| :: reVista :: |

Septiembre 04, 2008

PROYECTO NOCILLA* - Rafael Lemus

Originalmente en Rafael Lemus

noci.jpg


1

La escena es tan hermosa que provoca náuseas.
Un hombre –o una mujer, da lo mismo– afina su perfil en Facebook.
O envía un SMS.
O seduce a un adolescente en –digamos– Second Life.

Mejor: un hombre lee un texto, un texto cualquiera, en internet.
Un hombre lee un texto en internet y una frase lo arrastra a la siguiente y, de pronto, un link lo dispara a otro texto, profusamente ilustrado, que no tarda en rebotarlo a un blog que reproduce un video, copiado de otro sitio, para terminar comprando, nueve o dieciséis clics más tarde, un boleto de avión –o una computadora más potente– en un inesperado pliegue de la red.

Continuar leyendo "PROYECTO NOCILLA* - Rafael Lemus"

Enviado por salonKritik el 4 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 02, 2008

LOS PAISAJES INVISIBLES - Iván Ríos Gascón

Originalmente en Laberinto

Coup-de-de.jpg

Hacia 1893 [Paul Valéry] vivía en el Quartier Latin y desde el pequeño restaurante donde comía, observaba a ciertas luminarias en sus andares cotidianos, como el ilustre geómetra Henri Poincaré, de solitaria y encorvada sombra que rozaba las paredes, o el poeta Paul Verlaine, ataviado con cachucha y bufanda roja, cuyo séquito organizaba un alboroto a cada bastonazo que le daba al piso, pues Verlaine había reunido a aquella tropa por el puro afán de reinar sobre un puñado de locos y bohemios.

Después de comer se dirigía al jardín de Luxembourg y ahí podía mirar a otro poeta, Leconte de Lisle, que cruzaba la floresta camino del Senado, donde era bibliotecario.

Continuar leyendo "LOS PAISAJES INVISIBLES - Iván Ríos Gascón"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

Agosto 29, 2008

Una venus mutilada - Vicente Luis Mora

Originalmente en Vicente Luis Mora - Diario de lecturas

venus.jpg
Germán Gullón
Una venus mutilada. La crítica literaria en la España actual; Biblioteca Nueva, Madrid, 2008.

Sobre una imagen de Proust, para quien la crítica era una venus mutilada que debía completarse con el pensamiento de los lectores (algo que tenemos muy claro en este blog), y como “libro de conducta para la crítica literaria” (p. 16) presenta Germán Gullón este ensayo, continuador en parte de las tesis de su excelente Los mercaderes en el templo de la literatura (Caballo de Troya, 2004). Y, en efecto, a lo largo de sus páginas se van desgranando recomendaciones para ejercer este extraño oficio de crítico, unas de tipo técnico, otras de tipo ético. Entre las primeras, sugiere el autor no llevar a cabo vendettas personales aprovechando el espacio crítico disponible (p. 58), elaborar la aportación personal con autenticidad y coherencia (p. 59), o tener en cuenta que “vivimos atravesados por una cultura multimediática, a la que es imposible volver la espalda” (p. 70).

Continuar leyendo "Una venus mutilada - Vicente Luis Mora"

Enviado por salonKritik el 29 de Agosto | Comentarios (0)

Agosto 26, 2008

«A la política se llega desde el arte» Francesc Torres - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

ft03.jpgSiempre es difícil resumir una trayectoria artística, en este caso, de cuarenta años de trabajo ininterrumpido. En esta segunda antológica de Francesc Torres (Barcelona, 1958) en España -la primera tuvo lugar en el Reina Sofía en 1991-, el artista y el comisario de la muestra, Bartomeu Marí, han optado por mostrar el «rostro» menos conocido, la otra cara de la moneda, de lo que se vio en la exposición madrileña, en la que se puso el énfasis en la instalación.

¿Qué es lo que distingue a esta exposición barcelonesa?

Desde un primer momento me propuse estructurar la exposición al revés, es decir, destacando la parte menos conocida de mi trabajo, y, en lugar de hacer un recorrido por las instalaciones, llenar los agujeros que las separan, ahondando en las fisuras, sin renunciar a ninguno de los leitmotivs de mi obra -la política, la memoria, la cultura, el lenguaje y el poder- expresados a partir de una gran pluralidad de soportes, también instalaciones.

Continuar leyendo "«A la política se llega desde el arte» Francesc Torres - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 26 de Agosto | Comentarios (1)

Agosto 13, 2008

Sin nudo, pero con desenlace - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abcd

10-u.jpgNo es fácil. Tampoco sencillo. El trabajo de Seth Price es más bien complejo y sin demasiadas concesiones -al menos, hasta el final de su exposición en Zúrich-. Andrea Viliani tituló un texto que escribió sobre el artista con la siguiente interrogación: «¿Qué es esto?». Sin duda, es una pregunta que asalta nada más comenzar la visita a esta especie de retrospectiva, y la respuesta no es simple. Es más, un somero acercamiento llevaría a largas explicaciones. Y, sin embargo, aunque se quiera y se necesite saber más, también el trabajo despierta, por este mismo motivo, el interés y la curiosidad que al final del recorrido parece hallar una especie de explicación.

Continuar leyendo "Sin nudo, pero con desenlace - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 13 de Agosto | Comentarios (0)

Agosto 12, 2008

Territorios de persuasión - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en babelia

hotel_declercq-u.jpg"Somos los hombres huecos / somos los hombres rellenos / apoyados uno en otro / la mollera llena de paja. ¡Ay! / Nuestras voces resecas, cuando / susurramos juntos / son tranquilas y sin significado" (Los hombres huecos, 1925). Fueron probablemente estos versos de T. S. Eliot los que inspiraron a Juan Muñoz para crear sus celebradas Escenas de conversación, pobladas de personajes destinados a desvanecerse dentro de un saco de abultados silencios. Para The Waste Land (La tierra baldía), el artista madrileño siguió la estela del autor norteamericano en el poema del mismo título (1922) en cuyos versos las lilas de abril florecen en un paisaje de desolación y sequía espiritual. Un suelo óptico que dirige la mirada del espectador hacia una pequeña figura que nos observa desde la pared -un muñeco de ventrílocuo- nos habla de la pérdida, la desintegración, la esterilidad y de todas las enfermedades de la civilización moderna. La infamia genera complicidades hasta dejar el mundo reducido a una gran tumba desierta ("Veo multitudes de gente / dando vueltas en círculo...", escribió Eliot). Para combatirlas, el artista extrae de su imaginación los fermentos de la arquitectura barroca -Francesco Borromini- y el diario de la vida en la muerte de tantos hombres y mujeres para quienes la última salida se encuentra en la memoria colectiva de mitos y leyendas. También en el presente -fuera del tiempo- del amor.

Continuar leyendo "Territorios de persuasión - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 12 de Agosto | Comentarios (0)

Luz contra la monotonía - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abcd

gregor_schneider-u.jpgA Roma no le sienta bien el arte actual. Otra cosa es la moda, y lucir uno y mil complementos de Dolce & Gabbana, independientemente de la clase social. Pero lo de la creación plástica va menos con la Ciudad Eterna, quizá porque está acostumbrada a las digestiones lentas (y así se armó la que se armó cuando se decidió darle al Ara Pacis una «cobertura» contemporánea, lo que al final llevó a cabo el norteamericano Richard Meier). Y quizás también por eso sus museos de arte contemporáneo, en un alarde de optimismo no muy compartido, acuden a acrónimos hiperbólicos para autodenominarse: De un lado está el MACRO, que estos días acoge en su sede en la via Reggio Emilia, entre trabajos de ampliación, una espléndida muestra de Gregor Schneider y, en sus salas del antiguo Mattatoio, la individual que la Fundación Miró dedicó el verano pasado a Sean Scully. Del otro, el MAXXI, ahora cerrado, que espera retomar sus labores en cuanto Zaha Hadid termine de dar forma a sus nuevas dotaciones.

Continuar leyendo "Luz contra la monotonía - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 12 de Agosto | Comentarios (0)

Agosto 11, 2008

Vivir del cuento - Andrés Isaac Santana

Originalmente en abcd

duane_hanson_traveller-u.jpgEnfática, humorística, cínica y crítica resulta la obra de este hacedor de cuerpos simulados, de paradigmas discutidos, de estereotipos repelentes que trascienden lo fenomenológico para rozar el plano de la más honda ontología. Es justo en medio de la ansiedad hiperbólica por la corrección cosmética y el excesivo consumo como garantes de prestigio y de éxito social de la sociedad contemporánea que el trabajo de Duane Hanson (1925-1996), revela una peligrosa actualidad que restituye sus posibilidades críticas. Desde la ironía, la narrativa del deseo insatisfecho y el vagar de la utopía en tanto pérdida de la fe y de la ilusión se alimenta una revisión crítica, de carácter introspectivo, en el más rancio modelo del American way of life.

Continuar leyendo "Vivir del cuento - Andrés Isaac Santana"

Enviado por salonKritik el 11 de Agosto | Comentarios (0)

Agosto 09, 2008

El complejo poético-militar - SLAVOJ ZIZEK

Originalmente en EL PAIS

Radovan Karadzic, el líder serbobosnio responsable de la terrible limpieza étnica en la guerra de la antigua Yugoslavia, está, por fin, detenido. Ahora es el momento de alejarse un poco y examinar la otra faceta de su personalidad: psiquiatra de profesión, no sólo era un jefe político y militar implacable y despiadado, sino también un poeta. Y no debemos despreciar su poesía ni considerarla ridícula; merece una lectura detallada, porque ofrece la clave para entender cómo funciona la limpieza étnica. He aquí los primeros versos de un poema sin título que se identifica por su dedicatoria, "... Para Izlet Sarajlic": "Convertíos a mi nueva fe, muchedumbre. / Os ofrezco lo que nadie ha ofrecido antes. / Os ofrezco inclemencia y vino. / El que no tenga pan se alimentará con la luz de mi sol. / Pueblo, nada está prohibido en mi fe. / Se ama y se bebe. / Y se mira al Sol todo lo que uno quiera. / Y este dios no os prohíbe nada. / Oh, obedeced mi llamada, hermanos, pueblo, muchedumbre".

Continuar leyendo "El complejo poético-militar - SLAVOJ ZIZEK"

Enviado por Jose Luis Brea el 9 de Agosto | Comentarios (0)

Agosto 07, 2008

De Virginia Woolf a Gran Hermano - Leonardo Tarifeño

Originalmente en adncultura

big-brother-272w.jpg

En La intimidad como espectáculo (FCE), Paula Sibilia* escribió un excelente ensayo sobre el pánico al anonimato que parece recorrer la sociedad contemporánea. Personas que no dejan secretos por contar en sus blogs, desconocidos que se hacen famosos por convertir su vida cotidiana en un programa televisivo y escritores que narran sus historias en una primera persona que se confunde con la vida del autor forman parte de una nueva sociedad, que para Sibilia es inseparable de "la economía, la política, los deseos y la moral en el capitalismo posindustrial". Por eso, según ella, no se debe ver a la cultura digital como la enemiga de la cultura letrada. Sencillamente, se trata del sustrato donde florece el Yo contemporáneo, el tipo de subjetividad que exige el mundo actual, "tan necesaria y diferente como la que necesitaba la cultura letrada constituida a partir del siglo XIX".

Continuar leyendo "De Virginia Woolf a Gran Hermano - Leonardo Tarifeño"

Enviado por salonKritik el 7 de Agosto | Comentarios (0)

Agosto 06, 2008

Donde dice Japón - Aurelio Asiain

Originalmente en hoja por hoja

haiku.jpg

La literatura japonesa es mucho más que las obras que, en tiempos recientes, han ido conquistando las librerías iberoamericanas. Junto al creciente entusiasmo de quienes leen en español a Haruki Murakami, Kenzaburo Oé o Banana Yoshimoto, y antes apreciaron a Yukio Mishima y Kōbō Abe, está el de quienes hoy pueden acercarse a autores esenciales como Yasunari Kawabata y Junichiro Tanizaki (ambos reeditados ampliamente), o a clásicos como el Genji monogatari, el Kojiki o el Heike monogata-ri. Uno de nuestros más asiduos lectores de la literatura nipona presenta aquí tres instantáneas sobre cómo ésta sigue llegando a nuestra lengua y cómo se producen hoy algunos de sus mayores éxitos editoriales.

Continuar leyendo "Donde dice Japón - Aurelio Asiain"

Enviado por salonKritik el 6 de Agosto | Comentarios (0)

Agosto 03, 2008

¿Qué peligro? - Gabi Martínez

Originalmente en BABELIA

"¿Quién en el mundo querría soñar con chinos?", escribió una vez Joseph Conrad, estigmatizando de un plumazo a millones de orientales al colgarles la etiqueta "Pesadilla", equiparando más o menos a un chino con un tiburón. Pero ocurre que estos días el biólogo marino Rob Stewart promociona su documental sobre escualos insistiendo en que "los tiburones no atacan a las personas. Al contrario: huyen de nosotros". Y añadiendo que "no sabíamos casi nada de tiburones y llegó Spielberg y nos enseñó a odiarlos".

Es curioso cómo los miedos o fantasías de algunos (grandes) artistas toman acomodo en el imaginario de sus civilizaciones, convirtiéndose en lugares comunes que casi nadie contesta, sobre todo porque faltan argumentos, información.

Continuar leyendo "¿Qué peligro? - Gabi Martínez"

Enviado por Jose Luis Brea el 3 de Agosto | Comentarios (0)

Julio 27, 2008

Aforismos en el librero - Armando González Torres

Originalmente en hoja por hoja

composicion_en_rojo-amarillo_y_azul.jpg

Un lector de Cioran o de Canetti, acostumbrado a la violenta fulguración de su pensamiento, se asombraría ante la definición del aforismo que brinda el diccionario: una “sentencia breve y doctrinal que se propone como regla en alguna ciencia o arte”. Cierto, durante mucho tiempo hombres de ciencia, filósofos o aficionados destilaban sus perlas de sabiduría en aforismos que pretendían autoridad. A menudo edificante, el aforismo buscaba plasmar un conocimiento de manera con-cisa, persuasiva y didáctica en sentencias que lo mismo disertaban de medicina o agronomía que de cosmogonía y conducta. Estos extractos se administraban sin esfuerzo en un género de divulgación, al mismo tiempo popular y culto, que hacía accesible y memorable el tópico transmitido.

Continuar leyendo "Aforismos en el librero - Armando González Torres"

Enviado por salonKritik el 27 de Julio | Comentarios (0)

Rincones ocultos del pensar - ISIDORO REGUERA

Gilles Deleuze - Dos regímenes de locos. Originalmente en BABELIA

Este libro es continuación de La isla desierta y otros textos. Textos y entrevistas (1953-1974) (Pre-Textos. Valencia, 2005), que recoge, cronológicamente, sin notas orientativas sino meramente aclarativas del editor y del traductor, escritos menores, por su tamaño, anteriores a 1975 (los 50 años de Deleuze). Éste, de igual modo, contiene conferencias, prólogos, artículos, entrevistas, textos cortos redactados entre 1975 y 1995 (muerte de Deleuze), poco accesibles hasta ahora por su dispersión y que siguen el ritmo o bien de la actualidad de esos años: Brigadas Rojas, juicio de Negri, pacifismo, Palestina, psicoanálisis, droga, cine, nuevos filósofos; o bien el de la aparición o edición en otros idiomas de sus obras: Lógica del sentido, Mil mesetas (muy interesante por su confrontación de primera mano con El anti-Edipo), Diferencia y repetición, Empirismo y subjetividad.

Continuar leyendo "Rincones ocultos del pensar - ISIDORO REGUERA"

Enviado por Jose Luis Brea el 27 de Julio | Comentarios (0)

Julio 24, 2008

Una incompleta Bienal de Pontevedra - David BARRO

Originalmente en el cultural

23690_1-u.jpgComenzaré por la que seguramente es la mejor pieza de la Bienal, formal y conceptualmente: los 72 silencios propuestos por Xosé Freixanes. En la sala central del Pazo de la Cultura de Pontevedra se alzan textos solapados por imágenes que versan sobre la extinción. En estrecha complicidad con Chantal Maillard, el artista gallego sitúa como eje de su obra expandida una frase del libro más reciente de Maillard, La tierra prometida: “Lo que no hemos oído nombrar no existe para nosotros; y esto tiene una consecuencia lógica: si no existió nunca, ¿cómo podría extinguirse?”. El texto, que destaca sobre una pared dorada, contrasta con el abigarramiento de las otras paredes llenas de textos que conforman identidades tapadas por imágenes que velan así una parte de la historia. Como esos pueblos que desaparecen para construir chalets o parques temáticos, Freixanes nos habla de la extinción de las culturas, acompañándolo todo de un murmullo que en su desesperanza se convierte en grito, en herida desgarrada.

