a la violenta fulguración de su pensamiento, se asombraría ante la definición del aforismo que brinda el diccionario: una “sentencia breve y doctrinal que se propone como regla en alguna ciencia o arte�. Cierto, durante mucho tiempo hombres de ciencia, filósofos o aficionados destilaban sus perlas de sabiduría en aforismos que pretendían autoridad. A menudo edificante, el aforismo buscaba plasmar un conocimiento de manera con-cisa, persuasiva y didáctica en sentencias que lo mismo disertaban de medicina o agronomía que de cosmogonía y conducta. Estos extractos se administraban sin esfuerzo en un género de divulgación, al mismo tiempo popular y culto, que hacía accesible y memorable el tópico transmitido.

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Rincones ocultos del pensar - ISIDORO REGUERA

Gilles Deleuze - Dos regímenes de locos. Originalmente en BABELIA

Este libro es continuación de La isla desierta y otros textos. Textos y entrevistas (1953-1974) (Pre-Textos. Valencia, 2005), que recoge, cronológicamente, sin notas orientativas sino meramente aclarativas del editor y del traductor, escritos menores, por su tamaño, anteriores a 1975 (los 50 años de Deleuze). Éste, de igual modo, contiene conferencias, prólogos, artículos, entrevistas, textos cortos redactados entre 1975 y 1995 (muerte de Deleuze), poco accesibles hasta ahora por su dispersión y que siguen el ritmo o bien de la actualidad de esos años: Brigadas Rojas, juicio de Negri, pacifismo, Palestina, psicoanálisis, droga, cine, nuevos filósofos; o bien el de la aparición o edición en otros idiomas de sus obras: Lógica del sentido, Mil mesetas (muy interesante por su confrontación de primera mano con El anti-Edipo), Diferencia y repetición, Empirismo y subjetividad.

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Julio 24, 2008

Una incompleta Bienal de Pontevedra - David BARRO

Originalmente en el cultural

Comenzaré por la que seguramente es la mejor pieza de la Bienal, formal y conceptualmente: los 72 silencios propuestos por Xosé Freixanes. En la sala central del Pazo de la Cultura de Pontevedra se alzan textos solapados por imágenes que versan sobre la extinción. En estrecha complicidad con Chantal Maillard, el artista gallego sitúa como eje de su obra expandida una frase del libro más reciente de Maillard, La tierra prometida: “Lo que no hemos oído nombrar no existe para nosotros; y esto tiene una consecuencia lógica: si no existió nunca, ¿cómo podría extinguirse?�. El texto, que destaca sobre una pared dorada, contrasta con el abigarramiento de las otras paredes llenas de textos que conforman identidades tapadas por imágenes que velan así una parte de la historia. Como esos pueblos que desaparecen para construir chalets o parques temáticos, Freixanes nos habla de la extinción de las culturas, acompañándolo todo de un murmullo que en su desesperanza se convierte en grito, en herida desgarrada.

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Julio 21, 2008

Ser es ser mediático - Julia Goldenberg

Originalmente en THE SYMPTOM
Traducción: Jack of all Trades

I might be crazy triying to get you here with me. Why don't you come here with me? Vito Acconci (dirigiéndose al espectador), Theme song (video)

You must stand in front of the Mona Lisa or else. You can't fall in love with her reproduction, no, no, no - that's masturbation. Douglas Davis

Nuestro análisis toma como base los supuestos de que la relación con el otro[1] es del orden de la experiencia (no una relación cognitiva), y que ésta se encuentra mediada por la técnica. Es decir que no hay experiencia directa.[2] Solo así podrá delinearse la condición del otro inmerso en el campo perceptivo contemporáneo y la praxis política que gira en torno a él.

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Julio 20, 2008

Descubrimiento de un diálogo - Patricio Pron

Originalmente en adncultura

	Bolaño salvaje Edmundo Paz Soldán y Gustavo Faverón Patriau (Editores) Candaya/502 páginas.
	El lugar de Piglia. Crítica sin ficción Jorge Carrión (Editor) Candaya/453 páginas.

En marzo de 2001, el suplemento cultural del diario El País de Madrid reunió a través del correo electrónico a Roberto Bolaño y Ricardo Piglia; como todos los que tienen lugar entre escritores, el diálogo, que puede consultarse en Internet, se compone más bien de un intercambio de monólogos y recuerda la particular correspondencia del músico francés Erik Satie, quien respondía las cartas sin abrirlas jamás. En la conversación con Bolaño, Piglia trae a colación esa correspondencia y sostiene que "es fantástica" porque todas las cartas "hablan de cosas distintas y ésa, por supuesto, es la esencia del diálogo".

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Margot at the wedding -Iván Villamel

Originalmente en el reducto del cinéfilo

Existe dentro del cine americano, una corriente alternativa a las grandes producciones de los estudios hollywoodienses, producciones que probablemente pasen desapercibidas entre tanto artificio y/o producciones supuestamente independientes que acaparan nominaciones a los Oscar, que pretenden mostrarnos, a modo de retazos de vida cotidiana, ciertos aspectos de su sociedad alejándose de la parafernalia propagandística del estilo de vida americano. En este género podría situarse "Margot y la boda", el nuevo film de Noah Baumbach (habitual guionista del controvertido Wes Anderson) en sus labores como director, que se encarga asimismo de la creación del guión. Una atrevida apuesta que se salda con un film interesantísimo con ciertos peros que perjudican en cierta manera el tono de todo el relato.

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"Aliento" de Kim Ki-duk - Beatriz Maldivia

Originalmente en blogdecine

Kim Ki-duk es el poeta coreano que dio a luz películas tan maravillosas como ‘Hierro 3’ o ‘El arco’. En esta nueva creación, ‘Aliento’ (‘Soom’, 2007), el cineasta nos cuenta cómo una mujer que ya no confía en su matrimonio se obsesiona con los intentos de suicidio de un preso condenado a muerte. Cuando descubre un indicio de la infidelidad de su marido, lo abandona todo y se dirige a la cárcel a ver al reo.

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Julio 18, 2008

Personas, deficiencias sectoriales y política - YP

Sobre los últimos acontecimientos en el CASM. Originalmente en YPSITE BLOG

Los acontecimientos que se están dando actualmente en el contexto cultural barcelonés vaticinan lo peor y son primos hermanos del horror. Y no solo porque el brazo político se ha alargado para mover fichas a su antojo en el Centre d’Art Santa Mònica, sino por la falta de reacción por parte de quienes conformamos el tejido cultural y artístico de la ciudad. Pocas son las posturas explícitas y muchas las declaraciones plagadas de rencillas y presunciones que distan mucho de enfrentarse al que es el verdadero problema. Lo que se está construyendo como telón de fondo va más allá de si Ferran Barenblit deja o no el CASM y si la línea que ha llevado el centro es peor o mejor o bebe de aquí o de allí. Esto sólo puede darse si pensamos en nuestros propios intereses y no en los del sector y si nos fijamos en las personas y no en los cargos que ocupan y lo que representan.

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Manuel Borja: «No podemos hacer un museo pensando sólo en los turistas»

Originalmente en e-norte

A finales del 2007 Manuel Borja-Villel (Burriana, Castellón, 1957) ganó el concurso para dirigir el museo Reina Sofía de Madrid, el más importante de España en cuanto al arte moderno y contemporáneo se refiere, depositario de una buena colección de obras de Picasso, Dalí y Miró, entre otros. Doctorado en la Universidad de Nueva York, forjó su prestigio al frente de la Fundación Tàpies y luego como director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), que pasaba por una situación crítica y lo elevó al primer rango del panorama internacional. Ahora, quiere «dar la vuelta al Reina como si fuera un guante».

-Usted se ganó el puesto en un concurso en el que se competía presentando un plan para el museo. ¿Cuál fue su diagnóstico?

-En este museo las urgencias han aplastado los proyectos a largo plazo. En los últimos diez años yo creo que se ha comprado bien. Sin embargo, la manera de presentación la colección es muy lineal, se pasa de un movimiento de vanguardia a otro, y se privilegia un solo punto de vista, que no tiene en cuenta cómo ha cambiado el mundo.

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Julio 15, 2008

Las artes espaciales/ Entrevista a Jacques Derrida - Peter Brunette y David Wills

Originalmente en accion paralela

Hoy 15 de julio se recuerda también la fecha de nacimiento de Jacques Derrida. Invocar el espectro, hacer presente la voz del ausente, y que ésta hable. Activar la economía de la memoria: "¿Qué es «alguien»? ¿Cómo define a «alguien»? ¿Quiere decir que ese «alguien» se trata de una «persona», un « yo» , un «sujeto»? Aquí hay ya tres definiciones diferentes. ¿Es una intención? ¿Un inconsciente sexuado? De antemano hay que determinar lo que uno quiere decir con «alguien». Nunca he dicho que la escritura se afirme como una especie de poder general o abstracto, como una sustancia. Eso no es la escritura que se afirma; no, es siempre, como usted dice, «alguien». Yo propondría no determinar a este «alguien» bajo ninguno de los términos de la tradición metafísica: ni un alma ni un cuerpo ni un yo ni una conciencia ni un inconsciente ni una persona. Dirá usted: «Entonces, ¿qué queda?» Bueno, queda «alguien» que piensa y que, por ejemplo, interroga, se interroga sobre todo lo que, en su lengua, en su cultura, le obliga a pensar todavía «alguien» en términos de yo, conciencia, hombre, mujer, alma, cuerpo, etc.; ese «alguien» que piensa interroga a la historia, cómo se ha constituido, qué quiere decir «alguien», si «alguien» no se reduce a todas estas determinaciones.

A mí me interesa una escritura, esa escritura de «alguien» que se mide con tales preguntas."

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Julio 14, 2008

La pureza del ensayo - Luigi Amara

Originalmente en hoja por hoja

Para nosotros, que fatalmente somos su posteridad, Robert Louis Stevenson es el autor de dos obras maestras que, por una suerte de ineptitud crítica o simple y llana haraganería, ubicamos en el estante de los libros juveniles: La isla del tesoro y El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Esto, que no sé si llamar error o injusticia, priva al lector de dos de los mayores placeres que la literatura pueda depararnos: volver a esos libros en edad adulta y, dado su indudable peso específico, que tiene el efecto de eclipsar todo lo demás, acercarse al resto de su obra, en particular a sus ensayos. Lo recordamos como el popular contador de historias que fue (tarea que él mismo calificaba de “pueril�), pero nos olvidamos de la perfecta pureza con que reflexionó sobre las más diversas materias, a las que siempre imprimió su sello singular y preciso.

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Julio 13, 2008

El objeto de la creación - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

En una entrevista de Hans Ulrich Obrist, el artista danés de origen islandés Olafur Eliasson (1967) se mostró partidario de trabajar en espacios públicos para desafiar el estandarizado «acto de mirar» que comporta la exhibición de las obras de arte en lugares institucionalizados y cerrados como los museos. Trabajar en función del lugar, incorporando el azar y una cierta improvisación, reflejaría la urgencia de disolver la especificidad de cada obra y combatir la «neutralizadora capacidad de las instituciones a la hora de crear públicos estandarizados». Según Eliasson, el circuito clásico del museo y sus roles expositivos favorecen un público pasivo; la única alternativa consiste en ofrecer una «situación estimulante» con un proceso inverso a los roles tradicionalmente asignados al sujeto y el objeto: el espectador se convierte en objeto y el contexto en sujeto: «Siempre -apunta el artista- intento llevar al espectador hacia el contenido de la exposición, hacerlo móvil y dinámico».

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La cultura bajo asedio - Luis Alejandro Contreras

Originalmente en contracorrientes

Todos nos confiamos en nuestro miedo, nuestra torre de marfil.
E. M. Cioran
No me pidan más mi programa, ¿no es uno respirar?
E. M. Cioran [1]

La estupefacción puede ser un buen acicate a la hora de escribir o manifestar una opinión en torno a un tema sobre el que uno no desearía tener que entrar en liza. Tal es el caso presente. Tenía yo en mente, desde hace varios meses, el meterme en camisa de once varas y expresar ciertas consideraciones sobre el asedio que el hombre y sus fatuos patrones de vida imponen en desmedro de ese bien intangible que hemos nominado desde antaño con la palabra cultura.

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La órbita del duelo - Nicolás Cabral

Originalmente en hoja por hoja

Tal vez sea necesaria cierta ambigüedad para referirse al género literario practicado por W. G. Sebald, el celebrado autor alemán. Aquí se pasa revista a tres volúmenes recientes en los que brillan sus “prosas�, que son ensayísticas, pero también narrativas, pero también autobiográficas y confesionales, históricas y aun psicoanalíticas, nimbadas siempre por el duelo.

En uno de los ensayos reunidos póstumamente en Campo santo (2003), W. G. Sebald señala, refiriéndose a su admirado Peter Weiss, que la obra de este escritor “está concebida como una visita a los muertos�. Leída en perspectiva, esa descripción sirve no sólo para entender el objeto de estudio del texto sino, como suele ocurrir, la poética de quien empuña la pluma, que en el momento de la redacción, en algún punto de 1986, era apenas el autor de tres volúmenes de crítica académica (sobre Döblin, Kafka, Canetti, Bernhard o Handke) y una antología de ensayos sobre teatro alemán de las décadas de los años setenta y ochenta, donde hablaba por primera vez de la “amnesia colectiva� sufrida por sus compatriotas después de la segunda guerra mundial. Estaban por escribirse aún los volúmenes que convertirían al prosista alemán, con una velocidad sorprendente si consideramos que en estos tiempos la crítica suele confundir a los escribanos con los artistas, en una de las voces auténticamente indispensables de la literatura contemporánea.

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Julio 12, 2008

El mundo es una novela - Ricardo Menéndez Salmón

Orginalmente en BABELIA

Nací y vivo en una ciudad junto al mar que arrastra la dudosa fama de no haber sido novelada nunca con genio. A 28 kilómetros de ella se yergue la heroica Vetusta, la ciudad que "dormía la siesta". Mis paisanos, del polígrafo Jovellanos para acá, apenas han podido oponer a tan gigantesco contrincante un puñado de magníficos pintores.

Escribo esto desde la ironía, por descontado. También en mi rincón del mundo ha habido escritores obstinados en encerrar la realidad dentro del enunciado de una novela. Yo me cuento entre ellos, y desde hace una década me aplico a este propósito con mayor o menor fortuna, pero siempre con ambición. Porque creo que el artista, como quería Miró, debe plantearse su tarea desde la mayor de las ambiciones, con todo el orgullo posible, para ejecutarla con la mayor de las humildades, desde la convicción de que, casi siempre, el territorio del arte es el fracaso.

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La filosofía en invierno - MIGUEL �. HERN�NDEZ-NAVARRO

Originalmente en No (ha) lugar
Hace unas semanas, al escribir acerca de las relaciones entre poesía y pensamiento, recordaba Chantal Maillard en Babelia que “el que lee filosofía, levanta a menudo la cabeza, como hace un pájaro al beber. Así, lo leído se filtra, como el agua en la garganta del pájaro, y se asienta en el entendimiento�. Justo entonces acababa yo la lectura de Derrumbe, la última y magistral novela de Ricardo Menéndez Salmón (Gijón, 1971), y en uno de los momentos más impactantes del libro, me sorprendí levantando la cabeza durante varios minutos con lágrimas en los ojos intentando asimilar lo que sucedía en un extraño lugar llamado Promenadia. Fui consciente entonces de que la obra que leía, por encima de cualquier otra cosa, era monumento al pensamiento. Al pensamiento, en este caso, de lo terrible, un tema recurrente en la producción del escritor asturiano.

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Julio 11, 2008

La Institución está muerta, pero vive en la periferia - Övül Durmusoglu

Originalmente en artnet.de

Entrevista a Övül Durmusoglu - Anne Schreiber
Traducción y propuesta Marta Calderón

Ya es el segundo Taller para Jovenes Curadores, dentro de la 5ta Bienal de Berlin, y tuvo lugar a principios de Abril . El Proyecto de Kunst Werke Berlin e.V es una colaboración entre el Instituo Goethe y esta patrocinado por la Fundación Allianz y la BMW. En tiempos de la globalización del mercado deben reunirse curadores de diferentes origenes y estilos de trabajo para intercambiar sus proyectos, sus ideas y sus objetivos. Entrevistada por Arnet Magazin explica Ovul Durmusoglu, porque es necesario reformar la practica curaturial dado que su futuro no tendra lugar en las metropolis occidentales. Asi junto a la Historia del Arte surge la maniobra de la traduccion como una herramienta adicional en la practica de Durmusoglu.

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Julio 08, 2008

Dios no existe: el retorno del ateísmo militante - DANIEL GAMPER

Originalmente en el culturas de La VANGUARDIA

La religión es un reducto de la irracionalidad y de la oscuridad, una superchería, una creencia en cosas invisibles e improbables que conduce a comportamientos arbitrarios e inexplicables. Semejante diagnóstico ha caracterizado desde la Ilustración e incluso antes el modo en que la ciencia y el pensamiento riguroso han valorado el fenómeno religioso. En otras épocas, los científicos miraban condescendientes cómo sus congéneres se arrodillaban ante imágenes y creían dialogar con un ser trascendente en el que depositaban sus esperanzas de salvación. El diagnóstico científico no veía la religión como un peligro, sino como una práctica arcaica que lentamente iría dejando paso a ideas más plausibles sobre nuestro origen y el sentido de la vida. Pero el espíritu de los tiempos no ha seguido esta senda y se habla ahora de un retorno de dios y un auge de las religiones en el espacio público. Es lo que los sociólogos de la religión denominan desde hace más de una década la "desecularización".

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Un ejercicio 'sentimental' - JOSÉ ANDRÉS ROJO

Sobre Cultivos, de Julián Rodríguez. Mondadori. Barcelona, 2008. Originalmente en Babelia

"Yo fui a buscar a Gieraltowski a Varsovia. No tenía intención de encontrarme con él, pero fui a buscarlo. Con un manojo de fotografías (en sentido estricto, recortadas de diferentes álbumes y revistas) tomadas por él, buscaba aquí y allá 'sus lugares". Eso cuenta Julián Rodríguez en Unas vacaciones baratas en la miseria de los demás (Caballo de Troya). Se refiere al fotógrafo Kzrystof Gieraltowski y cuenta que muchos de sus lugares coinciden con los lugares de Witold Gombrowicz, el autor de Ferdydurke. Un poco después apunta una cita: "Los pensamientos saltan de un hombre a otro como las pulgas. Pero no a todos les remuerden". La atribuye a Lec, pero no está seguro. Habla de realismo socialista, del "periodo liberalizador" en Polonia, de la trayectoria del fotógrafo.

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Julio 06, 2008

La virgen de los deseos - �NGELA MOLINA

Originalmente en BABELIA

Los fanáticos duchampianos destacan siempre que al mejor amante de toda la historia del arte, a diferencia de Picasso, no le importaba perder en el amor, no así cuando se sentaba frente a un tablero de ajedrez. Duchamp necesitaba constante y perentoriamente esa cualidad: la alegría del deseo, fuente de inspiración de su última y más secreta obra, Étant donnés, hoy en exposición permanente en el Museo de Arte de Filadelfia. Para su montaje, Duchamp elaboró un minucioso manual ilustrado (Aproximación desmontable ejecutada entre 1946 y 1966 en Nueva York) que fue publicado por el museo en 1987. Tres años antes, con motivo de su retrospectiva en la Fundación Miró (comisariada por Gloria Moure), la obra fue recreada a partir de una puerta original traída especialmente de Cadaqués, auténtico "velo" de uno de los desnudos más agresivamente expuestos del siglo XX.

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Debilidad - Rosa Olivares

Originalmente en Exit Express

Ya estamos en el siglo XXI y no ha habido ningún gran cambio digno de destacar. Sin embargo, empezamos a notar, hace ya tiempo, en realidad desde el siglo pasado, que no encontramos nada nuevo. Detrás de los neos y post, las tendencias se han ido diluyendo y sólo quedan nombres aislados que brillan o intentan brillar, con sus trabajos unos, y otros con sus declaraciones de propósitos, que tapan unas obras que, a decir verdad, no agradan a nadie sino fuera por todo aquello que nos han dicho que representan de denuncia o de crítica, o de algo que no acabamos de ver pero que, vale, lo aceptamos ante la necesidad urgente de algo nuevo, de algo que marque este nuevo siglo. Tal vez lo que marque este nuevo siglo sea la debilidad, tal vez estemos ante una época de decadencia y revisionismo. Una época en la que todo el poder recae sobre la institución y, por consecuencia, sobre las personas que controlan esas instituciones, es decir, aquellas que detentan el poder y por lo tanto deciden a quién exponer, qué destacar, qué callar, qué ocultar...

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Juan Muñoz y su espectador - José Manuel Costa

Originalmente en ARTECONTEXTO (c)

Algo que siempre ha resultado muy notable en la obra de Juan Muñoz es la cantidad de interpretaciones e ideas que anima a expresar. No es que todos los artistas contemporáneos sean deliberadamente opacos como Lawrence Weiner, ni perfectamente incomprensibles como Franz West. Tanto Jeff Koons como Damien Hirst han dado lugar a un sinnúmero de análisis, muchas veces abusivos, pero en Juan Muñoz el tema es muy diferente. Las interpretaciones de las que hablo vienen no tanto de los profesionales (que también) como de espectadores preparados que no acuden mediatizados por primeras planas de diarios sensacionalistas ni, según parece, se quedan mudos de estupor ante la “propuesta�.

Este fenómeno buscado es una de las grandes ideas rectoras en la obra de Muñoz y quizás pueda rastrearse en su actual gran retrospectiva europea (Tate Modern, Museo Serralves en Oporto, Guggeheim de Bilbao, Reina Sofía de Madrid y quien sabe si algún otro). Aquí, y a pesar de algunas ausencias que duelen, pueden revisarse sus temas recurrentes y bien identificados, piezas de un mosaico que se recompone continuamente hasta unirse en el gran concierto de una hiper-pieza tipo el Double Bind (2000), en la misma Tate Modern que ha impulsado esta exposición.

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Olafur Eliasson, la marca del artista - David G. TORRES

Originalmente en EL CULTURAL

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En la rueda de prensa de la exposición de Olafur Eliasson (Copenhague, 1967), Martina Millà, jefa de exposiciones de la Fundación Joan Miró, subrayó que la visita del artista nórdico a Barcelona era comparable a la de Albert Einstein en 1923. Y que, posiblemente marcaría a la comunidad artística “local� (de Barcelona y Girona, donde la exposición encontrará continuidad en las salas de la Fundación Caixa Girona) de la misma manera que lo hizo la del teórico de la relatividad. Según esta comparación, Eliasson ocuparía hoy un lugar semejante al de, por ejemplo, Marcel Duchamp, del que por cierto es posible visitar una exposición a pocos metros de la Fundación Miró en compañía de Man Ray y Picabia. Este último también pasó por Barcelona y en fechas no muy distantes a las de Einstein, y luego también el propio Duchamp. Y sí dejaron huella. El de ahora, está por ver.

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Alicia Framis: “El arte ya lo conozco, y lo aborrezco� - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

Ante la posibilidad de que Guantánamo se convierta en un Museo, Alicia Framis plantea en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona una posible alternativa, un lugar que repela el horror. Se condensan en esta exposición que mañana inaugura muchas de las razones que hacen de Framis, que ahora reside en Shanghai, una de las artistas más aplaudidas de su generación.

De las palabras de Alicia Framis (Barcelona, 1967) se desprende que no quiere ser artista pero, tal vez a su pesar, es una de las figuras que mayor eco internacional ha obtenido en la última década. Su trabajo se centra en los problemas de la sociedad contemporánea, se detiene ante sus excesos y trata de darles explicación y respuesta. La suya es una obra trasversal que no ambiciona una evolución progresiva sino que trata de poner el acento en aquello que vivimos y sufrimos todos. Ha hablado sobre incomunicación, sobre el lugar de la mujer, la experiencia laboral bajo el sistema capitalista y ahora lo hace sobre Guantánamo. “La historia –explica Framis– empezó cuando envié a Enrique Vila-Matas todos los nombres de los prisioneros y él hizo de ellos una especie de canción, un mantra que luego fue interpretado por Bargeld. Esta pieza sonora será el núcleo central junto a otra obra de grandes dimensiones que consiste en una instalación de luz y una plataforma con 273 cascos de moto, cortados de una manera que convierte al casco, sinónimo de seguridad, en algo blando y frágil. Metáfora de lo que el gobierno de un país puede a veces representar para los extranjeros�.

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El museo como mensaje - David BARRO

Sobre "El medio es el museo", Comisarios: Pablo Fanego y Pedro de Llano. MARCO. Originalmente en EL CULTURAL


No es la primera vez que una exposición nace con el objetivo de repensar las condiciones actuales del museo como medio, es decir, las posibilidades que éste tiene de ir más allá de su asumida función de contenedor para proponerse a sí mismo como lugar para la experiencia. Indudablemente, tampoco será esta vez la última oportunidad para reflexionar sobre ello, precisamente porque, como aquí se demuestra, son muchos los artistas que buscan esa relación directa con el habitual contexto –el museo– donde la acción de crear, la obra, tiene lugar.

En esta ocasión, un buen título, El medio es el museo, da paso a una afortunada selección de artistas y a un montaje sobrio y preciso. El estudiado trabajo de comisariado se deja ver en todos los momentos de nuestra visita. Sin buscar grandes alardes ni productos políticamente correctos, y sin ningún enfoque cerrado que solape el propio contenido de las obras, poco a poco se nos da paso a las distintas vertientes que encaran la institución como soporte, física y conceptualmente. El guiño a McLuhan en el título puede extrapolarse a unas afinidades electivas con artistas que esquivan lo lineal y que buscan ese sentido de contención del museo que es contenido al mismo tiempo; el medio y el mensaje se contienen el uno al otro y de ahí esa coincidencia que advertimos al pensar en la escala humana que domina cada uno de los trabajos, producto de procurar el encuentro, la relación. Deleuze hablaba de construir una lengua más en el interior de su lengua, y aquí más que nunca el mensaje es el de un museo sumido dentro de una banda de Moebius.

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Ignasi Aballí: “Hay que adoptar un punto de vista crítico"- David G. TORRES

Originalmente en EL CULTURAL
Ignasi Aballí pertenece a una generación de artistas catalanes (con Pep Agut o Mabel Palacín) que en los años noventa recuperaron las prácticas conceptuales desde una intensa reflexión sobre el estatuto de la imagen, la pintura, la representación e incluso la condición política del arte. Hace un par de años el MACBA le dedicó una amplia exposición en la que revisitaba algunas de sus obras: desde los cuadros de errores (tapando toda la superficie con Tipp-Ex) o los pantones (cuadros monócromos identificados en aquel caso con ideologías), hasta piezas más recientes como los listados de objetos, personas, oficios o números. Una exposición que supuso el primer punto en la fuerte expansión y visibilidad que ha tenido su obra en los últimos años (Bienal de Venecia incluida). Y en un museo que está a cuatro pasos de su estudio. Allí, en un orden que seguramente Ignasi Aballí entiende, pero que al visitante se le escapa y que contrasta con la austeridad de su trabajo, nos encontramos con el artista para que nos hable de sus recientes proyectos para PHotoEspaña y la galería Elba Benítez. También para hacer un repaso de estos últimos años y de su manera de enfocar el trabajo en arte.

–Presentará una instalación en el Jardín Botánico: ¿de qué se trata?
–Es un encargo complicado: implica trabajar en un gran espacio, abierto durante dos meses y en relación a la fotografía. Finalmente, presento fotografías de malas hierbas, aquéllas que nunca estarán en un jardín y que crecen espontáneamente. Provocan un contraste: las malas hierbas son una inconveniencia en un lugar preparado para la excelencia. Estas imágenes van acompañadas de textos extraídos de manuales de fotografía para jardines. De hecho, el título es Fotografía para jardines.

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Julio 05, 2008

“Rendition� no es rendición - DAVID G. TORRES

Sobre “Extraordinary Rendition� en la galería Helga de Alvear, Madrid. Originalmente en a-desk

Extraordinary Rendition “es el término acuñado por la administración Bush para definir el cuerpo de nuevas medidas legales que buscan desmontar el actual sistema de Derechos Humanos y desproteger de ellos al ciudadano�. También, es el título de la última exposición de la galería Helga de Alvear (de hecho esta pequeña descripción pertenece a la hoja de la sala de la muestra). Y también daba título a otra exposición en la galería Nogueras·Blanchard hace poco más de un año comisariada por el colectivo Latitudes. Extraordinaria coincidencia. Realmente, parece que el AVE ha hecho poco por acercar el conocimiento entre ambas ciudades, a pesar de que además del AVE existe google y la exposición que organizó Latitudes sale entre las diez primeras entradas del buscador tras teclear las dichosas “Extraordinary Rendition�. Y extraordinario, en cualquier caso, el éxito de la disimulada etiqueta de la administración Bush para camuflar lo que sin duda va en contra de la democracia que tanto preconiza. En el escaso plazo de un año dos iniciativas no han podido evitar la tentación de usarla para titular una exposición.

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Julio 03, 2008

El sociólogo y el teórico - Pablo Muñoz

Originalmente en papel en blanco

Parece que antes de Afterpop no hubiera nada. Si acaso objetos de lujo, personas o lenguaje. Un gran hueco al que se lanzó muchísima gente a preguntarse qué diantres está ocurriendo que no ha venido nadie o que si no pasa nada, nos lo está explicando eso, nadie. Hubo un pequeño amago, como si fuera un prólogo imaginado de esta novela de relleno que son estos días de la literatura en castellano, con esa inolvidable y excelente introducción del sociólogo Verdú a American Psycho de Breat Easton Ellis, en su edición española de Ediciones B. Verdú nunca ha escrito sobre mapas o pistas, Verdú ha sido siempre nuestro sociólogo y muchas veces nuestro filósofo, cuando los amantes de la libertad deciden saltarse la parte pesada del asunto, como lo llama el apreciado Sergi Bellver. Es fácil interrogarse sobre si Verdú podía ser, leyéndolo ahora el más perspicaz sigue haciéndolo, nuestro crítico. Sobretodo porque Ignacio Echevarría se marchó hace tiempo, con sus obligados Desvíos y Trayectos, no indicó demasiado más.

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Julio 02, 2008

La imagen predominante de la publicidad - Entrevista a CATHERINE DAVID

Originalmente en adncultura

Catherine David llega a la Argentina para compartir lo que ha aprendido en el territorio del arte. Con el bagaje de un respetado trabajo en el mundo cultural, la curadora francesa advierte: "Hoy, lo que recibimos en mayor medida, es un mensaje publicitario. La imagen publicitaria es la dominante. Esa suerte de estatización de la miseria humana que hacen algunos artistas me parece problemático". Esta reconocida historiadora del arte brindará conferencias en el contexto del proyecto, "De rasgos árabes", a cargo del artista español Pedro G. Romero, cuyos debates comenzarán mañana en el Instituto Goethe y continuará hasta el 3 de julio en el Centro Cultural de España (Cceba).

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Junio 29, 2008

Georges Perec: El último eslabón - ROBERT SALADRIGAS

Originalmente en La VANGUARDIA

El movimiento dadá y su espíritu de revuelta frente a las convenciones artísticas, fundado en 1916 por Tristan Tzara en Zurich, se extinguió hace ya mucho tiempo, en 1922, cuando fue engullido por la potente magnitud y la cohesión irreductibles del surrealismo que en literatura personificaron André Breton y Louis Aragon. Tan diluido quedó su mensaje de provocación y burla hacia lo decadente, su idea de abolir las fronteras entre la vida y la expresión rotundamente libérrima del arte, la firmeza de la acción contrapuesta a la vaga blandura del gesto poético, que al cabo de tantos años, en un mundo radicalmente transfigurado por las catástrofes bélicas, el auge del materialismo y la pérdida de todo referente moral, del legado de Tzara y los suyos no se conserva siquiera el rastro de las cenizas.

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Objetos fuera de lo común - CARLES GUERRA

Originalmente en La VANGUARDIA

Las salas de exposiciones temporales del Museu d´Art Nacional de Catalunya presentan un desorden inusual. Las cajas se amontonan a la entrada. Todas proceden de Londres y llevan una etiqueta en la que se puede leer: Exhibition: Duchamp, Man Ray, Picabia. Ninguna de ellas indica qué obra de estos artistas ha transportado. Han viajado camufladas entre mercancías de todo tipo. Tan sólo un número desvela qué obra había en su interior. Podría haber sido la Fuente (1917) de Duchamp, un urinario vulgar y corriente convertido en icono indiscutible del arte del siglo XX. A dos semanas de inaugurarse la exposición reposa sobre una peana baja, apoyado sobre la superficie plana que, de haber sido usado, lo conectaría al desagüe. Pero no es así. La porcelana blanca mantiene su aspecto inmaculado. Nadie ha orinado en él. En 1917 Duchamp lo apartó de cualquier valor de uso, lo firmó con un extraño nombre y automáticamente lo convirtió en un objeto problemático, causante de la mayor controversia estética de la historia. Nadie lo diría. Sus formas blancas y pulidas le dan un aspecto inofensivo, parecido al de cualquier escultura de tamaño mediano tallada en mármol. Hay quien incluso ha entrevisto la forma sagrada de la Virgen María.

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El calambur de la novia - IVAN BERCEDO / JORGE MESTRE

Originalmente en La Vanguardia

En 1949 Marcel Duchamp alquiló un segundo estudio en la misma planta del edificio de Greenwich Village donde vivía y envío una carta a Maria Martins. Le pedía que abandonara a su marido y regresase a Nueva York. En aquel estudio podría mantener su preciada independencia y estaría a su lado. Ella se negó y Duchamp dedicó los últimos veinte años de su vida a construir en secreto en aquel lugar un extraño diorama a partir de los bocetos del cuerpo desnudo de Maria que había realizado en los dos años anteriores.

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La sonrisa hermética - ANDRÉS HISPANO

Originalmente en La Vanguardia

La herencia indirecta de dadá puede haber recaído en la televisión, sobre una nueva generación de humoristas que se han abierto espacio en franjas adultas que, desde el año 2001, han creado canales televisivos como FOX, Cartoon Network, o MTV.

No es que esos creadores jueguen al absurdo, en la tradición británica del nonsense que tan bien ejercieron los Monty Python, es que son expresamente herméticos y con ganas de no parecerse a nada conocido. Aún más, se permiten atropellos formales de imposible digestión, como el célebre episodio de Wonder Showzen (2005) que llegado a los quince minutos de su ecuador se emitió marcha atrás excusando que así revertirían "cualquier daño causado por la baja calidad del programa".

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Anti-arte contra no-arte - KIKO AMAT

Originalmente en La Vanguardia

Arte. Ahí es cuando saco el revólver. Nada dispara más mi desconfianza que esa palabra; es como si me advirtieran que alguien disemina ántrax con el aliento. Lo cierto es que no es difícil sospechar del arte: Tiene aspecto de fraude estudiantil, una cosa intangible e inútil que sólo los expertos dominan y que sirve para estamparle a la gente en la nalga un sello con su clase social. ¿Arte? Quita de aquí, anda.

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Junio 26, 2008

Una antología con espíritu - Leonardo Tarifeño

Originalmente en adncultura

McSweeney´s. Volumen I
Varios Autores
Debolsillo

Vi a Dave Eggers durante la presentación de un volumen de McSweeney´s , en 2001 o 2002, en San Francisco. Eggers es el creador de la revista, además del autor de las memorias Una historia conmovedora, asombrosa y genial (Planeta) y la novela Qué es qué (Mondadori, de próxima distribución en la Argentina), entre otros libros. Al final de la charla, en el momento de las preguntas del público, dio el número de su celular para responder, allí mismo y de la manera más íntima posible, las dudas que podrían haber surgido tras su alocución. Llegó a la puerta de la sala, se fue al pasillo para atender, de pronto lo único que se supo de él fue el ring del teléfono. Yo lo llamé, pero me dio ocupado.