Continuar leyendo "Una incompleta Bienal de Pontevedra - David BARRO"

Enviado por salonKritik el 24 de Julio | Comentarios (0)

Julio 21, 2008

Ser es ser mediático - Julia Goldenberg

Originalmente en THE SYMPTOM
Traducción: Jack of all Trades

1234-u.jpgI might be crazy triying to get you here with me. Why don't you come here with me? Vito Acconci (dirigiéndose al espectador), Theme song (video)

You must stand in front of the Mona Lisa or else. You can't fall in love with her reproduction, no, no, no - that's masturbation. Douglas Davis


Nuestro análisis toma como base los supuestos de que la relación con el otro[1] es del orden de la experiencia (no una relación cognitiva), y que ésta se encuentra mediada por la técnica. Es decir que no hay experiencia directa.[2] Solo así podrá delinearse la condición del otro inmerso en el campo perceptivo contemporáneo y la praxis política que gira en torno a él.

Continuar leyendo "Ser es ser mediático - Julia Goldenberg"

Enviado por salonKritik el 21 de Julio | Comentarios (0)

Julio 20, 2008

Descubrimiento de un diálogo - Patricio Pron

Originalmente en adncultura

Bolaño+7.jpg Bolaño salvaje Edmundo Paz Soldán y Gustavo Faverón Patriau (Editores) Candaya/502 páginas.
piglia_gr.jpg El lugar de Piglia. Crítica sin ficción Jorge Carrión (Editor) Candaya/453 páginas.

En marzo de 2001, el suplemento cultural del diario El País de Madrid reunió a través del correo electrónico a Roberto Bolaño y Ricardo Piglia; como todos los que tienen lugar entre escritores, el diálogo, que puede consultarse en Internet, se compone más bien de un intercambio de monólogos y recuerda la particular correspondencia del músico francés Erik Satie, quien respondía las cartas sin abrirlas jamás. En la conversación con Bolaño, Piglia trae a colación esa correspondencia y sostiene que "es fantástica" porque todas las cartas "hablan de cosas distintas y ésa, por supuesto, es la esencia del diálogo".

Continuar leyendo "Descubrimiento de un diálogo - Patricio Pron"

Enviado por salonKritik el 20 de Julio | Comentarios (0)

Margot at the wedding -Iván Villamel

Originalmente en el reducto del cinéfilo

margot-at-the-wedding_imagen1731.jpg

Existe dentro del cine americano, una corriente alternativa a las grandes producciones de los estudios hollywoodienses, producciones que probablemente pasen desapercibidas entre tanto artificio y/o producciones supuestamente independientes que acaparan nominaciones a los Oscar, que pretenden mostrarnos, a modo de retazos de vida cotidiana, ciertos aspectos de su sociedad alejándose de la parafernalia propagandística del estilo de vida americano. En este género podría situarse "Margot y la boda", el nuevo film de Noah Baumbach (habitual guionista del controvertido Wes Anderson) en sus labores como director, que se encarga asimismo de la creación del guión. Una atrevida apuesta que se salda con un film interesantísimo con ciertos peros que perjudican en cierta manera el tono de todo el relato.

Continuar leyendo "Margot at the wedding -Iván Villamel"

Enviado por salonKritik el 20 de Julio | Comentarios (0)

"Aliento" de Kim Ki-duk - Beatriz Maldivia

Originalmente en blogdecine
2441575660_d5a2e8ac90_o.jpg
Kim Ki-duk es el poeta coreano que dio a luz películas tan maravillosas como ‘Hierro 3’ o ‘El arco’. En esta nueva creación, ‘Aliento’ (‘Soom’, 2007), el cineasta nos cuenta cómo una mujer que ya no confía en su matrimonio se obsesiona con los intentos de suicidio de un preso condenado a muerte. Cuando descubre un indicio de la infidelidad de su marido, lo abandona todo y se dirige a la cárcel a ver al reo.

Continuar leyendo ""Aliento" de Kim Ki-duk - Beatriz Maldivia"

Enviado por salonKritik el 20 de Julio | Comentarios (0)

Julio 18, 2008

Personas, deficiencias sectoriales y política - YP

Sobre los últimos acontecimientos en el CASM. Originalmente en YPSITE BLOG

Los acontecimientos que se están dando actualmente en el contexto cultural barcelonés vaticinan lo peor y son primos hermanos del horror. Y no solo porque el brazo político se ha alargado para mover fichas a su antojo en el Centre d’Art Santa Mònica, sino por la falta de reacción por parte de quienes conformamos el tejido cultural y artístico de la ciudad. Pocas son las posturas explícitas y muchas las declaraciones plagadas de rencillas y presunciones que distan mucho de enfrentarse al que es el verdadero problema. Lo que se está construyendo como telón de fondo va más allá de si Ferran Barenblit deja o no el CASM y si la línea que ha llevado el centro es peor o mejor o bebe de aquí o de allí. Esto sólo puede darse si pensamos en nuestros propios intereses y no en los del sector y si nos fijamos en las personas y no en los cargos que ocupan y lo que representan.

Continuar leyendo "Personas, deficiencias sectoriales y política - YP"

Enviado por Jose Luis Brea el 18 de Julio | Comentarios (0)

Manuel Borja: «No podemos hacer un museo pensando sólo en los turistas»

Originalmente en e-norte

A finales del 2007 Manuel Borja-Villel (Burriana, Castellón, 1957) ganó el concurso para dirigir el museo Reina Sofía de Madrid, el más importante de España en cuanto al arte moderno y contemporáneo se refiere, depositario de una buena colección de obras de Picasso, Dalí y Miró, entre otros. Doctorado en la Universidad de Nueva York, forjó su prestigio al frente de la Fundación Tàpies y luego como director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), que pasaba por una situación crítica y lo elevó al primer rango del panorama internacional. Ahora, quiere «dar la vuelta al Reina como si fuera un guante».

-Usted se ganó el puesto en un concurso en el que se competía presentando un plan para el museo. ¿Cuál fue su diagnóstico?

-En este museo las urgencias han aplastado los proyectos a largo plazo. En los últimos diez años yo creo que se ha comprado bien. Sin embargo, la manera de presentación la colección es muy lineal, se pasa de un movimiento de vanguardia a otro, y se privilegia un solo punto de vista, que no tiene en cuenta cómo ha cambiado el mundo.

Continuar leyendo "Manuel Borja: «No podemos hacer un museo pensando sólo en los turistas»"

Enviado por Jose Luis Brea el 18 de Julio | Comentarios (0)

Julio 15, 2008

Las artes espaciales/ Entrevista a Jacques Derrida - Peter Brunette y David Wills

Originalmente en accion paralela

Derrida-2.JPG

Hoy 15 de julio se recuerda también la fecha de nacimiento de Jacques Derrida. Invocar el espectro, hacer presente la voz del ausente, y que ésta hable. Activar la economía de la memoria: "¿Qué es «alguien»? ¿Cómo define a «alguien»? ¿Quiere decir que ese «alguien» se trata de una «persona», un « yo» , un «sujeto»? Aquí hay ya tres definiciones diferentes. ¿Es una intención? ¿Un inconsciente sexuado? De antemano hay que determinar lo que uno quiere decir con «alguien». Nunca he dicho que la escritura se afirme como una especie de poder general o abstracto, como una sustancia. Eso no es la escritura que se afirma; no, es siempre, como usted dice, «alguien». Yo propondría no determinar a este «alguien» bajo ninguno de los términos de la tradición metafísica: ni un alma ni un cuerpo ni un yo ni una conciencia ni un inconsciente ni una persona. Dirá usted: «Entonces, ¿qué queda?» Bueno, queda «alguien» que piensa y que, por ejemplo, interroga, se interroga sobre todo lo que, en su lengua, en su cultura, le obliga a pensar todavía «alguien» en términos de yo, conciencia, hombre, mujer, alma, cuerpo, etc.; ese «alguien» que piensa interroga a la historia, cómo se ha constituido, qué quiere decir «alguien», si «alguien» no se reduce a todas estas determinaciones.

A mí me interesa una escritura, esa escritura de «alguien» que se mide con tales preguntas."

Continuar leyendo "Las artes espaciales/ Entrevista a Jacques Derrida - Peter Brunette y David Wills"

Enviado por salonKritik el 15 de Julio | Comentarios (0)

Julio 14, 2008

La pureza del ensayo - Luigi Amara

Originalmente en hoja por hoja

robertlouisstevenson-in-bed.jpg
Para nosotros, que fatalmente somos su posteridad, Robert Louis Stevenson es el autor de dos obras maestras que, por una suerte de ineptitud crítica o simple y llana haraganería, ubicamos en el estante de los libros juveniles: La isla del tesoro y El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Esto, que no sé si llamar error o injusticia, priva al lector de dos de los mayores placeres que la literatura pueda depararnos: volver a esos libros en edad adulta y, dado su indudable peso específico, que tiene el efecto de eclipsar todo lo demás, acercarse al resto de su obra, en particular a sus ensayos. Lo recordamos como el popular contador de historias que fue (tarea que él mismo calificaba de “pueril”), pero nos olvidamos de la perfecta pureza con que reflexionó sobre las más diversas materias, a las que siempre imprimió su sello singular y preciso.

Continuar leyendo "La pureza del ensayo - Luigi Amara"

Enviado por salonKritik el 14 de Julio | Comentarios (0)

Julio 13, 2008

El objeto de la creación - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

olafur_aedes_republish-u.jpgEn una entrevista de Hans Ulrich Obrist, el artista danés de origen islandés Olafur Eliasson (1967) se mostró partidario de trabajar en espacios públicos para desafiar el estandarizado «acto de mirar» que comporta la exhibición de las obras de arte en lugares institucionalizados y cerrados como los museos. Trabajar en función del lugar, incorporando el azar y una cierta improvisación, reflejaría la urgencia de disolver la especificidad de cada obra y combatir la «neutralizadora capacidad de las instituciones a la hora de crear públicos estandarizados». Según Eliasson, el circuito clásico del museo y sus roles expositivos favorecen un público pasivo; la única alternativa consiste en ofrecer una «situación estimulante» con un proceso inverso a los roles tradicionalmente asignados al sujeto y el objeto: el espectador se convierte en objeto y el contexto en sujeto: «Siempre -apunta el artista- intento llevar al espectador hacia el contenido de la exposición, hacerlo móvil y dinámico».

Continuar leyendo "El objeto de la creación - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 13 de Julio | Comentarios (0)

La cultura bajo asedio - Luis Alejandro Contreras

Originalmente en contracorrientes

slipon_writting2.jpg

Todos nos confiamos en nuestro miedo, nuestra torre de marfil.
E. M. Cioran
No me pidan más mi programa, ¿no es uno respirar?
E. M. Cioran [1]

La estupefacción puede ser un buen acicate a la hora de escribir o manifestar una opinión en torno a un tema sobre el que uno no desearía tener que entrar en liza. Tal es el caso presente. Tenía yo en mente, desde hace varios meses, el meterme en camisa de once varas y expresar ciertas consideraciones sobre el asedio que el hombre y sus fatuos patrones de vida imponen en desmedro de ese bien intangible que hemos nominado desde antaño con la palabra cultura.

Continuar leyendo "La cultura bajo asedio - Luis Alejandro Contreras"

Enviado por salonKritik el 13 de Julio | Comentarios (0)

La órbita del duelo - Nicolás Cabral

Originalmente en hoja por hoja

109.jpg

Tal vez sea necesaria cierta ambigüedad para referirse al género literario practicado por W. G. Sebald, el celebrado autor alemán. Aquí se pasa revista a tres volúmenes recientes en los que brillan sus “prosas”, que son ensayísticas, pero también narrativas, pero también autobiográficas y confesionales, históricas y aun psicoanalíticas, nimbadas siempre por el duelo.

En uno de los ensayos reunidos póstumamente en Campo santo (2003), W. G. Sebald señala, refiriéndose a su admirado Peter Weiss, que la obra de este escritor “está concebida como una visita a los muertos”. Leída en perspectiva, esa descripción sirve no sólo para entender el objeto de estudio del texto sino, como suele ocurrir, la poética de quien empuña la pluma, que en el momento de la redacción, en algún punto de 1986, era apenas el autor de tres volúmenes de crítica académica (sobre Döblin, Kafka, Canetti, Bernhard o Handke) y una antología de ensayos sobre teatro alemán de las décadas de los años setenta y ochenta, donde hablaba por primera vez de la “amnesia colectiva” sufrida por sus compatriotas después de la segunda guerra mundial. Estaban por escribirse aún los volúmenes que convertirían al prosista alemán, con una velocidad sorprendente si consideramos que en estos tiempos la crítica suele confundir a los escribanos con los artistas, en una de las voces auténticamente indispensables de la literatura contemporánea.

Continuar leyendo "La órbita del duelo - Nicolás Cabral"

Enviado por salonKritik el 13 de Julio | Comentarios (0)

Julio 12, 2008

El mundo es una novela - Ricardo Menéndez Salmón

Orginalmente en BABELIA

Nací y vivo en una ciudad junto al mar que arrastra la dudosa fama de no haber sido novelada nunca con genio. A 28 kilómetros de ella se yergue la heroica Vetusta, la ciudad que "dormía la siesta". Mis paisanos, del polígrafo Jovellanos para acá, apenas han podido oponer a tan gigantesco contrincante un puñado de magníficos pintores.

Escribo esto desde la ironía, por descontado. También en mi rincón del mundo ha habido escritores obstinados en encerrar la realidad dentro del enunciado de una novela. Yo me cuento entre ellos, y desde hace una década me aplico a este propósito con mayor o menor fortuna, pero siempre con ambición. Porque creo que el artista, como quería Miró, debe plantearse su tarea desde la mayor de las ambiciones, con todo el orgullo posible, para ejecutarla con la mayor de las humildades, desde la convicción de que, casi siempre, el territorio del arte es el fracaso.

Continuar leyendo "El mundo es una novela - Ricardo Menéndez Salmón"

Enviado por Jose Luis Brea el 12 de Julio | Comentarios (0)

La filosofía en invierno - MIGUEL Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO

Originalmente en No (ha) lugar
salmon2.jpgHace unas semanas, al escribir acerca de las relaciones entre poesía y pensamiento, recordaba Chantal Maillard en Babelia que “el que lee filosofía, levanta a menudo la cabeza, como hace un pájaro al beber. Así, lo leído se filtra, como el agua en la garganta del pájaro, y se asienta en el entendimiento”. Justo entonces acababa yo la lectura de Derrumbe, la última y magistral novela de Ricardo Menéndez Salmón (Gijón, 1971), y en uno de los momentos más impactantes del libro, me sorprendí levantando la cabeza durante varios minutos con lágrimas en los ojos intentando asimilar lo que sucedía en un extraño lugar llamado Promenadia. Fui consciente entonces de que la obra que leía, por encima de cualquier otra cosa, era monumento al pensamiento. Al pensamiento, en este caso, de lo terrible, un tema recurrente en la producción del escritor asturiano.

Continuar leyendo "La filosofía en invierno - MIGUEL Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO"

Enviado por Jose Luis Brea el 12 de Julio | Comentarios (0)

Julio 11, 2008

La Institución está muerta, pero vive en la periferia - Övül Durmusoglu

Originalmente en artnet.de

durmusoglu_01b-u.jpgEntrevista a Övül Durmusoglu - Anne Schreiber
Traducción y propuesta Marta Calderón

Ya es el segundo Taller para Jovenes Curadores, dentro de la 5ta Bienal de Berlin, y tuvo lugar a principios de Abril . El Proyecto de Kunst Werke Berlin e.V es una colaboración entre el Instituo Goethe y esta patrocinado por la Fundación Allianz y la BMW. En tiempos de la globalización del mercado deben reunirse curadores de diferentes origenes y estilos de trabajo para intercambiar sus proyectos, sus ideas y sus objetivos. Entrevistada por Arnet Magazin explica Ovul Durmusoglu, porque es necesario reformar la practica curaturial dado que su futuro no tendra lugar en las metropolis occidentales. Asi junto a la Historia del Arte surge la maniobra de la traduccion como una herramienta adicional en la practica de Durmusoglu.

Continuar leyendo "La Institución está muerta, pero vive en la periferia - Övül Durmusoglu"

Enviado por salonKritik el 11 de Julio | Comentarios (0)

Julio 08, 2008

Dios no existe: el retorno del ateísmo militante - DANIEL GAMPER

Originalmente en el culturas de La VANGUARDIA

La religión es un reducto de la irracionalidad y de la oscuridad, una superchería, una creencia en cosas invisibles e improbables que conduce a comportamientos arbitrarios e inexplicables. Semejante diagnóstico ha caracterizado desde la Ilustración e incluso antes el modo en que la ciencia y el pensamiento riguroso han valorado el fenómeno religioso. En otras épocas, los científicos miraban condescendientes cómo sus congéneres se arrodillaban ante imágenes y creían dialogar con un ser trascendente en el que depositaban sus esperanzas de salvación. El diagnóstico científico no veía la religión como un peligro, sino como una práctica arcaica que lentamente iría dejando paso a ideas más plausibles sobre nuestro origen y el sentido de la vida. Pero el espíritu de los tiempos no ha seguido esta senda y se habla ahora de un retorno de dios y un auge de las religiones en el espacio público. Es lo que los sociólogos de la religión denominan desde hace más de una década la "desecularización".

Continuar leyendo "Dios no existe: el retorno del ateísmo militante - DANIEL GAMPER"

Enviado por Jose Luis Brea el 8 de Julio | Comentarios (1)

Un ejercicio 'sentimental' - JOSÉ ANDRÉS ROJO


Sobre Cultivos, de Julián Rodríguez. Mondadori. Barcelona, 2008. Originalmente en Babelia

"Yo fui a buscar a Gieraltowski a Varsovia. No tenía intención de encontrarme con él, pero fui a buscarlo. Con un manojo de fotografías (en sentido estricto, recortadas de diferentes álbumes y revistas) tomadas por él, buscaba aquí y allá 'sus lugares". Eso cuenta Julián Rodríguez en Unas vacaciones baratas en la miseria de los demás (Caballo de Troya). Se refiere al fotógrafo Kzrystof Gieraltowski y cuenta que muchos de sus lugares coinciden con los lugares de Witold Gombrowicz, el autor de Ferdydurke. Un poco después apunta una cita: "Los pensamientos saltan de un hombre a otro como las pulgas. Pero no a todos les remuerden". La atribuye a Lec, pero no está seguro. Habla de realismo socialista, del "periodo liberalizador" en Polonia, de la trayectoria del fotógrafo.

Continuar leyendo "Un ejercicio 'sentimental' - JOSÉ ANDRÉS ROJO"

Enviado por Jose Luis Brea el 8 de Julio | Comentarios (0)

Julio 06, 2008

La virgen de los deseos - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en BABELIA

Los fanáticos duchampianos destacan siempre que al mejor amante de toda la historia del arte, a diferencia de Picasso, no le importaba perder en el amor, no así cuando se sentaba frente a un tablero de ajedrez. Duchamp necesitaba constante y perentoriamente esa cualidad: la alegría del deseo, fuente de inspiración de su última y más secreta obra, Étant donnés, hoy en exposición permanente en el Museo de Arte de Filadelfia. Para su montaje, Duchamp elaboró un minucioso manual ilustrado (Aproximación desmontable ejecutada entre 1946 y 1966 en Nueva York) que fue publicado por el museo en 1987. Tres años antes, con motivo de su retrospectiva en la Fundación Miró (comisariada por Gloria Moure), la obra fue recreada a partir de una puerta original traída especialmente de Cadaqués, auténtico "velo" de uno de los desnudos más agresivamente expuestos del siglo XX.

Continuar leyendo "La virgen de los deseos - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por Jose Luis Brea el 6 de Julio | Comentarios (0)

Debilidad - Rosa Olivares

Originalmente en Exit Express

Ya estamos en el siglo XXI y no ha habido ningún gran cambio digno de destacar. Sin embargo, empezamos a notar, hace ya tiempo, en realidad desde el siglo pasado, que no encontramos nada nuevo. Detrás de los neos y post, las tendencias se han ido diluyendo y sólo quedan nombres aislados que brillan o intentan brillar, con sus trabajos unos, y otros con sus declaraciones de propósitos, que tapan unas obras que, a decir verdad, no agradan a nadie sino fuera por todo aquello que nos han dicho que representan de denuncia o de crítica, o de algo que no acabamos de ver pero que, vale, lo aceptamos ante la necesidad urgente de algo nuevo, de algo que marque este nuevo siglo. Tal vez lo que marque este nuevo siglo sea la debilidad, tal vez estemos ante una época de decadencia y revisionismo. Una época en la que todo el poder recae sobre la institución y, por consecuencia, sobre las personas que controlan esas instituciones, es decir, aquellas que detentan el poder y por lo tanto deciden a quién exponer, qué destacar, qué callar, qué ocultar...

Continuar leyendo "Debilidad - Rosa Olivares"

Enviado por Jose Luis Brea el 6 de Julio | Comentarios (0)

Juan Muñoz y su espectador - José Manuel Costa

Originalmente en ARTECONTEXTO (c)


Algo que siempre ha resultado muy notable en la obra de Juan Muñoz es la cantidad de interpretaciones e ideas que anima a expresar. No es que todos los artistas contemporáneos sean deliberadamente opacos como Lawrence Weiner, ni perfectamente incomprensibles como Franz West. Tanto Jeff Koons como Damien Hirst han dado lugar a un sinnúmero de análisis, muchas veces abusivos, pero en Juan Muñoz el tema es muy diferente. Las interpretaciones de las que hablo vienen no tanto de los profesionales (que también) como de espectadores preparados que no acuden mediatizados por primeras planas de diarios sensacionalistas ni, según parece, se quedan mudos de estupor ante la “propuesta”.

Este fenómeno buscado es una de las grandes ideas rectoras en la obra de Muñoz y quizás pueda rastrearse en su actual gran retrospectiva europea (Tate Modern, Museo Serralves en Oporto, Guggeheim de Bilbao, Reina Sofía de Madrid y quien sabe si algún otro). Aquí, y a pesar de algunas ausencias que duelen, pueden revisarse sus temas recurrentes y bien identificados, piezas de un mosaico que se recompone continuamente hasta unirse en el gran concierto de una hiper-pieza tipo el Double Bind (2000), en la misma Tate Modern que ha impulsado esta exposición.

Continuar leyendo "Juan Muñoz y su espectador - José Manuel Costa"

Enviado por Jose Luis Brea el 6 de Julio | Comentarios (0)

Olafur Eliasson, la marca del artista - David G. TORRES

Originalmente en EL CULTURAL

n false">
En la rueda de prensa de la exposición de Olafur Eliasson (Copenhague, 1967), Martina Millà, jefa de exposiciones de la Fundación Joan Miró, subrayó que la visita del artista nórdico a Barcelona era comparable a la de Albert Einstein en 1923. Y que, posiblemente marcaría a la comunidad artística “local” (de Barcelona y Girona, donde la exposición encontrará continuidad en las salas de la Fundación Caixa Girona) de la misma manera que lo hizo la del teórico de la relatividad. Según esta comparación, Eliasson ocuparía hoy un lugar semejante al de, por ejemplo, Marcel Duchamp, del que por cierto es posible visitar una exposición a pocos metros de la Fundación Miró en compañía de Man Ray y Picabia. Este último también pasó por Barcelona y en fechas no muy distantes a las de Einstein, y luego también el propio Duchamp. Y sí dejaron huella. El de ahora, está por ver.

Continuar leyendo "Olafur Eliasson, la marca del artista - David G. TORRES"

Enviado por Jose Luis Brea el 6 de Julio | Comentarios (0)

Alicia Framis: “El arte ya lo conozco, y lo aborrezco” - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

Ante la posibilidad de que Guantánamo se convierta en un Museo, Alicia Framis plantea en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona una posible alternativa, un lugar que repela el horror. Se condensan en esta exposición que mañana inaugura muchas de las razones que hacen de Framis, que ahora reside en Shanghai, una de las artistas más aplaudidas de su generación.

De las palabras de Alicia Framis (Barcelona, 1967) se desprende que no quiere ser artista pero, tal vez a su pesar, es una de las figuras que mayor eco internacional ha obtenido en la última década. Su trabajo se centra en los problemas de la sociedad contemporánea, se detiene ante sus excesos y trata de darles explicación y respuesta. La suya es una obra trasversal que no ambiciona una evolución progresiva sino que trata de poner el acento en aquello que vivimos y sufrimos todos. Ha hablado sobre incomunicación, sobre el lugar de la mujer, la experiencia laboral bajo el sistema capitalista y ahora lo hace sobre Guantánamo. “La historia –explica Framis– empezó cuando envié a Enrique Vila-Matas todos los nombres de los prisioneros y él hizo de ellos una especie de canción, un mantra que luego fue interpretado por Bargeld. Esta pieza sonora será el núcleo central junto a otra obra de grandes dimensiones que consiste en una instalación de luz y una plataforma con 273 cascos de moto, cortados de una manera que convierte al casco, sinónimo de seguridad, en algo blando y frágil. Metáfora de lo que el gobierno de un país puede a veces representar para los extranjeros”.

Continuar leyendo "Alicia Framis: “El arte ya lo conozco, y lo aborrezco” - Javier HONTORIA"

Enviado por Jose Luis Brea el 6 de Julio | Comentarios (0)

El museo como mensaje - David BARRO

Sobre "El medio es el museo", Comisarios: Pablo Fanego y Pedro de Llano. MARCO. Originalmente en EL CULTURAL


No es la primera vez que una exposición nace con el objetivo de repensar las condiciones actuales del museo como medio, es decir, las posibilidades que éste tiene de ir más allá de su asumida función de contenedor para proponerse a sí mismo como lugar para la experiencia. Indudablemente, tampoco será esta vez la última oportunidad para reflexionar sobre ello, precisamente porque, como aquí se demuestra, son muchos los artistas que buscan esa relación directa con el habitual contexto –el museo– donde la acción de crear, la obra, tiene lugar.

En esta ocasión, un buen título, El medio es el museo, da paso a una afortunada selección de artistas y a un montaje sobrio y preciso. El estudiado trabajo de comisariado se deja ver en todos los momentos de nuestra visita. Sin buscar grandes alardes ni productos políticamente correctos, y sin ningún enfoque cerrado que solape el propio contenido de las obras, poco a poco se nos da paso a las distintas vertientes que encaran la institución como soporte, física y conceptualmente. El guiño a McLuhan en el título puede extrapolarse a unas afinidades electivas con artistas que esquivan lo lineal y que buscan ese sentido de contención del museo que es contenido al mismo tiempo; el medio y el mensaje se contienen el uno al otro y de ahí esa coincidencia que advertimos al pensar en la escala humana que domina cada uno de los trabajos, producto de procurar el encuentro, la relación. Deleuze hablaba de construir una lengua más en el interior de su lengua, y aquí más que nunca el mensaje es el de un museo sumido dentro de una banda de Moebius.

Continuar leyendo "El museo como mensaje - David BARRO"

Enviado por Jose Luis Brea el 6 de Julio | Comentarios (0)

Ignasi Aballí: “Hay que adoptar un punto de vista crítico"- David G. TORRES

Originalmente en EL CULTURAL
Ignasi Aballí pertenece a una generación de artistas catalanes (con Pep Agut o Mabel Palacín) que en los años noventa recuperaron las prácticas conceptuales desde una intensa reflexión sobre el estatuto de la imagen, la pintura, la representación e incluso la condición política del arte. Hace un par de años el MACBA le dedicó una amplia exposición en la que revisitaba algunas de sus obras: desde los cuadros de errores (tapando toda la superficie con Tipp-Ex) o los pantones (cuadros monócromos identificados en aquel caso con ideologías), hasta piezas más recientes como los listados de objetos, personas, oficios o números. Una exposición que supuso el primer punto en la fuerte expansión y visibilidad que ha tenido su obra en los últimos años (Bienal de Venecia incluida). Y en un museo que está a cuatro pasos de su estudio. Allí, en un orden que seguramente Ignasi Aballí entiende, pero que al visitante se le escapa y que contrasta con la austeridad de su trabajo, nos encontramos con el artista para que nos hable de sus recientes proyectos para PHotoEspaña y la galería Elba Benítez. También para hacer un repaso de estos últimos años y de su manera de enfocar el trabajo en arte.

–Presentará una instalación en el Jardín Botánico: ¿de qué se trata?
–Es un encargo complicado: implica trabajar en un gran espacio, abierto durante dos meses y en relación a la fotografía. Finalmente, presento fotografías de malas hierbas, aquéllas que nunca estarán en un jardín y que crecen espontáneamente. Provocan un contraste: las malas hierbas son una inconveniencia en un lugar preparado para la excelencia. Estas imágenes van acompañadas de textos extraídos de manuales de fotografía para jardines. De hecho, el título es Fotografía para jardines.

Continuar leyendo "Ignasi Aballí: “Hay que adoptar un punto de vista crítico"- David G. TORRES"

Enviado por Jose Luis Brea el 6 de Julio | Comentarios (1)

Julio 05, 2008

“Rendition” no es rendición - DAVID G. TORRES

Sobre “Extraordinary Rendition” en la galería Helga de Alvear, Madrid. Originalmente en a-desk

Extraordinary Rendition “es el término acuñado por la administración Bush para definir el cuerpo de nuevas medidas legales que buscan desmontar el actual sistema de Derechos Humanos y desproteger de ellos al ciudadano”. También, es el título de la última exposición de la galería Helga de Alvear (de hecho esta pequeña descripción pertenece a la hoja de la sala de la muestra). Y también daba título a otra exposición en la galería Nogueras·Blanchard hace poco más de un año comisariada por el colectivo Latitudes. Extraordinaria coincidencia. Realmente, parece que el AVE ha hecho poco por acercar el conocimiento entre ambas ciudades, a pesar de que además del AVE existe google y la exposición que organizó Latitudes sale entre las diez primeras entradas del buscador tras teclear las dichosas “Extraordinary Rendition”. Y extraordinario, en cualquier caso, el éxito de la disimulada etiqueta de la administración Bush para camuflar lo que sin duda va en contra de la democracia que tanto preconiza. En el escaso plazo de un año dos iniciativas no han podido evitar la tentación de usarla para titular una exposición.

Continuar leyendo "“Rendition” no es rendición - DAVID G. TORRES"

Enviado por Jose Luis Brea el 5 de Julio | Comentarios (0)

Julio 03, 2008

El sociólogo y el teórico - Pablo Muñoz

Originalmente en papel en blanco

AFTERPOP-u.jpgParece que antes de Afterpop no hubiera nada. Si acaso objetos de lujo, personas o lenguaje. Un gran hueco al que se lanzó muchísima gente a preguntarse qué diantres está ocurriendo que no ha venido nadie o que si no pasa nada, nos lo está explicando eso, nadie. Hubo un pequeño amago, como si fuera un prólogo imaginado de esta novela de relleno que son estos días de la literatura en castellano, con esa inolvidable y excelente introducción del sociólogo Verdú a American Psycho de Breat Easton Ellis, en su edición española de Ediciones B. Verdú nunca ha escrito sobre mapas o pistas, Verdú ha sido siempre nuestro sociólogo y muchas veces nuestro filósofo, cuando los amantes de la libertad deciden saltarse la parte pesada del asunto, como lo llama el apreciado Sergi Bellver. Es fácil interrogarse sobre si Verdú podía ser, leyéndolo ahora el más perspicaz sigue haciéndolo, nuestro crítico. Sobretodo porque Ignacio Echevarría se marchó hace tiempo, con sus obligados Desvíos y Trayectos, no indicó demasiado más.

Continuar leyendo "El sociólogo y el teórico - Pablo Muñoz"

Enviado por salonKritik el 3 de Julio | Comentarios (0)

Julio 02, 2008

La imagen predominante de la publicidad - Entrevista a CATHERINE DAVID

Originalmente en adncultura

david-01-b.jpg

Catherine David llega a la Argentina para compartir lo que ha aprendido en el territorio del arte. Con el bagaje de un respetado trabajo en el mundo cultural, la curadora francesa advierte: "Hoy, lo que recibimos en mayor medida, es un mensaje publicitario. La imagen publicitaria es la dominante. Esa suerte de estatización de la miseria humana que hacen algunos artistas me parece problemático". Esta reconocida historiadora del arte brindará conferencias en el contexto del proyecto, "De rasgos árabes", a cargo del artista español Pedro G. Romero, cuyos debates comenzarán mañana en el Instituto Goethe y continuará hasta el 3 de julio en el Centro Cultural de España (Cceba).

Continuar leyendo "La imagen predominante de la publicidad - Entrevista a CATHERINE DAVID"

Enviado por salonKritik el 2 de Julio | Comentarios (0)

Junio 29, 2008

Georges Perec: El último eslabón - ROBERT SALADRIGAS

Originalmente en La VANGUARDIA

El movimiento dadá y su espíritu de revuelta frente a las convenciones artísticas, fundado en 1916 por Tristan Tzara en Zurich, se extinguió hace ya mucho tiempo, en 1922, cuando fue engullido por la potente magnitud y la cohesión irreductibles del surrealismo que en literatura personificaron André Breton y Louis Aragon. Tan diluido quedó su mensaje de provocación y burla hacia lo decadente, su idea de abolir las fronteras entre la vida y la expresión rotundamente libérrima del arte, la firmeza de la acción contrapuesta a la vaga blandura del gesto poético, que al cabo de tantos años, en un mundo radicalmente transfigurado por las catástrofes bélicas, el auge del materialismo y la pérdida de todo referente moral, del legado de Tzara y los suyos no se conserva siquiera el rastro de las cenizas.