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El final del viaje - Antonio Weinricther

Originalmente en abcd

El cine clásico se sometía a una normativa sobre la representación que a veces surgía de un consenso implícito y otras adquiría un rango explícito: los códigos de censura que definían los temas e imágenes tabú. Así, la forma de mostrar los procesos orgánicos. A este respecto es curioso observar que las historias de la censura se centran casi exclusivamente en la sexualidad negada, pero igual embargo sufría la muerte. En el modelo clásico no se escamoteaba -como sí se hacía con la genitalidad- la violencia física, la enfermedad y la muerte, pero no se solían presentar en la pantalla directamente sino recurriendo a figuras alusivas como la elipsis o la metáfora: morir ocurría fuera de campo o cuando un personaje salía de cuadro.

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El alma de la función - José María Pozuelo Yvancos

Originalmente en abcd

Los penúltimos
Javier Montes
Pre-textos, 2008

Han pasado veinte años desde la movida madrileña y continúa la tentación explicable de novelar el ambiente de sus bares, discotecas, encuentros furtivos de jóvenes con su dosis de droga y sexo en las calles conocidas de esa capital. Es una manera que la novela tiene de abrirse a las situaciones contemporáneas. Ya lo hizo, a mi juicio con resultados desiguales, en el movimiento surgido en torno a Historias del Kronen, de José �ngel Mañas, continuado hace poco en Cosmópolis, de Lucía Etxebarria.

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El futuro ya está aquí - Juan Antonio �lvarez Reyes

Originalmente en abcd

Desde la crisis de los grandes relatos, pocos son los que se aventuran a narrar la Historia, aunque sí muchos los que cuentan historias. El postmodernismo trajo, entre otras cosas que perduran, ese escepticismo hacia los discursos cerrados y unívocos. Y esto, frente a otras épocas no tan lejanas, también se ha trasladado a una disciplina como es la Historia del Arte. Pocos son ya los intentos de historiar algún periodo o aspecto del arte contemporáneo, o, al menos, como antaño se hacía: con meticulosidad y rigor. Ahora se prefiere, fruto de esa crisis y escepticismo, otro tipo de investigaciones más laxas, menos categóricas, con enfoques diferentes y amplias dosis de ambigüedad. Pues bien, esta forma de narrar ha hecho mella en los museos, que son, por otra parte, el principal vehículo que tiene ahora esta disciplina para historiar y hacer historia.

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Junio 25, 2008

Bruckner: «La paz a cualquier precio esconde cobardía» - Carmen Rodríguez

Originalmente en abcd

Con obras como La euforia perpetua, Miseria de la prosperidad o El nuevo desorden amoroso -en colaboración con Alain Finkielkraut-, Pascal Bruckner (París, 1948) se ha convertido en una voz imprescindible para comprender la compleja época postmoderna.

¿Cómo se ha generado ese masoquismo donde parece que Europa batalla contra sí misma?

Comienza con el examen de conciencia, con la autocrítica, heredada del cristianismo, en parte, sin olvidar a Descartes, en el sentido de un «dudo, luego existo». Pero sobre todo se desarrolla en la Ilustración. Los filósofos se oponen al orden feudal y Europa cuestiona sus principios. Y, después, el culmen de esto sería el comunismo, el socialismo, e incluso un cierto cristianismo de izquierdas. Se pasa todo por el tamiz de la razón, y Europa se va convirtiendo en una juez implacable de sí misma.

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La paradoja punk - Steven Taylor

Originalmente en ataraxiamultiple.blogspot.com

False Prophet: Fieldnotes from the Punk Underground

La Paradoja Punk y el Problema de la Cultura

[…] Tomando prestada una frase de la teórica de estudios de género Judith Butler, en el punk la identidad está "en problemas."

La palabra problema viene del sustantivo latín turbula,* que quiere decir grupo desordenado. Su forma verbal significa desarreglar, causar un disturbio, agitar, confundir, poner a prueba, complicar, incomodar, causar molestias, preocupar, perturbar o acosar. En este caso, problema invoca un disturbio a las reglas y a las categorías naturalizadas, exigiendo que se cuestione lo que se considera la norma. Esto también describe la manera punk de bailar. Lo que estoy llamando la comunidad punk es un "grupo desordenado" cuya manifestación más típica puede ser vista en su música y danza. Fueron los músicos y quienes bailan con esta música los que iniciaron y codificaron al punk como un movimiento. Tocar música y bailar son las actividades más características del punk, y son el foro en donde la "identidad" se constituye y se cuestiona, donde se construye y se desconstruye. En el punk la identidad es representada como una paradoja.

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Junio 23, 2008

El ejercicio crítico de la filosofía, entrevista a Barbara Cassin - Gustavo Santiago

Originalmente en adncultura

Barbara Cassin (París, 1947) es una de las principales filósofas francesas contemporáneas. Directora de investigación en el Centre National de la Recherche Scientifique, sus trabajos se caracterizan por un marcado esfuerzo por encontrar en los textos filosóficos algunas claves que permitan pensar el mundo actual. En su reciente paso por la Argentina, la filósofa participó de varios debates sobre filosofía, política y estética, y presentó dos de sus últimos libros: Googléame . La segunda misión de los Estados Unidos y El efecto sofístico , que acaban de ser editados en nuestro país por el Fondo de Cultura Económica. En diálogo con adn CULTURA recorrió los aspectos centrales de su producción reciente, evocó experiencias personales de Mayo del 68 y se refirió, entre otros temas, a la actualidad de la filosofía y a la relación entre cultura e información.

¿Cómo vive su relación con la filosofía?

Adoro leer libros filosóficos. Y me parece algo muy extraño que plantearse preguntas fundamentales, como hacemos los filósofos, sea un oficio. Que a alguien le paguen por preguntarse si Dios existe es genial.

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Un escritor egipcio en París - Conversación con Albert Cossery

Originalmente en la revista Líneas de Fuga

Albert Cossery nació en el Cairo en 1913 y murió ayer domingo 22 de junio de 2008 en el hotel de la Louisiane en Saint-German-de-Prés, donde vivía desde hace sesenta años. Escritor egipcio de lengua francesa. Sus novelas y relatos encontraron en Albert Camus y Henry Miller lectores entusiastas y fue amigo también de Lawrence Durrell, de Raymond Queneau, de Jean Genet y de Alberto Giacometti

A continuación transcribimos una conversación entre el escritor egipcio y Michel Mitrani.

Michel Mitrani. Albert Cossery, ¿Cómo se convierte uno en un escritor en lengua francesa?

Albert Cossery. Es muy sencillo, y al mismo tiempo azaroso. Es decir, estudié en una escuela francesa y luego en el liceo. Comencé a escribir novelas en francés a los diez años. Pero en esa época todavía no podía pensar: ¿escribiré en árabe o en francés? Entonces no era un problema. Fue sobre todo a través de mis lecturas de libros en francés, que comencé a escribir y continué haciéndolo así sin darme cuenta…

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El «entropólogo» deconstructor - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abcd

La deconstrucción tiene lugar; aunque, por un lado, sea deshacer, descomponer, desedimentar estructuras, en el sentido más radical es, según Derrida, un acontecimiento. Smithson ofrece huellas de esos lugares que «se deconstruyen»: los vacíos monumentales de Passaic, los paisajes industriales de Oberhausen o el espectral hotel Palenque, ilógico, sin centro, ni recorrido posible. Se produce una subversión de los non-sites que contenían la disgregación del emplazamiento. Esos mapas tridimensionales son fragmentos de una fragmentación mayor: «contienen la ausencia de la propia contención».

Las fotos y los dibujos, más que la evidencia física del hotel Palenque, son experiencias de la ausencia sin asideros: escándalo de algo que está siempre en otro lugar. Esta arquitectura entrópica es un arte de mirar. Las obras están cargadas de tiempo; la aceleración hace que se hundan en un pasado remoto o en un «futuro chapucero».

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Junio 19, 2008

El crítico como "disc-jockey" - Ignacio Echevarría

Originalmente en elmercurio.com

Convertida ella misma en una ideología, la democracia va siendo parasitada por el mercado, que adopta sus estrategias y su lenguaje. Las películas se anuncian proclamando el número de espectadores que las han visto, y los editores se apresuran a reeditar las novedades de éxito con una faja en la que se consigna el número de ejemplares vendidos. No sé en Chile, pero en España, de un tiempo a esta parte, los periódicos se muestran cada vez más aficionados a proponer y publicar encuestas de opinión. La tendencia es ilustrar toda suerte de noticias acompañándolas de una valoración -un porcentaje, en realidad- obtenida a partir de las respuestas de los lectores a las más variadas preguntas.

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Junio 18, 2008

Las extravagancias de Burroughs - Sergio Parra

Originalmente en papelenblanco.com

Junto a Jack Kerouac y Allen Ginsberg, William S. Burroughs fue uno de los apóstoles de la contracultura de los años 60, y también perteneció literariamente a la Generación Beat, aquélla apegada a los garitos de jazz decadentes, a las calles, a lo sórdido. Aprovechando que se cumplen 10 años de la muerte del autor de obras tan marcianas como El almuerzo desnudo, describiremos algunos de sus episodios personales que demuestran que Burroughs podría haber pasado perfectamente por uno de los personajes de sus novelas.

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Junio 17, 2008

Terror minimalista - Ramón Monedero

Originalmente en miradas.net

(The Happening, M. Night Shyamalan, 2008)

Imagino que todo el mundo recuerda aquella portentosa secuencia de Con la muerte en los talones (North by Northwest: Alfred Hitchcock, 1959) en la que Cary Grant era perseguido por una avioneta en un espacio abierto en el que apenas, existía una grieta en la que resguardarse. También imagino que todo el mundo recordará cuales fueron las intenciones de Alfred Hitchcock cuando filmó aquella escena; rodar un momento tipificado dentro del cine de suspense pero en un contexto completamente opuesto al habitual, en vez de un callejón oscuro en algún recóndito rincón de una gran ciudad, el orondo cineasta británico prefirió forzar su propio ingenio y conseguir los mismos resultados en un decorado, en principio, ajeno a aquella situación. Pues bien, tengo la sensación de que algo así es lo que se ha propuesto M. Night Shyamalan para su última película, El incidente (The Happening; 2008), rodar un largometraje de terror, pero desnudándolo de sus entornos habituales y aún más, situando la historia en un contexto completamente opuesto. Todo el metraje de El incidente transcurre a plena luz del día y a penas, hay espacios cerrados, no hay sombras amenazantes y tampoco apariciones monstruosas o fantasmales y en cambio, se pasa miedo.

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El universo moribundo - Alicia Albares

Originalmente en miradas.net

(Isabel Coixet, 2008)

Hasta ahora, en las películas de Isabel Coixet encontrábamos siempre unas constantes que, no por repetirse, restaban originalidad y valor a sus argumentos, sino que nos enseñaban a una autora capaz de defender su universo creativo desde la confirmación de que sabe a dónde se dirige porque tiene cosas que contar en cada filme. De ahí que la reiteración de símbolos como la lluvia, la lavandería desierta, los mensajes que se quedan en el camino se convirtiera en instrumento que la directora cargaba de sentido y utilizaba en la construcción de sus historias, sin erigirlos en objetivo final de las mismas. Esta cualidad para narrar con exquisita belleza formal cuentos tristes y románticos, que ahondaban en los recovecos más profundos de las emociones humanas, es lo que le ha permitido a Coixet hacerse con un público fiel y variopinto, consolidado, que ha sabido proporcionarle una reputación (no siempre unánime, polémica en ocasiones), responsable de crear su imagen de autora personal e independiente.

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Junio 15, 2008

Personalísimo Arrechea - Andres Isaac Santana

Originalmente en abcd

Algunos dudaron. Yo no? Desde que en el año 2003 se hiciera pública la noticia de su divorcio -prematuro para unos pocos- del grupo de artistas cubanos bautizado por Gerardo Mosquera como Los Carpinteros, se generó una gran expectación y comprensible especulación sobre la que terminaría por ser una de las más sólidas carreras de entre los artistas cubanos que residen fuera de la Isla. He de confesar que a raíz de este alboroto, y habiendo visto ya en España muchas de las nuevas obras de Arrechea -quien entonces como ahora produce de un modo furibundo, casi demencial-, no tuve dudas de que el camino en solitario de Alexandre Arrechea (alias JACA, como le conocen los amigos), tenía garantizado -per sé- el pasaporte al éxito rotundo.

A ello se suma -como corroboración de mi sospecha que no era más que pura afirmación interior- la impresión que causó en mí la pieza tremendamente soberbia y espectacular El jardín de la desconfianza (2005). Y es que todo hay que decirlo: Jaca es un excelente artista, un hacedor fino y sofisticado que sabe fraguar -con elegancia y pericia extrema- los recursos provenientes del universo de las formas y del mejor oficio, con los ardides retóricos y soportes conceptuales que afloran del buen pensamiento, premeditado y eficaz.

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Junio 10, 2008

El "suave terror" de la deconstrucción - RENE GIRARD

Originalmente en fractal.com.mx

A mediados de los años 60, los teóricos preferidos en nuestro departamento de literatura eran “los nuevos críticos�. Solían convocar a sus estudiantes a no ensuciarse las manos con la prosa de Jean Paul Sartre y su dudosa banda de “filósofos continentales�. En cierto modo, creían que la influencia europea no podía más que corromper a los estudios literarios y transformarlos en esa “mezcla maligna� denunciada por Ulises al comienzo de Troilo y Créssida. En realidad, este aislacionismo intelectual ya estaba perdiendo prestigio. Mientras más sobrevivían los viejos tabúes, el deseo de trasgredirlos se intensificaba. En esos mismos años, el joven Jacques Derrida publicaba en París los ensayos que poco tiempo después se convertirían en la Biblia de los deconstructores estadounidenses. Derrida transformó a la aproximación posestructuralista de la lingüística saussuriana en una herramienta para la deconstrucción de todo lenguaje. Desde Heidegger mismo, al que Derrida consideraba el filósofo supremo a ser deconstruido, todas las doctrinas sobre la verdad habían sido desacreditadas, y el nihilismo radical se había establecido sobre bases firmes.

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Junio 09, 2008

Hipercrítica de Australia, de Jorge Carrión - Vicente Luis Mora

Originalmente en vicenteluismora.blogspot.com

Tengo que confesarles una cosa: me aburren extraordinariamente los libros de viajes. Siempre me ha pasado. Lo he intentado todo, he leído a los más diversos autores, pero no suelen decirme nada. Me encanta viajar, y no puedo estar muchas semanas sin conocer un sitio nuevo, pero en mi caso ese amor al viaje tiene un problema: no puedo estremecerme en cabeza ajena. Quiero ver las cosas, los edificios, los paisajes, por mí mismo, porque mostradas por otros (mediante sus textos, sus fotografías o sus vídeos) no me dicen nada. Es una intolerancia natural, como la que otros tienen a la lactosa o a las palabras con el prefijo hiper. Quiero decirles esto para explicarles que algunas partes de Australia. Un viaje, me han aburrido, pero no por culpa de Jorge Carrión, que las ha escrito muy bien, sino porque sus descripciones de los aviones o trenes que toma, las conversaciones no siempre sustanciales que mantiene con familiares o lugareños, las anotaciones de lo que come o a qué hora se levanta, me hubieran aburrido mortalmente aunque las hubieran escrito Bruce Chatwin, Magris, Sebald, Cela, Basho o un renacido Shakespeare dedicado a peregrinar por el planeta.

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Junio 08, 2008

La caricia mortal del filo de la navaja - Gemma Aguilar

Originalmente en e-limbo

... fuego cruzado... siempre fuego cruzado... en un abrir y cerrar de ojos todo es nada, y otra vez lo mismo: como en un sueño instantáneo y radical que desvela lo que había pero ya no está más... al abrir los ojos. Sueño

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Marcel.Lí Antunez, en cuerpo y prótesis - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

En uno de los monólogos del vídeo autobiográfico El Dibujante, el propio Antúnez se autoproclama «artista científico» y declara que su cometido principal consiste en la creación de una bacteria que enviará al espacio para poblar un mundo nuevo, un nuevo estado de vida y una nueva forma no planificada de evolución. Está claro que Antúnez, aún dentro de sus múltiples facetas, a menudo difíciles de encasillar, es un creador que, en lugar de contentarse con repetir paradigmas convencionales de artista, reinventa nuevos modelos de creación basados en su teoría de la «transpermia» y su convencimiento de que los cometas que se estrellaron contra la Tierra dando origen a la vida en nuestro planeta estaban henchidos de materia biológica, es decir, de bacterias y esporas (lo que a nivel científico se conoce como la hipótesis de la «panspermia»).

De ahí la pasión -rayana en la obsesión- de Antúnez por los procesos biológicos y orgánicos con una singular aportación: más que el modelo antropológico de la relación entre el ser humano y las herramientas, lo que prevalece es el proceder instrumental, los artefactos técnicos y la «vida artificial», según la cual la mente sería una «máquina de carne» que actuaría como hardware, es decir, como un procesador interno con control absoluto sobre el cuerpo a modo de software moldeable.

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Junio 07, 2008

El cine según Slavoj Zizek - Valeria de los Ríos y Matías Ayala

Originalmente en la fuga

Quizá uno de los acercamientos recientes más provocativos en torno al cine sea el del a la vez filósofo y psicoanalista Slavoj Zizek. Influenciado por G.W.F. Hegel, Karl Marx y Jacques Lacan, Zizek explora las posibilidades que otorga el cine para pensar en términos visuales. De Hegel rescata principalmente el método dialéctico, que en la versión del esloveno no llega jamás a una síntesis; de Marx se interesa por la crítica de la ideología; y de Lacan, toma el marco teórico y la terminología en torno a la construcción del sujeto. No se trata, en su caso, de aplicar directamente el psicoanálisis a los productos de la cultura contemporánea –uno de los ejercicios más predecibles e improductivos del campo académico–, sino de articular algunos de los conceptos centrales de la teoría lacaniana: lo Simbólico y lo Real, la mirada y la voz. El cine es el arte de las apariencias y las fantasías, por ello, es capaz de decirnos cómo la realidad misma se constituye como una construcción ideológica, social o simbólica. En este sentido, la ficción cinemática es más real que la realidad misma. Según Zizek, para entender el mundo de hoy necesitamos del cine, ya que en él encontramos esa dimensión crucial que no estamos listos para confrontar en nuestra propia realidad.

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Junio 03, 2008

REDESCUBRIENDO AMÉRICA - César Romero

De Tijuana a la Patagonia
¿qué quedará de la "nueva" narrativa hispanoamericana?

Originalmente publicado en diariodecadiz.es

Las lenguas tienen sus trampas, una de ellas es dar demasiadas cosas por sentadas. Si se dice "nuevos narradores hispanoamericanos" inmediatamente se piensa en escritores nacidos en Hispanoamérica no hace más de treinta o treinta y cinco años. Casi nadie pensará en un escritor portugués o brasileño. ¿Pero acaso no es hispanoamericano Paulo José Miranda (Portugal, 1965) del que se tradujo el pasado año la novela Un clavo en el corazón? El gran sociólogo Gilberto Freyre tiene un título que es toda una declaración (y podría extenderse al portugués): O brasileiro entre os outros hispanos. Y cuando se dice "nuevos", ¿nuevos para quién, dónde, desde cuándo? ¿Acaso no son "nuevos", para los lectores aquende el Atlántico, autores como el argentino Fogwill (1941) o el venezolano Israel Centeno (1958) o el uruguayo Mario Levrero (1940-2004) o el chileno Carlos Franz (1959), algunos de cuyos libros están siendo reeditados ahora mismo en España por editoriales como Periférica, Caballo de Troya o Alfaguara, respectivamente? ¿Acaso no serían nuevos los argentinos C.E. (Charlie) Feiling (1961-1997), cuyas tres irónicas novelas aquí aún no se han publicado, y Juan Filloy (1894-2000), del que sólo está disponible el desopilante Caterva?

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Junio 02, 2008

ITALO CALVINO Y LA ESCRITURA CIBERNÉTICA - Paolo Fava

Originalmente publicado en papel en blanco
En su ensayo de 1967 Cibernética y fantasmas. Apuntes sobre la narrativa como proceso combinatorio Italo Calvino expone una teoría de la literatura polémica como han sido pocas. Según él, el autor literario puede ser eliminado como sujeto y reducido a una serie de funciones que tan bien o mejor podría realizar una máquina programada a tal efecto. En este ensayo Calvino no sólo mata a al autor: se atreve a aventurar que la literatura no perdería nada, incluso ganaría en eficacia, si su producción no estuviera en manos de seres humanos.

Esas constantes están determinadas por constricciones del lenguaje, es decir, que cualquier historia es posible mientras no rompa reglas linguísticas que la hagan incongruente (el castigo no puede llegar antes de la transgresión, por ejemplo). Toda la ficción y toda la literatura pueden reducirse por lo tanto a una serie de selecciones con posibilidades dadas. Un narrador no hace otra cosa que ejercer esa operación mecánica de selección, siguiendo una serie de reglas intuitivas. Pero ese proceso binario de elegir entre opciones ¿no lo realizaría mejor un cerebro electrónico que uno humano, si conocieramos científicamente todas las reglas subconscientes que rigen el lenguaje?

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Peligro: Libros explosivos - Javier MONTES

Originalmente en abcd

El uso del libro como soporte artístico (y como verdadero subgénero aparte) tuvo su época supuestamente gloriosa después de la Segunda Guerra Mundial. Fue también, para qué engañarnos, un periodo algo antipático aquél del engolado livre d´artiste, carísimo y finísimo, de tiradas reducidísimas y con lista de espera, mostrado reverencialmente después de la cena por coleccionistas ricachones y enguantados comme il faut. El invento lo venían perfeccionando los franceses durante todo el siglo, y la pomada del mundillo se moría por una edición numerada de Vollard, de Kahnweiler, de Skira, Tériade o Maeght.

Había variantes: lo fetén era contar con un «libretista» de renombre que escribiera algo expresamente para el autor en cuestión, como en aquella Prosa del Transiberiano, de Cendrars, que coloreó Sonia Delaunay. Pero también podía el artista ilustrar sus propios textos: Matisse unió en el mítico Jazz sus palabras garabateadas a las reproducciones de sus découpages de papeles de colores: el pulso temblón le había obligado a cambiar el pincel por las tijeras, y el libro resultó ser su gran obra de madurez final.

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Mayo 29, 2008

Pioneros del 'media lab' - José Luis DE VICENTE

Originalmente en el cultural

Tras la muerte de Robert Rauschenberg, merece la pena recordar uno de los episodios más ignorados pero quizás más trascendentales de su trayectoria: el que le situó en el centro de la primera apuesta ambiciosa por unir ciencia y arte: E.A.T., Experimentos entre el Arte y la Tecnología.

La historia arranca con Billy Klüver, un ingeniero que a mediados de los 60 trabaja en el centro de investigación de comunicaciones Bell Labs y que siente un gran interés por el dinamismo que se vive en esos momentos en la escena artística neoyorquina. En 1966, Klüver se dirige a Rauschenberg con la propuesta de iniciar una colaboración experimental entre ingenieros de Bell y artistas. 9 Evenings: Theatre & Engineering muestra en el inmenso espacio del Armory el resultado del diálogo entre unos creadores –John Cage, Öyvind Fahlström– que proponen usos no imaginados antes de líneas telefónicas o enlaces de radio, y unos técnicos entusiasmados por abordar una nueva clase de problemas.

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Sergio Mah - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

No se ha trasladado a Madrid, y no ha dejado sus clases en la facultad de Ciencias Sociales y Humanas de la Universidad de Nova Lisboa y en AR.CO (Centro de Comunicaçao Visual), pero las ha reducido y concentrado todas en un día de la semana, el lunes, cuando habla durante nueve horas. No es desde luego alguien que se quede sin palabras. Tiene todos los cabos de su programa bien agarrados y lo defiende con convicción. No parece cansado, a pesar de que se ha implicado al límite en este PHotoEspaña 2008. Tiene por delante la dirección artística de otras dos ediciones pero se le ve con el empuje necesario para llevarlas a buen término; a lo largo de la entrevista, en las oficinas de La Fábrica en Madrid, ha estado echándose hacia delante sobre la mesa –lo tengo enfrente– y a su término comprobamos que la ha desplazado medio metro.

–Me imagino que conoce bien la trayectoria del festival, no sólo porque, como nuevo comisario general, habrá tenido que revisar todo lo hecho hasta ahora sino también porque, como director de Lisboa Photo en 2003 y 2005, estaría pendiente de lo que otros festivales internacionales programaban. Asumir la dirección artística de PHotoEspaña en la undécima edición, después del intermedio del décimo aniversario, supone inaugurar una nueva etapa. Díganos cómo interpreta su evolución en términos objetivos y estrictamente fotográficos.

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Mayo 27, 2008

En las nubes - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abcd

Escribía María Zambrano que el dibujo pertenece a la especie más rara de las cosas: «A aquella que apenas si tiene presencia: que, si son sonido, lindan con el silencio; si son palabras, con el mutismo; presencia que de tan pura, linda con la ausencia; género de ser al borde del no-ser». Tenemos que entender el dibujo como una estructura compleja de problemas diferenciados, una forma con la que vencer los acontecimientos o la posibilidad para volver a tener presente la imagen que tenemos de ellos; advirtamos la equivalencia que se puede establecer entre dibujar y pensar, siendo ambos casos procesos que dan cuerpo a una realidad conflictiva.

Juan José Gómez Molina advertía en el libro Las lecciones del dibujo que la acción de dibujar nos representa a nosotros mismos en la acción de representar, clarifica los itinerarios de nuestra conciencia, haciéndose evidente ante nosotros mismos: Dibujar es fundamentalmente definir ese territorio desde el que establecemos las referencias. Representar es, por tanto, un acto controlado y difícil de evocaciones y silencios establecidos por medio de signos que somos capaces de descifrar por su preexistencia en la memoria histórica.

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Un grande entre los grandes - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

Sólo unos meses después de su muerte en 1927, Eugène Atget fue incluido en la que sería su primera exposición, el Primer Salon Internacional de la Foto de París de 1928, que mostró una muy rica selección de los fotógrafos contemporáneos más conocidos. Fue también la primera vez que un crítico de arte, Waldemar George, escribió sobre su obra («de un modesto mago») y la comparó con la de Monet, Ernst, Chirico y Louis Aragon. También otro crítico lo comparó con un extraño poeta romántico cuya sensibilidad derivaría del pasado. Pero lo mejor que pudo ocurrir para la definitiva consagración de Atget fue que sólo unos días después de cerrar la mencionada exposición, la fotógrafa norteamericana Berenice Abbot comprara toda su colección (1.500 negativos y 10.000 fotos) e iniciara, con la ayuda del galerista Pierre Levy, lo que fueron cuarenta largos años de mecenazgo y de internacionalización de una obra que quizás sólo habría pasado a la Historia como un simple documento epocal. Es muy elocuente al respecto la anécdota según la cual cuando en 1926 May Ray publicó cuatro fotografías de Atget en la revista La Révolution surréaliste, éste le pidió que su nombre quedara oculto declarando que eran «documentos y nada más».

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Mayo 26, 2008

La ciudad «collage» - Javier Molins

Originalmente en abcd

¿Puede ser la filosofía el vínculo entre la arquitectura y el arte contemporáneo? Esta es una de las preguntas que se plantean en esta exposición, sin que se pueda encontrar en ella una respuesta clara. Esa idea se plasma ya desde el primer momento en el título de la muestra: Construir, habitar, pensar. Perspectivas del arte y la arquitectura contemporánea. Dicho título está tomado a su vez del de la conferencia que el filósofo alemán Martin Heidegger pronunció en Darmstadt en 1951.

Seres «habitables». En ella, Heidegger realiza una reflexión sobre la carestía de viviendas que padecía Alemania tras los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial que habían destruido ciudades enteras. «El habitar sería, en cada caso, el fin que persigue todo construir», señala Heidegger, quien relaciona el término buan, que en alemán antiguo significa construir, con la expresión ich bin («yo soy») porque «el modo como tú eres, yo soy, la manera según la cual los hombres somos en la tierra es el buan, el habitar».

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DÉFICIT de glucosa en sangre * Imágenes granuladas - Gemma Aguilar

Originalmente en e-limbo

.. y lo peor de todo, casi al final, es el temor al bajón de azucar que anuncia el posterior subidón: auto impuesto y anhelado (pero no tan frío ni amargo como como el fin de todo suspense ((esto, claro, es una alegoría radiante que surge de todo aquello que no queremos(((y hacemos))) en nuestras vidas, de nuestras vidas...))

a primera hora, cuando, ojeado el ADN, cojo el libro en el metro, descubro, con horror, la armonía cromática entre ambos: pongo cara de aquí-no-ha-pasado-nada pero una incómoda sensación me acompaña ya todo el trayecto, pringada con la nocilla.

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Fotografía de época - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abcd

De alguna forma, y muy probablemente sin proponérselo, el trabajo fotográfico de Bruno Arbesú incluido en esta muestra resulta totalmente esclarecedor de lo que ha sido la puesta en marcha de esta decimonovena convocatoria de Circuitos: sus imágenes fotográficas, centradas en los mítines de los partidos políticos en plena campaña electoral, con una estética que recuerda a la de Gursky, nos advierten en cierta manera de la necesidad de estar atentos a todos los movimientos de nuestros gobernantes, por muy con piel de cordero que se vistan. Y es que, sin que queramos, una vez más nos vemos obligados a hablar de política al referirnos a una cita artística. Porque sus ocurrencias y desmanes casi convierten esta edición de Circuitos en un cortocircuito sin sentido: aplazamiento de su inauguración, búsqueda infructuosa de nueva sede para su exhibición, reducción de su presupuesto, dudas sobre su itinerancia y su futuro...

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Mayo 19, 2008

Resistencia pasiva contra los «camaradas» - Fernando Castro Flórez

Originalmente en ABCD

El principio según el cual un acontecimiento, para convertirse en histórico, debe existir en el instante, ha sido introducido por la fotografía, no cabe la menor duda. «Tanto si se trata -señala Vicent Lavoie- del cliché que representa la muerte heroica del soldado republicano durante la Guerra Civil española, de la imagen de la niña vietnamita quemada por el napalm, de la que muestra a un soldado en Berlín pasando al Oeste o de la fotografía que presenta la inmolación de un monje budista, el principio es el mismo: la fotografía de acontecimientos cristaliza los episodios más marcantes de la historia». Tenemos bastantes instantáneas de aquel momento en el que la máscara del «socialismo con rostro humano» fue sustituida por el semblante hierático de un militar que, a fin de cuentas, no entiende nada.

40.000 tanques. El 20 de agosto de 1968 165.000 soldados del Pacto de Varsovia con 4.600 tanques invadieron a la indefensa Checoslovaquia; los estudiantes intentaron detener la ocupación sentándose ante los blindados o hablando en ruso con los militares que tenían órdenes estrictas de mantenerse ajenos a cualquier tipo de provocación. Sin embargo, las balas impusieron su ley y el himno nacional sonó en Radio Praga para dar la señal dramática de que todo había terminado. En las calles aparecieron grafitis en los que la furia se mezclaba con el humor negro: «Ha llegado el circo nacional ruso, al completo con gorilas y todo», «Esto no es Vietnam!», «¡Lenin ha resucitado!».

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Esplendor coleccionista en California - Anna María Guasch

Originalmente en ABCD

El pasado mes de febrero el más importante museo de arte de Los �ngeles, Los Angeles County Museum (LACMA), abrió las puertas y zanjó momentáneamente la polémica en torno a una de las ampliaciones más esperadas en los últimos años: la apertura del llamado Broad Contemporary Art Museum (BCAM) que une en su corta historia dos nombres de singular relevancia: la del arquitecto Renzo Piano y la de los filántropos californianos Eli y Edythe Broad. Todo empezó en 2003, cuando el propietario de una de las mayores fortunas de California, el coleccionista y patrón del LACMA, Eli Broad, donó al museo una cantidad aproximada de 60 millones de dólares, cincuenta para sufragar el edificio y los diez restantes para la adquisición de obras con una sola condición: él decidiría, con o sin el consentimiento de los responsables del museo, el nombre del arquitecto y bajo su responsabilidad recaería la elección de las obras de su propia colección que llenarían los nuevos espacios.

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Mayo 18, 2008

Dominique Gonzalez-Foerster - Javier HONTORIA

Originalmente en el cultural

Dominique Gonzalez-Foerster nació en Estrasburgo en 1965 pero ella, más que francesa, dice que querría ser un cruce entre brasileña y japonesa. Son, está claro, sus “escenarios� favoritos. Viajera incombustible, trabaja sobre el lugar y transforma sutilmente los espacios proponiendo nuevas formas de experiencia. A ésto lo llama ella “tropicalización�. Los suyos no son proyectos cerrados. Cada uno de ellos es, en número, tantos como sensaciones suscita en quien los experimenta.

En octubre se desvelará su proyecto en la Sala de las Turbinas de la Tate Modern cuando todavía repica el eco de su intervención en Münster, un pequeño “museo� en el Promenade de la ciudad alemana en el que vimos versiones a escala de algunas de las piezas que han participado en las sucesivas ediciones del Proyecto de Escultura. El trabajo se llamaba, significativamente, Roman de Münster (Novela de Münster). Y es que la literatura es una de las grandes obsesiones de la artista, algo que el visitante de Nocturama, su exposición en el MUSAC, vivirá en primera persona. Su trabajo suscita la experiencia colectiva pero hay también algo de autobiografía, con guiños a un largo e intenso camino recorrido.

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La construcción (visual) del sujeto - Víctor Zarza

Originalmente en ABCD

Refiriéndose a las primeras experiencias del llamado videoarte, Rosalind Krauss señalaba la frecuente presencia del cuerpo humano en este tipo de obras. Una presencia que se extendía más allá de la aparente del propio artista -muchas veces sujeto/objeto visible de su trabajo- hasta alcanzar al del espectador, quien, desde aquel momento, comenzaría a verse involucrado de forma activa en el proceso de recepción; como consecuencia de ello, de paciente pasaría a convertirse en coagente del «funcionamiento» de las piezas. Esto es lo que reclama de manera inequívoca Judith Barry (Columbus, Ohio, 1954), de quien ahora se muestra una selección de obras que recoge algo más de dos décadas de su producción audiovisual y que constituye su primera muestra de estas características en Europa.

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Mayo 17, 2008

Suicidio en el hotel Vídeo - �NGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

El videoarte germinó durante los setenta en un contexto marcado por las protestas contra la guerra y los movimientos de liberación sexual. Su evolución ofrece una trayectoria que puede leerse, en términos sociales, como la de un formato de individuaciones cada vez mayores de unos artistas tensándose por cortar amarras de lo que les sostiene, el mercado. Después de cuarenta años, la nueva narrativa de la videocreación ocupa hoy, con el cine y el teatro, el lugar de la legitimación filosófica e ideológica institucional. Si bien es cierto que el trasfondo imaginario de los trabajos de Doug Aitken, Eija-Liisa Ahtila, Shirin Neshat, Douglas Gordon, Alexander Sokurov o Yang Fudong no es el mismo que el de los mejores Bill Viola, Gary Hill, Chris Burden, Michael Rovner, Martha Rosler o Michael Snow, a su favor tienen que en aquellas manos este soporte -reducido primariamente para su visionado en pantallas de televisión o precarias instalaciones- ha ensayado un tipo de aventura estética para un espectador omniabarcante, activo en toda comprensión temporal de la forma artística y capaz de determinar si la espacialidad contiene prioridades temáticas genuinas.