Continuar leyendo "Georges Perec: El último eslabón - ROBERT SALADRIGAS"

Enviado por Jose Luis Brea el 29 de Junio | Comentarios (0)

Objetos fuera de lo común - CARLES GUERRA

Originalmente en La VANGUARDIA


Las salas de exposiciones temporales del Museu d´Art Nacional de Catalunya presentan un desorden inusual. Las cajas se amontonan a la entrada. Todas proceden de Londres y llevan una etiqueta en la que se puede leer: Exhibition: Duchamp, Man Ray, Picabia. Ninguna de ellas indica qué obra de estos artistas ha transportado. Han viajado camufladas entre mercancías de todo tipo. Tan sólo un número desvela qué obra había en su interior. Podría haber sido la Fuente (1917) de Duchamp, un urinario vulgar y corriente convertido en icono indiscutible del arte del siglo XX. A dos semanas de inaugurarse la exposición reposa sobre una peana baja, apoyado sobre la superficie plana que, de haber sido usado, lo conectaría al desagüe. Pero no es así. La porcelana blanca mantiene su aspecto inmaculado. Nadie ha orinado en él. En 1917 Duchamp lo apartó de cualquier valor de uso, lo firmó con un extraño nombre y automáticamente lo convirtió en un objeto problemático, causante de la mayor controversia estética de la historia. Nadie lo diría. Sus formas blancas y pulidas le dan un aspecto inofensivo, parecido al de cualquier escultura de tamaño mediano tallada en mármol. Hay quien incluso ha entrevisto la forma sagrada de la Virgen María.

Continuar leyendo "Objetos fuera de lo común - CARLES GUERRA"

Enviado por Jose Luis Brea el 29 de Junio | Comentarios (0)

El calambur de la novia - IVAN BERCEDO / JORGE MESTRE

Originalmente en La Vanguardia

En 1949 Marcel Duchamp alquiló un segundo estudio en la misma planta del edificio de Greenwich Village donde vivía y envío una carta a Maria Martins. Le pedía que abandonara a su marido y regresase a Nueva York. En aquel estudio podría mantener su preciada independencia y estaría a su lado. Ella se negó y Duchamp dedicó los últimos veinte años de su vida a construir en secreto en aquel lugar un extraño diorama a partir de los bocetos del cuerpo desnudo de Maria que había realizado en los dos años anteriores.

Continuar leyendo "El calambur de la novia - IVAN BERCEDO / JORGE MESTRE"

Enviado por Jose Luis Brea el 29 de Junio | Comentarios (0)

La sonrisa hermética - ANDRÉS HISPANO

Originalmente en La Vanguardia

La herencia indirecta de dadá puede haber recaído en la televisión, sobre una nueva generación de humoristas que se han abierto espacio en franjas adultas que, desde el año 2001, han creado canales televisivos como FOX, Cartoon Network, o MTV.

No es que esos creadores jueguen al absurdo, en la tradición británica del nonsense que tan bien ejercieron los Monty Python, es que son expresamente herméticos y con ganas de no parecerse a nada conocido. Aún más, se permiten atropellos formales de imposible digestión, como el célebre episodio de Wonder Showzen (2005) que llegado a los quince minutos de su ecuador se emitió marcha atrás excusando que así revertirían "cualquier daño causado por la baja calidad del programa".

Continuar leyendo "La sonrisa hermética - ANDRÉS HISPANO"

Enviado por Jose Luis Brea el 29 de Junio | Comentarios (1)

Anti-arte contra no-arte - KIKO AMAT

Originalmente en La Vanguardia

Arte. Ahí es cuando saco el revólver. Nada dispara más mi desconfianza que esa palabra; es como si me advirtieran que alguien disemina ántrax con el aliento. Lo cierto es que no es difícil sospechar del arte: Tiene aspecto de fraude estudiantil, una cosa intangible e inútil que sólo los expertos dominan y que sirve para estamparle a la gente en la nalga un sello con su clase social. ¿Arte? Quita de aquí, anda.

Continuar leyendo "Anti-arte contra no-arte - KIKO AMAT"

Enviado por Jose Luis Brea el 29 de Junio | Comentarios (0)

Junio 26, 2008

Una antología con espíritu - Leonardo Tarifeño

Originalmente en adncultura

mcs.jpg
McSweeney´s. Volumen I
Varios Autores
Debolsillo

Vi a Dave Eggers durante la presentación de un volumen de McSweeney´s , en 2001 o 2002, en San Francisco. Eggers es el creador de la revista, además del autor de las memorias Una historia conmovedora, asombrosa y genial (Planeta) y la novela Qué es qué (Mondadori, de próxima distribución en la Argentina), entre otros libros. Al final de la charla, en el momento de las preguntas del público, dio el número de su celular para responder, allí mismo y de la manera más íntima posible, las dudas que podrían haber surgido tras su alocución. Llegó a la puerta de la sala, se fue al pasillo para atender, de pronto lo único que se supo de él fue el ring del teléfono. Yo lo llamé, pero me dio ocupado.

Continuar leyendo "Una antología con espíritu - Leonardo Tarifeño"

Enviado por salonKritik el 26 de Junio | Comentarios (0)

El final del viaje - Antonio Weinricther

Originalmente en abcd
naomijpg.jpg
El cine clásico se sometía a una normativa sobre la representación que a veces surgía de un consenso implícito y otras adquiría un rango explícito: los códigos de censura que definían los temas e imágenes tabú. Así, la forma de mostrar los procesos orgánicos. A este respecto es curioso observar que las historias de la censura se centran casi exclusivamente en la sexualidad negada, pero igual embargo sufría la muerte. En el modelo clásico no se escamoteaba -como sí se hacía con la genitalidad- la violencia física, la enfermedad y la muerte, pero no se solían presentar en la pantalla directamente sino recurriendo a figuras alusivas como la elipsis o la metáfora: morir ocurría fuera de campo o cuando un personaje salía de cuadro.

Continuar leyendo "El final del viaje - Antonio Weinricther"

Enviado por salonKritik el 26 de Junio | Comentarios (0)

El alma de la función - José María Pozuelo Yvancos

Originalmente en abcd
31.jpg

Los penúltimos
Javier Montes
Pre-textos, 2008

Han pasado veinte años desde la movida madrileña y continúa la tentación explicable de novelar el ambiente de sus bares, discotecas, encuentros furtivos de jóvenes con su dosis de droga y sexo en las calles conocidas de esa capital. Es una manera que la novela tiene de abrirse a las situaciones contemporáneas. Ya lo hizo, a mi juicio con resultados desiguales, en el movimiento surgido en torno a Historias del Kronen, de José Ángel Mañas, continuado hace poco en Cosmópolis, de Lucía Etxebarria.

Continuar leyendo "El alma de la función - José María Pozuelo Yvancos"

Enviado por salonKritik el 26 de Junio | Comentarios (0)

El futuro ya está aquí - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abcd
limmy.jpg

Desde la crisis de los grandes relatos, pocos son los que se aventuran a narrar la Historia, aunque sí muchos los que cuentan historias. El postmodernismo trajo, entre otras cosas que perduran, ese escepticismo hacia los discursos cerrados y unívocos. Y esto, frente a otras épocas no tan lejanas, también se ha trasladado a una disciplina como es la Historia del Arte. Pocos son ya los intentos de historiar algún periodo o aspecto del arte contemporáneo, o, al menos, como antaño se hacía: con meticulosidad y rigor. Ahora se prefiere, fruto de esa crisis y escepticismo, otro tipo de investigaciones más laxas, menos categóricas, con enfoques diferentes y amplias dosis de ambigüedad. Pues bien, esta forma de narrar ha hecho mella en los museos, que son, por otra parte, el principal vehículo que tiene ahora esta disciplina para historiar y hacer historia.

Continuar leyendo "El futuro ya está aquí - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 26 de Junio | Comentarios (0)

Junio 25, 2008

Bruckner: «La paz a cualquier precio esconde cobardía» - Carmen Rodríguez

Originalmente en abcd
bruckner.jpg

Con obras como La euforia perpetua, Miseria de la prosperidad o El nuevo desorden amoroso -en colaboración con Alain Finkielkraut-, Pascal Bruckner (París, 1948) se ha convertido en una voz imprescindible para comprender la compleja época postmoderna.

¿Cómo se ha generado ese masoquismo donde parece que Europa batalla contra sí misma?

Comienza con el examen de conciencia, con la autocrítica, heredada del cristianismo, en parte, sin olvidar a Descartes, en el sentido de un «dudo, luego existo». Pero sobre todo se desarrolla en la Ilustración. Los filósofos se oponen al orden feudal y Europa cuestiona sus principios. Y, después, el culmen de esto sería el comunismo, el socialismo, e incluso un cierto cristianismo de izquierdas. Se pasa todo por el tamiz de la razón, y Europa se va convirtiendo en una juez implacable de sí misma.

Continuar leyendo "Bruckner: «La paz a cualquier precio esconde cobardía» - Carmen Rodríguez"

Enviado por salonKritik el 25 de Junio | Comentarios (0)

La paradoja punk - Steven Taylor

Originalmente en ataraxiamultiple.blogspot.com

Punks-Always-Welcome-Posters.jpg

False Prophet: Fieldnotes from the Punk Underground

La Paradoja Punk y el Problema de la Cultura

[…] Tomando prestada una frase de la teórica de estudios de género Judith Butler, en el punk la identidad está "en problemas."

La palabra problema viene del sustantivo latín turbula,* que quiere decir grupo desordenado. Su forma verbal significa desarreglar, causar un disturbio, agitar, confundir, poner a prueba, complicar, incomodar, causar molestias, preocupar, perturbar o acosar. En este caso, problema invoca un disturbio a las reglas y a las categorías naturalizadas, exigiendo que se cuestione lo que se considera la norma. Esto también describe la manera punk de bailar. Lo que estoy llamando la comunidad punk es un "grupo desordenado" cuya manifestación más típica puede ser vista en su música y danza. Fueron los músicos y quienes bailan con esta música los que iniciaron y codificaron al punk como un movimiento. Tocar música y bailar son las actividades más características del punk, y son el foro en donde la "identidad" se constituye y se cuestiona, donde se construye y se desconstruye. En el punk la identidad es representada como una paradoja.

Continuar leyendo "La paradoja punk - Steven Taylor"

Enviado por salonKritik el 25 de Junio | Comentarios (0)

Junio 23, 2008

El ejercicio crítico de la filosofía, entrevista a Barbara Cassin - Gustavo Santiago

Originalmente en adncultura

googlemoi.jpg


Barbara Cassin (París, 1947) es una de las principales filósofas francesas contemporáneas. Directora de investigación en el Centre National de la Recherche Scientifique, sus trabajos se caracterizan por un marcado esfuerzo por encontrar en los textos filosóficos algunas claves que permitan pensar el mundo actual. En su reciente paso por la Argentina, la filósofa participó de varios debates sobre filosofía, política y estética, y presentó dos de sus últimos libros: Googléame . La segunda misión de los Estados Unidos y El efecto sofístico , que acaban de ser editados en nuestro país por el Fondo de Cultura Económica. En diálogo con adn CULTURA recorrió los aspectos centrales de su producción reciente, evocó experiencias personales de Mayo del 68 y se refirió, entre otros temas, a la actualidad de la filosofía y a la relación entre cultura e información.

¿Cómo vive su relación con la filosofía?

Adoro leer libros filosóficos. Y me parece algo muy extraño que plantearse preguntas fundamentales, como hacemos los filósofos, sea un oficio. Que a alguien le paguen por preguntarse si Dios existe es genial.

Continuar leyendo "El ejercicio crítico de la filosofía, entrevista a Barbara Cassin - Gustavo Santiago"

Enviado por salonKritik el 23 de Junio | Comentarios (0)

Un escritor egipcio en París - Conversación con Albert Cossery

Originalmente en la revista Líneas de Fuga

albert-cossery-bis.1175070705.jpg

Albert Cossery nació en el Cairo en 1913 y murió ayer domingo 22 de junio de 2008 en el hotel de la Louisiane en Saint-German-de-Prés, donde vivía desde hace sesenta años. Escritor egipcio de lengua francesa. Sus novelas y relatos encontraron en Albert Camus y Henry Miller lectores entusiastas y fue amigo también de Lawrence Durrell, de Raymond Queneau, de Jean Genet y de Alberto Giacometti

A continuación transcribimos una conversación entre el escritor egipcio y Michel Mitrani.

Michel Mitrani. Albert Cossery, ¿Cómo se convierte uno en un escritor en lengua francesa?

Albert Cossery. Es muy sencillo, y al mismo tiempo azaroso. Es decir, estudié en una escuela francesa y luego en el liceo. Comencé a escribir novelas en francés a los diez años. Pero en esa época todavía no podía pensar: ¿escribiré en árabe o en francés? Entonces no era un problema. Fue sobre todo a través de mis lecturas de libros en francés, que comencé a escribir y continué haciéndolo así sin darme cuenta…

Continuar leyendo "Un escritor egipcio en París - Conversación con Albert Cossery"

Enviado por salonKritik el 23 de Junio | Comentarios (0)

El «entropólogo» deconstructor - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abcd

palenque-u.jpgLa deconstrucción tiene lugar; aunque, por un lado, sea deshacer, descomponer, desedimentar estructuras, en el sentido más radical es, según Derrida, un acontecimiento. Smithson ofrece huellas de esos lugares que «se deconstruyen»: los vacíos monumentales de Passaic, los paisajes industriales de Oberhausen o el espectral hotel Palenque, ilógico, sin centro, ni recorrido posible. Se produce una subversión de los non-sites que contenían la disgregación del emplazamiento. Esos mapas tridimensionales son fragmentos de una fragmentación mayor: «contienen la ausencia de la propia contención».

Las fotos y los dibujos, más que la evidencia física del hotel Palenque, son experiencias de la ausencia sin asideros: escándalo de algo que está siempre en otro lugar. Esta arquitectura entrópica es un arte de mirar. Las obras están cargadas de tiempo; la aceleración hace que se hundan en un pasado remoto o en un «futuro chapucero».

Continuar leyendo "El «entropólogo» deconstructor - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 23 de Junio | Comentarios (0)

Junio 19, 2008

El crítico como "disc-jockey" - Ignacio Echevarría

Originalmente en elmercurio.com

494976575_926f977c24.jpg

Convertida ella misma en una ideología, la democracia va siendo parasitada por el mercado, que adopta sus estrategias y su lenguaje. Las películas se anuncian proclamando el número de espectadores que las han visto, y los editores se apresuran a reeditar las novedades de éxito con una faja en la que se consigna el número de ejemplares vendidos. No sé en Chile, pero en España, de un tiempo a esta parte, los periódicos se muestran cada vez más aficionados a proponer y publicar encuestas de opinión. La tendencia es ilustrar toda suerte de noticias acompañándolas de una valoración -un porcentaje, en realidad- obtenida a partir de las respuestas de los lectores a las más variadas preguntas.

Continuar leyendo "El crítico como "disc-jockey" - Ignacio Echevarría"

Enviado por salonKritik el 19 de Junio | Comentarios (1)

Junio 18, 2008

Las extravagancias de Burroughs - Sergio Parra

Originalmente en papelenblanco.com

william_s_burroughs-1.jpg

Junto a Jack Kerouac y Allen Ginsberg, William S. Burroughs fue uno de los apóstoles de la contracultura de los años 60, y también perteneció literariamente a la Generación Beat, aquélla apegada a los garitos de jazz decadentes, a las calles, a lo sórdido. Aprovechando que se cumplen 10 años de la muerte del autor de obras tan marcianas como El almuerzo desnudo, describiremos algunos de sus episodios personales que demuestran que Burroughs podría haber pasado perfectamente por uno de los personajes de sus novelas.

Continuar leyendo "Las extravagancias de Burroughs - Sergio Parra"

Enviado por salonKritik el 18 de Junio | Comentarios (0)

Junio 17, 2008

Terror minimalista - Ramón Monedero

Originalmente en miradas.net

3585.jpg

(The Happening, M. Night Shyamalan, 2008)

Imagino que todo el mundo recuerda aquella portentosa secuencia de Con la muerte en los talones (North by Northwest: Alfred Hitchcock, 1959) en la que Cary Grant era perseguido por una avioneta en un espacio abierto en el que apenas, existía una grieta en la que resguardarse. También imagino que todo el mundo recordará cuales fueron las intenciones de Alfred Hitchcock cuando filmó aquella escena; rodar un momento tipificado dentro del cine de suspense pero en un contexto completamente opuesto al habitual, en vez de un callejón oscuro en algún recóndito rincón de una gran ciudad, el orondo cineasta británico prefirió forzar su propio ingenio y conseguir los mismos resultados en un decorado, en principio, ajeno a aquella situación. Pues bien, tengo la sensación de que algo así es lo que se ha propuesto M. Night Shyamalan para su última película, El incidente (The Happening; 2008), rodar un largometraje de terror, pero desnudándolo de sus entornos habituales y aún más, situando la historia en un contexto completamente opuesto. Todo el metraje de El incidente transcurre a plena luz del día y a penas, hay espacios cerrados, no hay sombras amenazantes y tampoco apariciones monstruosas o fantasmales y en cambio, se pasa miedo.