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Mayo 14, 2008

La conquista del tiempo - Miguel �. Hernández-Navarro

Originalmente en no(ha)lugar

Giacomo Marramao. Kairós. Apología del tiempo oportuno. Barcelona, Gedisa, 2008.

Hace una semana, a raíz del comentario de ‘Del sentir’, de Mario Perniola, decía que la filosofía italiana no cesaba de dar muestras de inteligencia y sagacidad con autores como Agamben, Vattimo o Cacciari. También deberíamos situar en esa nómina a otro pensador algo menos conocido pero igualmente fundamental como Giacomo Marramao (Catanzaro, 1946). Su obra se ha centrado en el estudio de la genealogía y conformación de la Modernidad occidental y los procesos de secularización vinculados a ella. Según Marramao, la clave del espíritu moderno es esa secularización de todos los valores y elementos de la vida, entre los cuales el tiempo ocupa un papel esencial.

Este libro constituye el segundo volumen de una trilogía que el autor ha dedicado al estudio de esta cuestión esencial para la filosofía, la condición temporal del ser humano. Según Marramao, una de las cosas que tienen lugar en la Modernidad es la supresión del tiempo plural de lo humano, sustituido cada vez más por el tiempo singular de la técnica. El individuo moderno se convierte en un “sujeto� de un tiempo único impuesto desde instancias que lo superan. La célebre escena de Tiempos modernos en la que Chaplin, extenuado por la cadena de montaje, comienza a atornillar todos los objetos que tiene a su alrededor, sirve de metáfora perfecta –quizá algo exagerada, es cierto– del modo en que el sujeto moderno “extiende� el ritmo de la máquina a la cotidianidad, introyectando y haciendo suyos los tiempos de la cadena de producción. La experiencia múltiple –humana– del tiempo ha sido sustituida por el tiempo del capital. El nacimiento del sujeto moderno está ligado a la “sujección� a un tiempo que, cada vez más, ya no era el suyo, sino un tiempo simple, el tiempo de la sucesión. En cierto modo, se podría decir que la Modernidad instauró la monocronía, el tiempo único de la producción y la tecnología –único resquicio aún hoy de la creencia en el progreso–.

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Mayo 11, 2008

Instrucciones de uso - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abcd

Quizá muchos recuerden cómo, hace menos de tres meses, en mitad del mare magnum de ARCO, el «Solo Project» de �ngels Barcelona se convertía, por obra y gracia de Jaime Pitarch (Barcelona, 1963), en una especie de ojo de huracán. En aquel pequeño espacio reinaba una milagrosa calma y las cosas parecían inverosímilmente detenidas, proponiendo su piezas equilibrios impensables, imposibles, mientras todo alrededor giraba de manera tan vertiginosa que se confundía en un magma indiferenciado.

Justo un año antes, en mitad de esos mismos pasillos abigarrados de la feria, Pitarch había alcanzado otro de sus momentos de referencia, con aquella obra ya inolvidable que María Corral seleccionó para 16 Proyectos de Arte Español: el vídeo Polvo al polvo (2005). Durante los veinte minutos de su duración veíamos cómo el artista barría concienzudamente el suelo de su estudio, levantando una polvareda tal que llegaba a clausurar la representación, tornando en un homogéneo plano blancuzco toda la pantalla, hasta que la nube se iba depositando con pasmosa calma, y el escenario vacío reaparecía a los ojos del espectador.

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Mayo 10, 2008

Hacerse sentir en el presente - Miguel �. Hernández-Navarro

Originalmente en no (ha) lugar

Mario Perniola, Del sentir, Valencia: Pre-Textos, 2008.
La filosofía italiana se ha caracterizado por promover lúcidas visiones de la sociedad contemporánea. Pensadores como Agamben, Vattimo o Cacciari son fundamentales para entender el mundo en que nos movemos. A esa nómina de grandes santones habría que sumar, desde luego, la figura Mario Perniola, profesor de estética de la Universidad de la Roma Tor Vergata, que, tras un proceso lento, comienza a estar muy presente en nuestro país. En estos últimos años, sin ir más lejos, se han traducido más de cinco libros del autor. Un autor que cuenta a sus espaldas con una vasta y extensa obra ensayística compuesta por más de una veintena de libros entre los que es posible encontrar desde títulos míticos y prácticamente de culto, como ‘El sexappeal de lo inorgánico’ o 'El arte y su sombra', hasta otros más divulgativos aunque igualmente necesarios, como su clásica y célebre ‘Estética del siglo XX’.

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Mayo 09, 2008

Robert Longo. Creación de un contexto de sentido - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

No creo que Robert Longo (Nueva York, 1953) haya sido nunca un gran artista. Sus aventuras artísticas y musicales de juventud, con Cindy Sherman en Buffalo y junto a Richard Prince, David Salle y otros herederos postmodernos del pop en el Nueva York de fines de los 70 y de los 80 llamaron mucho la atención. Su larga vinculación a una potente galería de la ciudad, Metro Pictures, ha favorecido el interés del coleccionismo internacional por su obra aunque haya tenido crisis creativas evidentes y cada vez sea menor la atención crítica que merece. Pero hay que reconocer que Longo ha sabido reflotar su carrera con gran inteligencia, utilizando dos armas: la primera es una iconografía atractiva, de vocación universal, que gusta lo mismo a quien prefiere las imágenes hermosas e impactantes que a quien persigue en la realidad el símbolo; la segunda es la utilización del carboncillo en grandes formatos, que produce superficies aterciopeladas de gran sensualidad y convierte cualquier motivo en algo monumental.

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Mayo 08, 2008

Una historia de once años - Junot Díaz

Originalmente en Pie de página. A propósito de The Brief Wondrous Life of Oscar Wao, Penguin, 2007.

La novela que acabo de terminar, que me llevó once años escribir y que será publicada en septiembre por Penguin Putnam y en el 2008 por Random House Mondadori, empezó con un fracaso. No intenté escribir The Brief Wondrous Life of Oscar Wao (así se llama mi novela). Lo que yo quería escribir era Akira (el clásico de dibujos animados) del tercer mundo y durante un par de años eso fue lo que hice: tratar de escribir un libro que como un idiota me empeñaba en llamar The Secret History.

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Por perderle el asco a Bernhard - Juan Maya Avila

Originalmente en Hoja por hoja. A propósito de El asco. Thomas Bernhard en San Salvador, Horacio Castellanos Moya, con Nota final de Roberto Bolaño, Barcelona, Tusquets, 2007.

Novela que levantó ámpula en El Salvador por ser un crudo retrato de esa nación centroamericana, este homenaje de Castellanos Moya a Thomas Bernhard tiene como protagonista a un personaje como los creados por el escritor austriaco. A decir del reseñista, sin embargo, estorba a la obra una excesiva admiración, que lleva al autor incluso a imitar la prosa del homenajeado.

Cuando Horacio Castellanos Moya publicó El asco, en 1997, recibió amenazas de muerte que lo decidieron a dejar su patria, El Salvador. Ciertamente el texto que causó el escándalo es perturbador porque raspa en los aspectos más íntimos de una nación. Pero lo que no entendieron sus amenazantes detractores fue que el autor facturó sus burlas siempre amparado por la diosa Literatura y que su afán no era el de mancillar las sagradas costumbres de un país sufriente pero en eterna promesa de restauración.

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Mayo 06, 2008

Un día de locos - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abcd

Desde aquellas famosas Shopping heads de hace diez años que la dieron a conocer (los célebres dibujos de ciudadanos deambulando por las calles, encapuchados con bolsas comerciales, ¿los recuerdan, verdad?), al Colapso cotidiano que estos días se puede visitar en la planta superior de la galería madrileña, Ester Partegàs (La Garriga, 1972) ha consolidado una de las trayectorias internacionales más coherentes de entre los miembros de su generación. Tras completar a finales de los noventa sus estudios artísticos en el extranjero, esta catalana afincada en Brooklyn desde hace tiempo ha sumado a su extenso currículo más proyectos fuera que dentro de nuestras fronteras.

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Mayo 04, 2008

¡Muera la inteligencia! - MARIANO DE SANTA ANA

Originalmente en BABELIA

Si el objetivo último de una exposición fuese sólo perturbar la percepción del espectador, podría decirse que ¡Viva la muerte! es un éxito porque es difícil concluir su visita con indiferencia. Pero si se conviene que además de provocar malestar en la mirada debe contribuir a desmantelar los estereotipos que la gobiernan, no puede considerarse que este proyecto, que lleva por subtítulo Arte y muerte en Latinoamérica, sea un dechado de finura. Y no lo es porque mezclar cultos sincréticos, dictaduras asesinas, guerrilleros, narcotraficantes, genocidios étnicos y festejos folclóricos varios y enunciarlo todo como tropo común a las culturas que se extienden entre México y Argentina resulta una temeridad.

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Mayo 02, 2008

Hisae Ikenaga, productora de ironías - Javier HONTORIA

Originalmente en el cultural

No son pocas las razones por las que Hisae Ikenaga debe ser considerada una de las artistas más interesantes de su generación. Su lenguaje parece ser la escultura, con el mobiliario como protagonista, pero ella es algo más que una escultora al uso, pues en torno a su trabajo se advierte una densa atmósfera conceptual. Nacida en Ciudad de México en 1977, propone una singular e irónica lectura de los objetos que nos rodean pero no estrictamente en términos formales sino, sobre todo, desde la perspectiva de su valor y sus usos, siempre en sintonía con el devenir colérico de la producción en masa y la preeminencia contemporánea del do-it-yourself.

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La Barcelona de Francesc Ruiz - David G. TORRES

Originalmente en el cultural

Ahora que estamos en tiempos preolímpicos y que no sabemos si Pekín será capaz de usar el marketing deportivo para lavar la cara de China y esconder bajo el felpudo de los anillos entrelazados la falta de derechos humanos, Francesc Ruiz (Barcelona, 1971) nos recuerda que Barcelona no se ha librado del lastre del 92. Los efectos de las olimpiadas de Barcelona se han descrito con un amplio repertorio de clichés positivos: que si fue un lavado de cara, que si la ciudad abrió las ventanas y se ventiló, que si de ser una ciudad fea y gris pasó a ponerse guapa (del “Barcelona posa’t maca� al “Barcelona la ciutat més maca del món�). Y negativos: las hordas de turistas que hacen de ella una ciudad escaparate, la especulación inmobiliaria camuflada bajo tristes operaciones como el Forum (¿qué pasó con la trienal? una y no más Santo Tomás) y esa pátina de diseño que lo recubre todo (primero aluminio, luego formica, ahora papeles pintados).

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Mayo 01, 2008

Chema Madoz, palabras y objetos - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

En una amplia entrevista realizada por Alejandro Castellote hace cinco años, Chema Madoz (Madrid, 1958) confesaba que veía difícil la posibilidad de un cambio sustancial en su obra y se vaticinaba a sí mismo una evolución lenta. Así ha sido. Y precisamente en la dirección que él presentía: frente a la más difundida identificación de su trabajo con la manipulación de objetos, señalaba otra faceta en la que pesaba más el “componente gráfico�, en la frontera con la literatura y la música. También destacaba su interés por una forma de paisaje reducido a sus mínimos denominadores que parece haber merecido un menor desarrollo, aunque la veamos representada en esta exposición por la fotografía de unos charcos que forman un camino ondulante y que reflejan tímidamente las copas de unos árboles.

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Abril 28, 2008

Del salón recreativo a la realidad virtual - Juan Antonio �lvarez Reyes

Originalmente en abcd

Fue en los años 60, como casi todo lo que afecta directamente al arte y la sociedad del presente, cuando surgieron los primeros videojuegos. Hay, eso sí, una prehistoria, pero en esa década es cuando se consolida un medio que no ha dejado de crecer hasta convertirse en la primera industria cultural del presente en cuanto a volumen de negocio, engullendo a sectores tan potentes hasta no hace mucho como la música o el cine. Silenciosamente, pero con unos tantos por ciento envidiables de crecimiento, ha ido tomando posiciones sin necesidad de grandes campañas de publicidad y sin que los medios de comunicación les hayan hecho demasiado caso. Por supuesto, también han ocupado ese primer puesto sin el apoyo decidido de la «alta cultura». En los últimos años, sin embargo, con el cambio de milenio, ha habido una atención especial hacia ellos. Si primero se los vio como alienantes y violentos (una imagen que perdura como estereotipo), recientemente esta industria cultural se ha dado cuenta de que dirigirse únicamente a jóvenes era algo que les limitaba, y se ha ido abriendo a otros segmentos de población, por ejemplo, mediante los denominados de entrenamiento mental.

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Abril 25, 2008

El «fontanero» Villel

Originalmente en e-norte

«Doy por terminadas las labores de fontanería». Superados los cien días desde la llegada de Manuel Borja-Villel a al Museo Reina Sofía, su director da por sentadas la bases de su un futuro inmediato que llegará «marcado por la transparencia». El «fontanero» Villel ha ajustado todas las válvulas y ha saneado las cañerías de la institución que heredó de Ana Martínez de Aguilar y a la que llegó en diciembre pasado como ganador de un concurso internacional diseñado a la medida de su perfil. Con siete nombramientos en un renovado organigrama, un plan museístico cerrado y un programa de exposiciones heredado en parte de su antecesora y ajustado por él, Borja-Villel mira al futuro confiado.

«Espero que en dos años el museo funcione como a mi me gustaría», vaticina.

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Jesper Just, cine sobre cine - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

Cuando se escribe sobre la obra de Jesper Just (København, Dinamarca, 1974) es frecuente concentrarse en su contenido argumental o en los detalles de la filmación. Es una aproximación pertinente, pues lo que parece interesarle es componer una situación dramática a través de un trabajo con actores. Pero quizá habría que aclarar antes qué es lo que estamos viendo. Las fronteras entre cine, corto y vídeo son muy permeables en nuestros días, en particular en el medio artístico. Si encontramos un audiovisual en un espacio para el arte tendemos a calificarlo mentalmente como “vídeo� pero, con independencia del tipo de cámara con que se haya grabado, lo cierto es que hoy conviven bajo esa denominación genérica multitud de producciones que se diferencian no sólo por sus características técnicas sino también por su esencia. Al contrario de lo que ocurre en las líneas de contacto del arte con la moda, el diseño o la industria de la música, que suponen pérdidas para el primero y un injustificado estatus artístico para los otros, la aproximación de cine y arte no resulta apenas problemática. Hay arte en las salas de cine y hay cine en las salas de arte. Pero, en general, el cine que se exhibe en los museos no es apto para las salas comerciales. Por su duración, por su renuncia a las convenciones narrativas o por manejar referencias visuales y teóricas que escapan al espectador estándar.

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Abril 21, 2008

Obsesiones históricas - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abcd

No hace falta ser Gregor Samsa para asistir a las más raras metamorfosis. Tampoco tenemos que habernos encontrado con que el dinosaurio, como apuntó Monterroso, todavía estaba allí. Fabre, teatral y excesivo, entregado a una barroquización siempre al borde del naufragio, lleva años materializando sueños raros en los que un insecto puede estar insertado en lo alto de un afilado mástil (Tótem, 2004), o una figura, siempre la suya, galopando a lomos de una tortuga como si quisiera desafiar al inmenso océano. Frank Maes ha señalado que su obra está dominada por la interacción entre vida y muerte, por las visiones de lo embrionario y lo siniestro; y, sin embargo, todas sus esculturas, instalaciones y dibujos transmiten un vitalismo demencial. Su narcisismo primordial no le lleva a la depresión; antes al contrario, incluso colgado (Dependens, 1979-2003) sigue exhibiendo la seguridad de que podemos transformar nuestro cuerpo en algo radiante. En la pasada Bienal de Venecia instaló una impresionante serie que tenía algo de línea de resistencia contra la mezcla de «corrección» e insustancialidad que presidía el proyecto de Storr. Fabre no tenía ningún pudor en convertirse en protagonista del salto al vacío, e incluso de alegorizar el suicidio o la falta de sentido de todo lo que forma parte de su mentalidad «escénica». Pocos artistas son capaces de llegar hasta ese límite obsceno en el que él es capaz de rescatar lo poético y eludir lo kitsch sin, por ello, lanzarse hacia el terreno de lo filosófico.

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Abril 17, 2008

El pensamiento desencantado - Miguel �. Hernández-Navarro

Originalmente en no (ha) lugar

Con una edición cuidada y elegante, la recién aterrizada editorial Marbot nos trae, al fin, la traducción de Muy poco… casi nada, uno de los libros más fascinantes y reveladores de la última década del siglo. Aunque llega con casi diez años de retraso, su publicación es un motivo de alegría para la intelectualidad en lengua castellana, tanto por la calidad del libro en sí, como, sobre todo, por la introducción de una vez por todas de la obra de Simon Critchley, un pensador casi desconocido en nuestro país, que, sin embargo, en muy pocos años, se ha convertido en una de las figuras centrales del debate filosófico internacional, revelándose como ensayista lúcido, sensato, comprometido y original.

Situado a medio camino entre la tradición anglosajona y la continental (esencialmente francesa), con un lenguaje claro y conciso, literariamente muy trabajado, Critchley ha abordado un gran número de problemas fundamentales del pensamiento actual, como, por ejemplo, la responsabilidad, el humor, la muerte, el desencanto o las relaciones entre filosofía y literatura. En esencia, su obra evoluciona hacia una búsqueda del sentido de la vida tras la constatación de la pérdida de toda certeza. Cómo vivir con sentido cuando ya nada tiene sentido; ésta podría ser la base de su itinerario filosófico. Un itinerario que parte de la experiencia de la deconstrucción y la ausencia de una verdad absoluta a la que remitirse. ¿Qué podemos conocer cuando somos conscientes de que es la incertidumbre la que rige el mundo? O sobre todo, ¿qué hay en las palabras que traducen la experiencia del mundo? Muy poco, casi nada. Pero ese poco es lo que nos queda.

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Won Ju Lim, otra vuelta de tuerca - José MARIN MEDINA

Originalmente en el cultural

Bajo un título poético y revelador, Paisajes rotos y otras cosas melancólicas, la escultora y artista de instalaciones Won Ju Lim (nacida en Corea del Sur, 1968, y hoy activa en Los �ngeles, California) da una acusada vuelta de tuerca a su trabajo de escultora y, al mismo tiempo, nos muestra sus primeras y singulares pinturas.

En cuanto a sus maquetas, resulta estimulante que Lim haya vuelto, ¡una vez más en muy poco tiempo!, a apretarse las clavijas y que logre una producción más diferenciada, incisiva, abierta y bella. Después de haber acuñado -entre 1998 y 2002- su firma mediante una primera serie de instalaciones representando paisajes tridimensionales de modernas metrópolis (plataformas de madera, construcciones de plexiglás, lámparas de colores, luces fluorescentes y proyecciones de diapositivas superpuestas), la artista dio un giro fuerte a su proceso en 2003-2004 a través del ciclo Memory Palace, en que lo paisajístico (proyecciones de DVD, con imágenes de palmerales, playas y grandes celajes) ganó terreno a las construcciones arquitectónicas, hasta desembocar en una interesante suite de dioramas, "cajas de luz y sombra" en cuyos interiores los volúmenes edificatorios y los ambientes naturales se hacen cada vez más planos, mientras las sugestiones escenográficas juegan como elemento determinante.

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Entrevista a Lara Almarcegui - Javier Hontoria

Originalmente en el cultural

Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) vive desde hace años en Rotterdam y desde allí viene produciendo un conjunto de trabajos centrado en una muy particular percepción del lugar. Cualquiera que visite la Sala Rekalde de Bilbao podrá constatar cómo esta noción de lugar no debe ser confundida ni con el paisaje ni con el modo tradicional de entender la naturaleza. Es más bien una forma de relacionarse con el espacio urbano desde una perspectiva conceptual y análitica, un ánimo registrador, un querer plantearse por qué ocurre lo que ocurre en nuestras ciudades y un deseo no confesado de que sigan siendo exactamente eso: nuestras ciudades. El trabajo de Almarcegui reverbera con fuerza en el concierto internacional. Su obra se puede ver ahora en Turín y en Bilbao. Y próximamente en la Bienal deTaipei.

-Lleva ya unos años trabajando con descampados. ¿Cómo surge la idea de clasificarlos?
-La Guía de descampados localiza terrenos que se esconden de la ciudad. Además de señalar los descampados, dedica bastante espacio a cada uno con un plano detallado y una descripción que recorre su historia, su presente y su futuro: si había un edificio, qué uso tenía, cuándo se quedó vacío, cuándo fue demolido, qué hay en el descampado actualmente, quién es el propietario y si hay planes. La idea es que cada descampado es diferente y ofrece una experiencia distinta de la ciudad. La guía está llena de historias diferentes; incluye desde terrenos con pasado industrial que se van a convertir en espacio recreativo a terrenos completamente nuevos, recién ganados al agua, que son una hoja en blanco.

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Abril 16, 2008

Agitar, protestar, educar - Peio Aguirre

Originalmente en peio aguirre blog

Después de los 'cuentos morales', el octogenario francés parece haber entrado en una etapa que describe como 'tragedias de la Historia', y donde la digitalizada y pictórica La Inglesa y el Duque (2001) sería el primer capítulo (centrado en la Revolución Francesa) y éste que nos ocupa aquí el segundo.

El enredo político de la época (el período que va desde el triunfo del Frente Popular en 1936 hasta la firma del pacto germano-soviético de no-agresión en 1939) le sirve como marco para contar una narración de ficción basada en el denominado 'affaire Skobline'.

Fiodor Voronin (Serge Renko) es un antiguo general zarista que trabaja para la (anti-soviética) Asociación de Veteranos de Guerra en el París de finales de los años 30. Casado desde hace 12 años con Arsinoé (Katerina Didaskalou) una pintora de origen griego, su matrimonio está doblemente formateado por la complicidad de pareja y el secretismo con el que Fiodor lleva sus asuntos 'profesionales'. En ningún momento se describe a qué se dedica realmente, más allá del perfil diplomático y secreto de sus reuniones y viajes.

Ateniéndonos a la situación europea, el contexto histórico está marcado por la polaridad ideológica: alrededor de cuatrocientos mil rusos se refugian en Francia huyendo del régimen estalinista, en España estalla la Guerra Civil, el nazismo y el fascismo se asientan en Alemania e Italia respectivamente mientras la inestabilidad política es la tónica dominante.

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Abril 15, 2008

REACCIONARIOS - Miguel �. Hernández-Navarro

Originalmente en no (ha) lugar

Hace ya dos semanas que acabó “Estratos�, el Proyecto de Arte Contemporáneo organizado por la Consejería de Cultura, Educación y Deportes. Una iniciativa que, durante tres meses, ha desencadenado en Murcia una polémica sin precedentes sobre el arte contemporáneo. En un mundo dominado por la falta de pensamiento y la vagancia mental, que una cosa como el arte se haya convertido en objeto de debate es algo que puede ser considerado un logro en sí mismo. El mero haber hecho pensar a ciertas mentes que parecían esclerotizadas, es ya como para darse con un canto en los dientes. Lo único triste del asunto es que el debate ha nacido viciado, pues gran parte de los argumentos mostrados por algunas de las voces críticas han querido hacer pasar por argumentos expertos y razonados lo que no eran más que vagas nociones e intuiciones trasnochadas.

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Abril 13, 2008

Doble final de fiesta - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abcd

Entrevistarse con los hermanos Rosado, Miguel y Manuel (San Fernando, Cádiz, 1971), es casi como participar en un juego de ecos: delante de ellos se asiste siempre entre fascinado y confuso a esa rara cualidad, frecuente en las parejas de gemelos más unidos -y ellos lo están, hasta el punto de formar pareja artística-, de que un pensamiento continuo y sin apenas fisuras sea resultado de la actividad realizada en estricto paralelismo por dos cabezas, dos sistemas nerviosos, dos mundos emocionales y sensitivos por completo diferenciados. Están tan coordinados que en la conversación ofrecen como resultado una «voz» única, sólo que nerviosa, estroboscópica, ligeramente desdibujada en su perfil. Así, el diálogo con ellos es una versión complicada, muy estimulante entre el tú a tú y la discusión en grupo, pues sus opiniones aparecen centradas pero duplicadas cada vez, únicas, aunque en continua autocorrección.

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Abril 11, 2008

El arte como ONG - David G. TORRES

Originalmente en el cultural

El Guernica de Picasso mostraba con contundencia el compromiso del artista frente a la guerra y el horror. También podemos remontarnos en el tiempo y encontrar ese compromiso en Goya o en los escritos de Valle-Inclán contra la dictadura de Primo de Rivera. Una actitud que es posible recorrer a lo largo del arte del siglo XX planteando la pregunta: ¿cómo reaccionan los artistas ante las guerras y el horror que las acompaña, se llamen Primera o Segunda Guerra Mundial, Vietnam, Pinochet o Apartheid?

El Centre Pompidou de París ha querido aplicar esa cuestión a la situación actual y a una situación bélica concreta: ¿cómo reaccionan los artistas de Oriente Medio ante el interminable conflicto que se vive entre el Líbano, Israel y Palestina? El resultado: Les Inquiets. 5 artistas bajo la presión de la guerra; Yael Bartana y Omer Fast de Israel, Rabih Mroué y Akram Zaatari del Líbano y Ahlam Shibli de Palestina.

Ahlam Shibli: Untitled, 2007.Les Inquiets toma el título de la novela homónima de Leo Lipski. En ella se describe la "situación de los artistas en vísperas de la Segunda Guerra Mundial que, gracias a su hipersensibilidad, presintieron el horror inminente". Esta referencia pesa como una losa a lo largo de la exposición. Porque, efectivamente, en el presentimiento de aquel horror se piensa en el Guernica de Picasso, pero también en los fotomontajes de John Heartfield denunciando el advenimiento de Hitler al poder y por los que las pasó canutas. Surge, también, la necesidad de denunciar explícitamente a los culpables. O también la famosa pregunta de Adorno: "¿Es posible escribir poesía después de Auswitch?" Ahí, el problema en el arte pasaba por preguntarse si era posible representar el horror. La revisión de esa inquietud de los artistas, ahora frente a Oriente Medio, que propone esta exposición y su comisaria, Joanna Mytkowska, parece situarse en un plano intermedio: ni denuncia, ni representación del horror.

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Esther Ferrer, retratos del tiempo - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en el cultural

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) integró el grupo Zaj. Fue la pionera de la performance en España y su trabajo ha desarrollado una reflexión en torno al cuerpo y al objeto. Su obra se ha desarrollado entre el minimal, el conceptual y el absurdo. Ésta sería una presentación al uso de Esther Ferrer. Y sin embargo, aunque todo ello es cierto, prefiero otro tipo de aproximación. Después de más de treinta años de Zaj, la artista y la exposición que ahora presenta, Autorretrato en el tiempo, acaso puedan verse de una manera más abierta, o por lo menos diferente. Ferrer explica que sus exposiciones se desarrollan a partir de una idea y que las obras que la integran son como variaciones de un mismo tema. Pues bien, lo que vamos a tratar aquí es de explorar esa idea o concepto que sobrevuela la muestra y que no es otro que la imagen de la muerte. Las piezas que presenta han sido vistas, y tal vez aisladamente pueden sugerir otros mundos, pero al asociarse en la exposición se reactualizan y confluyen en una puesta en escena de laberintos y reflejos en los que asoma la destrucción del paso del tiempo.

Autorretrato en el tiempo se inauguró con una inesperada performace. Por sorpresa, Esther Ferrer entró en la galería desplegando una cinta adhesiva que al paso -o mejor dicho, pisándola- dejaba el rastro de su itinerario por la sala de exposiciones. En esta cinta había una suerte de mensaje: "Se hace camino al andar". Se observará que en esta cinta que se extiende existe otra connotación: el desgaste. Se hace camino, pero, al tiempo, la cinta se agota.

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Abril 10, 2008

Caer a sí mismo - MIGUEL �. HERN�NDEZ-NAVARRO

Originalmente en No (ha) lugar

Sobre "Tumba de sueño, Jean-Luc Nancy. Buenos Aires, Amorrortu, 2008.

Jean-Luc Nancy (Burdeos 1940) es quizá el último de los grandes pensadores franceses contemporáneos. Tras la muerte de Derrida, probablemente sea el único representante de ese pensar característicamente francés, evolucionado a través de la experiencia del psicoanálisis, el postestructuralismo y las revueltas del sesenta y ocho. Su obra ha transitado por temas fundamentales del pensamiento contemporáneo, aunque hay dos cuestiones claves que emergen en casi todos sus textos: la negación del tacto en la cultura occidental y la necesidad de buscar un nuevo sentido para la comunidad, una experiencia de lo común, del ser-con. Esto es: la imposibilidad de ser si no es ser-con-el-otro, pues el individuo es esencialmente un ser que, desde el principio, en la identificación con los arquetipos, se construye gracias a la comunidad, a la experiencia del otro. Ser humano significa, pues, ser-con.

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Abril 07, 2008

J. Rosefeldt: «Persigo el lado cómico del existencialismo» - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abcd

Julian Rosefeldt (Alemania, 1961) es consciente de que Réquiem, el proyecto que presenta en Helga de Alvear, es atípico en su producción (de hecho, en el almacén de la galería, al alcance de muy pocos, descansa Ship of Fools, su producción más reciente, mucho más acorde con lo que nos tiene acostumbrados). Y no le preocupa que esta rara avis sea su carta de presentación en un espacio privado en España. El que lo conoce y lo sigue encontrará similitudes entre este canto ecológico y series anteriores como Asylum, su obra cumbre hasta la fecha, que en nuestro país forma parte de la colección del MUSAC y que anteriormente pudo verse en el DA2. Un trabajo rodado por primera vez en exteriores reales, en el que vídeo y fotografía se complementan... Rosefeldt analiza aquí el lugar en el que ahora se encuentra.

Algunos textos críticos hablan de usted como un artista que analiza como un científico los aspectos más absurdos de la existencia y la vida cotidiana.

Mi formación es arquitectónica, pero desde que me diplomé me centré más en el arte. De hecho, mis primeros proyectos aún se conectaban con lo arquitectónico. Después, con el tiempo mis intereses se desplazaron hacia los medios de comunicación. Como muchos artistas de mi generación, me sentí atraído por la idea del archivo, la sensación de que el mundo ofrece tantas imágenes que ya no es necesario crear nuevas, sino centrarse en las producidas y recuperar el aura que ámbitos como la publicidad o la pornografía les arrebataron. Dirigí mis intereses hacia el cine, no como fin, sino como medio, sobre todo porque me di cuenta de que seguía habiendo imágenes que no existían y que sólo así podría crear. Es así como llego a Asylum, un proyecto muy ambicioso, que despliega con fuerza temáticas políticas y sociales que antes habían aparecido en mi trabajo. Siempre me interesó analizar su impacto en el individuo y hacerlo desde distintas perspectivas.

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Abril 04, 2008

Javier Pérez, el negro animal totémico - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

Asumir la condición teatral de la obra de arte tan contundentemente como lo hace Javier Pérez podría llevar al ridículo a cualquier artista que no sepa manejar a la perfección la puesta en escena, su coherencia con la acción y sus efectos sobre el espectador. Han transcurrido seis años desde la última exposición de Pérez en esta galería, cinco desde su retrospectiva en el Artium y cuatro desde que ocupara el Palacio de Cristal del Retiro. En este tiempo parece haberse acentuado en el artista el talento escenográfico, y también el alma negra que siempre se había dejado traslucir en su trabajo. Ya en las obras performativas y escultóricas con máscaras y prótesis de los años 90 había un componente de crueldad y hasta de sadismo que no se ha apaciguado. Pero ahora cabe incluso hablar de una estética “gótica�, que reelabora el viejo universo imaginario del esqueleto revivido, el monstruo y los objetos amenazantes. Y, como en las novelas góticas, se acumulan demasiados “episodios�, especialmente en la planta superior de la galería, donde se han yuxtapuesto fotografías y dibujos de diversas series que, aunque relacionables de una u otra manera con las instalaciones de abajo, agravan el evidente peligro de caer en el exceso dramático. Cada una de las obras, considerada individualmente, guarda mejor el equilibrio que el conjunto.

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Marzo 31, 2008

Tres apuntes sobre política cultural - Santi Eraso

Originalmente en e-limbo

POR UNA CULTURA ECOPOL�TICA
Cualquier reflexión sobre el futuro de la cultura debe asumir que tanto las prácticas culturales institucionales como las originadas en las dinámicas independientes de la sociedad civil deben insertarse en un concepto de ciudad integradora, sostenible y solidaria. Es decir, no podemos entenderlas sólo como una emanación oficial y artificial de actividades generadas desde la administración, organizadas en rígidas estructuras departamentales. Se trata de un conjunto de prácticas públicas y privadas, muchas veces no sujetas a las directrices institucionales ni a los intereses de los gobiernos, que se desarrollan a través de una red difusa de iniciativas individuales, asociaciones y colectivos sociales.

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Marzo 30, 2008

«Reivindico un espectador creativo» Jordi Bernardó - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abcd

Jordi Bernadó (Lérida, 1966) se ha puesto un reto: que el marco de la fotografía, que sus cuatro lados físicos, no sean obstáculo para desarrollar y contener una historia superior. «Quiero que la imagen no sea el final de algo, un simple documento, sino el comienzo de un cuento», sentencia. Sólo así cobran sentido sus fotos de motivos arquitectónicos, que trascienden lo que muestran, desafiando al espectador. Algunos de sus resultados más recientes se ofrecen ahora en la galería Senda de Barcelona.

Después de una retrospectiva como la del año pasado en La Panera, ¿como se prepara una cita comercial como ésta?

Son dos perfiles de exposición muy distintos. En la Panera, su directora y comisaria de la exposición, Glòria Picazo, insistió mucho en enseñar desde las primeras fotos de 1993 hasta las mas recientes. La voluntad del proyecto era explicar el recorrido de quince años de trabajo. En una galería comercial lo que hay que hacer es un trabajo de síntesis. Aquí hemos optado por una foto de las primeras, por trabajos de proyectos recientes o en los que estoy trabajando. De hecho, hay una imagen tomada hace tan sólo doce días.

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La oscura vida de un pintor marginal - Agustín Fernández Mallo

Originalmente en el pais

Cuando en el mes de abril de 1973, Nathan Lerner, casero de un modesto piso del North Side de Chicago, abrió la puerta de la vivienda en la que había vivido durante 40 años su singular y recién fallecido inquilino, Henry J. Darger, se encontró con un escenario del que tardó en dar crédito: un cuarto atiborrado de recortes de periódicos, cómics, revistas, libros destripados, aparente basura y unas gigantescas acuarelas que repetían obsesivamente las imágenes de niñas desnudas con grandes alas de mariposa siendo perseguidas por soldados empuñando bayonetas de época. En una segunda inspección, halló sepultado uno de los libros más extensos conocidos, 15.154 páginas, titulado The story of the Vivians girls, in what is known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, caused by the Child Slave Rebellion, que ha sido traducido como La historia de las niñas Vivian, en lo que se conoce como los Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la rebelión de los Niños Esclavos. Supuestamente, las grandes acuarelas, pintadas por el propio Darger, ilustraban el libro escrito en sus más de cuarenta años de reclusión. El casero, Nathan Lerner, significado fotógrafo, detectó enseguida la extraordinaria calidad de aquellos dos trabajos, y se asignó el trabajo de albacea, a pesar de que, como le había ocurrido a Max Brod con Kafka, Darger le había dejado expreso deseo de que destruyera todo lo que encontrara en el apartamento. Ningún vecino sospechó jamás la obsesión que minaba la vida de aquel solitario de patrones fijos, que buscaba en la basura, sólo hablaba de los partes meteorológicos y únicamente salía de su casa para ir a misa cinco veces al día. Hoy, su obra, una de las más importantes de lo que se ha dado en llamar el outsider art o arte marginal, es una de las joyas del American Folk Art Museum de Nueva York.