Continuar leyendo "Terror minimalista - Ramón Monedero"

Enviado por salonKritik el 17 de Junio | Comentarios (2)

El universo moribundo - Alicia Albares

Originalmente en miradas.net

elegy_parejablog.jpg

(Isabel Coixet, 2008)

Hasta ahora, en las películas de Isabel Coixet encontrábamos siempre unas constantes que, no por repetirse, restaban originalidad y valor a sus argumentos, sino que nos enseñaban a una autora capaz de defender su universo creativo desde la confirmación de que sabe a dónde se dirige porque tiene cosas que contar en cada filme. De ahí que la reiteración de símbolos como la lluvia, la lavandería desierta, los mensajes que se quedan en el camino se convirtiera en instrumento que la directora cargaba de sentido y utilizaba en la construcción de sus historias, sin erigirlos en objetivo final de las mismas. Esta cualidad para narrar con exquisita belleza formal cuentos tristes y románticos, que ahondaban en los recovecos más profundos de las emociones humanas, es lo que le ha permitido a Coixet hacerse con un público fiel y variopinto, consolidado, que ha sabido proporcionarle una reputación (no siempre unánime, polémica en ocasiones), responsable de crear su imagen de autora personal e independiente.

Continuar leyendo "El universo moribundo - Alicia Albares"

Enviado por salonKritik el 17 de Junio | Comentarios (0)

Junio 15, 2008

Personalísimo Arrechea - Andres Isaac Santana

Originalmente en abcd

03-u.jpgAlgunos dudaron. Yo no? Desde que en el año 2003 se hiciera pública la noticia de su divorcio -prematuro para unos pocos- del grupo de artistas cubanos bautizado por Gerardo Mosquera como Los Carpinteros, se generó una gran expectación y comprensible especulación sobre la que terminaría por ser una de las más sólidas carreras de entre los artistas cubanos que residen fuera de la Isla. He de confesar que a raíz de este alboroto, y habiendo visto ya en España muchas de las nuevas obras de Arrechea -quien entonces como ahora produce de un modo furibundo, casi demencial-, no tuve dudas de que el camino en solitario de Alexandre Arrechea (alias JACA, como le conocen los amigos), tenía garantizado -per sé- el pasaporte al éxito rotundo.

A ello se suma -como corroboración de mi sospecha que no era más que pura afirmación interior- la impresión que causó en mí la pieza tremendamente soberbia y espectacular El jardín de la desconfianza (2005). Y es que todo hay que decirlo: Jaca es un excelente artista, un hacedor fino y sofisticado que sabe fraguar -con elegancia y pericia extrema- los recursos provenientes del universo de las formas y del mejor oficio, con los ardides retóricos y soportes conceptuales que afloran del buen pensamiento, premeditado y eficaz.

Continuar leyendo "Personalísimo Arrechea - Andres Isaac Santana"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

Junio 10, 2008

El "suave terror" de la deconstrucción - RENE GIRARD

Originalmente en fractal.com.mx

SlidingText_FR.jpg

A mediados de los años 60, los teóricos preferidos en nuestro departamento de literatura eran “los nuevos críticos”. Solían convocar a sus estudiantes a no ensuciarse las manos con la prosa de Jean Paul Sartre y su dudosa banda de “filósofos continentales”. En cierto modo, creían que la influencia europea no podía más que corromper a los estudios literarios y transformarlos en esa “mezcla maligna” denunciada por Ulises al comienzo de Troilo y Créssida. En realidad, este aislacionismo intelectual ya estaba perdiendo prestigio. Mientras más sobrevivían los viejos tabúes, el deseo de trasgredirlos se intensificaba. En esos mismos años, el joven Jacques Derrida publicaba en París los ensayos que poco tiempo después se convertirían en la Biblia de los deconstructores estadounidenses. Derrida transformó a la aproximación posestructuralista de la lingüística saussuriana en una herramienta para la deconstrucción de todo lenguaje. Desde Heidegger mismo, al que Derrida consideraba el filósofo supremo a ser deconstruido, todas las doctrinas sobre la verdad habían sido desacreditadas, y el nihilismo radical se había establecido sobre bases firmes.

Continuar leyendo "El "suave terror" de la deconstrucción - RENE GIRARD"

Enviado por salonKritik el 10 de Junio | Comentarios (1)

Junio 09, 2008

Hipercrítica de Australia, de Jorge Carrión - Vicente Luis Mora

Originalmente en vicenteluismora.blogspot.com
Portadaaustralia.jpg
Tengo que confesarles una cosa: me aburren extraordinariamente los libros de viajes. Siempre me ha pasado. Lo he intentado todo, he leído a los más diversos autores, pero no suelen decirme nada. Me encanta viajar, y no puedo estar muchas semanas sin conocer un sitio nuevo, pero en mi caso ese amor al viaje tiene un problema: no puedo estremecerme en cabeza ajena. Quiero ver las cosas, los edificios, los paisajes, por mí mismo, porque mostradas por otros (mediante sus textos, sus fotografías o sus vídeos) no me dicen nada. Es una intolerancia natural, como la que otros tienen a la lactosa o a las palabras con el prefijo hiper. Quiero decirles esto para explicarles que algunas partes de Australia. Un viaje, me han aburrido, pero no por culpa de Jorge Carrión, que las ha escrito muy bien, sino porque sus descripciones de los aviones o trenes que toma, las conversaciones no siempre sustanciales que mantiene con familiares o lugareños, las anotaciones de lo que come o a qué hora se levanta, me hubieran aburrido mortalmente aunque las hubieran escrito Bruce Chatwin, Magris, Sebald, Cela, Basho o un renacido Shakespeare dedicado a peregrinar por el planeta.

Continuar leyendo "Hipercrítica de Australia, de Jorge Carrión - Vicente Luis Mora"

Enviado por salonKritik el 9 de Junio | Comentarios (1)

Junio 08, 2008

La caricia mortal del filo de la navaja - Gemma Aguilar

Originalmente en e-limbo

0018.jpg... fuego cruzado... siempre fuego cruzado... en un abrir y cerrar de ojos todo es nada, y otra vez lo mismo: como en un sueño instantáneo y radical que desvela lo que había pero ya no está más... al abrir los ojos. Sueño




Continuar leyendo "La caricia mortal del filo de la navaja - Gemma Aguilar"

Enviado por salonKritik el 8 de Junio | Comentarios (0)

Marcel.Lí Antunez, en cuerpo y prótesis - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

marceli_netnova-u.jpgEn uno de los monólogos del vídeo autobiográfico El Dibujante, el propio Antúnez se autoproclama «artista científico» y declara que su cometido principal consiste en la creación de una bacteria que enviará al espacio para poblar un mundo nuevo, un nuevo estado de vida y una nueva forma no planificada de evolución. Está claro que Antúnez, aún dentro de sus múltiples facetas, a menudo difíciles de encasillar, es un creador que, en lugar de contentarse con repetir paradigmas convencionales de artista, reinventa nuevos modelos de creación basados en su teoría de la «transpermia» y su convencimiento de que los cometas que se estrellaron contra la Tierra dando origen a la vida en nuestro planeta estaban henchidos de materia biológica, es decir, de bacterias y esporas (lo que a nivel científico se conoce como la hipótesis de la «panspermia»).

De ahí la pasión -rayana en la obsesión- de Antúnez por los procesos biológicos y orgánicos con una singular aportación: más que el modelo antropológico de la relación entre el ser humano y las herramientas, lo que prevalece es el proceder instrumental, los artefactos técnicos y la «vida artificial», según la cual la mente sería una «máquina de carne» que actuaría como hardware, es decir, como un procesador interno con control absoluto sobre el cuerpo a modo de software moldeable.

Continuar leyendo "Marcel.Lí Antunez, en cuerpo y prótesis - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 8 de Junio | Comentarios (0)

Junio 07, 2008

El cine según Slavoj Zizek - Valeria de los Ríos y Matías Ayala

Originalmente en la fuga

zizekk-u.jpgQuizá uno de los acercamientos recientes más provocativos en torno al cine sea el del a la vez filósofo y psicoanalista Slavoj Zizek. Influenciado por G.W.F. Hegel, Karl Marx y Jacques Lacan, Zizek explora las posibilidades que otorga el cine para pensar en términos visuales. De Hegel rescata principalmente el método dialéctico, que en la versión del esloveno no llega jamás a una síntesis; de Marx se interesa por la crítica de la ideología; y de Lacan, toma el marco teórico y la terminología en torno a la construcción del sujeto. No se trata, en su caso, de aplicar directamente el psicoanálisis a los productos de la cultura contemporánea –uno de los ejercicios más predecibles e improductivos del campo académico–, sino de articular algunos de los conceptos centrales de la teoría lacaniana: lo Simbólico y lo Real, la mirada y la voz. El cine es el arte de las apariencias y las fantasías, por ello, es capaz de decirnos cómo la realidad misma se constituye como una construcción ideológica, social o simbólica. En este sentido, la ficción cinemática es más real que la realidad misma. Según Zizek, para entender el mundo de hoy necesitamos del cine, ya que en él encontramos esa dimensión crucial que no estamos listos para confrontar en nuestra propia realidad.

Continuar leyendo "El cine según Slavoj Zizek - Valeria de los Ríos y Matías Ayala"

Enviado por salonKritik el 7 de Junio | Comentarios (0)

Junio 03, 2008

REDESCUBRIENDO AMÉRICA - César Romero

De Tijuana a la Patagonia
¿qué quedará de la "nueva" narrativa hispanoamericana?

Originalmente publicado en diariodecadiz.es

descubrimiento.jpegLas lenguas tienen sus trampas, una de ellas es dar demasiadas cosas por sentadas. Si se dice "nuevos narradores hispanoamericanos" inmediatamente se piensa en escritores nacidos en Hispanoamérica no hace más de treinta o treinta y cinco años. Casi nadie pensará en un escritor portugués o brasileño. ¿Pero acaso no es hispanoamericano Paulo José Miranda (Portugal, 1965) del que se tradujo el pasado año la novela Un clavo en el corazón? El gran sociólogo Gilberto Freyre tiene un título que es toda una declaración (y podría extenderse al portugués): O brasileiro entre os outros hispanos. Y cuando se dice "nuevos", ¿nuevos para quién, dónde, desde cuándo? ¿Acaso no son "nuevos", para los lectores aquende el Atlántico, autores como el argentino Fogwill (1941) o el venezolano Israel Centeno (1958) o el uruguayo Mario Levrero (1940-2004) o el chileno Carlos Franz (1959), algunos de cuyos libros están siendo reeditados ahora mismo en España por editoriales como Periférica, Caballo de Troya o Alfaguara, respectivamente? ¿Acaso no serían nuevos los argentinos C.E. (Charlie) Feiling (1961-1997), cuyas tres irónicas novelas aquí aún no se han publicado, y Juan Filloy (1894-2000), del que sólo está disponible el desopilante Caterva?

Continuar leyendo "REDESCUBRIENDO AMÉRICA - César Romero"

Enviado por salonKritik el 3 de Junio | Comentarios (0)

Junio 02, 2008

ITALO CALVINO Y LA ESCRITURA CIBERNÉTICA - Paolo Fava

Originalmente publicado en papel en blanco
En su ensayo de 1967 Cibernética y fantasmas. Apuntes sobre la narrativa como proceso combinatorio Italo Calvino expone una teoría de la literatura polémica como han sido pocas. Según él, el autor literario puede ser eliminado como sujeto y reducido a una serie de funciones que tan bien o mejor podría realizar una máquina programada a tal efecto. En este ensayo Calvino no sólo mata a al autor: se atreve a aventurar que la literatura no perdería nada, incluso ganaría en eficacia, si su producción no estuviera en manos de seres humanos.

Esas constantes están determinadas por constricciones del lenguaje, es decir, que cualquier historia es posible mientras no rompa reglas linguísticas que la hagan incongruente (el castigo no puede llegar antes de la transgresión, por ejemplo). Toda la ficción y toda la literatura pueden reducirse por lo tanto a una serie de selecciones con posibilidades dadas. Un narrador no hace otra cosa que ejercer esa operación mecánica de selección, siguiendo una serie de reglas intuitivas. Pero ese proceso binario de elegir entre opciones ¿no lo realizaría mejor un cerebro electrónico que uno humano, si conocieramos científicamente todas las reglas subconscientes que rigen el lenguaje?

Continuar leyendo "ITALO CALVINO Y LA ESCRITURA CIBERNÉTICA - Paolo Fava"

Enviado por salonKritik el 2 de Junio | Comentarios (0)

Peligro: Libros explosivos - Javier MONTES

Originalmente en abcd

book-u.jpgEl uso del libro como soporte artístico (y como verdadero subgénero aparte) tuvo su época supuestamente gloriosa después de la Segunda Guerra Mundial. Fue también, para qué engañarnos, un periodo algo antipático aquél del engolado livre d´artiste, carísimo y finísimo, de tiradas reducidísimas y con lista de espera, mostrado reverencialmente después de la cena por coleccionistas ricachones y enguantados comme il faut. El invento lo venían perfeccionando los franceses durante todo el siglo, y la pomada del mundillo se moría por una edición numerada de Vollard, de Kahnweiler, de Skira, Tériade o Maeght.

Había variantes: lo fetén era contar con un «libretista» de renombre que escribiera algo expresamente para el autor en cuestión, como en aquella Prosa del Transiberiano, de Cendrars, que coloreó Sonia Delaunay. Pero también podía el artista ilustrar sus propios textos: Matisse unió en el mítico Jazz sus palabras garabateadas a las reproducciones de sus découpages de papeles de colores: el pulso temblón le había obligado a cambiar el pincel por las tijeras, y el libro resultó ser su gran obra de madurez final.

Continuar leyendo "Peligro: Libros explosivos - Javier MONTES"

Enviado por salonKritik el 2 de Junio | Comentarios (0)

Mayo 29, 2008

Pioneros del 'media lab' - José Luis DE VICENTE

Originalmente en el cultural

23282_1-u.jpgTras la muerte de Robert Rauschenberg, merece la pena recordar uno de los episodios más ignorados pero quizás más trascendentales de su trayectoria: el que le situó en el centro de la primera apuesta ambiciosa por unir ciencia y arte: E.A.T., Experimentos entre el Arte y la Tecnología.

La historia arranca con Billy Klüver, un ingeniero que a mediados de los 60 trabaja en el centro de investigación de comunicaciones Bell Labs y que siente un gran interés por el dinamismo que se vive en esos momentos en la escena artística neoyorquina. En 1966, Klüver se dirige a Rauschenberg con la propuesta de iniciar una colaboración experimental entre ingenieros de Bell y artistas. 9 Evenings: Theatre & Engineering muestra en el inmenso espacio del Armory el resultado del diálogo entre unos creadores –John Cage, Öyvind Fahlström– que proponen usos no imaginados antes de líneas telefónicas o enlaces de radio, y unos técnicos entusiasmados por abordar una nueva clase de problemas.

Continuar leyendo "Pioneros del 'media lab' - José Luis DE VICENTE"

Enviado por salonKritik el 29 de Mayo | Comentarios (0)

Sergio Mah - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

SergioMahDClifford-u.jpgNo se ha trasladado a Madrid, y no ha dejado sus clases en la facultad de Ciencias Sociales y Humanas de la Universidad de Nova Lisboa y en AR.CO (Centro de Comunicaçao Visual), pero las ha reducido y concentrado todas en un día de la semana, el lunes, cuando habla durante nueve horas. No es desde luego alguien que se quede sin palabras. Tiene todos los cabos de su programa bien agarrados y lo defiende con convicción. No parece cansado, a pesar de que se ha implicado al límite en este PHotoEspaña 2008. Tiene por delante la dirección artística de otras dos ediciones pero se le ve con el empuje necesario para llevarlas a buen término; a lo largo de la entrevista, en las oficinas de La Fábrica en Madrid, ha estado echándose hacia delante sobre la mesa –lo tengo enfrente– y a su término comprobamos que la ha desplazado medio metro.

–Me imagino que conoce bien la trayectoria del festival, no sólo porque, como nuevo comisario general, habrá tenido que revisar todo lo hecho hasta ahora sino también porque, como director de Lisboa Photo en 2003 y 2005, estaría pendiente de lo que otros festivales internacionales programaban. Asumir la dirección artística de PHotoEspaña en la undécima edición, después del intermedio del décimo aniversario, supone inaugurar una nueva etapa. Díganos cómo interpreta su evolución en términos objetivos y estrictamente fotográficos.