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Una verdad incómoda - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abcd

Robert Smithson es, sin ningún género de dudas, el artista que mayor influencia ha tenido en la reconsideración de la relación con la Naturaleza, un término por el que no tenía precisamente simpatía, dado que para él se trataba simplemente de otra ficción del siglo XVIII; prefería el término tierra (earth), algo más concreto, confuso, sujeto a cataclismos, capaz de generar en el sujeto melancolía. El Earth Art encontró sus mejores emplazamientos en lugares que habían sido perturbados por la propia industria, la urbanización incontrolada o la devastación propia de la Naturaleza: los emplazamientos más humildes o incluso degradados, dejados por las intervenciones mineras, constituyen un reto mayor para el arte, y una mayor posibilidad de estar en soledad.

Labores de jardinería. Podría decirse que el arte degenera cuando se aproxima a la condición de jardinería, especialmente cuando no repara en la conciencia de clase o ideología que esos lugares comportan. Advertimos una oposición clara entre las earthworks smithsonianas y el jardín inglés: «No son accesibles; no existen -apunta Gary Shapiro- para el placer o la evasión; son explícitamente entrópicas en vez de crear la ilusión de eternidad; implican una crítica teórica del humanismo que es esencial en la estética del jardín». Smithson se adentra en lo que llama los problemas abismales del jardín, que no entiende como un lugar utópico o paradisíaco, sino como un ámbito en el que puede surgir lo siniestro, así como aspectos perversos, perdido aquel ideal del «jardín de la virtud». Nuestro destino son los torture gardens, cuando los jardines históricos han sido reemplazados por los sitios del tiempo o, en términos más crudos, por los basureros.

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Marzo 29, 2008

Por un puñado de links

Originalmente en lapetiteclaudine

Larry Salander, galerista newyorquino, expresa sus dudas razonables sobre el mercado del arte contemporáneo: "Being with Rembrandt is like making love. And being with Warhol is like fucking"

Prada Prostitutes:

But too much information has been the staple of books for girls ever since the first fictional confession of a period or a crush. These girls might be hookers, but otherwise they are as they have always been, their hookerdom a simple extension—psychologically unexplored—of that right to live and talk dirty which 1960s feminism conferred on the modern woman.

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El (posible) privilegio del arte - MANUEL J. BORJA-VILLEL

Originalmente en el pais

La imparable popularización de los museos y centros de arte durante las últimas décadas ha puesto de relieve uno de los problemas más acuciantes de nuestra sociedad: la educación. A menudo asistimos a debates sobre el bajo nivel de la misma o acerca de cómo nos vemos "forzados" a dirigirnos a un espectador cada vez menos preparado. Pero, también es cierto que, en ninguna otra época, ha sido la circulación de información tan extensa ni el acceso a la cultura tan aparentemente fácil. ¿Cómo es posible, pues, que justamente cuando el entretenimiento y nuestro tiempo libre se asocian a la experiencia formativa la educación esté en niveles tan bajos? ¿Cómo es posible que se hable continuamente de crisis de la cultura cuando jamás en nuestra historia reciente había sido tan multitudinaria?

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Marzo 27, 2008

MP MP & Rosado - Javier HONTORIA

Originalmente en el cultural

MP&MP Rosado presentan a partir de hoy sus últimos trabajos en la galería Pepe Cobo de Madrid bajo el título Spleen. Dirigen ahora sus intereses hacia el concepto de Melancolía, sin olvidar la trama argumental que ha sustentado su trabajo en los últimos años, la identidad, la suya propia, desde las particularidades de su naturaleza vital. Como sabemos, MP&MP son las iniciales de dos hermanos artistas que nacieron de la misma madre un mismo día de 1971 en San Fernando, Cádiz. Así, no debe sorprender que su material de trabajo esencial haya venido siendo las complejas relaciones entre el “yo� y el “otro�. Éstas se han hecho visibles a partir de una muy personal asunción de lo escultórico con gran protagonismo de la figura humana, que hunde sus raíces en fuentes diversas, desde la tradición barroca española, tan presente en Andalucía, hasta el arte contemporáneo, sin olvidar la literatura, la música o el cine. Hoy, sin embargo, parecen avanzar hacia otro estadio, entre el drama y el enigma, con la figura antropomorfa por el momento ausente. MP&MP Rosado han hablado con El Cultural desde su estudio sevillano. Se distingue en su hablar una actitud reflexiva y una dicción abstracta, que se traduce en una mayor complejidad formal y conceptual.

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Günther Förg se divierte - Abel H. POZUELO

Originalmente en el cultural

A medida que Günther Förg ha ido convirtiéndose en más y más visible y más y mejor considerado en nuestro país como nombre imprescindible de la generación de artistas alemanes aparecida justo antes de la caída del Muro, las dudas sobre sus intenciones y sobre el modo apropiado de leer su obra en la extensión del proceso van aumentando. Las de los críticos. Es comprensible. Förg viene a ser como un viejo pez gato en un pequeño estanque o una poza de riachuelo: parece fácil de apresar por ser el lugar limitado, pensable, previsible, pero el viejo pez conoce perfectamente las intenciones de los ilusos pescadores. Para apresarlo, no hay otro modo que drenar. Y eso, claro está, no sería pescar.

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Marzo 21, 2008

Chen Chieh-Jen, simbolismo contra amnesia - Rocio de la Villa

Originalmente en elcultural
La conversión del antiguo Tribunal militar y Prisión de Taipei en Memorial de los Derechos Humanos de Taiwán, inaugurado en diciembre de 2007, es el motivo del que parte el último vídeo de Chen Chieh-Jen (Taoyuan, Taiwán, 1960). El artista, que creció vecino a esta institución represora hasta el final de la dictadura de Chiang Kai-chek en 1987, se siente involucrado veinte años más tarde en el ajuste de cuentas entre su memoria biográfica y la rehabilitación de la historia oficial taiwanesa. Pero el peso del imaginario infantil proyectado sobre lo entonces nunca visto –el interior de la institución– es tal, que el proceso de concepción de esta obra le lleva a indagar sobre el bloqueo de los recuerdos siniestros en el sujeto contemporáneo entendido no en términos psicoanalíticos sino, por el contrario, impuesto como una “neurocirugía colectiva�: operada por el Estado represor para colapsar las “habilidades cognitivas� de una generación formada en la Guerra Fría y así debidamente domesticada para la amnesia y exclusión de la voz de los otros en el neoliberalismo actual. Pero ¿no es acaso esta dinámica común a la genealogía y desarrollo de la Modernidad, como ya indicara Foucault en Vigilar y castigar, argumento prolongado después en la discusión poscolonial, donde el protagonismo del “reo� (encarcelado, enfermo, demente) ha sido sustituido por el desplazado y el trabajador “sin papeles� de la economía sumergida…? La fábula, por tanto, habría de adquirir una dimensión universal, que el artista taiwanés resuelve con una narrativa onírica respaldada por pregnantes motivos simbólicos.

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Marzo 17, 2008

Del blog como espacio crítico - Miguel López López

Originalmente en Arte Nuevo

A propósito de Arte Nuevo: 9 notas personales en torno, a través y en relación al blog como espacio crítico

1.
A casi dos años de abierto el blog Arte Nuevo quisiera pensar que su aparición, y la posterior apertura de espacios otros de discusión y diálogo virtual en Lima, ha sido el temprano síntoma de un aparato crítico local asfixiado. Ser un síntoma no implica ser un detonante o generador, y menos aún la posibilidad de su recuperación, sino alude de modo indirecto al momento preciso donde parecían operar un conjunto tácito de necesidades discursivas otras que no atravesaban necesariamente por los canales y soportes habituados de escritura –ya sea en prensa o en las casi inexistentes revistas culturales locales-.

2.
La posibilidad de abrir un blog implicaba así la urgencia de pensar una forma de acompañamiento del arte reciente a través de una dinámica continua de observación y comentario. No se trataba de formatos precisos ni reglas preestablecidas; había allí, en cambio, la intención personal y deliberada de ser cómplice de una manera deshabituada y contemporánea de discutir y crear. Me interesaba abrirlo a comentarios externos, recoger opiniones de otros, y poner en circulación ideas relevantes del ámbito internacional pero sobre todo latinoamericano, agregando interrogantes a una escena que, consideraba yo, se encontraba carente de estímulos críticos.

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Esa sonrisa de la inteligencia - Juan Antonio �lvarez Reyes

Originalmente en abcd

No es que te partas de la risa, pero bueno, a veces el rostro alrededor de los labios se relaja y esboza una imagen amable y simpática. Reírse es necesario, sobre todo de uno mismo. Esto se sabe bien en el arte contemporáneo, aunque a veces se aparente lo contrario, y pese a que a menudo se vaya de seriedad total. En las salas de la planta baja de la Hayward no se escuchan las carcajadas de los visitantes -lo cual tampoco es que sea fruto de la famosa flema británica-. De hecho, el silencio sólo es interrumpido por la ya también tradicional contaminación sonora de los vídeos y piezas varias que lo incorporan. Tampoco es que uno salga con la cara de la Mona Lisa, con la media sonrisa petrificada en la cara. No, nada de esto: ni partirse de risa, ni una sonrisa permanente en los labios. Hay, eso sí, buenos momentos a lo largo del recorrido.

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Marzo 16, 2008

Inagotable Todorov - JOSÉ ANDRÉS ROJO

Originalmente en Babelia · ELPA�S

Tuvo suerte. Eso es lo que dice Tzvetan Todorov para referirse a los cuarenta años que lleva trabajando como investigador científico. No tiene que enseñar, no es un personaje público. Su trabajo consiste exclusivamente en leer y escribir. Así que se considera un privilegiado, por su libertad y disponibilidad.

Todorov nació en Sofía, Bulgaria, en 1939. Se fue a París a finales de los años cincuenta. Ya trabajaba entonces en cuestiones relacionadas con la filosofía del lenguaje, con su materialidad, sus formas y estructuras. Se nacionalizó francés en 1963 y fijó su residencia en París, donde desde 1987 dirige el Centro de Investigaciones sobre las Artes y el Lenguaje del Centre National de la Recherche Scientifique (CNRS). Del lenguaje y los signos pasó, en los sesenta, a la historia. Se metió de lleno en la conquista de América, y más adelante abordó la Segunda Guerra Mundial.

Leer y escribir como gran pasión. Con el tiempo nada parece resultarle ajeno a este investigador social y filósofo, y su inagotable curiosidad lo arrastra por caminos muy diferentes. Basta ver sus libros más recientes. En estos días se publica Sobre 'Vida y destino', donde aborda la novela de Vasili Grossman, y en mayo saldrá El espíritu de la Ilustración. Hace unos meses aparecieron sus ensayos Elogio del individuo (donde analiza la pintura flamenca del Renacimiento) y Los aventureros del absoluto, donde se ocupa de Oscar Wilde, Rainer Maria Rilke y Marina Tsvietáieva, y su contribución al volumen colectivo Frente a la razón del más fuerte. Al catalán se ha traducido La literatura en perill. Todos estos títulos los edita Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores.

PREGUNTA. ¿Cómo se le ocurrió dejar Sofía y trasladarse a París?

RESPUESTA. A finales de los cincuenta, las posibilidades que había en Bulgaria eran las de hacer carrera en el partido comunista o dedicarse a la vida privada. Las imposiciones y las concesiones empezaban al trabajar. La vida de estudiante era fácil.

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Marzo 15, 2008

Juan López - Javier HONTORIA

Originalmente en elcultural

Todavía no tiene 29 años y Juan López (Alto Maliaño, Cantabria, 1979) lleva ya cuatro o cinco siendo uno de los referentes del arte joven español. Su carrera es meteórica. Ha estado presente en las principales plataformas de apoyo la juventud artística y en importantes colectivas, Globos Sonda (MUSAC, 2006), la I Bienal de Canarias (2006) o Planes Futuros (Pamplona, 2007). En su segunda individual en La Fábrica su trabajo puede verse en su mejor versión, en un montaje de envergadura.

Su trabajo es conocido por su asombrosa frescura. Interviene el espacio público al tiempo que introduce en galerías y centros de arte el ritmo de la calle, desde la jerga juvenil hasta el mensaje publicitario. Si en el ámbito urbano utiliza el lenguaje, distorsionándolo y dándole otro sentido, en el interior utiliza el dibujo, que realiza con cinta adhesiva. Su soporte es el muro y su herramienta el cúter, que maneja con destreza para crear imágenes vibrantes e irónicas. Licenciado en Bellas Artes en Cuenca, lo que le mueve a Juan López no siempre se encuentra en la esfera del arte.

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Nacho Criado en la encrucijada - Rocio de la Villa

Originalmente en elcultural

El proceso y la quietud. En el reduccionismo formal característico de Nacho Criado (Mengibar, Jaén, 1943) hay una extraordinaria capacidad de congelar espacialmente el devenir. Las figuras finalmente extraídas, ya sean elipses, vectores secuenciados o, aquí, cruces –con el tríptico mayor realizado en hierro y plomo– expresan en su depuración última, abstracta, un largo recorrido anterior, repleto de vericuetos, dudas, incertidumbres y experiencias. A través de las fotografías, pinturas, collages, dibujos y esculturas de esta exposición, Criado ha dejado suficientes hallazgos para que el espectador pueda rastrear algunas de las múltiples y variadas referencias que, a lo largo de su trayectoria, se han ido sumando hasta llegar a plasmar ahora la idea de la encrucijada. Es el magma de la vida cotidiana y, a la vez, la tenaz indagación hasta materializar en sus mínimos una idea.

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Marzo 09, 2008

De allá para acá - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

Lothar Baumbarten (1943) es un artista de producción lenta, que aparece, desaparece y reaparece en la escena internacional al margen de cualquiera de los grandes eventos que la sacuden. Baumgarten es un artista alemán formado en el núcleo duro de las Academias de Karlsruhe y Düsselforf, que, como Hans Haacke y Benjamin Buchloh, decidió dejar su país natal para instalarse en EE.UU. y disfrutar del pluralismo de una sociedad alejada de las polarizaciones que el trauma de la II Guerra Mundial dejó consigo.

Fue en Alemania donde comenzó a interesarse por el pensamiento de Lévi-Strauss. De su mano (y también por la influencia de su padre) se interesó por la antropología, la etnografía y, sobre todo, por la Historia, la tradición y la cultura de lo «otro», entendiendo por esto lo distinto, lo ajeno y lo excluido. Fue así como empezó sus «etnografías de la otredad» (o lo que a finales de los sesenta se conoció como su particular contribución al land art) en «otras» zonas de la cuenca del río Rin a base de filmes (el primero, El origen de la noche, de 1973-77, se ambientó en la selva amazónica aunque se rodó en Alemania) y de obras objetuales de carácter efímero que Baumbarten siempre registraba en distintas series fotográficas, la más conocida, Culture-Nature, Manipulated Reality (1968-1972). Y siempre para dejar constancia de la psique de las cosas, de la duplicación de su morfología, entendido el registro fotográfico como el mejor potencial mimético de la realidad.

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Marzo 06, 2008

Inteligencia colectiva y redes creativas - António Cerveira Pinto

Originalmente en e-limbo

Nous proposons ici de concevoir des mondes virtuels de significations ou de sensations partagées, l'ouverture d'espaces où pourront se déployer l'intelligence et l'imagination collectives. — Pierre Lévy *

A la vez que argumentaremos, con la máxima honestidad posible, sobre la metamorfosis de los paradigmas modernos de la cultura occidental, intentaremos de otra parte (con igual disciplina intelectual y de acuerdo con la estimulante iniciativa emprendida por el MEIAC) avanzar una propuesta de reflexión teórico-práctica que incida en la necesaria adaptación de la institución museológica a los desafíos de esa omnipresente cultura bio-tecnológica a cuya expansión acelerada estamos todos adaptandonos.

El programa de acción en curso puede resumirse a una idea repetida: metamorfosis, metamorfosis, metamorfosis. Lo que viene a querer decir, paso del museo material a un museo inmaterial (en realidad, un bio-museo), elevación del público a la categoría de actor curatorial y transformación del lugar arquitectónico en una topología avanzada de democracia, urbanidad y vida multimodal. A pesar de la globalización, o precisamente por su causa, continua teniendo sentido entender la actividad artística, y sobretodo las causas de su legitimación crítica y valorización comercial, así como su notoriedad, en función del respectivo origen geo-estratégico. En este caso, tomando buena nota de las aportaciones creativas más relevantes, independientemente de su procedencia geográfica, el MEIAC inició hacia el año 2000 una política de adquisiciones y exposiciones en función de la importancia seminal de algunos artistas en el nacimiento del nuevo arte pós-contemporáneo, y por otro lado, dar el debido relieve a la producción digital y generativa de autores oriundos del mundo ibérico y latino-americano. La exposición META.morfosis resume de la mejor forma posible esta aspiración. La actualidad creativa de autores como Marta de Menezes, Joan Leandre (a.k.a Retroyou), Brian Mackern, Santiago Ortiz, Arcangel Constantini, Rosa Sanchez y Alain Baumann (a.k.a Konic thtr), Fran Ilich, André Sier ou Gustavo Romano, entre otros, lo justifican plenamente.

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Marzo 02, 2008

Sobre el planteamiento de IVO MESQUITA para la 28 Bienal de Sao Paulo - Antonio Socias

Originalmente en e-limbo

En la Confusión de las Mentes (proceso en desarrollo permanente desde febrero de 2004)

ACTUAR

Actuar, propone el hombre, y hacerlo ahora mismo. Dejar de lado el discurso soporífero y los hipnóticos usos gremiales, arremangarse, ponerse manos a la obra, jugársela si es necesario y, consecuentemente, crear el caldo de cultivo propicio a la elaboración de un nuevo discurso con: 1. auténtica perspectiva de lo que está sucediendo en el arte de nuestros días, y 2. visión de futuro para salir de la arbitrariedad, el aburrimiento y la inercia, y dar un imperioso paso hacia otro estadio diferente.

Alejadas de algunas de las sustanciosas propuestas vanguardistas del primer tercio del siglo XX, desviadas de aquellas drásticas proposiciones conceptuales de finales de los sesenta y principios de los setenta, y al margen por supuesto de las siempre respetables propuestas particulares con un valor innegable, el grueso de las invectivas "radicales", que tanto nos han mareado durante las últimas décadas y que nos marean ahora mismo con alegatos vomitivos, han acabado por convertirse en puros trámites estéticos, ejercicios evidentes de plástica trasnochada; puro arte funcional, funcionarial; mera decoración de áreas retóricas, espacios desaprovechados y mentes apoltronadas; carne de ferias, certámenes y bienales; estribillos de una contemporaneidad mal concebida, gestionada, practicada y asumida.

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"En mi estilo se puede reconocer cierto perfume" Entrevista a Juan Hidalgo - Mariano de Santa Ana

Originalmente en babelia

El koan es un problema aparentemente absurdo, ilógico o banal, cuya resolución mediante la liberación de los resortes del pensamiento racional ayuda a aumentar el nivel de conciencia de quien está entregado a la experiencia contemplativa. De larga tradición en el zen, el koan nutrió la poética de Juan Hidalgo desde que se pusiera a estudiar el budismo japonés en Milán, allá por la década de los sesenta, y sigue alimentándola aún, como acredita en Jugando con bolas, que muestra estos días en la sala San Antonio Abad del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), de Las Palmas de Gran Canaria.

Suspendidas del techo, custodiadas en vitrinas como reliquias infraleves, envueltas en condones o expuestas en pedestales carentes de solemnidad; navideñas, planetarias, de peluche o de billar, las bolas del octogenario artista se combinan mediante una economía poética de lo mínimo en forma de chistes obvios, gestos cómplices, historias privadas y permutaciones con resonancias oraculares para jugar, en última instancia, el papel de objetos restablecedores del silencio.

Miembro fundador del legendario grupo Zaj -formado por él, Esther Ferrer y Walter Marchetti-, introductor del conceptualismo en España en los años sesenta, Juan Hidalgo vive desde 1997 retirado en la aldea de Ayacata, en las montañas de su isla natal de Gran Canaria, en una hermosa casa de color violeta en la que comparte sus trabajos y sus días con su marido, Carlos Astiárraga; sus 14 perros, un pájaro del Himalaya y el segundo almendro más grande del pueblo.

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Marzo 01, 2008

Un destello de piedad - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abcd

Perteneciente a esa generación de artistas británicos que, como Paul Seawright o Willie Doherty, han impreso un nuevo sesgo al empleo documental de las imágenes, Paul Graham (Reino Unido, 1956) celebra su tercera individual madrileña, después de que en esta misma galería presentara hace un par de años su serie American Night (muchos de ustedes recordarán aquellas impecables fotos a punto de disolverse por completo en el efecto neblinoso que las daba nombre), y que en 2004 la Fundación Telefónica le dedicara una amplia retrospectiva. Así pues, el compromiso social y político de Graham es, al menos inicialmente, familiar para el público de estas fotografías, donde avanza en el retrato colectivo americano del presente, atendiendo sobre todo a sus fracturas internas y tomando como protagonistas a los más desfavorecidos.

Sombras del pasado. Graham trabajó largo tiempo sobre la problemática inherente a la cristalización de toda identidad colectiva: en el terreno de lo social, retratando franjas generacionales que, como los adolescentes, están sujetos a rápidos tránsitos identitarios, y, sobre todo, en el terreno de lo político, como en el caso de su tierra natal -con la presencia del conflicto norirlandés- o en el de la construcción europea -donde a finales de los ochenta, «liberada de las ataduras de la Historia y habiéndose dotado de una única frontera, buscaba un nuevo futuro, aunque era visible en ella la sombra del pasado», según él mismo.

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Lamentablemente, Muñoz Molina - David G. Torres

Originalmente en a-desk

Este sábado el suplemento Babelia de El País reproducía el debate que durante el pasado ARCO moderó Antonio Munoz Molina sobre arte contemporáneo. Sólo quiero destacar la deslumbrante ineptitud de Antonio Muñoz Molina para desbaratar lo que según él representa el arte contemporáneo hoy.

Tan ridícula como una defensa numantina del arte contemporáneo es un ataque basado en prejuicios. Aunque por otra parte esa defensa numantina y en bloque nadie minimamente documentado la verá por ningún lado, más bien se encontrará autocrítica y discusión. Por ejemplo, no defenderé por igual y en bloque la idea de hacer una bienal vacía en Sao Paulo y dejar el pabellón español en la Bienal de Venecia vacío como hizo Santiago Sierra; ambos ejemplos citados por Muñoz Molina. Lo inaudito es que alguien que trabaja desde la creación literaria, que utiliza sus recursos, imágenes y metáforas declare que la intervención de Santiago Sierra necesitaba de explicaciones adicionales y que esas explicaciones adicionales representan el conflicto en el que vive el arte contemporáneo. Sinceramente, al margen de juicios sobre la obra de Santiago Sierra, no sé que explicación adicional requiere una obra que consistía no tanto en dejar un pabellón vacío como en impedir la entrada a un supuesto territorio de españolidad a aquellos que no tengan pasaporte español para entrar en un espacio en estado ruinoso. Y esto no és una explicación que haga que la pieza se aguante o no, sino simple descripción de lo que hay, otra cosa es que se sepa ver o no. Explicación sería decir que eso tiene que ver con el cierre de fronteras, las políticas de exclusión en España, el estado ruinoso de la cultura en este país o la absurda internacionalidad de un evento como la Bienal de Venecia.

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China, más allá de la muralla - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

En uno de los rincones de los blancos espacios de la Fundación Miró, a resguardo de las miradas y de las ochenta obras de 51 artistas chinos contemporáneos, sentada en las escaleras, trajeada y leyendo el periódico, aparece la inquietante escultura hiperrealista del único «europeo» de toda la muestra: el diplomático y empresario suizo Uli Sigg, embajador por un tiempo de Suiza en Pekín, que desde su primer viaje a China en 1979, en la era posterior a la muerte de Mao, empezó a coleccionar un arte nada apreciado -al menos en el mercado tradicional- en aquellos momentos, hasta reunir más de dos mil piezas, sin duda, la colección de arte chino contemporáneo más amplia de las existentes en la actualidad.

Fuera protocolo. La pulsión coleccionista de Uli Segg trasgrede, no obstante, los protocolos tradicionales del coleccionista: más que aislar las obras de su contexto, Sigg se ha propuesto servirse de la obra de arte para intentar entender un mundo que le era inaprensible o, lo que es lo mismo, para explicar visualmente la vertiginosa transformación experimentada por la China post-Mao y posterior también a la disolución de la URSS: «Conocer China a través de su arte». Eso es, al menos, lo que se deriva de sus palabras en la entrevista que se publica en el catálogo de la exposción, y en la que el suizo insiste en servirse de las obras de los artistas chinos entre 1987 y 2007 para explicar la nueva situación de un país que, tras la apertura al «mundo occidental» -en realidad, a su capitalismo-, pretende convertirse en una superpotencia mundial.

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Las paradojas del arte contemporáneo

Originalmente en babelia

Un grupo de ocho destacados intelectuales, profesionales y artistas participó el pasado viernes 15 de febrero en la mesa redonda organizada por EL PA�S en el VI Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo durante la feria madrileña Arco. El escritor y académico Antonio Muñoz Molina actuó como moderador planteando varios de los puntos de una discusión en la que tomaron parte los artistas Eduardo Arroyo, Jaume Plensa, Soledad Sevilla y Sergio Prego. Junto a ellos, el crítico de arte Francisco Calvo Serraller, la curator internacional Carmen Giménez y el director de La Casa Encendida, José Guirao.

La mesa fue planteada en torno a la relación entre el artista y el público. Es decir, cómo llega el artista al público y cómo el público también se educa en su apreciación del arte. Antonio Muñoz Molina quiso empezar enumerando unas cuantas paradojas descriptivas del arte contemporáneo, algunas de ellas universales, otras europeas y otras específicamente españolas, que lo definen. "La primera es que en arte la ruptura es la norma. Paradoja que plantea sus problemas, porque, para rebelarte contra algo, tienes que hacerlo contra un poder, que en este caso se ha disipado. Además la provocación requiere un establishment fuertemente establecido de gente dispuesta a sentirse provocada y escandalizada".

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Febrero 24, 2008

La encrucijada. Acción política, arte y comisariado. - David G. Torres

Leido en e-limbo

En abril de 2000, Antonio Ortega presentó una exposición en la Sala Montcada de la Fundació "La Caixa" bajo el título Registro de Caridad. Su obra era fruto de haber apadrinado una cerdita en Londres y de dar de comer sus propios vómitos a unos anónimos pájaros en la entrada de su casa. La exposición ponía en evidencia nuestros prejuicios respecto a la caridad y la generosidad con una pregunta implícita muy simple: ¿qué es más generoso o caritativo, ofrecer a una cerda un nombre y un hábitat ideado por nosotros, que en el fondo es una especie de encierro, o dar de comer vómitos a unos pájaros que siguen siendo libres y que pueden decidir si comer eso o no?, ¿cómo medimos nuestra generosidad, en base a nuestra propia satisfacción personal o en base a la del objeto con el que pretendemos ser caritativos?, ¿qué mide la generosidad, nuestro esfuerzo o el resultado?… Para comentar la exposición de Antonio Ortega utilicé una noticia que había aparecido en un telediario reciente: Chrissie Hynde, líder de The Pretenders, había sido detenida en Nueva York mientras se manifestaba en una tienda Gap contra la venta de prendas de piel realizadas a partir de la explotación de vacas en la India. La historia era larga y complicada, la moraleja final consistía en preguntarse quién se beneficiaba de qué, si Gap con la publicidad gratuita que le hacía Chrissie Hynde o la propia cantante al ganar minutos de televisión con un reciente disco en el mercado.

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La energía necesaria - Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en abcd

Beuys reconstruye su vida como montaje permanente de exposiciones: se convierte en parásito de sus heridas. El currículum recuerda que con diez años suceden dos muestras en Kleve: «Exposición contraída» y «Exposición de la contracción», más tarde «Exposición bajo tierra (a poca profundidad)». Beuys se sitúa en el terreno en construcción benjaminiano, su mirada visionaria es la de un niño que juega: «Naturalmente -declarará el defensor de la nueva plástica social- todo aquello no tenía aún otro carácter que el de un juego. Así, por ejemplo, con los trozos de tela vieja, trapos y restos que habíamos andado mendigando por ahí, se construyeron grandes cobertizos a modo de tiendas de campaña, y allí se exhibían todas aquellas cosas, empezando por mosquitos, reptiles, renacuajos, peces, escarabajos, ratas, ratones, hasta chismes mecánicos viejos y algún que otro aparato técnico, todo, en fin, cuanto podíamos buscar. Se producían también considerables movimientos sísmicos, pues, en parte, construíamos bajo tierra nuestros locales, en un laberinto de zanjas».

Injertado en la muerte. Las correspondencias son claras: las zanjas y el laberinto, el cobertizo y la Torre de Babel, la colección de zoología azarosa y el Arca de Noé. Las obras de Beuys sobreviven como fragmentos, piezas sueltas de una gran confesión y una gran confusión. Es un mensaje injertado en la muerte, de una fealdad provocativa e informe.

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Febrero 17, 2008

Y todo a media luz - Javier D�AZ-GUARDIOLA

Originalmente en abcd

«Yo sólo tuve miedo de la luz, no de la oscuridad, porque la oscuridad nunca miente», expresaba en 2002 Bernardí Roig, uno de los tres integrantes de Light Messages, en Es Baluard -y la cita le sirve también a Fernando Castro para arrancar el conjunto de «fogonazos» y «sombras de la mirada» con los que sintetiza en su texto para el catálogo de la muestra la obra del mallorquín y sus otros dos compañeros generacionales y de cita expositiva: Daniel Canogar (Madrid, 1964) y Chema Alvargonzález (Jerez de la Frontera, 1960)-. Porque no hay mayor ciego que el que no quiere ver (sabiduría popular). Y Roig recurre a Goethe para explicar la «ceguera lúcida» a la que parecen abocados algunos creadores, el balerar incluido: «Estoy convencido -señala- de que el alemán no quiso decir mehr light (más luz), sino mehr nicht (no más), porque estaba harto».

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Febrero 14, 2008

Poéticas de resistencia - Rocio de la VILLA

Originalmente en el cultural

La serie de grabados Belief in the Age of Disbelief del jovencísimo Cyprien Gaillard (París, 1980) podría ser el lema de fondo de la intencionalidad en la política artística del PAC (Proyecto de Arte Contemporáneo, de Murcia), de la exposición Estratos y de la propia postura de su comisario, Nicolas Bourriaud. Así como los grabados muestran la invasión de la vegetación del paisaje de la Arcadia sobre edificios de la Modernidad, la búsqueda de un proyecto singularizador e identitario de Arte Contemporáneo en Murcia con ciertas señas de resistencia ha encontrado su mejor aliada en la arqueología. Y no sólo porque, según ha declarado Bourriaud, su primera visita a Murcia quedara impregnada por la visión de la Muralla; sino también, porque de las acciones culturales llevadas a cabo hasta ahora en la ciudad, la revisión arqueológica era la más destacada y podía servir de punto de arranque y cohesión frente a anteriores iniciativas contemporizadoras pero de relativo alcance. De manera que todo en Estratos respira un optimismo pragmático, ajeno a utopías, por grandilocuentes, fracasadas. Una propuesta, también generacional, que podríamos denominar la de los The Smithson, siguiendo el título del vídeo de Gaillard, tan melancólica como la música de su banda sonora de The Smiths, pero tan disciplinada en testar la experiencia como las acciones in site de Robert Smithson.

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Febrero 09, 2008

Brasil, menú para caníbales · Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en abcd

En el Manifiesto Pau, de Oswald de Andrade, hay tanto una valorización del elemento primitivo cuanto el esbozo de la propuesta antropofágica, entendida como estrategia de asimilación de virtudes del enemigo extranjero para fundirlas con lo nacional. Frente al paradigma maquínico decisivo en la vanguardista europea surge una apelación al banquete caníbal, aquella mítica guerra trival que, desde el informe de Hans Staden en el siglo XVI, asombrara a los «civilizados» occidentales. El mismo De Andrade, conocedor de la influencia del arte africano y polinesio en la estética de Picasso, señalaría en su célebre Manifiesto antropófago (1928): «Sólo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre. Ley del antropófago». La asunción del barbarismo y la carnavalización de los valores en De Andrade tiene en la pintura de Tarsila do Amaral el sentido de una conceptualización de la identidad cultural en relación con la angustia de las influencias marcada con respecto a las vanguardias europeas.

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Febrero 04, 2008

Heterocronías y estratos - Bourriaud en Murcia - Guadalupe Aguiar Masuelli

Originalmente en e-limbo

Está desarrollándose en la ciudad de Murcia un curso denominado Heterocronías. Imágenes, tiempo y arqueologías del presente, en el CENDEAC, en el marco de la exhibición ESTRATOS comisariada por el crítico y curador francés Nicolás Bourriaud. La muestra se despliega por varios puntos de la ciudad de Murcia, tomando como eje la idea de arqueología en relación al arte contemporáneo. Aquí transcribo algunas de las ideas que recogí de su conferencia:

La estandardización del tiempo.

A mediados del Siglo XIX y principios del XX se percibe una lucha entre tiempo sagrado e historizado. Las campanas y el tiempo natural han desaparecido de nuestra vida diaria, y vivimos una creciente estandardización del tiempo. 1891: Ley francesa de racionalización del trabajo. 1912: Se instituye definitivamente el meridiano de Greenwich como referencia para crear un tiempo universal estandardizado. Ese mismo año aparece el arte abstracto. La relación entre Kandinsky y Mondrian con la estandardización del tiempo es algo que debería estudiarse: Abstracción que genera tiempo

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Un escenógrafo sin escenografía· Juan Antonio �LVAREZ REYES

Originalmente en abcd

¿Cómo organizar una escenografía sin contar con el escenógrafo? Esta cabría ser la pregunta clave a la que desde el lado curatorial se debería prestar una especial atención a la hora de pensar una exposición sobre Juan Muñoz en el presente, tras su muerte. Si hay una cualidad que se debe resaltar en su trayectoria, en lo mejor de ella, es esa fuerte voluntad escenográfica. Sus mejores exposiciones individuales fueron, precisamente, aquellas en las que desplegó todo esa capacidad de transformar el espacio y convertirlo en otro lugar donde también su producción adquiría nuevas significaciones más allá del objeto escultórico. En este sentido, más que sus esculturas, son sus instalaciones -como el mismo supo ver ya desde finales de los años 80- las que continúan hoy despertando el interés e incluso cierta fascinación ante un artista que supo sacar un gran partido a toda una amplia gama de trucos referentes a la visión, al parecido y al espacio barroco -en tanto que referente del ilusionismo-. Así, en la exposición de la Tate, se echa en falta al escenógrafo y su escenografía, que sólo cabe reapreciar aquí en sus instalaciones.

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Febrero 03, 2008

Entrevista con Lourdes Fernández - KARMENTXU MAR�N

Originalmente en El País

Pregunta. Tiene contentos a los galeristas españoles. ¿Con usted llegó la polémica?

Respuesta. Lo que pasa es que este año ha habido una selección mayor, y ha habido más polémica. Sí, hay 26 expositores españoles menos que el año anterior, y 27 extranjeros.

P. Juana de Aizpuru, Rosina Gómez Baeza, ahora usted: ¿pedirán cuota los hombres?

R. Pues que la pidan. En el arte nos movemos muchísimas mujeres. Pero un hombre lo podría hacer igual.

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Manuel Borja-Villel quiere hacer del Reina Sofía el MoMa español

Originalmente en Logopress

El nuevo director del Reina Sofía Manuel Borja-Villel tomó posesión de su cargo sin defraudar la gran expectación que se había creado en torno a su nombramiento. Flanqueado por el ministro de Cultura, César Antonio Molina y por la presidenta del Patronato, Pilar Citoler, Borja-Villel enumeró su decálogo de trabajo para los próximos años y su prioridad para dotar al Reina Sofía del prestigio de los grandes museos del mundo, como el MoMa. No obstante, el nuevo director no cree en los milagros y ha pedido dos o tres años para que se juzgue su gestión aunque sin echar balones fuera asume ya, para este ejercicio, la programación que estaba prevista y que tendrá su estrella en la exposición que prepara el MNCARS sobre Picasso.

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Enero 30, 2008

El descrédito de lo visible - MIGUEL �. HERN�NDEZ-NAVARRO

Originalmente en NO (HA) LUGAR

Hay ocasiones en las que a uno se le nota demasiado la excitación al escribir sobre un libro. Quizá ésta sea una de ellas. Cuando el otro día encontré sobre la mesa de novedades ‘Ojos abatidos’, se me saltaron las lágrimas y sentí que algo me punzaba en la nuca. He leído y releído este libro hasta la saciedad durante años. Y encontrar ahora la traducción española ha sido un motivo de gozo intelectual difícil de igualar. Si hay libros que marcan época, ‘Ojos abatidos’ es, sin duda, uno de ellos. Desde su publicación en inglés en 1993, el texto se ha convertido en una de las referencias esenciales dentro del ámbito de la cultura visual y la reflexión sobre la mirada.

En cierto modo, ‘Ojos abatidos’ introduce un cambio de paradigma en la reflexión sobre la visión, aunque la tesis del libro es bien sencilla, y tampoco llega a ser del todo novedosa. Sin embargo, sí que es la primera vez que se presenta de un modo tan sistemático, claro y ordenado, sintetizando hallazgos e intuiciones anteriores, una cartografía exhaustiva de la evolución de la visión moderna. Según Jay, a lo largo del siglo XX, especialmente en Francia, tiene lugar en la filosofía un profundo cuestionamiento de la vista como sentido privilegiado de la Modernidad.

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Enero 29, 2008

Santiago Sierra escandaliza Londres con una exposición de mierda - La Petite Claudine

Originalmente en La Petite Claudine

El madrileño Santiago Sierra, posiblemente el artista contemporáneo español más famoso del mundo, acaba de exponer una obra en una galería de Londres consistente en 21 monolitos compactos de caca seca.

Una obra de mierda, podría decirse. Pero, aunque todos sabemos que Sierra no es el primer artista que hace una obra de mierda, esa no es la cuestión. Lo importante es que la materia prima de la obra ha sido recolectada a mano por mujeres de Nueva Delhi y Jaipur "cuya casta les impide tener otro trabajo que sacar la mierda de los baños públicos". Además de un artista de mierda, Santiago Sierra es el artista de la conciencia, pero no la suya, sino la de ustedes.

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Arqueología de lo cotidiano · CARLOS JIMÉNEZ

Originalmente en ELPA�S-BABELIA

Nicolas Bourriaud no se siente como algunos de esos comisarios estrella que van de un continente a otro organizando bienales y exposiciones como quien organiza megaconciertos de rock. Y eso que a él no le faltan credenciales para reclamar su ingreso por derecho propio en esa élite de deslumbrantes gestores culturales. Con apenas 42 años y un aspecto todavía muy juvenil, Bourriaud se dio a conocer en los años noventa como codirector del parisiense Palais de Tokyo, convertido en un centro de arte contemporáneo de referencia a escala internacional gracias a las ideas que expuso en un libro que pronto se hizo célebre: Estética relacional. El proyecto era abandonar la idea de la obra de arte cerrada sobre sí misma y entregada a la contemplación solitaria del espectador -que aún era el modelo imperante en los museos- sustituyéndola por la puesta en valor de aquellas obras capaces de estimular el intercambio y la interacción entre el artista, la obra y sus espectadores. El Palais de Tokyo se vio entonces desbordado por una multitud variopinta que con su desenfado subvertía la solemnidad del resto de los museos y centros de arte de la época.

De hecho, la forma como ha respondido a la petición que le hiciera Pedro Alberto Cruz -consejero de Cultura, Juventud y Deporte de la región de Murcia- de hacerse cargo de una gran exposición de arte actual no desdice de estos antecedentes, por lo que tiene de contraste con las prácticas impositivas habituales de los comisarios estrella. Él explica que la elección del tema de la misma se lo dictó la propia ciudad de Murcia. "Fue visitando por primera vez la ciudad cuando tuve la idea de la exposición", cuenta. "Quedé fascinado por el hecho de que se compone actualmente de múltiples estratos históricos que, como los trazados de la ciudad árabe y los numerosos vestigios de la civilización musulmana, afloran bajo el presente europeo. Esta sedimentación histórica resulta una suerte de yacimiento arqueológico a cielo abierto en el cual el pasado y el presente coexisten y se reflejan mutuamente".

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El intelectual y el administrador · David G. Torres

Originalmente en e-limbo

En los últimos tiempos, parece que la gran prioridad indiscutible de algunos profesionales del arte y artistas españoles, es decir, de una parte del sector artístico, es solucionar el problema de la promoción del arte español en el extranjero. De entrada, me gustaría insistir en que dicha prioridad no es tan indiscutible, y que tal vez buena parte de esa precariedad que se pretende solucionar con la promoción exterior está provocada por el mero enunciado de una solución en esos términos. De hecho, allí donde algunos declaman con cara de estupefacción e indignación no entender cómo, dada la "gran calidad" del arte español, éste no tiene presencia en el exterior, otros vemos como esa cara de estupefacción es en sí toda una respuesta. Porque antes habría que discutir si existe tal calidad, cómo se mide y si finalmente tiene algo que ver con lo español. Lo que sí me parece una absoluta prioridad es la necesidad de ejercer un pensamiento crítico desde poco importa cómo se llame el lugar desde el que se ejerza.

Bajo el riesgo de caer en mil malentendidos ―básicamente porque como decía Slavoj Zizek cualquier pensamiento que se quiera crítico está condenado a ser recluido en los márgenes de una supuesta radicalidad en la que todo se simplifica por aquellos que aún elogian valores como la moderación y la centralidad porque, ya se sabe, los extremos se tocan―, creo que antes de pensar si es una prioridad o no la promoción del arte español a un supuesto exterior, será necesario como mínimo preguntarse si existe algo llamado arte español (y algo que se considere exterior a él). Desde luego, lo que resulta indefendible para un pensamiento crítico y atrincherado es el uso de términos como nacional y todos sus derivados: regional, internacional, etc. Si Millán Astray, como el nazi Hermann Goering, decía echar mano de su pistola al oír la palabra cultura, algunos al oír la palabra nación también tememos que muchos se pongan a desenfundar sus pistolas.

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Enero 27, 2008

Sin miedo a nada · Anna Maria GUASCH

Originalmente en ABCD

Fiel a sus habituales protocolos expositivos, Antoni Muntadas presenta una nueva entrega de su proyecto On Translation -con el que lleva trabajando desde 1995-, un obra en formato televisivo denominada On Translation: Miedo/Jauf, acompañada de una retrospectiva o de una revisión a modo de «mirada analítica» entorno a su contribución al uso de la televisión como dispositivo artístico y crítico.

Yolanda Romero y Mar Villaespesa han escogido algunos de los trabajos más representativos de Muntadas desde que en 1974 realizara, por un lado, la experiencia Cadaqués. Canal local -un conjunto de entrevistas y reportajes televisados en distintos lugares de esta localidad catalana-, así como la instalación Emisión / Recepción -presentada originariamente en la galería Vandrés, de Madrid, con una doble proyección de diapositivas tomadas de emisiones de televisión y receptores situados en bares y hogares privados-. Años después, Muntadas aludiría en el texto About Invisible Mechanims (1978) al poder que «los mecanismos invisibles» de los media ejercen sobre las masas: «Las distintas estrategias de los medios, las técnicas subliminales son el perfume y las flores utilizadas para esta seducción. A través de campañas, carteles, radio y televisión, el poder se impone, no por las armas, sino más bien por el sonido y la imagen».

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El colmo de lo lujoso · Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en ABCD

Parece ser que fue Rauschenberg quien animó a Jasper Johns a que pintara un sueño en el que «veía una gran bandera» para incluir luego esa materialización en el ensamblaje Cortocircuito (1955) en vecindad con un collage de Ray Johnson, el programa de un concierto del compositor John Cage y la firma de la actriz y cantante Judy Garland. Esa vecindad de lo «patriótico» de lo alegóricamente homoerótico es crucial en la manifestación del complejo modo de encriptar deseos, juegos de lenguaje y alusiones políticas en un despliegue vertiginoso de materiales heterogéneos. Thomas Crow ha señalado que mientras muchos seguían a mediados de los cincuenta la senda trazada por De Kooning, Pollock y Rothko, otros, especialmente Rauschenberg y Jasper Johns, participaban del heroísmo irónico y burlesco floreciente en otros medios de Nueva York

Rauschenberg encuentra una fuente de «inspiración» en los ready-mades duchampianos y, sobre todo, en su actitud irónica con respecto al arte. Comprendió que aquellos objetos elegidos con una precisión anestética posibilitaban una reducción irónica del punto de vista heroico y de la concepción «religiosa» del arte. Este joven tejano se sentía atrapado por lo cotidiano, quería trabajar en los terrenos en construcción tal y como los describiera Benjamin en Dirección única, allí donde el niño, el trapero y el poeta forjan el mito intempestivo de la modernidad.

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Enero 25, 2008

Entrevista a Manuel Borja-Villel - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL.es

El 30 de enero Manuel Borja-Villel se presentará como director del Museo Reina Sofía al patronato, a los medios de comunicación y al mundo del arte, algo más de un mes después de que anunciara que había ganado un concurso internacional, dirimido por un jurado independiente. Tendrá que enfrentarse a una situación complicada pero, aunque aún tiene que conocer en detalle muchos extremos, viene armado de un proyecto, el que le sirvió para convencer al jurado y al que habrá que referirse para juzgar su futura gestión. Con ese documento como guía, nos perfila los rasgos más relevantes de sus planes para el “buque insignia� del arte contemporáneo español, que será pronto agencia estatal.

En estos días, Manuel Borja-Villel (Burriana, Castellón, 1957) está entre Madrid y Barcelona, manteniendo los primeros contactos con el personal del Reina Sofía y preparando su pronto traslado. Está pasando una gripe de las malas, pero pone su mejor cara para recibirnos y para someterse, en el frío de la calle, a la sesión fotográfica. Una buena disposición que le va a hacer falta para ganarse voluntades dentro y fuera del museo.

–El proceso por el que va a ser director del MNCARS tiene importancia histórica. ¿Tendrá como resultado otra forma de relación entre el museo y la administración?
–Espero. Éste ya no es un nombramiento político y eso supone una diferencia sustancial. Otras veces me habían seleccionado para dirigir el MNCARS en base a nombres, ahora es un concurso en base a un proyecto, valorado por un jurado.

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NO, FUTURE - YP

Originalmente en YPSITE BLOG

Estando por Londres, fuimos al “Bloomberg Space“, donde nos encontramos una expo comisariada por David G. Torres en collboration con Graham Gussin y Sacha Craddock. En la expo se pueden encontrar piezas de varios artistas españoles (entre ellos Antonio Ortega, Ignasi Aballí, Rafael G.Bianchi, Tere Recarens, Jordi Colomer, Karmelo Bermejo..) junto a trabajos de Paul McCarthy, Sarah Lucas, Jonathan Messe, el propio Graham Gussin, etc. Bajo el título NO, FUTURE (alerta con la coma entre palabras que es importante) y según leemos en la tertulia que mantienen los tres responsables de la exposición, David G. Torres contextualiza todas estas piezas/actitudes entorno a la idea de “intensidad� que relaciona con “lo subversivo� o “naturaleza rebelde�. Lejos de querer hacer una crítica a lo A-Desk de esa expo ya que ellos lo hacen muy bien y nuestra intención es en el fondo hablar de un concepto-vértebra que David utiliza a modo de manifiesto (no, no estoy preparando el terreno para soltar garrotazos..), nos gustaría intentar analizar esa idea de “intensidad�. El texto que hay en la exposición es corto y el formato de entrevista sirve más para delimitar un estado de cosas que para hacer una tesis comisarial, por lo que no alcanzamos a ver cómo acotar o entender esa “intensidad�. Vamos a inaugurar un nuevo formato de post que carecerá completamente de sentido si no se responde a nuestra llamada…tomémoslo como el riesgo incluido en toda innovación..

Aprovechando la marcha bloguera que llevamos todos y lanzándonos al vacío cibernético, estaríamos encantados de que David nos pudiera comentar un poco esa idea de “intensidad� contestando a este post..David…estás ahí?

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Enero 24, 2008

Mrzyk & Moriceau, delirio y euforia · David G. TORRES

Originalmente en el cultural

Hay muchos artistas que trabajan en pareja, como un tándem, realizan obras en colaboración que siempre inducen a preguntarse qué sería de cada uno de ellos por separado: Gilbert & George, Fischli & Weiss o, más próximos, Bestué y Vives. En cualquier caso, la idea de grupo o tándem de artistas pone en cuestión la idea picassiana del genio creador individual. No en vano, los trabajos de los artistas mencionados tienen una raíz más o menos conceptual y no suele aparecer la mano loca (o mano tonta): el gesto. Por eso el caso de Petra Mrzyk y Jean-François Moriceau es aparentemente sorprendente, porque su trabajo se concentra en el dibujo. Y éste parece alineado al lado del gesto, en una conexión directa entre la idea y la mano que lo ejecuta. Al fin y al cabo, André Breton decía que el pensamiento se hace en la boca, de ahí la escritura automática, y, también, de ahí, el dibujo automático.

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Anne Berning, el juego de amontonar · Abel H. POZUELO

Originalmente en el cultural

Los lugares que habitan los críticos, los comisarios, los directores de museo y galeristas, los doctores en Historia del Arte y, en especial, muchos artistas están invadidos por libros de pintura, postales con reproducciones de cuadros, monografías y enciclopedias del arte. A cada reparto de correo, nuevas invitaciones y catálogos de exposición se acumulan en un buzón postal ya casi sólo visitado por ellos y los asuntos del dinero. Cada miembro del comité del planeta arte tiene un río furioso, un volcán, tsunamis o cordilleras de papel impreso que amenazan con derrumbarse sobre las ollas, hundir el piso, salir derramadas por las ventanas o tirar abajo las puertas.

La era que siguió a Gutenberg no ha acabado para los que viven en ese planeta. Su literatura y la reproducción de imágenes del pasado son agentes activos en cualquier reflexión sobre las cuestiones que organizan, que dan sentido, que vertebran y hacen discutible las obras, en especial la pintura. Los artistas que pintan hoy se rodean menos de modelos desnudos que de libros sobre pintura: falsos museos en miniatura donde la Historia de las imágenes manuales son una y otra vez miradas, analizadas, procesadas, interpretadas, reapropiadas, desmenuzadas, despedazadas, expropiadas, amadas, negadas... Anne Berning (1958) hace de su obra una pura constatación de tal realidad así como de las causas que la provocan y la madeja de juicios que de ello emanan.

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Enero 22, 2008

Política de la visión - Miguel Cereceda

Originalmente en ABCD

El trabajo de Rogelio López Cuenca ha ido derivando lentamente desde una poesía visual de contenido irónico-político hacia una especie de semiótica de la visión, en la que se trata de pensar lo que se puede y lo que no se puede ver. Tal vez por eso el artista ha vivido estos últimos años algo alejado de las exposiciones en galerías de arte, entregado más bien a la presentación de cursos, talleres y seminarios, en los que trataba de articular esta semiótica de la visión.

Unas son, en efecto, las cosas que se nos dan a ver, otras las que se nos permite ver y otras, por último, aquéllas que se nos fuerza a ver. La televisión, la publicidad, la Historia del Arte o la pornografía constituyen repertorios visuales de este tipo. Todas ellas, sin embargo, ocultan otras cosas que no podemos ver, que no queremos ver o que ideológicamente desaparecen de nuestro ámbito de representación. Aunque lo visible es tanto lo monstruoso como lo desagradable, tanto lo inmoral como lo inhumano, y aunque ello esté tan presente en nuestra mirada como lo gratificante y placentero, pensado desde una política de la visión, sigue siendo cierto que uno no puede ver que no puede ver lo que no puede ver. Esta elemental reflexión le sirve a López Cuenca para desplegar una estrategia de actuación sobre lo visual en la que la imagen es deliberadamente cargada de un suplemento político que la imposibilita para cualquier contemplación ingenua o meramente placentera.

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Entrevista con Antoni Muntadas - Chema González

Originalmente en Blog del Guerrero

Después de cinco días de trabajo frenéticos, tras el montaje de la exposición, presentaciones y entrevistas con la prensa, el laboratorio sobre la microtelevisión en el barrio de La Chana con el colectivo de Aula Abierta y conferencias y encuentros con estudiantes bastante multitudinarios, logramos robar una hora para realizar esta entrevista con Antoni Muntadas, aunque tuviéramos que despertarle, cosa que habla bastante bien de su constante predisposición. En ella, más que entrevistarle, charlamos sobre Jauf-Miedo, el nuevo trabajo producido por el Centro, el cambio en los medios que integran sus proyectos, la educación artística en su faceta como profesor en diferentes universidades y la distinción, quizás apórica en su planteamiento, entre new-media y arte contemporáneo, entre otras muchas cosas. Me hubiera gustado plantear esta entrevista con los lectores del blog, aunque el tiempo no daba para mucho, pero sí que sé que Muntadas se pasará por aquí a menudo, así que no dudéis en plantearla en los comentarios.

Chema González: A partir de tu conferencia de ayer, en la que realizaste una revisión de más de tres décadas de estrategias de representación y confrontación del poder en tu trabajo, me gustaría que reflexionaras sobre la manera en que has modificado estas formas de enfrentar y materializar este poder. Te pongo como ejemplo el cambio evidente en el paso de una televisión de proximidad (Cadaqués Canal Local) a una televisión de guerrilla en los ‘80 (La Televisión), hasta una actividad más próxima al archivo, relacionada con paradigmas de distribución y recepción en la red (The File Room). Quisiera que hablaras cómo han cambiado las formas de materializar el poder en más de tres décadas.

Antoni Muntadas: Bueno, yo creo que muchas de estas cosas no son totalmente conscientes. Creo que lo que denomina mi trabajo y los diferentes proyectos es que cada proyecto tiene su propia autonomía, intenciones, limitaciones y definiciones, todos se materializan de diferentes maneras. Lo que ha habido a través de los años son series y bloques de trabajo que pertenecen a preocupaciones diversas.Haciendo una revisión muy básica, aunque no sea yo quien lo tenga que decir, y para que se entienda que lo que prima para mí son los proyectos y que cada proyecto se agrupa por territorios o cosmologías específicas de un período,en los años ‘70 dejo de pintar, hay un período de tiempo en el que propongo la participación en la obra a partir de una serie de acciones. Este tipo de trabajos están relacionados con una reflexión sobre cómo nos comunicamos y cuáles son los procesos sensoriales en la comunicación. Hay una semantización en sentidos que no utilizamos habitualmente, o que no utilizamos con un potencial estético. Trabajo sobre el tacto, el gusto, el olfato, que definí como experiencias subsensoriales. Hay un trabajo más tardío, que es un trabajo puente, que son experiencias sensoriales en espacios públicos. Las primeras, sin ser íntimas, tenían un tono privado, que pasaban a ser públicas en su registro en súper 8 y vídeo…

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Enero 20, 2008

CH. Marker: La voz de un enigma - Antonio Weinrichter

Originalmente en abc.es

Chris Marker es un cineasta mítico, una figura de culto. Hay al menos dos razones para ello. La primera es escandalosa: lo poco que se conoce su inagotable filmografía, quizá por haberse desarrollado en el terreno del cine de no ficción, como escribía al presentar su obra maestra, Sin sol, en 1982: «A uno le gustaría mostrar al principio de la película un rótulo que dijera: La ficción está fuera», y ya se sabe que eso deja fuera a ese amplio porcentaje de la audiencia que solamente está para (que le cuenten) historias. La segunda razón reside en el núcleo mismo del enigma Marker: un artista que firma con seudónimo de rotulador, no se deja hacer fotografías (no circula más que un mínimo puñado de retratos suyos), no concede entrevistas, no acude a festivales y que incluso tiene la costumbre de hacer que otros lean por él los espléndidos comentarios que escribe para sus películas.

Sin embargo, no hay nada más reconocible que la voz de Chris Marker: la voz de un hombre -eso al menos, parece seguro- sabio y curioso, políticamente engagé pero que lo pasa todo por el tamiz de su fina ironía, amante de los gatos y otros animales, viajero impenitente aunque ahora salga poco de su electrónica central de operaciones parisina? No hay nadie que se haya ocultado más que él; pero si existe una filmografía que dibuje un autorretrato, ésa es la suya.

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Los ladrones de cuerpos - Óscar Alonso Molina

Originalmente en | abc.es |

A partir del siglo XVIII, momento de un decisivo avance y evolución para las categorías estéticas negativas, el arte en Occidente desplazará progresivamente la prioridad clásica de lograr la representación en un plano de igualdad con la naturaleza para, poco a poco, llegar a convertir a ésta claramente en «imagen». El resultado serán espacios inéditos para lo artístico donde conquistar «otros tantos modos de la experiencia» o, si se quiere, formas de mirar: lo pintoresco, lo sublime, lo grotesco... De entre ellas, será esta última categoría la más ligada al cuerpo, tanto en su dimensión formal como espiritual, hasta el punto de que a menudo sólo es posible emplearla más allá -sobre un mueble, por ejemplo-, mediando una fuerte proyección de las formas de lo humano sobre la cosa -la comparación más o menos inconsciente de sus patas y brazos con los nuestros. Distancia extrañada del mundo, que culmina en el siglo XX su metástasis y llevará a pensar a Wolfgang Kayser en 1957 que «quizá el estudio de lo grotesco en épocas anteriores y la precisión conceptual del fenómeno aporten alguna ayuda para hallar un acceso al arte moderno e, incluso, permitan adoptar una posición más firme como hombres de la actualidad».

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El silencio de los grandes - Jesús Marchamalo

Originalmente en | abc.es |

Émile Cioran. Vivía en París, en un pequeño apartamento en un último piso sin ascensor, casi sin libros. Vestía siempre el mismo tipo de ropa y cuando salía de casa era para comer en algún comedor universitario o visitar una biblioteca pública. Salvo la pequeña aportación económica que le concedió el Estado francés, rechazó premios y distinciones, y nunca buscó notoriedad ni fama.

De Maurice Blanchot apenas se conocen un par de fotografías. Contemporáneo de Sartre, Beau-voir y Camus, a quienes las revistas y diarios de la época trataban casi como vedettes, Blanchot se refugió en su casa de campo, sin mantener apenas contacto con el mundo editorial, dedicado casi en exclusiva a su obra, invisible.

El pasado 22 de diciembre moría Julien Gracq, otro de estos raros, «ausentes», del mundo literario. Figuras esquivas, extravagantes, que rehúsan los reconocimientos oficiales y a quienes la vida pública -entrevistas, conferencias, presentaciones- les resulta, como mínimo, molesta.

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Enero 18, 2008

Manuel Saiz, sobre el parangón. Elena VOZMEDIANO

Originalmente en El CULTURAL
Dice Manuel Sáiz (Logroño, 1961) que, echando la vista atrás, descubre en su trayectoria una querencia a la comparación por parejas. Aunque ha producido en los veinte años transcurridos desde que comenzara a exponer numerosas obras “unitarias�, es verdad que a Sáiz le ha interesado siempre “la diferencia� como herramienta de análisis de la realidad, por lo que se ha visto compelido a realizar obras compuestas por dos o más unidades variacionales. Recuerden, por ejemplo, los tempranos tarros de cristal con tierra, en los que los brotes de hierbas plantados alcanzaban progresiva altura. En aquellos años su trabajo tendía más a las piezas y las instalaciones escultóricas, pero estaba ya regido por dos principios básicos que se mantienen en su ideario: “el arte es ante todo experiencia� y “el arte sólo existe en la búsqueda del arte�. En cada nueva obra el artista se interroga sobre esa esencia, tan acorralada hoy por todas las disciplinas creativas que no son arte pero que comparten recursos y circuitos con él, y concluye que el matiz diferenciador puede ser muy relevante. El esfuerzo de atención a las sutilezas sería, por tanto, uno de los componentes principales tanto de la producción como de la recepción del arte.

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Enero 12, 2008

Los riesgos de la imagen: entrevista con Paul Ardenne

Originalmente en arte-nuevo(Lima, 2007)

Paul Ardenne. Curador, novelista, ensayista, especialista en estética contemporánea, filósofo, francés, nacido en 1956, hijo de agricultores y agricultor en su juventud, profesor e historiador del arte en la Universidad de Picardía. Vino a la capital del Perú y expuso en el I Encuentro Internacional Sobre la Imagen Contemporánea, ciclo de charlas y conversatorios, en el marco del VI Festival de la Fotografía Mirafoto (octubre-noviembre 2007). Hace un par de semanas, conversó con este blog [La cinefilia no es patriota]. Le dolía el estómago y no hablaba español.

En una de sus conferencias, aquí, en Lima, usted dijo que la actividad de un fotógrafo se hallaba expuesta a múltiples riesgos. Específicamente, ¿a qué se refería?

Pues, a que una imagen nunca es “el mundo�, sino apenas una “imagen del mundo�. Suena tautológico, por supuesto, es un lugar común; pero existe la necesidad de remarcarlo, hoy, cuando se ha olvidado, en cierto modo, que una imagen no es más que una aproximación muy condicionada a la realidad, nada más que una elección, o una forma de ver, entre muchas otras formas de ver. Toda imagen, por definición, será siempre una mentira y un simulacro; toda imagen se comunicará con otras imágenes, tan o más mentirosas que ella. Ahora bien, si construimos nuestra representación del mundo, a partir de una cierta “imagen del mundo�, entonces tenemos ante nosotros un asunto complejo. Últimamente, me ha interesado la imagen documental —más aún, el próximo año, en Francia, publicaré un libro al respecto—; y lo que me ha llamado la atención es una suerte prestigio de que goza la imagen documental, con relación a su supuesta capacidad infalible para mostrar la verdad tal cual es. Claramente, un prestigio de esta índole carece de sostén alguno. Por el simple hecho de ser una imagen, lo documental constituirá siempre una ficcionalización, una teatralización y una puesta en escena.

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Manuel J. Borja-Villel en “La nit al dia�

Originalmente en a-desk

Nuestros amigos de a-desk recogen y enlazan la entrevista realizada a Manuel J. Borja-Villel en el programa de TV3 "La nit al dia".

Aquí el link al vídeo

En el comentario con que lo introducen en su blog, los a-desk destacan:

1. El Reina como un Hub aeroportuario, en una red con Macba, Arteleku …
2. El Reina es un museo con una crisis de identidad: "Por eso voy, si no me quedaría aquí"
3. "Sigo siendo del Barça"
4. Futuro del Macba: ¿concurso?; ¿Bartomeu Marí?
5. Reforma del edificio Sabatini.

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Enero 11, 2008

Susan Philipsz, la política del sonido · David BARRO

Originalmente en El Cultural

Años antes de la invención de la grabación del sonido, Théophile Gautier se preguntaba qué sucede con la voz cuando llega la muerte. Algo así podrían cuestionarse los visitantes del cementerio de Bonaval en Compostela, que acoge una de las propuestas sonoras de la escocesa Susan Philipsz (1962), enmarcada en la exposición que le dedica el CGAC. En esta obra, titulada Follow me, escuchar es sumergirse en el tiempo de la pérdida, en un pasado extraño y preso por su mismo vacío, a la vez que con forma de llamada íntima. Pero también es entrar en un juego de apropiaciones, de recuerdos y fisuras de la memoria, algo que se torna todavía más evidente en The Dead -ya en el blanco espacio del CGAC-, donde recoge la historia homónima escrita por Joyce y llevada al cine por John Huston. Esta historia, retomada por Philipsz, es una suerte de ceguera para el espectador. Las dos obras citadas anuncian la ausencia y la presencia de un cuerpo, su desvelamiento, su representación diferida o dislocada. Lo mismo sucede con la incertidumbre que produce el escondido piano de Company o el vacío de resonancias de The Glass Track, presentados también aquí.

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Enero 07, 2008

¿Y si ...

... a-desk?

!!!

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Enero 06, 2008

La maleta de Manolo Borja y sus metáforas · FERRAN MASCARELL

Originalmente en El Pais

La verdad es que me ha sorprendido que el director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), Manuel de Borja-Villel, haya decidido hacer las maletas, aunque no tanto como la reacción mayoritaria de la opinión publicada respecto a su marcha al madrileño Centro de Arte Reina Sofía. Salvo algunas excepciones -Toni Puigverd, por ejemplo-, lo cierto es que, en general, se ha considerado que el tránsito de Borja era lógico y suponía su salida natural después del buen trabajo materializado en el museo barcelonés. En realidad, las administraciones han dado por válido el salto, los medios artísticos se han limitado a pedir un concurso para buscarle sucesor y los críticos, los más, se han manifestado perfectamente entusiasmados con la decisión del Ministerio de Cultura y el propio director. Solamente el presidente de la Fundación del Macba, Leopoldo Rodés, no escondió su incomodidad.

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Enero 05, 2008

Julien Gracq y la percepción de futuro · ENRIQUE VILA-MATAS

Originalmente en Babelia

Pienso en aquello que Tolstói dice de Napoleón y que Julien Gracq transcribe en A lo largo del camino: "Con un gran tacto y una gran experiencia, con calma y dignidad, cumplió su papel de jefe imaginario". Podríamos perfectamente aplicarlo al propio Gracq, último clásico de la literatura francesa. Que lo sea no equivale a que sea una estatua de mármol del panteón de los ilustres. Es más, si nos acercamos a su mejor novela, El mar de las Sirtes, nos llevaremos una sorpresa cuando, en lugar de resonancias decimonónicas, percibamos el vigor moderno de una fábula que no sólo se acopla perfectamente al aire de nuestro tiempo, sino que se alinea con las tendencias más exquisitas o renovadoras de la narrativa de estos comienzos de siglo. Porque El mar de las Sirtes no sólo contiene la belleza extrema de cierta modernidad, sino que, además -como el enigmático volcán Tängri, que una madrugada lunar despega del horizonte en el séptimo capítulo-, se proyecta con sombra inquietante en el panorama de las novelas futuras.

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Cuentos de chicas - Óscar Alonso Molina

Originalmente en ABC

Recientemente incorporada al equipo de la galería para colaborar en sus relaciones internacionales, Giulietta Speranza presenta una exposición que, sin llegar a articular tesis argumental fuerte alguna, supera con mucho la mera propuesta colectiva habitual. Sin duda, con el peculiar sesgo de una muestra como ésta, la comisaria hace notar su presencia allí en cuanto elemento enriquecedor y dinamizador del previsible contexto comercial. Con experiencia contrastada en muy diverso tipo de eventos (desde la coordinación de grandes exposiciones en el mamotreto del Reina Sofía, hasta la gestación de proyectos tan inclasificables y fuera de formato como Doméstico), los Cuentos modernos de Speranza vienen a ser una propuesta modesta y correcta, que se deja ver con facilidad, para ir descubriendo en el recorrido detalles deliciosos entre las obras escogidas, y de la cual el visitante terminará por apreciar lo beneficioso de un buen argumento en estas reuniones de más de dos firmas. Todo muy de agradecer.

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Enero 04, 2008

El escándalo Borja-Villel - Manuel Trallero

Originalmente en La Vanguardia

El actual director del Macba, Manolo Borja-Villel, ha sido elegido a través de un concurso internacional nuevo director del Museo Reina Sofía de Madrid. El hecho de que un profesional, en este caso un buen profesional, cambie de trabajo no parece que tenga que provocar ningún especial desasosiego. Afortunadamente, al mundo de la cultura todavía no han llegado los aires futboleros, así que la marcha de Manolo no es entendida entre los aficionados como una traición - como la que cometió el señor Figo, guardada en la memoria colectiva para una mejor ocasión-.

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Diciembre 26, 2007

Sucesión de ciclos. Anna Maria GUASCH

Originalmente en ABCD:

Ramón Esparza, comisario de Construir, habitar, desocupar, se refiere a la técnica fotográfica del «ciclorama» usada por Doug Wheeler en una obra de la exposición del Guggenheim Percepciones en transformación, para eliminar toda referencia espacial en el ámbito arquitectónico: ni esquinas, ni líneas de borde entre techo y suelo, ni sombras. Y ha sido esta misma experiencia espacial la que le ha servido de carta de presentación de la muestra del Koldo Mitchelena. El primer espacio con el que se encuentra el visitante es también un espacio liberado de referencias arquitectónicas precisas, y en él, a modo de tríptico pictórico de gran formato, se presentan tres macrofotografías (una por cada uno de los tres artistas que componen la exposición) con las que se consigue crear una síntesis de lo que será el discurso narrativo de la misma, escueto pero, a la vez, complejo, directo y sutil con el que se explica, a través de imágenes fotográficas arquitectónicas, el ciclo vital del propio espacio. La arquitectura -nos viene a decir el comisario-, una vez que ha salido de las manos de su creador/artífice, tiene su vida propia en la que participan muchos factores, no únicamente técnicos o humanos, es decir, previsibles. La arquitectura, como la Naturaleza, tiene una cierta cualidad «entrópica»; una tendencia natural a la pérdida del orden; una incertidumbr; una cierta cantidad de ruido que afecta a su propio sistema y lo conduce irremisiblemente al desorden, al caos y a la destrucción.

Ahora entendemos el porqué de la inclusión de estos tres conceptos que definen el título de la muestra, términos que no aludirían tanto a criterios constructivos, vinculados a la voluntad del hacer humano, sino al devenir de la propia Naturaleza, casi como una reivindicación de lo psíquico o irracional de la arquitectura más allá de los componentes propiamente físicos o racionales o, dicho en otras palabras, una defensa de los procesos de «autoproducción».

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Petrificación del deseo. Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en ABCD:

En primer término, un bastón cuya empuñadura es una calavera. Desde la oscuridad emerge o, mejor, se desenfoca un rostro hermoso. Robert Mapplethorpe alegoriza su vida recurriendo a la facies melancólica, su mirada clásica mantiene la obsesión de la sombra. «Mapplethorpe medía -escribe Jack Fritscher- 1,75 metros, pesaba 65 kilos y empalmaba unos 15 centímetros. Era prácticamente lampiño, así que no parecía amenazador ni a las mujeres ni a los gays de un decenio durante el cual amenazador fue sinónimo de sexy. A su manera calculadora, utilizaba el caramelo de la cámara (para seducir a los chicos gays blancos) o el tintineo del dinero (para seducir a los heteros negros), a fin de compensar la insoportable levedad de su seducción sexual». Sabía que debajo de las máscaras no está el rostro, sino el juego seductor o abismal del enmascaramiento.