Continuar leyendo "Sergio Mah - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 29 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 27, 2008

En las nubes - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abcd

Oriol.jpgEscribía María Zambrano que el dibujo pertenece a la especie más rara de las cosas: «A aquella que apenas si tiene presencia: que, si son sonido, lindan con el silencio; si son palabras, con el mutismo; presencia que de tan pura, linda con la ausencia; género de ser al borde del no-ser». Tenemos que entender el dibujo como una estructura compleja de problemas diferenciados, una forma con la que vencer los acontecimientos o la posibilidad para volver a tener presente la imagen que tenemos de ellos; advirtamos la equivalencia que se puede establecer entre dibujar y pensar, siendo ambos casos procesos que dan cuerpo a una realidad conflictiva.

Juan José Gómez Molina advertía en el libro Las lecciones del dibujo que la acción de dibujar nos representa a nosotros mismos en la acción de representar, clarifica los itinerarios de nuestra conciencia, haciéndose evidente ante nosotros mismos: Dibujar es fundamentalmente definir ese territorio desde el que establecemos las referencias. Representar es, por tanto, un acto controlado y difícil de evocaciones y silencios establecidos por medio de signos que somos capaces de descifrar por su preexistencia en la memoria histórica.

Continuar leyendo "En las nubes - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 27 de Mayo | Comentarios (1)

Un grande entre los grandes - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

eugene-u.jpgSólo unos meses después de su muerte en 1927, Eugène Atget fue incluido en la que sería su primera exposición, el Primer Salon Internacional de la Foto de París de 1928, que mostró una muy rica selección de los fotógrafos contemporáneos más conocidos. Fue también la primera vez que un crítico de arte, Waldemar George, escribió sobre su obra («de un modesto mago») y la comparó con la de Monet, Ernst, Chirico y Louis Aragon. También otro crítico lo comparó con un extraño poeta romántico cuya sensibilidad derivaría del pasado. Pero lo mejor que pudo ocurrir para la definitiva consagración de Atget fue que sólo unos días después de cerrar la mencionada exposición, la fotógrafa norteamericana Berenice Abbot comprara toda su colección (1.500 negativos y 10.000 fotos) e iniciara, con la ayuda del galerista Pierre Levy, lo que fueron cuarenta largos años de mecenazgo y de internacionalización de una obra que quizás sólo habría pasado a la Historia como un simple documento epocal. Es muy elocuente al respecto la anécdota según la cual cuando en 1926 May Ray publicó cuatro fotografías de Atget en la revista La Révolution surréaliste, éste le pidió que su nombre quedara oculto declarando que eran «documentos y nada más».

Continuar leyendo "Un grande entre los grandes - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 27 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 26, 2008

La ciudad «collage» - Javier Molins

Originalmente en abcd

cons_hab_per-u.jpg¿Puede ser la filosofía el vínculo entre la arquitectura y el arte contemporáneo? Esta es una de las preguntas que se plantean en esta exposición, sin que se pueda encontrar en ella una respuesta clara. Esa idea se plasma ya desde el primer momento en el título de la muestra: Construir, habitar, pensar. Perspectivas del arte y la arquitectura contemporánea. Dicho título está tomado a su vez del de la conferencia que el filósofo alemán Martin Heidegger pronunció en Darmstadt en 1951.

Seres «habitables». En ella, Heidegger realiza una reflexión sobre la carestía de viviendas que padecía Alemania tras los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial que habían destruido ciudades enteras. «El habitar sería, en cada caso, el fin que persigue todo construir», señala Heidegger, quien relaciona el término buan, que en alemán antiguo significa construir, con la expresión ich bin («yo soy») porque «el modo como tú eres, yo soy, la manera según la cual los hombres somos en la tierra es el buan, el habitar».

Continuar leyendo "La ciudad «collage» - Javier Molins"

Enviado por salonKritik el 26 de Mayo | Comentarios (0)

DÉFICIT de glucosa en sangre * Imágenes granuladas - Gemma Aguilar

Originalmente en e-limbo

deficit.jpg.. y lo peor de todo, casi al final, es el temor al bajón de azucar que anuncia el posterior subidón: auto impuesto y anhelado (pero no tan frío ni amargo como como el fin de todo suspense ((esto, claro, es una alegoría radiante que surge de todo aquello que no queremos(((y hacemos))) en nuestras vidas, de nuestras vidas...))

a primera hora, cuando, ojeado el ADN, cojo el libro en el metro, descubro, con horror, la armonía cromática entre ambos: pongo cara de aquí-no-ha-pasado-nada pero una incómoda sensación me acompaña ya todo el trayecto, pringada con la nocilla.

Continuar leyendo "DÉFICIT de glucosa en sangre * Imágenes granuladas - Gemma Aguilar"

Enviado por salonKritik el 26 de Mayo | Comentarios (0)

Fotografía de época - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abcd

NaturalezaIngravita.jpgDe alguna forma, y muy probablemente sin proponérselo, el trabajo fotográfico de Bruno Arbesú incluido en esta muestra resulta totalmente esclarecedor de lo que ha sido la puesta en marcha de esta decimonovena convocatoria de Circuitos: sus imágenes fotográficas, centradas en los mítines de los partidos políticos en plena campaña electoral, con una estética que recuerda a la de Gursky, nos advierten en cierta manera de la necesidad de estar atentos a todos los movimientos de nuestros gobernantes, por muy con piel de cordero que se vistan. Y es que, sin que queramos, una vez más nos vemos obligados a hablar de política al referirnos a una cita artística. Porque sus ocurrencias y desmanes casi convierten esta edición de Circuitos en un cortocircuito sin sentido: aplazamiento de su inauguración, búsqueda infructuosa de nueva sede para su exhibición, reducción de su presupuesto, dudas sobre su itinerancia y su futuro...

Continuar leyendo "Fotografía de época - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 26 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 19, 2008

Resistencia pasiva contra los «camaradas» - Fernando Castro Flórez

Originalmente en ABCD

KOUDELKA-U.jpgEl principio según el cual un acontecimiento, para convertirse en histórico, debe existir en el instante, ha sido introducido por la fotografía, no cabe la menor duda. «Tanto si se trata -señala Vicent Lavoie- del cliché que representa la muerte heroica del soldado republicano durante la Guerra Civil española, de la imagen de la niña vietnamita quemada por el napalm, de la que muestra a un soldado en Berlín pasando al Oeste o de la fotografía que presenta la inmolación de un monje budista, el principio es el mismo: la fotografía de acontecimientos cristaliza los episodios más marcantes de la historia». Tenemos bastantes instantáneas de aquel momento en el que la máscara del «socialismo con rostro humano» fue sustituida por el semblante hierático de un militar que, a fin de cuentas, no entiende nada.

40.000 tanques. El 20 de agosto de 1968 165.000 soldados del Pacto de Varsovia con 4.600 tanques invadieron a la indefensa Checoslovaquia; los estudiantes intentaron detener la ocupación sentándose ante los blindados o hablando en ruso con los militares que tenían órdenes estrictas de mantenerse ajenos a cualquier tipo de provocación. Sin embargo, las balas impusieron su ley y el himno nacional sonó en Radio Praga para dar la señal dramática de que todo había terminado. En las calles aparecieron grafitis en los que la furia se mezclaba con el humor negro: «Ha llegado el circo nacional ruso, al completo con gorilas y todo», «Esto no es Vietnam!», «¡Lenin ha resucitado!».

Continuar leyendo "Resistencia pasiva contra los «camaradas» - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 19 de Mayo | Comentarios (0)

Esplendor coleccionista en California - Anna María Guasch

Originalmente en ABCD

lacma-u.jpgEl pasado mes de febrero el más importante museo de arte de Los Ángeles, Los Angeles County Museum (LACMA), abrió las puertas y zanjó momentáneamente la polémica en torno a una de las ampliaciones más esperadas en los últimos años: la apertura del llamado Broad Contemporary Art Museum (BCAM) que une en su corta historia dos nombres de singular relevancia: la del arquitecto Renzo Piano y la de los filántropos californianos Eli y Edythe Broad. Todo empezó en 2003, cuando el propietario de una de las mayores fortunas de California, el coleccionista y patrón del LACMA, Eli Broad, donó al museo una cantidad aproximada de 60 millones de dólares, cincuenta para sufragar el edificio y los diez restantes para la adquisición de obras con una sola condición: él decidiría, con o sin el consentimiento de los responsables del museo, el nombre del arquitecto y bajo su responsabilidad recaería la elección de las obras de su propia colección que llenarían los nuevos espacios.

Continuar leyendo "Esplendor coleccionista en California - Anna María Guasch"

Enviado por salonKritik el 19 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 18, 2008

Dominique Gonzalez-Foerster - Javier HONTORIA

Originalmente en el cultural

dominique-u.jpgDominique Gonzalez-Foerster nació en Estrasburgo en 1965 pero ella, más que francesa, dice que querría ser un cruce entre brasileña y japonesa. Son, está claro, sus “escenarios” favoritos. Viajera incombustible, trabaja sobre el lugar y transforma sutilmente los espacios proponiendo nuevas formas de experiencia. A ésto lo llama ella “tropicalización”. Los suyos no son proyectos cerrados. Cada uno de ellos es, en número, tantos como sensaciones suscita en quien los experimenta.

En octubre se desvelará su proyecto en la Sala de las Turbinas de la Tate Modern cuando todavía repica el eco de su intervención en Münster, un pequeño “museo” en el Promenade de la ciudad alemana en el que vimos versiones a escala de algunas de las piezas que han participado en las sucesivas ediciones del Proyecto de Escultura. El trabajo se llamaba, significativamente, Roman de Münster (Novela de Münster). Y es que la literatura es una de las grandes obsesiones de la artista, algo que el visitante de Nocturama, su exposición en el MUSAC, vivirá en primera persona. Su trabajo suscita la experiencia colectiva pero hay también algo de autobiografía, con guiños a un largo e intenso camino recorrido.

Continuar leyendo "Dominique Gonzalez-Foerster - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 18 de Mayo | Comentarios (0)

La construcción (visual) del sujeto - Víctor Zarza

Originalmente en ABCD

Refiriéndose a las primeras experiencias del llamado videoarte, Rosalind Krauss señalaba la frecuente presencia del cuerpo humano en este tipo de obras. Una presencia que se extendía más allá de la aparente del propio artista -muchas veces sujeto/objeto visible de su trabajo- hasta alcanzar al del espectador, quien, desde aquel momento, comenzaría a verse involucrado de forma activa en el proceso de recepción; como consecuencia de ello, de paciente pasaría a convertirse en coagente del «funcionamiento» de las piezas. Esto es lo que reclama de manera inequívoca Judith Barry (Columbus, Ohio, 1954), de quien ahora se muestra una selección de obras que recoge algo más de dos décadas de su producción audiovisual y que constituye su primera muestra de estas características en Europa.

Continuar leyendo "La construcción (visual) del sujeto - Víctor Zarza"

Enviado por Jose Luis Brea el 18 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 17, 2008

Suicidio en el hotel Vídeo - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

El videoarte germinó durante los setenta en un contexto marcado por las protestas contra la guerra y los movimientos de liberación sexual. Su evolución ofrece una trayectoria que puede leerse, en términos sociales, como la de un formato de individuaciones cada vez mayores de unos artistas tensándose por cortar amarras de lo que les sostiene, el mercado. Después de cuarenta años, la nueva narrativa de la videocreación ocupa hoy, con el cine y el teatro, el lugar de la legitimación filosófica e ideológica institucional. Si bien es cierto que el trasfondo imaginario de los trabajos de Doug Aitken, Eija-Liisa Ahtila, Shirin Neshat, Douglas Gordon, Alexander Sokurov o Yang Fudong no es el mismo que el de los mejores Bill Viola, Gary Hill, Chris Burden, Michael Rovner, Martha Rosler o Michael Snow, a su favor tienen que en aquellas manos este soporte -reducido primariamente para su visionado en pantallas de televisión o precarias instalaciones- ha ensayado un tipo de aventura estética para un espectador omniabarcante, activo en toda comprensión temporal de la forma artística y capaz de determinar si la espacialidad contiene prioridades temáticas genuinas.

Continuar leyendo "Suicidio en el hotel Vídeo - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 17 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 14, 2008

La conquista del tiempo - Miguel Á. Hernández-Navarro

Originalmente en no(ha)lugar

nohalugar-u.jpgGiacomo Marramao. Kairós. Apología del tiempo oportuno. Barcelona, Gedisa, 2008.

Hace una semana, a raíz del comentario de ‘Del sentir’, de Mario Perniola, decía que la filosofía italiana no cesaba de dar muestras de inteligencia y sagacidad con autores como Agamben, Vattimo o Cacciari. También deberíamos situar en esa nómina a otro pensador algo menos conocido pero igualmente fundamental como Giacomo Marramao (Catanzaro, 1946). Su obra se ha centrado en el estudio de la genealogía y conformación de la Modernidad occidental y los procesos de secularización vinculados a ella. Según Marramao, la clave del espíritu moderno es esa secularización de todos los valores y elementos de la vida, entre los cuales el tiempo ocupa un papel esencial.

Este libro constituye el segundo volumen de una trilogía que el autor ha dedicado al estudio de esta cuestión esencial para la filosofía, la condición temporal del ser humano. Según Marramao, una de las cosas que tienen lugar en la Modernidad es la supresión del tiempo plural de lo humano, sustituido cada vez más por el tiempo singular de la técnica. El individuo moderno se convierte en un “sujeto” de un tiempo único impuesto desde instancias que lo superan. La célebre escena de Tiempos modernos en la que Chaplin, extenuado por la cadena de montaje, comienza a atornillar todos los objetos que tiene a su alrededor, sirve de metáfora perfecta –quizá algo exagerada, es cierto– del modo en que el sujeto moderno “extiende” el ritmo de la máquina a la cotidianidad, introyectando y haciendo suyos los tiempos de la cadena de producción. La experiencia múltiple –humana– del tiempo ha sido sustituida por el tiempo del capital. El nacimiento del sujeto moderno está ligado a la “sujección” a un tiempo que, cada vez más, ya no era el suyo, sino un tiempo simple, el tiempo de la sucesión. En cierto modo, se podría decir que la Modernidad instauró la monocronía, el tiempo único de la producción y la tecnología –único resquicio aún hoy de la creencia en el progreso–.

Continuar leyendo "La conquista del tiempo - Miguel Á. Hernández-Navarro"

Enviado por salonKritik el 14 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 11, 2008

Instrucciones de uso - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abcd

jaume-u.jpgQuizá muchos recuerden cómo, hace menos de tres meses, en mitad del mare magnum de ARCO, el «Solo Project» de Ángels Barcelona se convertía, por obra y gracia de Jaime Pitarch (Barcelona, 1963), en una especie de ojo de huracán. En aquel pequeño espacio reinaba una milagrosa calma y las cosas parecían inverosímilmente detenidas, proponiendo su piezas equilibrios impensables, imposibles, mientras todo alrededor giraba de manera tan vertiginosa que se confundía en un magma indiferenciado.

Justo un año antes, en mitad de esos mismos pasillos abigarrados de la feria, Pitarch había alcanzado otro de sus momentos de referencia, con aquella obra ya inolvidable que María Corral seleccionó para 16 Proyectos de Arte Español: el vídeo Polvo al polvo (2005). Durante los veinte minutos de su duración veíamos cómo el artista barría concienzudamente el suelo de su estudio, levantando una polvareda tal que llegaba a clausurar la representación, tornando en un homogéneo plano blancuzco toda la pantalla, hasta que la nube se iba depositando con pasmosa calma, y el escenario vacío reaparecía a los ojos del espectador.

Continuar leyendo "Instrucciones de uso - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 11 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 10, 2008

Hacerse sentir en el presente - Miguel Á. Hernández-Navarro

Originalmente en no (ha) lugar

Delsentirw-g.jpgMario Perniola, Del sentir, Valencia: Pre-Textos, 2008.
La filosofía italiana se ha caracterizado por promover lúcidas visiones de la sociedad contemporánea. Pensadores como Agamben, Vattimo o Cacciari son fundamentales para entender el mundo en que nos movemos. A esa nómina de grandes santones habría que sumar, desde luego, la figura Mario Perniola, profesor de estética de la Universidad de la Roma Tor Vergata, que, tras un proceso lento, comienza a estar muy presente en nuestro país. En estos últimos años, sin ir más lejos, se han traducido más de cinco libros del autor. Un autor que cuenta a sus espaldas con una vasta y extensa obra ensayística compuesta por más de una veintena de libros entre los que es posible encontrar desde títulos míticos y prácticamente de culto, como ‘El sexappeal de lo inorgánico’ o 'El arte y su sombra', hasta otros más divulgativos aunque igualmente necesarios, como su clásica y célebre ‘Estética del siglo XX’.