Entre las magníficas fotografías que presenta Pepe Cobo, encontramos unas cabezas de sátiros, negras, iluminadas, dispuestas como si fueran sujetos vivos que estuvieran a punto de actuar. Más allá de la naturaleza musical de las ninfas, Mapplethorpe convoca la pulsión dionisiaca que, sin embargo, él codifica fotográficamente de una manera vocacionalmente clásica.

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Cuentos de chicas. Óscar ALONSO MOLINA

Originalmente en ABCD:

Recientemente incorporada al equipo de la galería para colaborar en sus relaciones internacionales, Giulietta Speranza presenta una exposición que, sin llegar a articular tesis argumental fuerte alguna, supera con mucho la mera propuesta colectiva habitual. Sin duda, con el peculiar sesgo de una muestra como ésta, la comisaria hace notar su presencia allí en cuanto elemento enriquecedor y dinamizador del previsible contexto comercial. Con experiencia contrastada en muy diverso tipo de eventos (desde la coordinación de grandes exposiciones en el mamotreto del Reina Sofía, hasta la gestación de proyectos tan inclasificables y fuera de formato como Doméstico), los Cuentos modernos de Speranza vienen a ser una propuesta modesta y correcta, que se deja ver con facilidad, para ir descubriendo en el recorrido detalles deliciosos entre las obras escogidas, y de la cual el visitante terminará por apreciar lo beneficioso de un buen argumento en estas reuniones de más de dos firmas. Todo muy de agradecer.

Un factor refrescante. Hay que señalar que ninguna de las tres artistas seleccionadas para la ocasión están, a día de hoy, ligadas a la galería que acoge sus trabajos, lo cual supondrá incluso para el público habitual más fiel un factor refrescante más. De entre su producción, la comisaria ha seleccionado trabajos especialmente volcados en los efectos realidad-irrealidad, hasta el punto de confesar cómo «cada una de las obras es como un capítulo de este cuento: se sirve de la anterior y ayuda a entender el siguiente. Las tres artistas dan su particular visión de esta quimera, pero, al mismo tiempo, juntas añaden fuerza al discurso general».

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Jorge Pardo: «que algo parezca una casa no significa que lo sea». Javier D�AZ-GUARDIOLA

Originalmente en ABCD:

El apartamento elegido está situado en los aledaños de la Plaza de España, en la novena planta (escalera C), del número 67 de la céntrica Gran Vía madrileña. Lo cierto es que podría pasar inadvertido, teniendo en cuenta que es una isla en un bloque edificado en altura donde confluyen las oficinas de varias agencias de viaje, un gran centro médico, las sedes de algunas asociaciones culturales, cierta franquicia de productos de higiene y hasta un hostal. Superado el portal, un pasillo pintado en verdes y naranjas nos avanza los colores que nos sorprenderán en sus reducidas estancias. En el interior del ascensor que nos conduce hasta la puerta del piso, una cita de Jorge Pardo (La Habana, 1963), su responsable: «Vivimos en un mundo en el que cada vez tiene menos sentido entrar en las salas blancas para contemplar arte. En realidad, este espacio social no se esfuerza mucho en hablar sobre lo complejo». Algún vecino se ha encargado de completarla...

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Diciembre 21, 2007

En los intersticios de Regina de Miguel. Javier HONTORIA

Originalmente en El Cultural:

Formada en Dibujo y Pintura en la Universidad de San Carlos de Valencia, la malagueña Regina de Miguel (1977) expone ahora, por vez primera de forma individual, sus cuadros y dibujos en Madrid. Habitual en las convocatorias de arte joven, De Miguel afirma sentirse, ante todo, pintora. Dice no encontrar límites en el espacio que le otorga la pintura y que la naturaleza plana de ésta no es obstáculo ni lastre. Y es cierto, porque en esas superficies se observan muy distintos niveles de profundidad. Su trabajo rehúye la estridencia y permanece en una esfera silente. Percibe y analiza el mundo sin necesidad de tomar distancia. Toma su pulso desde dentro, oculta entre alguno de sus infinitos pliegues, desde los intersticios –término del gusto de la artista– que median entre los diferentes motivos que pueblan la superficie heterogénea de los cuadros y que resultan, en principio, de ardua interpretación.

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Manolo Paz, nubes de piedra. David BARRO

Originalmente en El Cultural:

Existen artistas que siempre están ahí. De esos que nunca entran en las modas; no porque no quieran y lo eviten estratégicamente, sino porque éstas no van a por ellos y ellos no alteran su modo de hacer para llegar a ellas. Encontrar artistas capaces de permanecer ofreciendo algo propio, genuino, como es el caso de Manolo Paz, es siempre una buena noticia. Si además, como en este caso, se trata de un artista que no se prodiga en exposiciones, la importancia del encuentro es todavía mayor.

El trabajo de Manolo Paz no se basa en una radicalidad conceptual. Ni es radicalmente moderno. Tampoco encontramos en él una experimentación plástica con nuevos materiales y formas. Si a esto sumamos la dificultad que supone exponer su trabajo debido al peso de sus obras, entenderemos que las dificultades de partida sean muchas. Sin embargo, no tengo dudas en afirmarlo: Manolo Paz es un artista imprescindible, capaz de con muy poco conformar unas obras que pueden hablar por sí mismas hasta el punto de convertirse en iconos de una ciudad –pienso en su Familia de Menhires en La Coruña–, algo que muy pocos artistas –más fáciles de defender y seguramente con mayor fortuna crítica en determinados momentos– conseguirían. El de Manolo Paz es arte en sentido puro. Sin colorantes. Y eso, en un mundo aplastado por una saturación iconoclasta de imágenes y publicidades de neón, merece ser valorado por encima de todo.

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Diciembre 17, 2007

Arte y oficios: curaduría y gestión cultural (en XXXIII tesis). Lucas OSPINA

Originalmente en [esferapública] :

I. La curaduría escribe ensayos, no prólogos / Los gestores culturales se ejercitan en todo tipo de géneros publicitarios, según el formato de la demanda.

II. La exposición de arte sólo incidentalmente es pedagógica / Hay exposiciones pedagógicas.

III. La curaduría no explica lo que las obras ya hacen evidente / Los gestores culturales se dedican a la estéril labor de convencer.

IV. La curaduría es crítica / Los gestores culturales son el servicio diplomático del arte.

V. En la exposición de arte aprende su oficio la curaduría / Los gestores culturales se instruyen con tablas de cifras.

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«No estoy tan seguro de que las imágenes sean tan poderosas». Javier D�AZ-GUARDIOLA

Originalmente en ABCD:

No es la primera vez que los espacios artísticos españoles se ocupan de la producción cinematográfica de Harun Farocki (República Checa, 1944). Su obra ya se ha exhibido, entre otros espacios, en el MACBA y el Reina Sofía. Pero sí que es novedad verlo en una galería privada de nuestro país. Su manera de entender el cine, la capacidad persuasiva de sus imágenes vuelven a abordarse en las dos instalaciones que ha adaptado para las salas de Àngels Barcelona.

Después de una vida dedicada al cine y su incursión en los espacios artísticos desde mediados de los años noventa, ¿dónde se encuentra más cómodo?

La principal diferencia entre los espacios de arte y el cine o la televisión es que, en el segundo de los casos, el código ya está establecido. Cuando un espectador va al cine, ya sabe cómo va a funcionar la película; en los ámbitos artísticos, esto está mucho más abierto. Al entrar en ellos, el espectador no sabe a priori qué código se va a utilizar allí, y eso da una mayor libertad y apertura. También es verdad que el arte es más como un gueto, porque esa libertad y apertura también tienen que ver con un significado simbólico. Cuando estás comunicando algo, la presión es mayor. Ésa es la razón por la que iempre he intentado mantenerme entre ambos mundos y no elegir uno u otro.

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Franz West y amigos. Anna María GUASCH

Originalmente en ABCD:

Hamsterwheel debería entenderse no como una exposición colectiva al uso, sino como uno de los múltiples rostros de una renovada versión de la crítica institucional, no la hecha por artistas para atacar instituciones como museos, galerías o colecciones, sino la protagonizada por curadores y directores para proceder a una revisión de la misma. Hamsterwheel es pues una exposición que plantea nuevos procesos curatoriales y «otras» maneras de mostrar el trabajo de un artista en una institución.

En este sentido, otra muestra anterior, Franz West sin Franz West (presentada en formato documental en el CAAM de Las Palmas y en el CASM de Barcelona en 2006) fue un primer intento de presentar una «antológica» de un artista a partir de la paradoja de su ausencia o de sus huellas en otros artistas, recuperando un aspecto (el de la influencia y magisterio) que parecía obsoleto en un momento legitimado por las apropiaciones y simulaciones de todo tipo. Veit Loers fue el encargado de encontrar en el tema de la «carnavalización» (teoría acuñada en 1928 por el filósofo ruso Mijail Bajtin) la influencia de algunos conceptos como lo popular, lo cómico, lo grotesco y lo escatológico en obras de artistas como John Bock, Fischli&Weiss, Martin Kippenberger, Sarah Lucas, Bruce Nauman, Antonio Ortega, Peter Piller y Dieter Roth, entre otros.

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Diciembre 13, 2007

Imágenes urgentes de Philipp Fröhlich. Javier HONTORIA

Originalmente en El Cultural:

No recuerdo, en los últimos años, un ascenso tan fulminante como el que está viviendo el artista Philipp Fröhlich. Hace tan sólo dos años se presentaba por vez primera en público en el Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid y el año pasado el MUSAC, que ya colecciona un buen número de cuadros suyos, le dedicaba una individual en su Laboratorio987. Ahora es Soledad Lorenzo la que presenta sus cuadros en la que es su primera muestra en solitario en una galería comercial. Tres exposiciones y tres zarpazos certeros que lo sitúan ya en una posición privilegiada. Nacido en un pueblo del centro de Alemania, estudió en la Escuela de Dusseldorf y lleva cinco años viviendo en España. Es joven, nació en 1975.

Fröhlich es un hijo de su tiempo. En un mundo atosigante, ávido de imágenes urgentes, la suya parece una estrategia correcta. Su pintura es luminosa y tiene un impacto inmediato. Los anglosajones utilizan incesantemente el término glossy painting, cuya acepción principal es “brillante� o “lustroso�, pero que también puede significar “moderno� o “a la moda�. Y ambas opciones encajan en el contexto de Fröhlich. Anteriormente a esta individual el artista había trabajado sobre aspectos que podríamos definir como policiacos, con referencias a turbios sucesos de clima siniestro cuyos desenlaces permanecían inciertos. Abiertas las tramas, éstas resultaban, sin duda, muy sugeridoras.

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Arte, en la Universidad. Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el El Cultural:

La educación artística en España tiene carencias importantes en todos los niveles académicos. A pesar de la gran cantidad de información, de museos y de exposiciones que se nos ofrecen, y del indudable interés que una parte de la población siente por el arte, seguimos suspendiendo en formación. En parte por falta de voluntad política. La mayor parte de universidades españolas, incluyendo las que enseñan Bellas Artes e Historia del Arte, no cuentan con dignas salas de exposiciones con una programación de calidad, como es habitual en las norteamericanas. Y es importante que el arte vaya hacia los jóvenes, que se introduzca en sus espacios cotidianos, saltando las barreras psicológicas (y económicas) del museo y la galería. Por eso destacamos esta exposición en la Universidad Autónoma, organizada por la asociación Hablar en Arte, arropada por el profesor Jesús Carrillo y acompañada por unas jornadas en las que los artistas hablan de sus obras. Ojalá cunda el ejemplo, empezando por la deseable repercusión en la programación errática de la sala de la UAM.

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Arte: ArtBasel Miami. David G. TORRES

Originalmente en El Cultural:

Hace unos años se hablaba de la cantidad de aviones privados que habían aterrizado en Miami para ejemplificar el movimiento económico, de coleccionistas, que movilizaba la franquicia Art Basel en la capital de Florida (franquicia que desde hace tiempo se rumorea puede ampliarse a otras latitudes). Los datos también podrían tener que ver con la manera ostentosa y desinhibida con la que se muestra la riqueza en la ciudad: sea por las cantidades de silicona y cirugía estética que pasean por la feria, los coches, la ropa o... el arte. Así, varias de la colecciones asentadas en Miami abren sus puertas para exhibirse sin complejos a los visitantes de la feria en sus casas o en los museos hechos a la medida de, por ejemplo, la familia Rubell, con muchos metros cuadrados, comisarios y exposiciones. Algo bastante significativo: el coleccionista ya no cede su colección a un museo, que también, sino que, al más puro estilo Peggy Guggenheim, decide abrir el suyo.

Más datos: desde que Art Basel se ha instalado en Miami cuentan que la ciudad se ha revitalizado, que alrededor de doscientos artistas se han instalado allí; tres museos tienen planes de renovación; veinticuatro ferias de distinto calibre, desde las celebradas en las habitaciones de un pequeño hotel hasta verdaderos eventos artísticos como Nada, Scope o Pulse, acontecen al mismo tiempo que Art Basel (Estados Unidos cree vehementemente en la competencia como motor de la economía); y el New York Times ha editado un suplemento especial con doscientas treinta y pico páginas dedicado a la feria, poniéndola en relación, significativamente, con la moda. A todo ello hay que sumar que los pasillos de la feria están llenos, no abarrotados, y no parece que sea de público. Más bien parece que en cada visitante, o bien hay un pobre crítico, comisario o periodista, o bien esconde una importante chequera en su cartera.

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Diciembre 11, 2007

Non olet. Miguel �. HERN�NDEZ-NAVARRO

Originalmente en No (ha) lugar:

Hace unas semanas, el artista madrileño Santiago Sierra (1966) inauguraba en la Lisson Gallery de Londres una exposición compuesta por veintiún módulos antropométricos en la línea de la estética minimalista: formas geométricas puras que se repiten formando un todo. Esta apariencia neutral cambia cuando leemos que esos módulos han sido construidos con excrementos humanos provenientes de las ciudades de Nueva Delhi y Jaipur. Excrementos que han sido recogidos por los trabajadores del Sulabh, lo más bajo de la sociedad de castas hindúes, obligados desde pequeños a trabajar llevando mierda de un lugar a otro para purgar los malos actos de su vida anterior. En la instalación, y debido a que los excrementos han sido tratados químicamente, nada de esto es percibido. Solo vemos unas formas abstractas y asépticas. Pero detrás de eso, se encuentra todo un sistema de explotación y sumisión frente al cual ladeamos la mirada.

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Como lágrimas en la lluvia. Luis Alberto de CUENCA

Originalmente en ABCD:

Lo de «como lágrimas en la lluvia» lo dice el holandés Rutger Hauer, quien, además de ser uno de los actores favoritos de mi amigo Juan Manuel de Prada, es el actor que encarnó al replicante Roy Batty en Blade Runner, una cinta genial y mitológica para cuantos amamos la fantasía y la ciencia ficción, y yo diría incluso que para aquellos que detestan tales subgéneros.

Se estrenó en 1982, o sea, hace veinticinco años, de modo que ahora celebramos las bodas de plata de ese filme con el público de todo el mundo, que lo ha situado en un Olimpo reservado tan sólo a productos cinematográficos de excepción, destinados a permanecer en la memoria colectiva. Blade Runner, del director británico Ridley Scott, es, en suma, un clásico, y ya se sabe lo que ocurre con los filmes clásicos: están lozanos, perpetuamente jóvenes e inasequibles a las dentelladas del tiempo, y se dejan ver muchas veces, y no dejan de asombrarnos -y, sobre todo, de divertirnos- cada vez que los vemos.

No siempre fue así. Quiero decir que uno no ha sido siempre, ab initio, un fan de Blade Runner. Todavía recuerdo una conversación entre Jacobo Fitz-James Stuart y el que suscribe en Sevilla, allá por 1983, cuando la UIMP organizó aquel célebre simposio que reunió a Borges, Calvino y Torrente Ballester en el Hospital de los Venerables. Yo andaba por aquel entonces enloquecido con la primera trilogía de Star Wars (cuya primera entrega, firmada por George Lucas, se había estrenado en 1977), que me parecía una especie de hechizo fílmico para combatir de por vida el aburrimiento y una obra maestra de la ciencia ficción aventurera. También me había fascinado otra mítica película de aquel entonces, Alien. El octavo pasajero, del propio Ridley Scott, en la que la guapísima Sigourney Weaver daba carne (¡y qué carne!) a la teniente Ellen Ripley, que tenía apellido de héroe de Patricia Highsmith y no paraba hasta seducir, primero, y deshacerse, después, de un molesto alienígena reclutado en un mundo perdido trasoñado por H. R. Giger, el gran ilustrador del Necronomicón lovecraftiano.

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Espejo de lo que somos. Delfín RODR�GUEZ

Originalmente en ABCD:

Es ésta de y sobre Pierre Klossowski (1905-2001) una exposición que no habrá de pasar desapercibida, ni mucho menos, y no sólo en Madrid. Escritor que pintaba imágenes y figuras y, a la vez, pintor que escribía figuras e imágenes, entre ambas formas de expresión de pensamientos y de sentimientos trazó encuentros y desencuentros, pero no fueron nunca alternativas, ni siquiera entre ellas.

Su necesidad de expresión, irónica y paradójica, se sirvió de ambos procedimientos, incluidos otros como la fotografía o el cine, o la puesta en escena, el teatro y la dramaturgia entendidas como sinónimos de «simulacros», como máquinas autobiográficas y biográficas de cualquiera que se enfrente a ellas, incluso cuando traducía, como traductor, del latín o del alemán, a los teólogos y los filósofos, a los ensayistas o a los poetas y escritores. Moralista, seminarista, provocador, católico y protestante, y nuevamente católico; teólogo de una teología sin dios, pero siempre omnipresente en los cuerpos y las almas de sus nunca obscenas imágenes o textos, aunque parezca lo contrario por condición propia de quien mira o lee sus obras, es decir, casi todos, incluido él mismo, lo que constituyó a la vez su tragedia y su lucidez provocadora.

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Una forma de estar. Javier MONTES

Originalmente en ABCD:

Fue un signo de la aceleración de los tiempos (que son más o menos los de Andy Warhol, y los nuestros) que Barbey d?Aurevilly publicase en 1845 Del dandismo y de George Brummel. Acababa de nacer el dandi y ya se etiquetaba la nueva raza: «El dandismo es la fusión del ser y del personaje, de la naturaleza y el destino».

Tenía mérito tanta lucidez a la hora de adivinar la forma por excelencia de estar en el mundo de tantos artistas contemporáneos. Menos de siglo y medio después nosotros reconocemos a partir del Bello Brummel una genealogía que extiende ramas hasta Oscar Wilde y Duchamp, roza a Jean Cocteau, pasa por Salvador Dalí y desemboca en Andy Warhol antes de dispersarse por cientos de esforzados (y a la fuerza) dandis del arte de hoy.

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Diciembre 10, 2007

Fascinación por el nuevo mundo. Julio CRESPO MACLENNAN

Originalmente en ABCD:

Entre todo lo que se ha escrito en Europa sobre Estados Unidos desde el 11 de septiembre de 2001, este libro merece un lugar muy especial por varias razones; primero, porque aporta una visión contemporánea de Estados Unidos a través de una mezcla de géneros combinados con mucho talento: la crónica de viajes, el reportaje y el ensayo sociopolítico; segundo, porque se basa en la reconstrucción de un legendario viaje que emprendió Alexis de Tocqueville hace siglo y medio, cuya visión de Norteamérica ha ejercido gran influencia en el pensamiento europeo hasta nuestros días; y en tercer lugar, porque está escrito por Bernard-Henri Lévy, el más famoso de los intelectuales franceses, que con este libro intenta dar respuesta a algunas de las grandes cuestiones de nuestro tiempo: ¿Hacia dónde va Estados Unidos? ¿Hasta qué punto la imagen exterior de Estados Unidos corresponde con su realidad interior?, y sobre todo, ¿cuál es su porvenir como superpotencia?

Esta obra es el resultado de un fascinante viaje por Estados Unidos que lleva al autor a recorrer desde las grandes ciudades hasta pueblos recónditos y a entrevistarse con todo tipo de personas, desde famosos políticos y cineastas hasta ciudadanos anónimos. El autor trasmite al lector todo lo que va viendo, combinando la precisión del reportero con los comentarios provocadores típicos de filósofo inconformista.

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Imágenes revenidas. Antonio WEINRICHTER

Originalmente en ABCD:

Cuando el Departamento de Audiovisuales del Reina Sofía comenzó a programar el ciclo anual Cine y casi cine en el año 2001, resultaba todavía un concepto relativamente novedoso que la institución museística se interesara por las imágenes en movimiento, más allá de su histórica relación natural con el vídeo-arte y el screen art y, un poco más forzada, con el cine experimental, al que, desde luego, comisarios anteriores habían venido dedicando ciclos temáticos. La novedad que aportó Berta Sichel con esta iniciativa fue la de organizar ciclos que no eran retrospectivos, nacionales o de tendencia, sino estrictamente contemporáneos, como hacen los festivales de cine o vídeo.

Esto es lo que hay. A lo largo de estas seis ediciones hemos podido ir viendo una amplia selección de títulos que ejemplifican el uso de los nuevos medios digitales; la estética relacional; los paradigmas antinómicos de la cultura local encarnada y el nuevo internacionalismo; la cultura del remix y el apropiacionismo, y hasta la entrada de la práctica documental en el área de visión del arte: un panorama imposiblemente diverso que define precisamente la contemporaneidad, también en el ámbito audiovisual. En esta pionera, entre nosotros, amplitud de miras lleva Cine y casi cine su penitencia, traducida en la injustamente escasa resonancia que suele tener en la Prensa: los críticos de cine no suelen ir al museo y los de arte recelan del sarampión del cine de exposición, lo que vuelve a confirmar el secular desinterés que se profesan sendas instituciones.

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«Kitsch» a cámara lenta. Óscar ALONSO MOLINA

Originalmente en ABCD:

Si hace tres años la artista sueca Annika Larsson (1972), realizaba en la Sala Montcada de Barcelona su primera individual en nuestro país, tras participar durante 2002 en colectivas del Domus Artium y MARCO, ahora se presenta por primera vez en solitario avalada por una galería comercial privada. Para la ocasión se han seleccionado un par de sus más representativos proyectos realizados durante los dos últimos años: nada más entrar nos encontramos con el vídeo Pirate, para, bajando a la planta sótano, poder asistir a la larga proyección de Fire. Junto a ellos, dos series de stills relacionados con ambas piezas: conjuntos de siete y tres fotografías, respectivamente, que sin duda encuentran justificación más en lo comercial que en la necesidad interna de ampliar el discurso o buscar nuevas perspectivas.

Estetización del diseño.

Ambos vídeos se erigen, una vez más, como la estetización proclive al diseño, ambigua y gélida de conflictos de cualquier naturaleza, a la cual nos tiene acostumbrados el discurso de Larsson. Suya es, en esencia, la voluntad de detener hasta el nivel de lo decorativo -y muy a menudo, por desgracia, más allá- el impulso entrópico o violento que late bajo distintas situaciones de conflagración, lucha, antagonismo o rivalidad que nuestro presente nos sirve a diario.

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Una colección de tiempo encapsulado. Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en ABCD:

«Maté -escribe Warhol en sus Diarios- una cucaracha y fue un trauma». La vida de Warhol parece un combate permanente o, mejor, un olvido de lo siniestro. Sin embargo, el sentimiento de la fragilidad de la vida, la inminencia de la vejez, la proximidad del desastre, le obsesionan. Su búsqueda paranoica del glamour no consigue apartar la sensación áspera de una condena. El arte es en Warhol un paraíso de afectación, un espacio para el culto narcisista, pero también algo nimio en lo que se puede creer. La vida es para este artista algo horrible, por ello es la muerte el eje de la redención. Warhol es un artista de la desesperación, alguien que no confía en algo que fuera común, un experto en profilaxis. Las imágenes movidas, casi temblorosas, protegen frente al acelerado paso del tiempo. La detención es la estrategia warholiana; en un mundo de velocidad, él aparece como un secreto neoclásico, alguien que confía en los gestos congelados, en lo teatral, en lo deliberadamente decadente.

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Diciembre 08, 2007

Buenas prácticas, mejor cultura - José Manuel Costa

Originalmente en Vía Límite

Dentro de pocos días se conocerá el nombre del nuevo director del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (MNCARS en su horrísono acrónimo oficial). Esto no excitaría más que a los muy aficionados si no fuera porque este nombramiento marcará una cesura en la forma en que se rigen nuestras instituciones culturales. Y cualquiera ve a su alrededor como cada vez hay más museos, centros y auditorios propiedad pública. Pagados con nuestros dineros.

Hasta el momento, los nombramientos y ceses en estos lugares han sido puramente digitales. Y así, puede suceder que una consejera de comunidad, Consuelo Ciscar, licenciada en Empresariales, pase a dirigir uno de los principales centros de arte españoles (el IVAM valenciano), simplemente porque había de buscarse acomodo a una zaplanista defenestrada. O que un cambio de gobierno en Galicia signifique la expulsión inmediata del director del CGAC, Miguel Fernández Cid. O que se ningunee a la directora del CAAM de las Palmas, Alicia Chillida…

Así no hay institución que funcione. Como me decía con algo de sorna Norman Rosenthal, director artístico de la Royal Academy de Londres: “Mira, mi problema con el Reina Sofía, es que cada vez que llamo se pone una persona diferente�.

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Diciembre 05, 2007

¡VIVA EL FRACASO! - David G. TORRES

Originalmente en e-limbo:

Es cierto que por mucho que Johnny Rotten se dejase las cuerdas vocales (es un decir) gritando "God save the Queen, and her fascist regime", bueno, pues la reina sigue ahí y su régimen no parece mucho menos fascista. A no ser que alguien todavía considere que es un cambio sustancial haber pasado de la amistad de Thatcher con Pinochet, a la complicidad de Blair con Bush invadiendo Irak en una especie de cruzada que en el nombre de Dios se lanza en busca de petroleo. Para un pensamiento radical la misma idea de estado es represiva, así que eso no son más que matices del mismo tipo de fascismo.

Quizá haya sido por la incapacidad de matizar a la que tiende un pensamiento que se quiera a la contra por lo que finalmente habrá que considerar que, sí, nada ha cambiado demasiado y tampoco hemos colaborado efectivamente a que cambie. En fin que habrá que dar la razón a aquellos que, también desde la izquierda, han denunciado la falta de pragmatismo de los malintencionados. Y estar de acuerdo con los argumentos de tipos como Joseph Heath y Andrew Potter cuando arremeten contra la tradición contracultural occidental (y ahí cabe mucho, efectivamente Johnny Rotten y los Sex Pistols, pero muchos más). Rebelarse vende. El negocio de la contracultura es el título de su libro; un título tan explícito que en sí viene a resumir su tesis, en la que fundamentan una crítica generalizada a lo "contracultural": por su falta de eficacia, por haber estado predispuestos a ser vendidos y, en definitiva, por cómplices. Por si quedaba alguna duda, la edición del libro en la mayoría de los idiomas está ilustrado con una taza tipo mug (paradigma de taza globalizada) con el retrato de El Che: ejemplo ilustrativo de una cultura que pretendiéndose crítica y contracultural sólo ha servido para vender más tazas fabricadas en China con un logo concienciado. En fin, que mientras unos proponían liberar la mente y otros se declaraban antisistema y antisociales por llevar el pelo rojo y de punta, la casa seguía sin barrer: no sólo los serios objetivos políticos quedaban sin atender, sino que esa contracultura, vía tazas o camisetas, se convertía en cómplice del capitalismo extendido.

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Frío, frío, frío... CARLES GUERRA

Originalmente en cultura I s de La Vanguardia.es:

Hace poco más de un año una pintura de Jackson Pollock batió todos los récords. Number 5 (1948) fue vendida por de dólares, el precio más caro de toda la historia. David Geffen, un magnate de Hollywood que había fundado Dreamworks con Steven Spielberg, se deshizo de ella. La tela de formato vertical pasó a manos de David Martínez, un financiero mexicano que la adquirió a través de Sotheby´s.

Number 5 mide cerca de dos metros y medio por un metro y poco más. Tiene el aspecto de un torbellino de manchas y salpicaduras. Parece un accidente. No hay figura y no alude tema o contenido literario alguno. Sin embargo, Number 5 es reconocible como un icono del arte moderno. Está entre los objetos más sublimados de la cultura occidental. Simboliza la hegemonía del arte americano tras la Segunda Guerra Mundial, y como la mayoría de imágenes, cuanto menos dice más representa. Puede ser todo y nada, ése es su mérito. El precio alcanzado en la subasta no hace más que refrendar su estatuto icónico. Aunque eso no tiene nada que ver con su calidad como obra de arte. Son dos cosas distintas. La obra fue realizada por Pollock en el reducido espacio de su estudio, en East Hamptons, Long Island. El icono se forja durante la guerra fría, cuando centenares de pinturas como ésta adquirieron un significado que escapaba al control de los artistas que las crearon. Ni Gottlieb, ni Gorky, ni Rothko, ni Newman, ni Motherwell, por citar sólo algunos, pudieron evitar que se los asociara a una cultura de la victoria.

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Política y cuerpo. La guerra caliente. BEATRIZ PRECIADO

Originalmente en cultura I s de La Vanguardia:

Los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial no fueron sólo un período de guerra fría, marcados por sintagmas que en una escala retórica de Celsius indicaban negativo (tensión de bloques, depresión económica postbélica, telón de acero, enfriamiento y dispersión de las concentraciones urbanas ante el temor de un nuevo ataque nuclear…), sino que también fueron los años de un aumento exponencial del interés de los poderes políticos en el cuerpo y la sexualidad como posibles centros de control del individuo. Mientras que en un nivel macropolítico las potencias, tanto occidentales como orientales, intentaban bajar la temperatura del conflicto al mismo tiempo extáticas y espantadas frente su reciente descubrimiento y ensayo de nuevas tecnologías de destrucción masiva, en un nivel micropolítico, los estados llevaban a cabo una infiltración del cuerpo individual, atacando, con nuevas técnicas biomoleculares y mediáticas, un nuevo terreno privado, visceral y silencioso: la sexualidad.

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Diciembre 01, 2007

Peligro: Arte - MIGUEL �. HERN�NDEZ-NAVARRO

[Originalmente en No (ha) lugar]

En los últimos días ha saltado a la prensa la noticia de que Shibbolet, la obra de la colombiana Doris Salcedo en la Sala de Turbinas de la Tate Modern, ha provocado ya más de diez heridos, algunos de los cuales han demandado al museo. La obra consiste en una serie de grietas en el suelo de la galería. Unas grietas que dan la sensación de que algo terrible está a punto de ocurrir. Pues bien, como una profecía, lo terrible, en efecto, está sucediendo, pero en lugar de un gran cataclismo, el desastre es que la gente se tuerce los tobillos al caerse en las grietas. Y esto es así hasta el punto de que la Tate ha tenido que llenar la sala de carteles que alertan de la peligrosidad de la obra, advirtiendo al espectador que pise con cuidado y que no deje a los niños sin vigilancia.

Todo esto, que puede resultar hasta cierto punto divertido, me ha hecho reflexionar acerca de la equivocada idea de que el arte es algo bueno e inofensivo. A veces llevamos a los niños a los museos creyendo que allí se encuentra la panacea de la cultura, y no somos conscientes de que, tamizados por la pátina del tiempo, en el museo hay crímenes, señoras desnudas, tiranos, actos de dominación... es decir, lo peor de lo peor. El museo, el arte en general, aparte de enseñarnos la belleza del mundo, contribuye también a la perpetuación de estructuras de dominación y exclusión, de prejuicios y falsas creencias. El arte es peligroso. Siempre lo ha sido. Lo único que ocurre es que a veces nos olvidamos de ello. No sería, por tanto, descabellado pensar que, en el fondo, la célebre grieta de la Tate enseña que el arte puede provocar heridas, que una obra terrible nos puede agriar el día. Quizá vaya siendo hora de que en la entrada de todas las instituciones artísticas pongan un cartel con una advertencia. “Peligro: Arte�.

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Pangea, el nuevo mundo - Vicente Luis Mora

Originalmente en Diario de Lecturas

Cuando en una sociedad sus habitantes ya no son los mismos, su concepción del tiempo ha cambiado, su visión del espacio es más amplia, sus potencialidades físicas y mentales son superiores, la ética y la política de sus relaciones internas han mutado, el antiguo arte ha sido superado por formas de crear que jamás habían existido antes y la idea misma de sociedad ha reventado, haciéndose más amplia y global, ha llegado el momento de repensar si esa sociedad es la misma. Y la respuesta es no. En apenas quince años, desde 1992 hasta hoy, el mundo ha sufrido una serie de cambios tan drásticos y profundos y que afectan a tantos ámbitos, ya sean sociológicos o íntimos, políticos o literarios, jurídicos y económicos, que es imposible mantener que el nuestro sea el mismo mundo que conocíamos hace dos decenios. Ha llegado el momento de detenernos a pensar qué puede haber ocurrido, y elegir un nombre cualquiera para definir esa nueva realidad, porque el nombre antiguo se ha quedado desfasado.

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Noviembre 29, 2007

El artista, el hámster y la rueda. Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en El Cultural:

El CASM presenta una muestra poco habitual en su línea expositiva, que suele privilegiar los proyectos específicos, mientras que aquí se trata de una intervención concebida para la 52 edición de la Bienal de Venecia. Cuando Franz West (Viena, 1947) fue requerido para participar en la Bienal, invitó, en su mayor parte, a jóvenes artistas –amigos, amigos de amigos, asistentes, etc.– sin un criterio determinado o idea de exposición previa. Simplemente, el espacio de Venecia –comentaba West– era demasiado grande para él… La exposición se fue tejiendo, así, de una forma espontánea y a través de una red de complicidades. La idea era la de prescindir del comisario, de toda idea de selección, de plan… West justificaba este gesto arbitrario como una especie de protesta y afirmación del artista contra la autoridad de los curadores o la tiranía de las instituciones, cuyos criterios y formatos son necesariamente coercitivos… Y acaso en esta acumulación heterogénea, en la confrontación espontánea de obras, se puedan establecer relaciones u oposiciones de sentido en la mejor tradición surrealista.

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Noviembre 28, 2007

( Schwarz auf Weib (negro sobre blanco): palabras en busca de un mundo ). Gemma AGUILAR

Originalmente en E-limbo:

¿Cuadrado negro sobre fondo blanco? Nada para ver.
Gérard Wajcman, "[de los objetos al objeto]", El objeto del siglo

el Negro sobre blanco del título emerge como declaración de intenciones postminimalista,

En efecto, es difícil no ver que todos somos no-videntes, que en verdad, muy lejos de la ilusión de agudeza y vigilancia con que nos regalamos, de ser vigías del siglo, realizamos fervientes esfuerzos por mantener los ojos cerrados.
Gérard Wajcman, "[duro deseo de mirar]", El objeto del siglo

ecos de Malevitch: la expresión más escueta del punto [letra] sobre el plano, del punto [nota] sobre la partitura, del punto [actor] sobre el escenario

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Noviembre 26, 2007

Las trampas del azar. Javier D�AZ-GUARDIOLA

Originalmente en ABCD:

Emergentes, la muestra que reúne en LABoral diez potentes instalaciones de artistas iberoamericanos que se mueven en las procelosas aguas del arte electrónico, es, a todas luces, una especie de sondeo sobre el asunto que le ocupa, y, como todas las encuestas, con multitud de trampas. Con ella, José Carlos Mariátegui, su comisario, alerta sobre la inflación informativa a la que estamos sometidos diariamente: «En la actualidad -apuntaba este científico e investigador en tecnología de medios- la vida social se traduce a lo digital y, de esa forma, se convierte en realidad misma. Esta relación es la que persigue analizar esta exposición». Sin embargo, el resultado final llama la atención precisamente por su descontextualización, también teórica.

Podría pensarse erróneamente que Iberoamérica es tal paraíso para el arte electrónico que bien mereciera esta muestra. Nada más lejos. Sus artistas no sólo son una rara avis en su ámbito, sino que son muchos los que desarrollan su labor en países de lo que se conoce como el Primer Mundo. Son los casos de Rafael Lozano Hemmer, Rodrigo Derteano y Fernando David Orellana.

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Estilo internacional y utopía social. Juan Antonio �LVAREZ REYES

Originalmente en ABCD:

Finaliza como comenzó. El espacio 315 del Pompidou termina el año casi como en su inicio: con una exposición que analiza la disolución de la modernidad en el presente, de ciertas ideas acerca de un futuro que fue en parte y que ya está aquí diluido, de la transformación de un utopismo social y su inclusión en el «estilo internacional». Si la primera exposición del año, titulada Le nuage Magellan, era una colectiva que revisitaba el movimiento moderno desde la perspectiva de artistas actuales de Europa del Este, la última es una muestra individual absolutamente medida del artista belga David Claerbout. Hay, más allá de las diferencias, una reflexión similar: aquello que de algún modo fue -aunque sólo fuera en las intenciones- y se transformó está aquí mediante sus huellas en el presente, mediante su pasado inconcluso.

La reflexión sobre la modernidad -desde una nueva postura que ha trascendido ya la voluntad «post» de pasar página- deviene ahora fundamental. Junto a cierto aire de pasado reciente desvencijado que quizás no mereciera una desviación tan demoledora, pensar la modernidad acarrea ahora también recuperar de algún modo la ideología antagónica del siglo XX que fue desechada demasiado interesadamente. No es casual, entonces, el enfoque desde el Este en Le nuage Magellan, como tampoco lo era, en la pasada Bienal de Venecia, el detenimiento del premiado Andreas Fogarasi en la vida y transformación de los centros culturales de Budapest o, en la última Bienal de Estambul, la reflexión sobre la voluntad de travestir un edificio de servicio comunitario en un centro comercial.

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Noviembre 22, 2007

Hans Ulrich Obrist. Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL:
Creó en 1992 el Museo “migratorio� Robert Walser, ha sido conservador del Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris desde 2000, del Museum in Progress de Viena (1993-2000) y es hoy director de proyectos internacionales de la Serpentine Gallery de Londres; comisarió la primera Bienal de Berlín, Manifesta I, la primera Trienal de Moscú y la segunda Bienal de Guangzhou... ha organizado cerca de 150 exposiciones desde 1991 y se ha convertido en poco tiempo en una de las figuras más influyentes del arte actual. Además, permanece abierta al público, hasta principios de enero, su Bienal de Lyon, que ya pretende hacer balance de esta década con un novedoso modelo curatorial. En estos días ultima los preparativos para la inauguración de everstill/siempretodavía (el título y el logo son de Douglas Gordon), su proyecto para la Huerta de San Vicente, que constituye un nuevo capítulo en una serie de muestras en las que busca la “expansión� del tradicional espacio expositivo. En este sentido, ha mostrado preferencia por los lugares en los que han vivido artistas. Hasta ahora, ha convertido en temporales centros de arte la Casa Barragán en México, la de Nietzsche en Sils Maria o la de Sir John Soane en Londres.

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Arte y ciencia del comportamiento. David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL:

Entender un centro de arte como una suerte de laboratorio abierto puede parecer, para muchos, un simple juego. Pero como señala Mallarmé “todo pensamiento emite una jugada de dados� y ese virtual equilibrio entre ensayos, aciertos y errores, resulta vital para entender la relación del hombre con la tecnología. Al fin y al cabo, como afirmara Novalis, tampoco es inescrutable el azar, sino que también está regido por un orden. En efecto, si dibujamos el azar como resultado de una jugada previa, advertiremos que todo juego posee un sentido, se halla limitado espacial y temporalmente y procede según reglas que son reconocidas por todos los participantes, como la historia del arte. En general, el juego está enraizado en el mundo y ya Platón y Aristóteles subrayaron el valor del juego para la formación de la personalidad. De ahí que, en ese intento de conformar un lugar para la investigación, formación y producción artística y técnica, así como para la proyección de nuevas formas de arte y creación industrial, que se ha marcado como objetivo LABoral, resulte normal esa apuesta por el juego en varias de sus exposiciones e, incluso cuando las intenciones son otras, como en esta ocasión, esa sensación nos invade al experimentar cada una de las obras.

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Noviembre 21, 2007

De �taca a Rothko - ANTONI MAR�

Originalmente en cultura | s de La Vanguardia

Los lugares remotos son lugares próximos y muy lejanos. La proximidad la proporciona el deseo, la distancia viene impuesta por la dificultad, o la imposibilidad, de la realización o del encuentro con este deseo. Los lugares remotos son lugares mentales construidos por la intuición y por la idea de que hay espacios, alejados del espacio cotidiano, en los que poder realizar la totalidad de la persona o habitar según la idea que cada uno se ha construido de la existencia, o el lugar donde aparece la posibilidad de otra existencia. Es la imaginación la facultad capaz de identificar el deseo y la idea en la construcción de la imagen de los lugares remotos. Porque, por muy apartados y lejanos que estén, los lugares remotos aparecen con una imagen precisa, y a menudo, minuciosamente descrita ya sea en una imagen plástica o en una imagen verbal: por lo que los lugares remotos no son espacios desconocidos, si no abiertos al conocimiento y a ser hollados desde la necesidad que el deseo provoca. El lugar remoto ofrece, tal vez, la presencia real de lo desconocido, y lo desconocido es, sobre todo, aquello a lo que nunca se le puso atención y de repente aparece en toda su extrañeza y familiaridad.

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El mastín de ´Las Meninas´ no debería dormitar - LLU�S PERMANYER

Originalmente en cultura | s de La Vanguardia

Coincidiendo con la importante exposición que El Prado dedica a Velázquez como pintor de historia (Fábulas de Velázquez,del 20 de noviembre al 24 de febrero) es pertinente abordar una nueva reflexión sobre la que, sin duda, es no sólo su obra maestra, sino además la más compleja de todas. Así las cosas, no es de extrañar que aún siga propiciando la polémica intelectual, con el fin de desentrañar algunos de los misterios que aparecen hábilmente planteados en el lienzo.

Lo primero que se desprende de su análisis es plantearse, a modo de Gauthier, ¿dónde está el cuadro?

Así pues, tenemos diversos temas, según el punto de vista del espectador: un autorretrato de Velázquez, un retrato de la infanta Margarita, un retrato de los reyes, un retrato de familia. Al propio tiempo, otro tema, nada banal, es la escena que se desarrolla, a tenor de lo que se desprende del conjunto de personajes reunidos en una estancia de palacio. Y es que todo ello se presenta tal como es, una acción real.

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Plusvalía cultural - NOÈLIA HERN�NDEZ

Originalmente en cultura|s de La Vanguardia

Hablar de arte desde el arte. Mostrarlo en su proceso. Desenmascararlo. Poner a prueba la autenticidad de una idea. Explorar los límites del lenguaje. Determinar el papel del artista durante la realización de una obra. Señalar sus limitaciones. Estos son algunos de los parámetros que definen el trabajo de Pep Agut (Terrassa, 1961), artista ampliamente conocido por su trayectoria dentro de la vertiente más conceptual del arte en nuestro país, con una mirada crítica sobre las imposiciones del sistema artístico y sus velados mecanismos de control que ha marcado su obra desde el inicio de su carrera.

Pep es un artista de ideas claras, muy claras, aunque algunas de sus intervenciones puedan parecer complejas. Un ejemplo de ello es Hércules (Autorretrato en devaluación económica y plusvalía cultural), exposición con la que se inaugura un nuevo espacio dedicado al arte en nuestra ciudad, Àngels Barcelona, construido sobre la experiencia acumulada por el equipo de la Galeria dels Àngels. Hércules es un proyecto en desarrollo desde el año 2004 que plantea una serie de interrogantes sobre el trabajo artístico, vinculando su práctica con temas poco divulgados como el derecho, la economía, la legalidad o el precio de las obras y su plusvalía.

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Noviembre 20, 2007

Entrevista: Bugge Wesseltoft. Jazz protesta

Originalmente en ELPA�S:

Escenario: una típica e impersonal habitación de hotel en el centro de Madrid. Bugge (pronunciado Bugui) Wesseltoft espera al entrevistador sentado delante de un extraño híbrido, mitad piano eléctrico, mitad ordenador portátil de última generación. El fundador y máximo responsable del sello Jazzland, santo y seña de los freaks adictos al future jazz de los cinco continentes, presenta nuevo disco. IM es un punto y aparte en la carrera del compositor, pianista y productor noruego; un remanso de serenidad al margen de las convenciones de la free improvisation y el nu jazz. Un piano de cola, algunos discretos efectos electrónicos y el talento como improvisador que se le reconoce a Jens Christian Bugge Wesseltoft, eso es todo... además de unos intrigantes textos interiores de marcado tono antibelicista.

PREGUNTA. Con ese texto, IM podría pasar por el primer disco de jazz protesta de la historia.

RESPUESTA. Tanto como eso..., en realidad, el álbum tiene 10 piezas y sólo hay una que para mí tiene una significación política, WY, que es como why (por qué, en inglés) sin la hache. Ese tema es mi respuesta al tiempo que paso sentado ante el televisor yendo de un lugar a otro y de una guerra a otra. Aterra pensar en tantos lugares en guerra en este momento: Irak, Chechenia, Birmania, Palestina..., no puedo evitar compadecerme de la población civil en su lucha por sobrevivir; pero lo que más me llama la atención es que siempre es la misma historia, con unos pocos que tratan de acaparar el poder y una mayoría que sufre la tragedia por su culpa. Como padre de familia todo esto me deja un sentimiento muy amargo. Trato de ponerme en la situación de los que sufren. Es algo sobre lo que pienso muy a menudo así que simplemente quería comentarlo en mi disco.

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Teresa Margolles: «convertiré la galería en un mausoleo». Javier D�AZ-GUARDIOLA

Originalmente en ABCD:

Las paredes de la galería se cubrirán de negro, y sobre un lujoso suelo alfombrado se situarán las vitrinas que albergarán las joyas diseñadas por la mexicana Teresa Margolles (1983). La intimidad de la sala, tan sólo iluminada por los halógenos dirigidos hacia las piezas, se romperá cuando el visitante descubra la historia que cada una de ellas oculta. Margolles, para la que esta exposición en Salvador Díaz es su primera incursión en un espacio privado en España, enfrenta al espectador a una realidad insostenible demasiado habitual en su país de origen y nos obliga a reflexionar sobre la legitimidad de algunas acciones, con el encuentro con la muerte, que siempre ha rodeado su imaginario, como telón de fondo.

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Del lado de las otras. Andrés ISAAC SANTANA

Originalmente en ABCD:

El trabajo de Carmela García revela un grupo de señas que hacen la suerte de identidad discursiva de su propuesta fotográfica. Su trabajo enfatiza una fuerte carga narrativa, una constante y profunda reflexión sobre el universo femenino y sus múltiples variantes, un deseo por explorar nuevas nociones espaciales en tanto escenarios del hecho fotográfico en sí y una misteriosa ambigüedad que hace abortar la figura masculina del marco de la representación, sin la decretada defunción de lo fálico tan de moda entre algunas rabiosas feministas. Aquí hay ausencia poética, no aniquilación fulminante y bravucona.

Arqueología afectiva. En esta muestra en particular, hermosa en toda su extensión y hondura, García pone en práctica un sintomático ejercicio de «arqueología afectiva» para la recuperación / reivindicación de un pasado femenino con el que ella se siente más que identificada. Subvirtiendo el paradigma ortodoxo de la amnesia malintencionada y advirtiendo de la falacia que supone todo relato histórico, Carmela García se aventura en un recorrido ficcionalizado y altamente subjetivo por las huellas -apenas perceptibles- de una historia protagonizada por un grupo sui generis de mujeres. Féminas transgresoras que en su momento, y a contracorriente de las normas impuestas por el falso modelo de virtud de lo políticamente correcto y el corsé de una feminidad esteriotipada, alcanzaron a vivir su deseo en libertad.

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Reglas para la superviviencia de la novela - VICENTE VERDÚ

Originalmente en EL PAIS

Que los últimos cinco premios Herralde de novela hayan recaído sin cesar sobre escritores latinoamericanos no debe considerarse un simple azar. La novela que todavía se premia responde al molde tradicional y este producto no se cultiva con la debida dignidad sino en la periferia del sistema. Sucede de la misma manera que con las películas de autor, que, si antes procedían de Italia, Francia o Alemania, ahora brotan en Irán, Irak, China, India, Argentina o Senegal, puesto que el cine de autor como la novela de argumento son productos que caducaron en territorios de la Metrópoli mucho antes de iniciarse el siglo XXI.

Muchos suponen que están leyendo literatura cuando, en realidad, prestan su atención a enmascarados guiones de cine, borradores de telefilmes o largos bocadillos de cómic

Paralelamente, así como en la pintura es inconcebible producir sin tener presente la fotografía, la televisión, los videojuegos, el avión, los grafitis o cualquier pantalla, en la narración es torpe seguir como si no existiera publicidad, correo electrónico, chats, cine, YouTube, MySpace o la blogosfera. Quienes en los países donde se han desarrollado las nuevas formas de comunicación continúan redactando novelas a la antigua usanza atienden sólo a los lectores vetustos, incomunicados o burdos. Y también a los que aprecian los libros en cuanto les parecen películas o telefilmes impresos y en donde la escritura cumple la simple función de entretener durante el trayecto en avión o metro.

Nada que ver, pues, con el carácter propio y especial de la escritura literaria, en donde la nueva narración debería caracterizarse por estos diez componentes, al menos:

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Noviembre 19, 2007

Pasen y vean: el museo se resquebraja. Juan Antonio �LVAREZ REYES

Originalmente en ABCD:

Las películas de catástrofes, tan queridas por los telespectadores norteamericanos y por las políticas del miedo, deben ser tenidas en cuenta a la hora de enfrentarse a la intervención que la artista colombiana Doris Salcedo ha realizado en la Sala de Turbinas de la Tate, el mayor espacio mundial para intervenciones/instalaciones específicas disponible en estos momentos. Grieta, raja, hendidura o corte, esta obra de Salcedo puede tener numerosas interpretaciones -más allá de las que dan la propia artista y el museo-, y también sus referentes iconográficos son más variados de los que Achim Borchardt-Hume cita en el texto de la exposición que ha comisariado. Repasemos, entonces, algunos de ellos sin voluntad de agotarlos.

¿Terremoto? Terremoto, sin duda, es una de esas citas -conscientes o no- a las películas de catástrofes. De hecho, los visitantes entregados lo saben bien. En el gran juego fotográfico-relacional en que se ha convertido esta enorme grieta, los visitantes prueban numerosas posturas interpretativas de ese género cinematográfico. Un corte así sólo lo ha podido causar un terremoto: esto lo sabe cualquiera que haya visto los efectos especiales de este tipo de películas. Aquí, por otro lado, entraría una cuestión claramente de estética representacional: la hendidura realizada es la representación de una grieta, no «una grieta en sí».

Es decir, convendría poner en funcionamiento, a la hora de encarar esta intervención, a Magritte y a su cuadro Esto no es una pipa, junto al ensayo que Foucault dedicó a esta cuestión, por no retrotraernos a la tradicional discusión aristotélica del «ser» y del «ser como». Pero volviendo al público entrenado en los filmes de catástrofes, el corte de Salcedo «es como» el que se produce en esa película, lo que permite a este tipo de visitante-turista performatizar sin complejos una intervención en la que, como en ese género, los riesgos -pese a su espectacularidad- son mínimos.

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Recuerdos encadenados. Anna Maria GUASCH

Originalmente en ABCD:

Reflejos condicionados es el título de la exposición del artista polaco Miroslaw Balka (Varsovia, 1958) en la Fundación Marcelino Botín de Santander, un título tan críptico como lo es su obra, conocida por el público español gracias a sus periódicas exposiciones individuales en la Galería Juana de Aizpuru, de Madrid -Su seguro servidor (2004) Pureza (2001) y Mañana (1999)- y gracias también a retrospectiva del IVAM (Revisión, 1997), comisariada por Juan Vicente Aliaga, también responsable de esta de Santander.

Es el propio Aliaga el que, en el texto del catálogo, nos adentra en la pasión, casi obsesión «memorialista» de Miroslaw Balka que parece acogerse milimétricamente al «impulso» por la memoria (individual, colectiva y, a la vez, histórica) constante de muchos creadores de unos tiempos marcados, al decir de Andreas Huyssen -uno de los teóricos que más ha profundizado-, por los «pretéritos perfectos» y por una hipertrofia de memoria en detrimento de la historia, en las antípodas del que fue el gran impulso de la modernidad, basado en el deseo de pureza y en una cultura impulsada por los «futuros presentes».

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Los seres humanos creamos diablos. Cecilia DREYMÃœLLER

Originalmente en ELPA�S:

En Múnich, en el barrio de Schwabing, muy cerca del cine de culto ARRI, se encuentra el centro de operaciones del polifacético escritor, cineasta y autor televisivo Alexander Kluge (Halberstadt, 1932), instalado en un enorme piso antiguo de altos techos y parquet crujiente. En una espaciosa habitación hay una gigantesca cámara Arriflex de 1956 entre focos y pantallas. Es allí donde Kluge, corriendo tres cortinas azules, graba sus subversivos programas culturales. Otra habitación está abarrotada de las ediciones de sus libros, más de una veintena de títulos. En la estancia de al lado hay varias mesas con ordenadores. Allí gestiona el jurista los diferentes gremios de cineastas libres que preside y es donde escribió las casi mil páginas de su libro-crónica El hueco que deja el diablo (Anagrama), que acaba de publicarse en España en una versión acortada por el autor.

La viveza de expresión, la curiosidad casi infantil que reflejan sus ojos, la familiaridad con la que este espíritu universal maneja referencias de filosofía, historia, antropología, ópera o técnica genética hacen olvidar que acaba de cumplir 75 años. La Mostra de Venecia, donde Kluge con sus primeras películas se hizo con un León de Oro y otro de Plata, lo celebró este año nombrándole invitado de honor. El MoMA de Nueva York le ha dedicado una retrospectiva. En Sevilla se ha proyectado, dentro del Festival de Cine Europeo, un ciclo de homenaje al cineasta.

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Barthes, el siglo de la imagen. Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en ABCD:

El Enterrador pone los ojos en blanco y, con su poderosa mano convertida en garra, ahoga a uno de sus rivales, reducido a la condición de pelele. Los alaridos del público completan la atmósfera aterradora que da paso a la epifanía; ese, por exagerado que sea, es el término apropiado, de «la Bestia» Batista, que, bajo un arco metálico rescatado de algún decorado de La guerra de las galaxias, se abre de piernas y ametralla, con un arma invisible, a diestro y siniestro. En Smack Down! todos reclaman el cinturón de campeón con un gesto enfático repetido incansablemente. Da la sensación de que hay tantos campeones que hasta los más torpes y ridículos tienen razones de sobra para aspirar a los más altos reconocimientos. Un luchador negro, King Booker, sube al ring con corona e incluso acompañado por una reina que está, todo hay que decirlo, bastante buena. John Cena, que va de rapero, lanza soflamas por el micrófono ante la mirada escrutadora de un tipejo trajeado, ex luchador para más señas, que ahora va de jefazo.

El Gran Kali. No faltan un chino transformado en vaquero, un enmascarado mexicano (Rey Misterio), Umaga, un luchador tatuado originario de Samoa, y otro irlandés, Finlay, pasado de kilos. Pero el que impone en esta fauna aparentemente caótica, el que impone el máximo respeto, es el Gran Kali, la materialización de todo aquello que el Imperio exorciza, un gigante con una mandíbula desmesurada y unas greñas grasientas que además habla un lenguaje gutural que nadie entiende.

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Noviembre 16, 2007

¿Reina la Razón en el País? - DAVID G. TORRES

Originalmente en A-Desk

Ayer salía una noticia, cuando menos sorprendente, en El País: "El director del Macba, favorito para el Reina Sofía".

Hoy ha respondido La Razón: "Las «malas prácticas» del Reina Sofía".

Da cierta rabia darle la razón a La Razón, pero la tiene.

El País dice: "Aunque la confidencialidad es uno de los compromisos del concurso, se sabe que Borja-Villel es uno de los más firmes candidatos. Sólidos rivales son Enrique Juncosa, director del Irish Museum de Dublín y ex subdirector del Reina Sofía; Dan Cameron, historiador y crítico de arte; Gloria Moure, comisaria de exposiciones y actual responsable de ediciones Polígrafa; Javier González de Durán, cabeza del museo Artium de Vitoria, y Carlota �lvarez-Basso, directora de proyectos de la sociedad estatal de Conmemoraciones Culturales y ex directora del Museo Marco de Vigo".

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Las «malas prácticas» del Reina Sofía - Manuel Calderón

Originalmente en La Razón | Digital : Cultura

El museo no ha respetado la confidencialidad de los candidatos que se presentan al concurso de elección de director como obligaban las bases - «Esto es una chapuza, como ya preveíamos», dice uno de los aspirantes.

Ayer venció el plazo para presentar las candidaturas al concurso público para elegir el nuevo director del Centro de Arte Reina Sofía. De momento, hay doce aspirantes, aunque se espera llegar a los veinte, según el Ministerio de Cultura, a la espera de las solicitudes que lleguen, de aquí a ocho días laborables, desde embajadas y consulados. Este concurso se organizó siguiendo las pautas del Código de Buenas Prácticas propuesto por las asociaciones profesionales del mundo del arte, que el Ministerio de Cultura ha hecho suyo, sobre todo en lo referente al método para elegir a los responsables de las grandes instituciones culturales, entre ellas el Reina Sofía. Sin embargo, desde hace días ha trascendido el nombre de algunos de los candidatos, saltándose las bases del concurso que obligan a la confidencialidad más estricta. La dirección general de Bellas Artes, cuyo responsable, José Jiménez, supervisa al dedillo el proceso, no se responsabiliza de que algunos de los nombres se hayan dado a conocer.

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Noviembre 15, 2007

El director del Macba, favorito para el Reina Sofía · �. GARC�A / I. LAFONT

Originalmente en ELPA�S.com:

Manuel Borja-Villel, responsable del Macba, se destaca en la carrera por la dirección del Reina Sofía, según fuentes próximas al comité que debe decidir el nombramiento. Hoy concluye el plazo de presentación de las candidaturas para dirigir el centro. Por primera vez, la designación no será a dedo sino mediante un procedimiento impulsado por el Ministerio de Cultura a raíz de la crisis abierta con la dimisión de Ana Martínez de Aguilar. Desde sus orígenes, en 1988, todos los directores o directoras de la institución han sido elegidos por el ministro de turno.

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Cultura acaba con las designaciones a dedo en sus diferentes centros · JESÚS RUIZ MANTILLA

Originalmente en ELPA�S.com:

Se acabaron los nombramientos a dedo. Al menos en todos los centros que dependan del Estado en Cultura. "Es toda una novedad. Desde ahora no serán los ministros, sino el propio mundo de la cultura quien rija sus propios lugares", aseguró ayer a este periódico el responsable de la cartera, César Antonio Molina.

El Código de Buenas Prácticas surge del Plan de Modernización de las instituciones culturales, que cuenta ya con el visto bueno del Consejo de Ministros. Era más una declaración de intenciones que un proyecto desarrollado. A partir de ahora, será la norma que rija todas las designaciones. Su puesta en práctica por primera vez para nombrar un responsable del Museo Nacional Reina Sofía ha entusiasmado tanto a los gestores culturales que las próximas vacantes del Estado en este campo se cubrirán con el mismo método.

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Interiores planos de Martínez Bueno. Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL:

El antropólogo Christopher Pinney afirma que la fotografía africana se caracteriza por dos ausencias: de narratividad y de perspectiva. El tan frecuente uso de telones decorativos para los retratos de estudio, que es allí el género fotográfico más popular, es un signo de esa falta de interés por la profundidad. Lo que el cliente quiere no es un retrato fiel, sino “salir mejor�, y eso incluye la utilización –a menudo rudimentaria– de un fondo lujoso o simbólico, además de vestidos y un atrezzo acordes. Aunque los telones se empezaron a usar ya en los estudios de los daguerrotipistas, su empleo ha quedado relegado a las áreas geográficas con menor penetración de la modernidad artística. El joven melillense Javier Martínez Bueno (1977) ha buscado en Marruecos estudios fotográficos en los que se practica ese tipo de retrato y ha fotografiado a su vez los “escenarios� dispuestos a tal fin. Pero los establecimientos que ha visitado el artista son modestos, y el mal gusto o el deterioro impiden, a nuestros ojos, cualquier ilusión de opulencia. Tres son los elementos que privilegia en sus imágenes: el fondo pintado, los focos y el asiento (y hay que ver qué asientos...).

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El arte de lo cotidiano. Anna Maria Guasch

Originalmente en ABCD:

Juan de Nieves, director del Espai, tiene bien asumido que la función del museo no es sólo generar una autonomía estética, sino desencadenar dispositivos críticos y sinergias entre lo global y lo local dentro de los imaginarios transnacionales y transculturales de las actuales geopolíticas de lo global. De ahí que algunos de sus más recientes proyectos expositivos, desde el de Daniel Buren hasta el actual del artista español afincado en Bélgica �ngel Vergara Santiago (1958) puedan considerarse como renovadas visiones de la ya histórica «crítica institucional», no entendida como un arma o instrumento para atacar la institución, sino para reforzarla o replantearla, entendiendo la «crítica institucional» como una metodología de trabajo, como una nueva versión de la «especificad del lugar», un lugar definido no por las relaciones físicas, formales o arquitectónicas, sino por las sociales.

No es extraño que se defina el trabajo de �ngel Vergara como el de un sociólogo «estudioso de una realidad dada que se disecciona con el objetivo de construir nuevas ficciones». Nosotros añadiríamos una nueva denominación: la del artista como «facilitador» o como «trabajador social», un artista creador de redes de comunicación en el seno de una comunidad no entendida desde el punto de vista del consumo pasivo, sino insistiendo en el poder de la imaginación misma.

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Jorge Diezma * Eso ahí queda. Begoña Santa Cecilia y Luis Moreno-Caballud

Originalmente en e-Limbo :

Los nuevos cuadros de Jorge Diezma no pueden parar quietos: el pintor ha trasladado su estudio a una nave industrial, donde continúa pintando, ahora con un compresor y una pistola. Lo que está claro es que, industrial o no, el proceso no consiste en ninguna transgresión "por amor al arte".

Para poder hacer algo con estas piezas, necesitamos pensar que la gracia no está ahí; ya hemos visto cuadros pintados como si fueran coches y coches amontonados como si fueran cuadros. Jorge dice que los suyos son "cuadros normales", y añade: "¡cómo si hubiera otros!".

Si por amor al arte (o por cuestionar el arte, que es lo mismo desde Duchamp) se han retorcido miles de lienzos y bastidores, ahora se pueden retorcer unos pocos más con la esperanza de tender un puente hacia la vida. ¿Podrá el arte escapar de sí mismo? ¿Es que hay alguna "vida" a la que escapar? Si la espuma de poliuretano continua su callado proceso de succión no es porque quiera explicarnos algo sobre el arte.

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Noviembre 14, 2007

Últimos pasajes a la diferencia. Bruno Marcos

Vía e-norte, Originalmente en Diario de León

Por todas partes, en las ciudades milenarias y en los rincones polvorientos, en medio de selvas vírgenes y entre los rascacielos, en los lugares en los que los antiguos ofrecían sacrificios a los dioses o escrutaban los augurios de las aves, donde se erigían templos al sol o donde los profetas hacían ayuno, en Oriente y en Occidente, en el Norte y en el Sur, en cualesquiera lugares del mundo lo mismo está siendo construido.

A veinte horas de avión estamos en idéntico sitio. Las mismas calles, los mismos centros comerciales, los mismos puentes, la misma cantidad de elementos pintorescos, la misma dosis de casco antiguo, el mismo trasiego de hombres, mujeres, ancianos y niños, la misma proporción de mestizaje, de exotismo, de anacronía, los mismos barrios chinos, turcos, la misma dosis de kitsch, de ciudad moderna...

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Sobre el festival Transitio_Mx 2, en DF. PABLO MARTE

Originalmente en A-Desk :

Llevo un par de semanas con la intención de publicar este escrito (y nunca arranco):

“Ya ha terminado la segunda edición del Festival de Vídeo y Artes Electrónicas Transitio_Mx, que organiza el Centro Multimedia y el Centro Nacional para las Artes, aquí en México DF.

Justo una semana antes me tomaba una birra a las cinco de la mañana con uno de los curadores del festival, Eusebio Bañuelos, y le comentaba mis reticencias a cierto arte electronico, por endogámico y autocomplaciente, por, pese a la euforia crítica (o precisamente por eso) no resultar finalmente sino un ejercicio de exclusivo y cerrado formalismo técnico, vamos, por mirarse demasiado el ombligo, olvidando de alguna manera la realidad, lo cotidiano, el usuario común y un sin fin de aspectos similares.

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Noviembre 13, 2007

Salvador Cidrás y Silvia Prada. Abel H. POZUELO

Originalmente en EL CULTURAL:

En RoomMate Casado Santapau quieren reunir a diferentes artistas que mostrarán obras con ciertas relaciones entre sí de forma individual pero a la par. Arrancar con Silvia Prada (1969) y Salvador Cidrás (1968) funciona como ejemplo de una relación de contraste entre ciertos valores comunes y un intenso desequilibrio. Las semillas del trabajo de ambos están en el mismo terreno de la fascinación por lo emergente, por la calle de los nuevos chicos, la pantalla de los héroes de los Mass Media, los iconos de la música pop, y en la reutilización de un trasfondo cultural híbrido que mezcla y conecta referentes.

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Noviembre 12, 2007

«True stories es color en estado puro». Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en ABCD:

El espacio de Javier López, en Madrid, no es muy amplio, por lo que tan sólo se exhiben allí tres de las fotografías de Bilbao, la serie con la que Hannah Collins (Londres, 1956) amplia el discurso de True Stories. Sin embargo, estas breves pinceladas son suficientes para comprobar que algo está cambiando en su trabajo. Sobre ello se pronuncia la artista, que presenta monografía en edición limitada y prepara con ilusión la retrospectiva que el próximo año ofrecera CaixaFórum en Barcelona, su ciudad, y Madrid.

Ya que «Bilbao» pertenece a «True Stories» convendría que comenzáramos definiendo el conjunto.

Comencé True Stories después de compartir con un amigo las vistas de Barcelona desde una azotea y conversar con él sobre fotografía. Ambos pensábamos que las imágenes deben sintetizar lo que se ve y lo que se piensa respecto de algo. Sobre un tejado, esta realidad se hacía aún más evidente, pues es un ámbito casi secreto de una casa, donde, a la vez, se respira mucha libertad. Todo eso me llevó a recordar algunas películas del neorrealismo italiano. Mi idea era partir de un realismo muy fuerte pero, a la vez, apoyarme en un pensamiento que fuera de alguna manera una vía de escape. Se unía además que hacía tiempo que quería servirme de la foto en color, de emplear los colores como los usa cualquier pintor. No podemos olvidar que yo comencé en la pintura, por lo que la serie me permitía regresar de algún modo a mis raíces. Si el conjunto se ha seguido desarrollando en el tiempo es en buena medida porque para mí supone un escape.

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Dora García. Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL:

Contes Choisis es el título del último proyecto de la artista vallisoletana Dora García (1965), una de las más relevantes de su generación. Su sólida proyección internacional (viene de participar en el Skulptur Projekt de Münster) así lo confirma. Residente desde hace años en Bruselas, presenta ahora en Barcelona una exposición que hemos de entender como una miniretrospectiva. Pero lo es en un sentido muy particular. El proyecto no está formado por las piezas más significativas de la trayectoria de la artista, sino que lo integran alusiones y referencias a dichas piezas. La comisaria de la muestra, Montse Badía, ya nos avisa de que se trata de una “selección de proyectos en modo off que explora la noción más narrativa y ficcional de su trabajo�. Cautivada por la relación entre lo real y su representación y, a su vez, por cómo se filtra la ficción en lo real; el juego y las normas que lo rijen, el papel del espectador o el subconsciente, Dora García maneja todo tipo de formatos, desde la fotografía a la instalación, desde el sonido a la red en un trabajo de enorme calado conceptual.

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"La tecnología democratiza la creación para que todos podamos ser artistas" - ROBERTA BOSCO

"La tecnología democratiza la creación para que todos podamos ser artistas" · ELPA�S.com:

Peter Weibel (Odessa, 1944) ha sido nombrado director artístico de la tercera edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (BIACS), que se inaugurará en octubre de 2008. Brillante teórico y experto de los nuevos medios, Weibel es director del ZKM, Center for Art and Media de Karlsruhe en Alemania desde 1999. Se estrenó en el cargo con net_condition, una exposición que se convirtió en una piedra miliar de la historia del arte digital, y desde entonces ha conseguido compaginar su actividad como director y comisario con su trayectoria de artista y pensador pionero del arte digital.

PREGUNTA. Las anteriores ediciones de la BIACS han sido muy polémicas y sus comisarios muy criticados. ¿Cómo se enfrenta a este reto?

RESPUESTA. Mi aproximación es completamente diferente, los proyectos anteriores no estaban enraizados en la cultura española. Mi bienal se remontará a Al �ndalus como momento clave de la innovación científica, un tiempo de confluencia y no de choque entre las tres grandes culturas: cristiana, musulmana y judía. Quiero volver a escribir la experiencia de Al �ndalus en el presente y el futuro. Utilizar la lección histórica y materializar la concordia entre las culturas a través de la tecnología. Su título, Youniverse, alude a las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías: el individuo puede ser el universo, pero también debe responsabilizarse por el universo.

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La segunda vida (del arte) - �ngela Molina

Originalmente en ELPA�S.com:

Gran parte de lo que se conoce como arte electrónico consiste simplemente en leer. Leer de izquierda a derecha, de arriba abajo, periféricamente. Sin focalización, sin jerarquías. Leer imágenes yuxtapuestas, simultáneas. El arte electrónico es policéntrico. El espectador se deja asaltar por nuevos y constantes centros de atención ajenos a toda quietud contemplativa. ¿Dónde está la obra? ¿Dónde sus límites? Ésta podría ser una de las razones del atractivo de los formatos electrónicos en las bienales.

La estética del arte electrónico es una estética de la actuación que desafía la existencia del artista tradicional. El happening y la performance, surgidos a finales de los cincuenta a partir de los conceptos clásicos de pintura y escultura, fueron los primeros pasos en el camino hacia la ruptura de los límites del arte. Desde entonces, el ojo no ha parado de moverse, y aunque no tiene los apetitos y deseos en el sentido corriente —frente a la imagen estática de un Tiziano o un All Over de Jackson Pollock— juega a tenerlos.

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Nervios de vanguardia - JUAN CUETO

Originalmente en ELPA�S.com

Un día, a mediados del siglo pasado, las viejas máquinas grasientas, dentadas, llameantes y muy ruidosas con las que trabajaba y sudaba el hombre en su puesto de trabajo industrial, de repente se transformaron en máquinas alfanuméricas de memoria infinita, dotadas de pantalla electrónica, con gran capacidad multimedia y siempre muy obedientes a las leyes de la lógica matemática. Ese mismo día impreciso empezó no sólo la gran bifurcación posindustrial, con todo lo que ese cambio de tecnología implicó e implica en nuestras sociedades desarrolladas, o turbocapitalistas, sino que al mismo tiempo y por vez primera en nuestra historia las nuevas máquinas con las que trabajaba el hombre, todas y sin excepción, empezaron a tener tratos muy íntimos con las herramientas del artista experimental.