Continuar leyendo "Hacerse sentir en el presente - Miguel Á. Hernández-Navarro"

Enviado por salonKritik el 10 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 09, 2008

Robert Longo. Creación de un contexto de sentido - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

robert-longo-u.jpgNo creo que Robert Longo (Nueva York, 1953) haya sido nunca un gran artista. Sus aventuras artísticas y musicales de juventud, con Cindy Sherman en Buffalo y junto a Richard Prince, David Salle y otros herederos postmodernos del pop en el Nueva York de fines de los 70 y de los 80 llamaron mucho la atención. Su larga vinculación a una potente galería de la ciudad, Metro Pictures, ha favorecido el interés del coleccionismo internacional por su obra aunque haya tenido crisis creativas evidentes y cada vez sea menor la atención crítica que merece. Pero hay que reconocer que Longo ha sabido reflotar su carrera con gran inteligencia, utilizando dos armas: la primera es una iconografía atractiva, de vocación universal, que gusta lo mismo a quien prefiere las imágenes hermosas e impactantes que a quien persigue en la realidad el símbolo; la segunda es la utilización del carboncillo en grandes formatos, que produce superficies aterciopeladas de gran sensualidad y convierte cualquier motivo en algo monumental.

Continuar leyendo "Robert Longo. Creación de un contexto de sentido - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 9 de Mayo | Comentarios (1)

Mayo 08, 2008

Una historia de once años - Junot Díaz

Originalmente en Pie de página. A propósito de The Brief Wondrous Life of Oscar Wao, Penguin, 2007.

La novela que acabo de terminar, que me llevó once años escribir y que será publicada en septiembre por Penguin Putnam y en el 2008 por Random House Mondadori, empezó con un fracaso. No intenté escribir The Brief Wondrous Life of Oscar Wao (así se llama mi novela). Lo que yo quería escribir era Akira (el clásico de dibujos animados) del tercer mundo y durante un par de años eso fue lo que hice: tratar de escribir un libro que como un idiota me empeñaba en llamar The Secret History.

Continuar leyendo "Una historia de once años - Junot Díaz"

Enviado por salonKritik el 8 de Mayo | Comentarios (0)

Por perderle el asco a Bernhard - Juan Maya Avila

CastellanosMoya_big.jpgOriginalmente en Hoja por hoja. A propósito de El asco. Thomas Bernhard en San Salvador, Horacio Castellanos Moya, con Nota final de Roberto Bolaño, Barcelona, Tusquets, 2007.

Novela que levantó ámpula en El Salvador por ser un crudo retrato de esa nación centroamericana, este homenaje de Castellanos Moya a Thomas Bernhard tiene como protagonista a un personaje como los creados por el escritor austriaco. A decir del reseñista, sin embargo, estorba a la obra una excesiva admiración, que lleva al autor incluso a imitar la prosa del homenajeado.

Cuando Horacio Castellanos Moya publicó El asco, en 1997, recibió amenazas de muerte que lo decidieron a dejar su patria, El Salvador. Ciertamente el texto que causó el escándalo es perturbador porque raspa en los aspectos más íntimos de una nación. Pero lo que no entendieron sus amenazantes detractores fue que el autor facturó sus burlas siempre amparado por la diosa Literatura y que su afán no era el de mancillar las sagradas costumbres de un país sufriente pero en eterna promesa de restauración.

Continuar leyendo "Por perderle el asco a Bernhard - Juan Maya Avila"

Enviado por salonKritik el 8 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 06, 2008

Un día de locos - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abcd

helga-u.jpgDesde aquellas famosas Shopping heads de hace diez años que la dieron a conocer (los célebres dibujos de ciudadanos deambulando por las calles, encapuchados con bolsas comerciales, ¿los recuerdan, verdad?), al Colapso cotidiano que estos días se puede visitar en la planta superior de la galería madrileña, Ester Partegàs (La Garriga, 1972) ha consolidado una de las trayectorias internacionales más coherentes de entre los miembros de su generación. Tras completar a finales de los noventa sus estudios artísticos en el extranjero, esta catalana afincada en Brooklyn desde hace tiempo ha sumado a su extenso currículo más proyectos fuera que dentro de nuestras fronteras.

Continuar leyendo "Un día de locos - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 6 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 04, 2008

¡Muera la inteligencia! - MARIANO DE SANTA ANA

Originalmente en BABELIA

Si el objetivo último de una exposición fuese sólo perturbar la percepción del espectador, podría decirse que ¡Viva la muerte! es un éxito porque es difícil concluir su visita con indiferencia. Pero si se conviene que además de provocar malestar en la mirada debe contribuir a desmantelar los estereotipos que la gobiernan, no puede considerarse que este proyecto, que lleva por subtítulo Arte y muerte en Latinoamérica, sea un dechado de finura. Y no lo es porque mezclar cultos sincréticos, dictaduras asesinas, guerrilleros, narcotraficantes, genocidios étnicos y festejos folclóricos varios y enunciarlo todo como tropo común a las culturas que se extienden entre México y Argentina resulta una temeridad.

Continuar leyendo "¡Muera la inteligencia! - MARIANO DE SANTA ANA"

Enviado por salonKritik el 4 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 02, 2008

Hisae Ikenaga, productora de ironías - Javier HONTORIA

Originalmente en el cultural

mesa-dormidahisae-u.jpgNo son pocas las razones por las que Hisae Ikenaga debe ser considerada una de las artistas más interesantes de su generación. Su lenguaje parece ser la escultura, con el mobiliario como protagonista, pero ella es algo más que una escultora al uso, pues en torno a su trabajo se advierte una densa atmósfera conceptual. Nacida en Ciudad de México en 1977, propone una singular e irónica lectura de los objetos que nos rodean pero no estrictamente en términos formales sino, sobre todo, desde la perspectiva de su valor y sus usos, siempre en sintonía con el devenir colérico de la producción en masa y la preeminencia contemporánea del do-it-yourself.

Continuar leyendo "Hisae Ikenaga, productora de ironías - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 2 de Mayo | Comentarios (1)

La Barcelona de Francesc Ruiz - David G. TORRES

Originalmente en el cultural

unic.jpgAhora que estamos en tiempos preolímpicos y que no sabemos si Pekín será capaz de usar el marketing deportivo para lavar la cara de China y esconder bajo el felpudo de los anillos entrelazados la falta de derechos humanos, Francesc Ruiz (Barcelona, 1971) nos recuerda que Barcelona no se ha librado del lastre del 92. Los efectos de las olimpiadas de Barcelona se han descrito con un amplio repertorio de clichés positivos: que si fue un lavado de cara, que si la ciudad abrió las ventanas y se ventiló, que si de ser una ciudad fea y gris pasó a ponerse guapa (del “Barcelona posa’t maca” al “Barcelona la ciutat més maca del món”). Y negativos: las hordas de turistas que hacen de ella una ciudad escaparate, la especulación inmobiliaria camuflada bajo tristes operaciones como el Forum (¿qué pasó con la trienal? una y no más Santo Tomás) y esa pátina de diseño que lo recubre todo (primero aluminio, luego formica, ahora papeles pintados).

Continuar leyendo "La Barcelona de Francesc Ruiz - David G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 2 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 01, 2008

Chema Madoz, palabras y objetos - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

madoz-u.jpgEn una amplia entrevista realizada por Alejandro Castellote hace cinco años, Chema Madoz (Madrid, 1958) confesaba que veía difícil la posibilidad de un cambio sustancial en su obra y se vaticinaba a sí mismo una evolución lenta. Así ha sido. Y precisamente en la dirección que él presentía: frente a la más difundida identificación de su trabajo con la manipulación de objetos, señalaba otra faceta en la que pesaba más el “componente gráfico”, en la frontera con la literatura y la música. También destacaba su interés por una forma de paisaje reducido a sus mínimos denominadores que parece haber merecido un menor desarrollo, aunque la veamos representada en esta exposición por la fotografía de unos charcos que forman un camino ondulante y que reflejan tímidamente las copas de unos árboles.

Continuar leyendo "Chema Madoz, palabras y objetos - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 1 de Mayo | Comentarios (0)

Abril 28, 2008

Del salón recreativo a la realidad virtual - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abcd

casaencendida-u.jpgFue en los años 60, como casi todo lo que afecta directamente al arte y la sociedad del presente, cuando surgieron los primeros videojuegos. Hay, eso sí, una prehistoria, pero en esa década es cuando se consolida un medio que no ha dejado de crecer hasta convertirse en la primera industria cultural del presente en cuanto a volumen de negocio, engullendo a sectores tan potentes hasta no hace mucho como la música o el cine. Silenciosamente, pero con unos tantos por ciento envidiables de crecimiento, ha ido tomando posiciones sin necesidad de grandes campañas de publicidad y sin que los medios de comunicación les hayan hecho demasiado caso. Por supuesto, también han ocupado ese primer puesto sin el apoyo decidido de la «alta cultura». En los últimos años, sin embargo, con el cambio de milenio, ha habido una atención especial hacia ellos. Si primero se los vio como alienantes y violentos (una imagen que perdura como estereotipo), recientemente esta industria cultural se ha dado cuenta de que dirigirse únicamente a jóvenes era algo que les limitaba, y se ha ido abriendo a otros segmentos de población, por ejemplo, mediante los denominados de entrenamiento mental.

Continuar leyendo "Del salón recreativo a la realidad virtual - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 28 de Abril | Comentarios (0)

Abril 25, 2008

El «fontanero» Villel

Originalmente en e-norte

«Doy por terminadas las labores de fontanería». Superados los cien días desde la llegada de Manuel Borja-Villel a al Museo Reina Sofía, su director da por sentadas la bases de su un futuro inmediato que llegará «marcado por la transparencia». El «fontanero» Villel ha ajustado todas las válvulas y ha saneado las cañerías de la institución que heredó de Ana Martínez de Aguilar y a la que llegó en diciembre pasado como ganador de un concurso internacional diseñado a la medida de su perfil. Con siete nombramientos en un renovado organigrama, un plan museístico cerrado y un programa de exposiciones heredado en parte de su antecesora y ajustado por él, Borja-Villel mira al futuro confiado.

«Espero que en dos años el museo funcione como a mi me gustaría», vaticina.

Continuar leyendo "El «fontanero» Villel"

Enviado por salonKritik el 25 de Abril | Comentarios (1)

Jesper Just, cine sobre cine - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

23001_1-u.jpgCuando se escribe sobre la obra de Jesper Just (København, Dinamarca, 1974) es frecuente concentrarse en su contenido argumental o en los detalles de la filmación. Es una aproximación pertinente, pues lo que parece interesarle es componer una situación dramática a través de un trabajo con actores. Pero quizá habría que aclarar antes qué es lo que estamos viendo. Las fronteras entre cine, corto y vídeo son muy permeables en nuestros días, en particular en el medio artístico. Si encontramos un audiovisual en un espacio para el arte tendemos a calificarlo mentalmente como “vídeo” pero, con independencia del tipo de cámara con que se haya grabado, lo cierto es que hoy conviven bajo esa denominación genérica multitud de producciones que se diferencian no sólo por sus características técnicas sino también por su esencia. Al contrario de lo que ocurre en las líneas de contacto del arte con la moda, el diseño o la industria de la música, que suponen pérdidas para el primero y un injustificado estatus artístico para los otros, la aproximación de cine y arte no resulta apenas problemática. Hay arte en las salas de cine y hay cine en las salas de arte. Pero, en general, el cine que se exhibe en los museos no es apto para las salas comerciales. Por su duración, por su renuncia a las convenciones narrativas o por manejar referencias visuales y teóricas que escapan al espectador estándar.

Continuar leyendo "Jesper Just, cine sobre cine - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 25 de Abril | Comentarios (0)

Abril 21, 2008

Obsesiones históricas - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abcd

20080409elpepicul_u.jpgNo hace falta ser Gregor Samsa para asistir a las más raras metamorfosis. Tampoco tenemos que habernos encontrado con que el dinosaurio, como apuntó Monterroso, todavía estaba allí. Fabre, teatral y excesivo, entregado a una barroquización siempre al borde del naufragio, lleva años materializando sueños raros en los que un insecto puede estar insertado en lo alto de un afilado mástil (Tótem, 2004), o una figura, siempre la suya, galopando a lomos de una tortuga como si quisiera desafiar al inmenso océano. Frank Maes ha señalado que su obra está dominada por la interacción entre vida y muerte, por las visiones de lo embrionario y lo siniestro; y, sin embargo, todas sus esculturas, instalaciones y dibujos transmiten un vitalismo demencial. Su narcisismo primordial no le lleva a la depresión; antes al contrario, incluso colgado (Dependens, 1979-2003) sigue exhibiendo la seguridad de que podemos transformar nuestro cuerpo en algo radiante. En la pasada Bienal de Venecia instaló una impresionante serie que tenía algo de línea de resistencia contra la mezcla de «corrección» e insustancialidad que presidía el proyecto de Storr. Fabre no tenía ningún pudor en convertirse en protagonista del salto al vacío, e incluso de alegorizar el suicidio o la falta de sentido de todo lo que forma parte de su mentalidad «escénica». Pocos artistas son capaces de llegar hasta ese límite obsceno en el que él es capaz de rescatar lo poético y eludir lo kitsch sin, por ello, lanzarse hacia el terreno de lo filosófico.

Continuar leyendo "Obsesiones históricas - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 21 de Abril | Comentarios (0)

Abril 17, 2008

El pensamiento desencantado - Miguel Á. Hernández-Navarro

Originalmente en no (ha) lugar

muypoco_casinada-u.jpgCon una edición cuidada y elegante, la recién aterrizada editorial Marbot nos trae, al fin, la traducción de Muy poco… casi nada, uno de los libros más fascinantes y reveladores de la última década del siglo. Aunque llega con casi diez años de retraso, su publicación es un motivo de alegría para la intelectualidad en lengua castellana, tanto por la calidad del libro en sí, como, sobre todo, por la introducción de una vez por todas de la obra de Simon Critchley, un pensador casi desconocido en nuestro país, que, sin embargo, en muy pocos años, se ha convertido en una de las figuras centrales del debate filosófico internacional, revelándose como ensayista lúcido, sensato, comprometido y original.

Situado a medio camino entre la tradición anglosajona y la continental (esencialmente francesa), con un lenguaje claro y conciso, literariamente muy trabajado, Critchley ha abordado un gran número de problemas fundamentales del pensamiento actual, como, por ejemplo, la responsabilidad, el humor, la muerte, el desencanto o las relaciones entre filosofía y literatura. En esencia, su obra evoluciona hacia una búsqueda del sentido de la vida tras la constatación de la pérdida de toda certeza. Cómo vivir con sentido cuando ya nada tiene sentido; ésta podría ser la base de su itinerario filosófico. Un itinerario que parte de la experiencia de la deconstrucción y la ausencia de una verdad absoluta a la que remitirse. ¿Qué podemos conocer cuando somos conscientes de que es la incertidumbre la que rige el mundo? O sobre todo, ¿qué hay en las palabras que traducen la experiencia del mundo? Muy poco, casi nada. Pero ese poco es lo que nos queda.

Continuar leyendo "El pensamiento desencantado - Miguel Á. Hernández-Navarro"

Enviado por salonKritik el 17 de Abril | Comentarios (0)

Won Ju Lim, otra vuelta de tuerca - José MARIN MEDINA

Originalmente en el cultural

4_a-u.jpgBajo un título poético y revelador, Paisajes rotos y otras cosas melancólicas, la escultora y artista de instalaciones Won Ju Lim (nacida en Corea del Sur, 1968, y hoy activa en Los Ángeles, California) da una acusada vuelta de tuerca a su trabajo de escultora y, al mismo tiempo, nos muestra sus primeras y singulares pinturas.

En cuanto a sus maquetas, resulta estimulante que Lim haya vuelto, ¡una vez más en muy poco tiempo!, a apretarse las clavijas y que logre una producción más diferenciada, incisiva, abierta y bella. Después de haber acuñado -entre 1998 y 2002- su firma mediante una primera serie de instalaciones representando paisajes tridimensionales de modernas metrópolis (plataformas de madera, construcciones de plexiglás, lámparas de colores, luces fluorescentes y proyecciones de diapositivas superpuestas), la artista dio un giro fuerte a su proceso en 2003-2004 a través del ciclo Memory Palace, en que lo paisajístico (proyecciones de DVD, con imágenes de palmerales, playas y grandes celajes) ganó terreno a las construcciones arquitectónicas, hasta desembocar en una interesante suite de dioramas, "cajas de luz y sombra" en cuyos interiores los volúmenes edificatorios y los ambientes naturales se hacen cada vez más planos, mientras las sugestiones escenográficas juegan como elemento determinante.