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Noviembre 05, 2007

Pep Agut. David G. TORRES

Originalmente en EL CULTURAL:

Hércules es la nueva exposición de Pep Agut (Terrassa, 1961) en Barcelona. Un artista de una generación que supuso un relevo frente a la eclosión de la pintura en los ochenta, recuperando las prácticas conceptuales de artistas como Muntadas, Francesc Torres o Francesc Abad. Rigor conceptual y compromiso que ha dejado profunda huella en el arte producido en la Ciudad Condal y que vuelve a estar presente en su exposición para el nuevo espacio de la galería Dels Àngels: Angels Barcelona. Tres piezas forman Hércules: un contrato, que es la pieza en sí, y que asegura que en cada nueva versión, en cada nueva compra, perderá valor económico; una performance, y su documentación, en la que el artista con los zapatos clavados el suelo permanece “expuesto� durante toda la inauguración; y Hércules espectacularizándose una fotografía que en palabras de Pep Agut es “un retrato de lo que no muestra un retrato. De como se produce la imagen del artista/héroe�.

–Hércules entra en cuestiones de economía, derecho, legalidad, precio, valor, mercado...
–La legalidad vigente entra con todo su peso. El artista es una figura legal y el espacio del arte está dejando de ser el espacio público por excelencia. Y sin embargo, creo que la producción cultural ocupa el único espacio verdaderamente público que queda en occidente, porque no se construye sobre normativas cerradas: sin distinciones de género, edad, capacidad económica, se puede entrar y salir con plena libertad.

– ¿Tiene que ver su contrato con la devaluación del arte?
–No se trata de una pieza sólo sobre la devaluación, también sobre la plusvalía. La plusvalía es un aumento de valor que se obtiene sin hacer nada, y en cambio en arte el valor depende de la acción. Plusvalía es un término económico opuesto al de producción cultural. Por eso es importante que el contrato estipule una norma legal cerrada por la cual está completamente garantizada la devaluación económica de la pieza.

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Un manifiesto de cristal. IÑAKI �BALOS

Originalmente en ELPA�S:

Hace doce años, en una farragosa entrevista publicada por El Croquis, una entonces jovencísima Kazuyo Sejima decía: "Después de trabajar de forma continua durante tantos años, últimamente me he sentido motivada a volver atrás y repensar de nuevo por completo el concepto de arquitectura. Desarrollando una clara definición de la función, uno puede crear una arquitectura muy transparente. Sin embargo, la arquitectura va mas allá de esto, y puede también incorporar la no transparencia. Quiero utilizar esta idea para hacer algo diferente de lo que he hecho en el pasado". La enigmática afirmación de entonces parece cumplirse hoy de forma admirable en esa bellísima pieza, a la vez transparente y opaca, que es el pequeño pabellón construido en la ciudad estadounidense de Toledo (Ohio), dedicado a la exhibición de manufacturas del vidrio. Un pabellón constituido por la disposición de estancias vidriadas con aristas redondeadas formando una organización planimétrica que remite de inmediato al dibujo de un diagrama y que en la experiencia real del edificio se disuelve en su propia evanescencia formal y material, una evanescencia que pasa de la transparencia total a la opacidad impenetrable y alucinada como resultado de la multiplicación laberíntica de reflejos activados y desactivados simplemente con el paso de una nubecilla, con un soplo de aire -con la sorpresa de verse uno mismo involucrado reflejado o desapareciendo en posiciones inesperadas-. Este pabellón tiene la fuerza y consistencia de un verdadero manifiesto, es una pieza de la entidad que en su día tuvo el teatro científico flotante de Aldo Rossi navegando por Venecia o el hoy sacralizado pabellón de Barcelona de Mies van der Rohe; un pabellón más allá de los límites convencionales, al que se debe prestar toda la atención -no le acompaña la suerte de ubicarse como los anteriores en ciudades memorables: está a tres horas conduciendo desde Columbus (la ciudad más próxima con aeropuerto internacional y escuela de arquitectura)-. Pero la virtud de un pabellón es precisamente servir para experimentar y avanzar temas que con programas y escalas mayores quedarían constreñidos por la convención. En ese sentido su dimensión diminuta supone una enorme ventaja estratégica, le permite avanzar décadas sobre las construcciones que denominamos programáticamente: viviendas, museos, oficinas o naves industriales. Los pabellones siempre han tenido, además, un carácter festivo, celebrativo, que se corresponde bien con otra característica, su ligereza literal o metafórica, ser evanescentes en el tiempo, casi de quita y pon, construcciones mínimas en un parque o jardín, ligadas a motivos especiales, con algo de derroche y exceso. Y algo de innecesario también: esa gratuidad es lo que los emparenta con los manifiestos, puros gestos de la voluntad creativa.

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Jonathan Hernández, registro y resistencia. David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL:

Comenzaré a partir de una curiosidad: una vez incluido en uno de esos proyectos editoriales donde todos quieren estar, concretamente en esa guía de artistas internacionales editada por Taschen bajo el título Art Now, que está directamente relacionada con el universo de las cotizaciones artísticas, Jonathan Hernández, artista mexicano, joven (1972), ironizó con esa condición de arte emergente enviando, para la biografía, una foto de cuando era niño. Ese simple gesto podría desvelarnos las claves de un artista que trabaja la memoria a partir del ensamblaje y del collage, del humor y la ironía crítica, del apropiacionismo de objetos y situaciones próximas, pero sobre todo desde la aprehensión del espacio entre las cosas, entre obras, y entre distancias.

Jonathan Hernández es el encargado de presentar en sociedad un nuevo espacio: la Fundación RAC (Rosón Arte Contemporáneo), impulsada por el coleccionista Carlos Rosón en Pontevedra. Así, dentro de su programa de residencias, el artista se estableció durante los meses de junio y julio en Pontevedra para realizar un trabajo específico para el nuevo espacio. El pensar para un programa de residencias en alguien como Jonathan Hernández es, al tiempo, un acierto –siempre ha trabajado el tema del turismo o del viaje, pero también del entorno en el que se mueve– y un riesgo –siempre podrá parecer que sólo ha ido para hacer turismo–. Pero en este caso, los presupuestos de su trabajo se invirtieron al abandonar la idea inicial de trabajar en el exterior (el movimiento) y hacerlo en su propio alojamiento (el tiempo detenido), un piso en el centro de la ciudad.

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Octubre 31, 2007

El artista tranquilo. BEA ESPEJO

Originalmente en LA VANGUARDIA:

Los consideramos esenciales y, al mismo tiempo, desvalidos. Aislados, tienen tendencia a desaparecer, a extraviarse en un santiamén, aunque basta un leve esfuerzo de observación para que sean evidentes. Fragmentos, partículas, minúsculos detalles o fracciones nos dan la idea de que todo, desde los sueños hasta la camisa que llevamos puesta, es tan sólo una cuestión de acumulación. Distraídos en una dispersión casual aunque estudiada, cada pequeño elemento que habita en el taller de Ignasi Aballí se define exactamente así. Desde un grano de polvo a un bote de pintura, todo parece funcionar por matizada gradación, del casi nada al todavía no,en un recorrido circular e inacabable. Todo en aparente calma, amontonando tiempo. Nada que se mueva en ningún sitio. Nada que ver en ningún sitio. Nada que oír en ningún sitio.

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Los restos del día. CARLES GUERRA

Originalmente en LA VANGUARDIA:

La 52. ª Bienal de Venecia está punto de clausurarse. En esta edición, España ha contado con una discutida selección a cargo de Alberto Ruiz Samaniego. Lo mejor que se ha dicho de algunos artistas incluidos en el pabellón español es que resultaban divertidos (Herald Tribune,14/ VI/ 2007). José Luis Guerin, un referente indiscutible del cine español contemporáneo, también ha provocado división de opiniones. En muchos casos la presencia española ni siquiera ha merecido un comentario detenido. La Bienal de Venecia, en conjunto, ha sido despachada como un retorno al orden, una apuesta excesivamente conservadora a juzgar por los comentarios de un buen número de críticos.

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Octubre 30, 2007

El quinto elemento. Eduardo Hojman

Originalmente en ABCD:

Cuando, hace ya veintidós años, Philip Glass estrenó su ópera Einstein on the Beach, su música -esas capas de repeticiones reconocibles y aparentemente sencillas- se acomodó con facilidad en un conjunto de ideas sobre el estado de las cosas unidas bajo el generoso paraguas conceptual del postmodernismo. El compositor norteamericano no negaba la melodía, pero la ocultaba bajo estructuras que tenían más de textura, de paisaje, que de narración lineal, lo que cuajaba bien con nociones tales como el fin de la historia o con la dolorosa insuficiencia de los grandes relatos para explicar el mundo. Con su superficie hipnótica y casi diáfana, las obras de Glass rompieron límites entre la música llamada «seria» y la popular, lo que también es, en sí mismo, otra clave de las corrientes estéticas posmodernas. Catalogado como máximo representante del minimalismo y una vez pasado el furor inicial de su música, Glass siguió componiendo piezas para ballet, sinfonías, óperas y música para cine, sobrevolando siempre los límites entre la música narrativa occidental y la música paisajística oriental y entre la alta cultura y el pop. Suena, por lo tanto, más que adecuado que su proyecto más reciente, que se presentará hoy y mañana en el Teatro Albéniz dentro del lujoso marco del Festival de Otoño, consista en ponerle marco musical a Book of Longing, el poemario del inclasificable Leonard Cohen, por cierto, otro marginal.

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De todo un poco, pero con «grandeur». Juan Antonio �lvarez Reyes

Originalmente en ABCD:

Una feria generalista en un marco incomparable. Estas podrían ser las señas de identidad de la FIAC -así, al menos, es vendida-, que intenta renovarse y salir de esa nebulosa a la que ha sido conducida por su ya larga historia. Muchos han sido los intentos en los últimos años para salir del marasmo, pero el impulso mayor se dio en la pasada edición. La principal decisión estratégica fue volver al centro de París, a los lugares de sus símbolos mayores: la Cour Carrée del Louvre -donde se instala una carpa con la sección más contemporánea- y el restaurado Grand Palais -para la sección generalista y el diseño-. La magnificencia, la grandeur, la pone, pues, el lugar.

Y esa grandeur sirve por lo menos para establecer ese marco incomparable que ennoblece y engrandece a la feria en sí y dignifica más lo expuesto, que -todo hay que decirlo-, no ha sido tan cuidado como en la pasada edición, sobre todo en su sección contemporánea, donde los altibajos fueron enormes. El montaje de los stands no se esmeró tanto como en Frieze: predominó el carácter acumulativo, con auténticas regresiones en el tiempo en algunas partes de la FIAC. No es, en este sentido, una feria imprescindible. Hay de todo un poco: clásicos modernos y contemporáneos; mucho francés; buenos, medios y malos trabajos. A diferencia de su vecina londinense, donde prácticamente nada destaca hacia abajo, en París predomina más el estilo montaña rusa, con unos pocos puntos álgidos y muchos otros descendentes, junto a una gran masa media. Gráficamente, se podrían resumir las diferencias en que en Frieze abundaban trabajos de Thomas Hirschhorn, mientras que en París lo hacían los de Lucio Fontana.

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«La mayoría prefiere tener e-mail». Manuel Aineto

Originalmente en ABCD:

El ensayista, divulgador de ciencia popular y emprendedor en Internet, Steven Johnson (1968, EE.UU.), es uno de los analistas fundamentales de la cultura digital en la última década. Invitado estelar en la XVIII edición del Festival ArtFutura, Johnson acude a esta cita para exponer su visión sobre el futuro de la Red como garante del mundo académico, y promocionar al tiempo su última iniciativa: «outside.in», un servicio que filtra contenidos para mostrar a los usuarios lo que ocurre en sus propios barrios. Entre sus populares obras se encuentran títulos como Sistemas emergentes, Cultura de interfaz o Everything Bad is Good for You. También ha trabajado como columnista en las revistas especializadas Discover Magazine, Wired o Slate, entre otras.

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Octubre 29, 2007

La onda expansiva. Anna Maria Guasch

Originalmente en ABCD:

El texto de Serge Guilbaut para el catálogo de esta muestra se inicia con una cita de Clement Greenberg de 1939, que podríamos calificar de aparentemente secundaria a tenor de los escritos del influyente y programático crítico estadounidense. Se trata del texto de una postal que Clement Greenberg envió a su madre en un viaje a París, pero cuyas palabras de menosprecio hacia los europeos («Están todos majaretas. Todos sin excepción») exponen la que se convertirá en versión oficial y canónica del arte del período 1946 y 1956: la superioridad del arte norteamericano respecto al francés (y, por extensión, europeo). Una consideración que Guilbaut quiere desmantelar.

Lanzar dardos. Ya en 1983 Guilbaut, en el texto De cómo Nueva York robó la idea de arte moderno (traducido al castellano en 1990), hizo un primer intento con las «lentes de un historiador social y neomarxista» (un marxismo poco ortodoxo alimentado desde las aulas californianas con las tesis de Foucault, Bataille y Debord) de reescribir ese capítulo de la Historia del arte de postguerra «congelado» de una manera estática y autoritaria por las versiones «imperialistas» norteamericanas. Pero en esta exposición los dardos de Guilbaut apuntan más lejos: «descolonizar» la mirada formalista impuesta por las teorías o, mejor, los dictados de Greenberg y por las concepciones museográficas de Alfred Barr y, al mismo tiempo, impulsar un proceso más sutil de lectura histórica. O sea, plantear una «historia de las imágenes» basada en encuentros «horizontales» y nada jerárquicos entre las obras de arte de la «cultura elevada» y las imágenes «descualificadas» con significado cultural. En ese análisis, lo importante, parece sugerirnos Guilbaut, no es constatar el valor estético del arte elevado, sino examinar el papel de las imágenes en la vida de la cultura dando igual importancia, entre otras, a una imagen televisiva, un anuncio publicitario, una «postal» (como la enviada por Greenberg a su madre)...

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De tripas, corazón. Óscar Alonso Molina

Originalmente en ABCD:

Hace un par de años abría sus puertas en León el MUSAC, con la voluntad expresa de convertirse en un «museo del presente», coletilla que, gracias a su regusto paradójico, con gran fortuna se ajustaba a la máquina publicitaria encargada de prepararle la bienvenida. Sin embargo, pasado el tiempo, el leit motiv ha demostrado tener bastante fondo y dar mucho más de sí de lo que cabría imaginar al principio, convirtiéndose desde entonces en la verdadera propuesta orgánica de todas las actividades del centro, a pesar de que llenar los museos con cuanto produce nuestra actualidad es algo que implica, al menos, cierta violencia: apuesta seductora y arriesgada, pero también casi imprescindible ya para algunos; conflictiva, contradictoria o incluso disparatada según otros.

Libertad inusitada. Para lograrlo, el MUSAC contó desde el principio con un presupuesto de compras inusual en nuestro entorno, así como con gran autonomía, capacidad real de decisión y adquisición casi inmediatas, apoyo político, coherencia interna, agilidad técnica y continuidad en su quehacer. Son peculiaridades que lo distancian del moroso proceder a que estamos acostumbrados en instituciones semejantes. También es verdad que, a diferencia de muchas, éste tiene claro desde el principio su voluntad de crear una importante colección en un muy corto periodo de tiempo, en vez de completar aspectos parciales o localizar obras concretas que le sean necesarias para alguna ya organizada antes.

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De un tiempo a esta parte. Alberto Ruiz de Samaniego

Originalmente en ABCD:

El tiempo -según señaló alguna vez Dostoievski- no existe. Para el escritor ruso no era más que una serie de números. «El tiempo -añadía- es la relación de lo existente con lo no existente». El problema, claro, sobreviene al tratar de establecer cuál sea precisamente el grado de esa relación, y en qué medida es posible, comunicable o experimentable. No es problema menor si trata de concretarse, por ejemplo, desde la experiencia estética. Aquí nos topamos con una vieja disyuntiva que recorre toda la Historia del pensamiento artístico, desde la conocida condena platónica de los poetas, esos seres nada razonables aferrados trágicamente al instante y las apariencias.

A juicio del griego, ellos, poetas o artistas que sólo cantan -al modo por ejemplo de On Kawara- el minuto que pasa, no admiten la esperanza o el consuelo de la razón. Viven por tanto en la desesperación, dando voz y forma a la melancolía y el amor a lo pasajero, sin querer evitar o consolarse de perderlo y de perderse. Poseídos por la hermosura que brilla, habitan permanentemente en el olvido de lo esencial, viven en el tiempo, fascinados por las apariencias amadas, esos fantasmas que el filósofo se empeña, sin embargo, en desdeñar. Él, que ha renunciado a vivir el instante y, desechando la fácil e inmensa melancolía de vivir en un sin vivir que no es más que amor de muerte o canto pánico, confía tan sólo en la razón como principio de esperanza.

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Octubre 28, 2007

La respuesta de la crítica

Originalmente en EL CULTURAL.es:

Continuamos publicando las reflexiones sobre la crítica a las que EL CULTURAL dedica un dossier. Esta semana, las consideraciones sobre la crítica de los propios críticos:

Interlocutores válidos
Mariano Navarro

¿Versus?
Miguel Fernández-Cid

La necesaria independencia
Elena Vozmediano

Mea culpa
Sergio Rubira

¿Para qué la crítica?
Juan Antonio �lvarez Reyes

y, finalmente, un artículo de José Luis Brea que enviamos en un post separado.

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Octubre 27, 2007

Naomi Klein carga de nuevo contra la ideología neoliberal - Marta Peirano

Originalmente en ADN.es

Si No Logo (2000), el libro insignia del movimiento antiglobalización, hablaba del abuso de las multinacionales sobre los paises en desarrollo y su efecto sobre la economía y la cultura local, el nuevo libro de Naomi Klein es la historia de otra invasión, la de la economía neoliberal en el mundo, a través de una filosofía de poder: La doctrina del shock.

"Sólo una crisis, real o percibida, da lugar a un cambio verdadero -observa Milton Friedman, padre de la escuela de Chicago y superhéroe de la teoría neoliberal- cuando esa crisis tiene lugar, las acciones que se llevan a cabo dependen de las ideas que flotan en el ambiente. Nuestra función es desarrollar esas ideas y mantenerlas vivas hasta que lo políticamente imposible se vuelve políticamente inevitable".

"En ese momento -explica Klein- se abre una ventana de oportunidad en la que las normas de una sociedad democrática desaparecen". La guerra contra el terror es una guerra contra las libertades civiles de todos los norteamericanos, disfrazada de proteccionismo paternal.

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La violencia como certeza · MANUEL DELGADO

Originalmente en ELPA�S.com

Una década después de La modernidad desbordada (FCE), y confirmando sus intuiciones, el indio Arjun Appadurai (Bombay, 1949) nos brinda El rechazo de las minorías, un ensayo en el que retoma y actualiza una percepción recurrente en antropología -de la mano de Mary Douglas, por ejemplo- acerca de la preocupación que todas las sociedades experimentan por mantener a raya a su principal enemigo, que no es tanto el desorden como la ambigüedad. Ese pavor ante el desdibujamiento de los perfiles y de los límites es lo que vendría a apaciguar modalidades de agresión destinadas a castigar a los sospechosos de haber vulnerado o cuestionado las fronteras simbólicas que protegen al grupo (a cualquier grupo) de los peligros que lo acechan.

Aplicando tal premisa, Appadurai observa que las grandes dinámicas globalizadoras no han hecho sino intensificar ese ingrediente estratégico del que dependieron los Estados-nación, que fue, desde y para su nacimiento, la homogeneidad cultural de los territorios y gentes administrados. El estallido de las certezas culturales compartidas que dieron consistencia a las naciones modernas -y perdón por el pleonasmo- ha llevado a la generalización de lo que el autor llama "angustia de lo incompleto", que se está traduciendo en un creciente ensañamiento contra toda minoría, real o inventada, que amenace sus supuestas integridad y fijeza idiosincrásicas. Como si todo Estado-nación -formado o en ciernes; aquí y en todas partes- llevara en sí, larvado en su narcisismo fundador, el germen del etnocidio o, como apunta Appadurai, del ideocidio.

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Octubre 26, 2007

Tiempo de cumpleaños. David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL:

Para conmemorar los cinco años de existencia del MARCO de Vigo, se ha pensado en un tema que, más que como idea expositiva, se formaliza como una advertencia: Tiempo al tiempo. Precisamente el MARCO inició su singladura con mal tiempo, en un día más conocido en Galicia por la catástrofe del Prestige que por la celebración de la apertura del Museo. De ahí que el primer condicionante temporal sea precisamente el celebrar este aniversario de forma sincopada, unos días antes de la fatídica fecha, para no ser eclipsados, una vez más, por otra marea negra. Sin embargo, entre tan dramático contexto, el tiempo ha sido generoso con el MARCO, posiblemente hasta el punto de colocarlo como la principal referencia para el arte contemporáneo en Galicia en los últimos dos años, ante el hundimiento del otrora buque insignia, el CGAC. Y en este sentido, y ya sin metáforas, resulta obligado comenzar por recordar la importante labor de puesta en marcha que realizó Carlota �lvarez Basso, primera directora del MARCO, trazando una línea de exposiciones pluridisciplinares que todavía fundamenta la del actual director: Iñaki Martínez. Este último ejerce ahora de comisario, conjuntamente con Isabel Carlos, de una serie de artistas que basan su trabajo en la experiencia temporal y despliegan sus obras por todo el edificio de un Museo que antes fue prisión y posteriormente sede de juzgados –más vale vivir en lo provisional que en lo definitivo, que diría Bachelard ante tan afortunado cambio–.

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Octubre 25, 2007

Una bella pareja, arte y escándalo - José Manuel Costa

Originalmente en EL PUBLICO

Hoy en día las artes visuales se encuentran en una encrucijada, como también la música, la literatura o incluso el teatro y la arquitectura. Y en esta duda existencial se están produciendo obras que en algunos casos son verdaderas chorradas y en algún otro atentados contra la más elemental decencia humana.

En nuestro país hay dos personalidades bien conocidas que denuncian a la que pueden los excesos, ciertos o aparentes, del momento: el profesor y crítico de arte Fernando Castro y la periodista Rosa Montero.

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Apariencias de Sergio Belinchón. JOSÉ LUIS CLEMENTE

Originalmente en EL CULTURAL:

Sin aparente orden ni concierto, Sergio Belinchón (Valencia, 1971) presenta tres series de fotografías y varias proyecciones aglutinadas bajo el título Once upon a time... En estas obras, si bien abunda en la traída y llevada problemática postmoderna del “no lugar� –asunto con el que se vio reconocido su trabajo–, incorpora además como novedad cuestiones sólo esbozadas en obras anteriores: el engaño, el artificio o la autoría. Así, la deshumanización de los espacios urbanos, tratada en trabajos previos, adquiere aquí una pose distinta y una relevancia mayor, en tanto Sergio Belinchón incorpora otros elementos que añaden mayor complejidad a estas obras. Por una parte, la serie de fotografías Western recrea los lugares en los que Sergio Leone concibió sus populares Spaguetti Westerns. A media luz, como si se tratara de nocturnos, los paisajes desolados de Almería se convierten en la otra imagen del Medio Oeste norteamericano, dando lugar a un juego de espejos y reflejos que va más allá de conocida visión de parque temático. Esta serie, a la que se suma una película Súper 8, y en la que se da cabida a la misma temática, pone de relieve –en la explícita manipulación de las imágenes– cuestiones centrales del arte de nuestros días como son la simulación y el artificio.

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Octubre 24, 2007

¡Que se nos a “colao� un vídeo! - DAVID G. TORRES

Originalmente en A-Desk

Hoy en El País aparece la siguiente noticia: "Un vídeo porno de un falso Papa se cuela en la muestra FEM-7". El vídeo que se ha "colao" es de Federico Solmi, que la temporada pasada expuso en ADN Galería de Barcelona y en él aparece un Papa un tanto salido.

Lo que más llama la atención de la noticia es que según el periodista el vídeo se les ha "colao"… Es decir, que no se habían dado cuenta que estaba, que a los organizadores les han metido un gol. A no ser que todo ese argumento tenga que ver con que el FEM está subvencionado por el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, que es en lo que verdaderamente se centra el artículo. Y, a poco que no nos falle la memoria, contrastaría con la actitud del PP y sus declaraciones furibundas ante otra pintura expuesta en Ibiza este verano con otro Papa fornicador o, más recientemente, con algunas fotos expuestas en el Gugenheim, fotos documentales sobre la violencia en el País Vasco (al respecto no perderse el artículo que apareció en el ABC de Fernando Castro, fiel a la línea de corrección implacable del periódico y la derecha española por extensión).

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Un vídeo porno de un falso Papa se cuela en la muestra FEM-7. ABEL GRAU

Originalmente en el ELPA�S:

Un Santo Padre de ojos desorbitados y dentadura de piraña sobrevuela la plaza de San Pedro como Superman. Desciende. Entra en el templo y sodomiza desaforadamente a dos monjas y, luego, a dos cabras, mientras un grupo de monjes observa la escena masturbándose. Se trata de uno de los momentos culminantes del vídeo de animación The Evil Empire, del artista Federico Solmi, que ha sido presentado este fin de semana en la capital, dentro del VII Festival Edición Madrid (FEM) de Nuevos Creadores, organizado por la Fundación Temas de Arte, que está subvencionada por el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid. El protagonista no es ningún Papa conocido, sino un ficticio Urbano 69.

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Octubre 23, 2007

La inspiración del motor. Fredy Massad

Originalmente en ABCD:

La poética exacerbada de los futuristas reconoció en la velocidad el signo de su tiempo. El automóvil, el artefacto cuya belleza concibieron superior a la de la Victoria de Samotracia, fue uno de los transformadores cruciales del paisaje del mundo en la era industrial. La revolución provocada por su invención modificó completamente la vida del individuo del siglo XX, obligando a arquitectos y urbanistas a repensar y reacondicionar edificios y ciudades. Su popularización durante el siglo XX supuso no sólo la creación de redes de tránsito, urbanas e interurbanas, sino también el desarrollo del aparcamiento como una tipología arquitectónica de complejidad específica que no radica sólo en su naturaleza estructural y material, sino también en la proyección psíquica de su entidad sobre la imaginación contemporánea.

Posiblemente sea esta segunda premisa la que más enfáticamente sostiene el análisis que el arquitecto Simon Henley realiza a lo largo de The Architecture of Parking (Thames & Hudson, 2007), un ensayo en el que se traza una síntesis de la evolución de las estructuras y zonas de estacionamiento de vehículos utilitarios desde la década de los veinte del pasado siglo hasta la actualidad. Con su análisis, Henley desvela la trascendencia e influencia sobre la arquitectura contemporánea de esta tipología nacida como consecuencia de la conversión del automóvil en una herramienta indispensable.

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Octubre 22, 2007

Artistas versus crítica

Originalmente en EL CULTURAL.es:

Ocho artistas analizan el papel del "crítico de Arte" en un ensayo por determinar cuál es su papel en el arte actual.

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Steven Johnson en ArtFutura 07. José Luis de Vicente

Originalmente en ELASTICO 3.0:

Este año, ArtFutura acoge la que creo es la primera conferencia en España del analista de la cultura digital, blogger y emprendedor online Steven Johnson , uno de los pensadores de referencia de la esfera cultural de la Web.

Autor de títulos como "Emergence", "Everything Bad is Good for You" o "Interface Culture", y fundador de e-zines y comunidades electrónicas clásicas en la primera Web como FEED o Plastic, Johnson viene a ArtFutura a participar en la primera tarde de conferencias, sobre el lema "La Próxima Web". Aquí presentará su proyecto.

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Críticos y Fantasmas. James Elkins

Originalmente en el EL CULTURAL:

La crítica de arte vive una crisis a escala mundial. Su voz se ha debilitado pero su desintegración no es el último y tenue coletazo de rigor de una práctica que ha llegado a su fin, porque a su vez, la crítica de arte también goza de mejor salud que nunca. Su negocio está en auge: atrae a un número enorme de escritores y a menudo se enmarca en publicaciones que presumen de una impresión en color de alta calidad y de una distribución internacional masiva. En ese sentido, la crítica de arte está floreciendo, pero de manera invisible, fuera del campo visual de los debates intelectuales contemporáneos. Así que está moribunda, pero está en todas partes. Es ignorada, y sin embargo tiene al mercado detrás.

No hay forma de contabilizar la inmensa cantidad de textos sobre arte contemporáneo. Las galerías de arte casi siempre intentan crear al menos una tarjeta para cada exposición, y si pueden imprimir un díptico (normalmente creado con una cartulina gruesa doblada por la mitad), por lo general incluirá un breve ensayo sobre el artista. Nadie sabe cuántas revistas de arte existen, porque en su mayoría son tildadas de efímeras por las bibliotecas y las bases de datos artísticas y, por tanto, ni se coleccionan ni se catalogan. A ojo, yo diría que existen unas 200 revistas de arte con distribución nacional e internacional en Europa y Estados Unidos, y del orden de 500 a 1.000 publicaciones pequeñas, folletos y publicaciones.

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Un nuevo concepto de presentación. Juan Antonio �lvarez Reyes

Originalmente en ABCD:

Todo es contemporáneo, como decían los vigilantes en la performance de Tino Sehgal de la Bienal de Venecia de 2005. Esta es la principal seña de identidad de Frieze. En cinco ediciones, y casi desde el primer año, la principal feria de arte contemporáneo de Londres -la única en la historia de la ciudad que ha logrado ocupar un papel destacado entre las mundiales más importantes- ha sabido buscar y encontrar una especificidad propia -por muy genérica que se quiera- en el reñido mercado internacional.

El visitante de Frieze apreciará un similar aire de familia: nada o casi nada desentona, todo es «arte contemporáneo», al menos el arte contemporáneo al que se dedican buena parte de las principales galerías mundiales: de Marian Goodman a Barbara Gladstone, pasando por Lisson o Victoria Miro, por citar sólo algunas de las neoyorquinas o londinenses que abundan en la feria, puesto que esta es una tarta que se reparten, principalmente, estadounidenses y británicos.

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Bodegón conceptual en equilibrio. Óscar Alonso Molina

Originalmente en ABCD:

El reconocimiento internacional, el interés crítico y las solicitudes para contar con su participación en muestras de relevante interés y variado cuño se han disparado en torno a Mario García Torres (Monclova, México, 1975), quien en la actualidad vive y trabaja en Los �ngeles. Del Reina Sofía al Stedelijk holandés, pasando por las Bienales de Moscú o Venecia, hasta la Tate Modern o el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, vivimos hoy una cierta inflación de este artista que, a pesar de su juventud y la creciente presión, no defrauda ni parece bajar la guardia por el momento.

Así puede comprobarse tras visitar la primera individual entre nosotros, donde se han seleccionado tan sólo tres de sus obras, alguna de ellas ya presentada anteriormente en otro contexto. Son tres potentes y convincentes ejemplos de su trabajo reciente que, ayudados por la limpieza de un montaje despejado hasta el límite, bastarán para convencer al visitante. Convencerle, primero, de la coherencia de los planteamientos de fondo; segundo, del rigor conceptual de sus tramas argumentales y método de trabajo; y tercero, también del sentido último que tiene esa austera formalización característica en él: lógica más allá de los impulsos miméticos, los tics o la mera pose de la puesta en escena, lamentablemente tan habituales entre los miembros de su generación afines, como él, a las poéticas neo-conceptuales en boga.

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Octubre 17, 2007

Comprometerse a mirar. Anna Maria Guasch

Originalmente en ABCD:

Bahman Jalali (Teherán, 1944) no es sólo el máximo representante de la fotografía contemporánea iraní, sino que, a juicio de Catherine David, reúne otras virtudes: el profundo conocimiento de las tradiciones artísticas de su país, su implicación y compromiso personal en cada uno de sus trabajos y el ser uno de los primeros artistas en concebir la fotografía como arte y haber impulsado su aceptación por parte del gran público. Quizás, sin embargo, lo que nos ha interesado más del proyecto fotográfico de este economista de profesión y fotógrafo «amateur» es su manera de servirse de la foto como registro de la memoria, tanto la personal, pero sobre todo la colectiva, histórica y cultural.

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Estancias de la poesía. Fernando Castro Flórez

Originalmente en ABCD:

Admiro desde hace años la obra de Pep Llambías, un artista de extraordinaria coherencia, caracterizado por el amor a lo poético o, en otros términos, por expandir el placer del texto barthesiano hasta una dimensión objetual. Nos insta a leer las imágenes, a recorrer un territorio pasional en el que encontramos nidos, rosas, alas, ramas, signos materiales que no dejan de tener una dimensión espiritual. Su amor delicado por la cosas está canalizado por una enorme sutileza plástica y, sobre todo, por una búsqueda de correspondencia con el otro. Lo poético en la obra de Llambías no responde a un ánimo anticuario; al contrario, las palabras quieren evocar las cosas, producir una rememoración de la experiencia que rompa con la banalidad «espectacular» del presente.

El latido vital. A la manera romántica, intenta sacar sentido de una naturaleza que está inevitablemente separada de nosotros. Dibuja, una y otra vez, troncos; convierte los árboles secos en soportes para su memoria del corazón; traza la herida y la ruina. Lo que en realidad está buscando es el ánima, el latido vital, ese lugar real y al mismo tiempo mágico, allí donde pueda pronunciarse la palabra felicidad y tal vez encontremos el raro rastro de la poesía.

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Octubre 11, 2007

Planes futuros. Arte español de los 2000. Ramón ESPARZA

Originalmente en EL CULTURAL

Para quienes recibimos una formación anclada todavía en el enciclopedismo, con su afán por establecer un orden general de todas las cosas; o, peor aún, quienes la desarrollaron en el estructuralismo, con su permanente búsqueda de la estructura subyacente que organiza el saber, resulta a veces un poco difícil admitir que ya no hay orden posible y que tan sólo podemos aspirar a establecer pequeñas islas, objetos aislados de estudio a los cuales aplicar nuestro afán de rigor clasificatorio. Y si hay un campo en el cual este enriquecedor caos resulta más patente es el de la creación. Los grandes temas de los ochenta y los noventa nos parecen como las unificadoras tendencias de la moda de antaño: este invierno, todas de negro. La diversidad es hoy el lema.

Pero, ¿cómo dar cuenta de esa diversidad? La idea de estructura lleva consigo las de orden, selección, delimitación de ámbitos y conceptos. La asunción de la globalidad y la multiplicidad de tendencias que se entrecruzan deja tan sólo una vía posible. Una, por lo demás, tan antigua como compleja: la del viejo juicio de gusto kantiano. Un juicio que, por definición, sólo puede estar determinado por la subjetividad y definido por el placer producido, sin que subjetividad pueda ser equiparada a arbitrariedad. La diferencia estaría en la sustitución del placer sensorial, en el que Kant encuentra el fundamento de la belleza, por el intelectual.

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De estética y compromiso. Rocío DE LA VILLA

Originalmente en EL CULTURAL

Absolutamente coherente, adaptada al encargo y al cruce de problemas e intereses que palpitan hoy en Estambul, la bienal de Hou Hanru ha levantado ampollas entre los intelectuales turcos. Como ha señalado la Fundación Cultura y Arte de Estambul (IKSV), organizadora del evento, después de veinte años se trata de una situación sin precedentes. Más de ciento treinta académicos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Marmara han firmado un escrito en donde acusan a Hanru de ignorancia y sesgo ideológico en su análisis de la historia y el presente turcos. No se trata de la habitual polémica sobre la cuota de a