Continuar leyendo "Won Ju Lim, otra vuelta de tuerca - José MARIN MEDINA"

Enviado por salonKritik el 17 de Abril | Comentarios (0)

Entrevista a Lara Almarcegui - Javier Hontoria

Originalmente en el cultural

22949_1-u.jpgLara Almarcegui (Zaragoza, 1972) vive desde hace años en Rotterdam y desde allí viene produciendo un conjunto de trabajos centrado en una muy particular percepción del lugar. Cualquiera que visite la Sala Rekalde de Bilbao podrá constatar cómo esta noción de lugar no debe ser confundida ni con el paisaje ni con el modo tradicional de entender la naturaleza. Es más bien una forma de relacionarse con el espacio urbano desde una perspectiva conceptual y análitica, un ánimo registrador, un querer plantearse por qué ocurre lo que ocurre en nuestras ciudades y un deseo no confesado de que sigan siendo exactamente eso: nuestras ciudades. El trabajo de Almarcegui reverbera con fuerza en el concierto internacional. Su obra se puede ver ahora en Turín y en Bilbao. Y próximamente en la Bienal deTaipei.

-Lleva ya unos años trabajando con descampados. ¿Cómo surge la idea de clasificarlos?
-La Guía de descampados localiza terrenos que se esconden de la ciudad. Además de señalar los descampados, dedica bastante espacio a cada uno con un plano detallado y una descripción que recorre su historia, su presente y su futuro: si había un edificio, qué uso tenía, cuándo se quedó vacío, cuándo fue demolido, qué hay en el descampado actualmente, quién es el propietario y si hay planes. La idea es que cada descampado es diferente y ofrece una experiencia distinta de la ciudad. La guía está llena de historias diferentes; incluye desde terrenos con pasado industrial que se van a convertir en espacio recreativo a terrenos completamente nuevos, recién ganados al agua, que son una hoja en blanco.

Continuar leyendo "Entrevista a Lara Almarcegui - Javier Hontoria"

Enviado por salonKritik el 17 de Abril | Comentarios (1)

Abril 16, 2008

Agitar, protestar, educar - Peio Aguirre

Originalmente en peio aguirre blog

rhomer.jpgDespués de los 'cuentos morales', el octogenario francés parece haber entrado en una etapa que describe como 'tragedias de la Historia', y donde la digitalizada y pictórica La Inglesa y el Duque (2001) sería el primer capítulo (centrado en la Revolución Francesa) y éste que nos ocupa aquí el segundo.

El enredo político de la época (el período que va desde el triunfo del Frente Popular en 1936 hasta la firma del pacto germano-soviético de no-agresión en 1939) le sirve como marco para contar una narración de ficción basada en el denominado 'affaire Skobline'.

Fiodor Voronin (Serge Renko) es un antiguo general zarista que trabaja para la (anti-soviética) Asociación de Veteranos de Guerra en el París de finales de los años 30. Casado desde hace 12 años con Arsinoé (Katerina Didaskalou) una pintora de origen griego, su matrimonio está doblemente formateado por la complicidad de pareja y el secretismo con el que Fiodor lleva sus asuntos 'profesionales'. En ningún momento se describe a qué se dedica realmente, más allá del perfil diplomático y secreto de sus reuniones y viajes.

Ateniéndonos a la situación europea, el contexto histórico está marcado por la polaridad ideológica: alrededor de cuatrocientos mil rusos se refugian en Francia huyendo del régimen estalinista, en España estalla la Guerra Civil, el nazismo y el fascismo se asientan en Alemania e Italia respectivamente mientras la inestabilidad política es la tónica dominante.

Continuar leyendo "Agitar, protestar, educar - Peio Aguirre"

Enviado por salonKritik el 16 de Abril | Comentarios (0)

Abril 15, 2008

REACCIONARIOS - Miguel Á. Hernández-Navarro

Originalmente en no (ha) lugar

almarcegui-1.jpgHace ya dos semanas que acabó “Estratos”, el Proyecto de Arte Contemporáneo organizado por la Consejería de Cultura, Educación y Deportes. Una iniciativa que, durante tres meses, ha desencadenado en Murcia una polémica sin precedentes sobre el arte contemporáneo. En un mundo dominado por la falta de pensamiento y la vagancia mental, que una cosa como el arte se haya convertido en objeto de debate es algo que puede ser considerado un logro en sí mismo. El mero haber hecho pensar a ciertas mentes que parecían esclerotizadas, es ya como para darse con un canto en los dientes. Lo único triste del asunto es que el debate ha nacido viciado, pues gran parte de los argumentos mostrados por algunas de las voces críticas han querido hacer pasar por argumentos expertos y razonados lo que no eran más que vagas nociones e intuiciones trasnochadas.

Continuar leyendo "REACCIONARIOS - Miguel Á. Hernández-Navarro"

Enviado por salonKritik el 15 de Abril | Comentarios (0)

Abril 13, 2008

Doble final de fiesta - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abcd

mp2-u.jpgEntrevistarse con los hermanos Rosado, Miguel y Manuel (San Fernando, Cádiz, 1971), es casi como participar en un juego de ecos: delante de ellos se asiste siempre entre fascinado y confuso a esa rara cualidad, frecuente en las parejas de gemelos más unidos -y ellos lo están, hasta el punto de formar pareja artística-, de que un pensamiento continuo y sin apenas fisuras sea resultado de la actividad realizada en estricto paralelismo por dos cabezas, dos sistemas nerviosos, dos mundos emocionales y sensitivos por completo diferenciados. Están tan coordinados que en la conversación ofrecen como resultado una «voz» única, sólo que nerviosa, estroboscópica, ligeramente desdibujada en su perfil. Así, el diálogo con ellos es una versión complicada, muy estimulante entre el tú a tú y la discusión en grupo, pues sus opiniones aparecen centradas pero duplicadas cada vez, únicas, aunque en continua autocorrección.

Continuar leyendo "Doble final de fiesta - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 13 de Abril | Comentarios (0)

Abril 11, 2008

El arte como ONG - David G. TORRES

Originalmente en el cultural

22884_1-u.jpgEl Guernica de Picasso mostraba con contundencia el compromiso del artista frente a la guerra y el horror. También podemos remontarnos en el tiempo y encontrar ese compromiso en Goya o en los escritos de Valle-Inclán contra la dictadura de Primo de Rivera. Una actitud que es posible recorrer a lo largo del arte del siglo XX planteando la pregunta: ¿cómo reaccionan los artistas ante las guerras y el horror que las acompaña, se llamen Primera o Segunda Guerra Mundial, Vietnam, Pinochet o Apartheid?

El Centre Pompidou de París ha querido aplicar esa cuestión a la situación actual y a una situación bélica concreta: ¿cómo reaccionan los artistas de Oriente Medio ante el interminable conflicto que se vive entre el Líbano, Israel y Palestina? El resultado: Les Inquiets. 5 artistas bajo la presión de la guerra; Yael Bartana y Omer Fast de Israel, Rabih Mroué y Akram Zaatari del Líbano y Ahlam Shibli de Palestina.

Ahlam Shibli: Untitled, 2007.Les Inquiets toma el título de la novela homónima de Leo Lipski. En ella se describe la "situación de los artistas en vísperas de la Segunda Guerra Mundial que, gracias a su hipersensibilidad, presintieron el horror inminente". Esta referencia pesa como una losa a lo largo de la exposición. Porque, efectivamente, en el presentimiento de aquel horror se piensa en el Guernica de Picasso, pero también en los fotomontajes de John Heartfield denunciando el advenimiento de Hitler al poder y por los que las pasó canutas. Surge, también, la necesidad de denunciar explícitamente a los culpables. O también la famosa pregunta de Adorno: "¿Es posible escribir poesía después de Auswitch?" Ahí, el problema en el arte pasaba por preguntarse si era posible representar el horror. La revisión de esa inquietud de los artistas, ahora frente a Oriente Medio, que propone esta exposición y su comisaria, Joanna Mytkowska, parece situarse en un plano intermedio: ni denuncia, ni representación del horror.

Continuar leyendo "El arte como ONG - David G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 11 de Abril | Comentarios (1)

Esther Ferrer, retratos del tiempo - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en el cultural

22883_1-u.jpgEsther Ferrer (San Sebastián, 1937) integró el grupo Zaj. Fue la pionera de la performance en España y su trabajo ha desarrollado una reflexión en torno al cuerpo y al objeto. Su obra se ha desarrollado entre el minimal, el conceptual y el absurdo. Ésta sería una presentación al uso de Esther Ferrer. Y sin embargo, aunque todo ello es cierto, prefiero otro tipo de aproximación. Después de más de treinta años de Zaj, la artista y la exposición que ahora presenta, Autorretrato en el tiempo, acaso puedan verse de una manera más abierta, o por lo menos diferente. Ferrer explica que sus exposiciones se desarrollan a partir de una idea y que las obras que la integran son como variaciones de un mismo tema. Pues bien, lo que vamos a tratar aquí es de explorar esa idea o concepto que sobrevuela la muestra y que no es otro que la imagen de la muerte. Las piezas que presenta han sido vistas, y tal vez aisladamente pueden sugerir otros mundos, pero al asociarse en la exposición se reactualizan y confluyen en una puesta en escena de laberintos y reflejos en los que asoma la destrucción del paso del tiempo.

Autorretrato en el tiempo se inauguró con una inesperada performace. Por sorpresa, Esther Ferrer entró en la galería desplegando una cinta adhesiva que al paso -o mejor dicho, pisándola- dejaba el rastro de su itinerario por la sala de exposiciones. En esta cinta había una suerte de mensaje: "Se hace camino al andar". Se observará que en esta cinta que se extiende existe otra connotación: el desgaste. Se hace camino, pero, al tiempo, la cinta se agota.

Continuar leyendo "Esther Ferrer, retratos del tiempo - Jaume VIDAL OLIVERAS"

Enviado por salonKritik el 11 de Abril | Comentarios (0)

Abril 10, 2008

Caer a sí mismo - MIGUEL Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO

Originalmente en No (ha) lugar

Sobre "Tumba de sueño, Jean-Luc Nancy. Buenos Aires, Amorrortu, 2008.

novedades_img_a2.jpg

Jean-Luc Nancy (Burdeos 1940) es quizá el último de los grandes pensadores franceses contemporáneos. Tras la muerte de Derrida, probablemente sea el único representante de ese pensar característicamente francés, evolucionado a través de la experiencia del psicoanálisis, el postestructuralismo y las revueltas del sesenta y ocho. Su obra ha transitado por temas fundamentales del pensamiento contemporáneo, aunque hay dos cuestiones claves que emergen en casi todos sus textos: la negación del tacto en la cultura occidental y la necesidad de buscar un nuevo sentido para la comunidad, una experiencia de lo común, del ser-con. Esto es: la imposibilidad de ser si no es ser-con-el-otro, pues el individuo es esencialmente un ser que, desde el principio, en la identificación con los arquetipos, se construye gracias a la comunidad, a la experiencia del otro. Ser humano significa, pues, ser-con.

Continuar leyendo "Caer a sí mismo - MIGUEL Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO"

Enviado por salonKritik el 10 de Abril | Comentarios (0)

Abril 07, 2008

J. Rosefeldt: «Persigo el lado cómico del existencialismo» - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abcd

009-u.jpgJulian Rosefeldt (Alemania, 1961) es consciente de que Réquiem, el proyecto que presenta en Helga de Alvear, es atípico en su producción (de hecho, en el almacén de la galería, al alcance de muy pocos, descansa Ship of Fools, su producción más reciente, mucho más acorde con lo que nos tiene acostumbrados). Y no le preocupa que esta rara avis sea su carta de presentación en un espacio privado en España. El que lo conoce y lo sigue encontrará similitudes entre este canto ecológico y series anteriores como Asylum, su obra cumbre hasta la fecha, que en nuestro país forma parte de la colección del MUSAC y que anteriormente pudo verse en el DA2. Un trabajo rodado por primera vez en exteriores reales, en el que vídeo y fotografía se complementan... Rosefeldt analiza aquí el lugar en el que ahora se encuentra.

Algunos textos críticos hablan de usted como un artista que analiza como un científico los aspectos más absurdos de la existencia y la vida cotidiana.

Mi formación es arquitectónica, pero desde que me diplomé me centré más en el arte. De hecho, mis primeros proyectos aún se conectaban con lo arquitectónico. Después, con el tiempo mis intereses se desplazaron hacia los medios de comunicación. Como muchos artistas de mi generación, me sentí atraído por la idea del archivo, la sensación de que el mundo ofrece tantas imágenes que ya no es necesario crear nuevas, sino centrarse en las producidas y recuperar el aura que ámbitos como la publicidad o la pornografía les arrebataron. Dirigí mis intereses hacia el cine, no como fin, sino como medio, sobre todo porque me di cuenta de que seguía habiendo imágenes que no existían y que sólo así podría crear. Es así como llego a Asylum, un proyecto muy ambicioso, que despliega con fuerza temáticas políticas y sociales que antes habían aparecido en mi trabajo. Siempre me interesó analizar su impacto en el individuo y hacerlo desde distintas perspectivas.

Continuar leyendo "J. Rosefeldt: «Persigo el lado cómico del existencialismo» - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 7 de Abril | Comentarios (0)

Abril 04, 2008

Javier Pérez, el negro animal totémico - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el cultural

22824_1-u.jpgAsumir la condición teatral de la obra de arte tan contundentemente como lo hace Javier Pérez podría llevar al ridículo a cualquier artista que no sepa manejar a la perfección la puesta en escena, su coherencia con la acción y sus efectos sobre el espectador. Han transcurrido seis años desde la última exposición de Pérez en esta galería, cinco desde su retrospectiva en el Artium y cuatro desde que ocupara el Palacio de Cristal del Retiro. En este tiempo parece haberse acentuado en el artista el talento escenográfico, y también el alma negra que siempre se había dejado traslucir en su trabajo. Ya en las obras performativas y escultóricas con máscaras y prótesis de los años 90 había un componente de crueldad y hasta de sadismo que no se ha apaciguado. Pero ahora cabe incluso hablar de una estética “gótica”, que reelabora el viejo universo imaginario del esqueleto revivido, el monstruo y los objetos amenazantes. Y, como en las novelas góticas, se acumulan demasiados “episodios”, especialmente en la planta superior de la galería, donde se han yuxtapuesto fotografías y dibujos de diversas series que, aunque relacionables de una u otra manera con las instalaciones de abajo, agravan el evidente peligro de caer en el exceso dramático. Cada una de las obras, considerada individualmente, guarda mejor el equilibrio que el conjunto.

Continuar leyendo "Javier Pérez, el negro animal totémico - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 4 de Abril | Comentarios (0)

Marzo 31, 2008

Tres apuntes sobre política cultural - Santi Eraso

Originalmente en e-limbo

POR UNA CULTURA ECOPOLÍTICA
Cualquier reflexión sobre el futuro de la cultura debe asumir que tanto las prácticas culturales institucionales como las originadas en las dinámicas independientes de la sociedad civil deben insertarse en un concepto de ciudad integradora, sostenible y solidaria. Es decir, no podemos entenderlas sólo como una emanación oficial y artificial de actividades generadas desde la administración, organizadas en rígidas estructuras departamentales. Se trata de un conjunto de prácticas públicas y privadas, muchas veces no sujetas a las directrices institucionales ni a los intereses de los gobiernos, que se desarrollan a través de una red difusa de iniciativas individuales, asociaciones y colectivos sociales.

Continuar leyendo "Tres apuntes sobre política cultural - Santi Eraso"

Enviado por salonKritik el 31 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 30, 2008

«Reivindico un espectador creativo» Jordi Bernardó - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abcd

3_p-u.jpgJordi Bernadó (Lérida, 1966) se ha puesto un reto: que el marco de la fotografía, que sus cuatro lados físicos, no sean obstáculo para desarrollar y contener una historia superior. «Quiero que la imagen no sea el final de algo, un simple documento, sino el comienzo de un cuento», sentencia. Sólo así cobran sentido sus fotos de motivos arquitectónicos, que trascienden lo que muestran, desafiando al espectador. Algunos de sus resultados más recientes se ofrecen ahora en la galería Senda de Barcelona.

Después de una retrospectiva como la del año pasado en La Panera, ¿como se prepara una cita comercial como ésta?

Son dos perfiles de exposición muy distintos. En la Panera, su directora y comisaria de la exposición, Glòria Picazo, insistió mucho en enseñar desde las primeras fotos de 1993 hasta las mas recientes. La voluntad del proyecto era explicar el recorrido de quince años de trabajo. En una galería comercial lo que hay que hacer es un trabajo de síntesis. Aquí hemos optado por una foto de las primeras, por trabajos de proyectos recientes o en los que estoy trabajando. De hecho, hay una imagen tomada hace tan sólo doce días.

Continuar leyendo "«Reivindico un espectador creativo» Jordi Bernardó - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 30 de Marzo | Comentarios (0)

La oscura vida de un pintor marginal - Agustín Fernández Mallo

Originalmente en el pais

NL246_u.jpgCuando en el mes de abril de 1973, Nathan Lerner, casero de un modesto piso del North Side de Chicago, abrió la puerta de la vivienda en la que había vivido durante 40 años su singular y recién fallecido inquilino, Henry J. Darger, se encontró con un escenario del que tardó en dar crédito: un cuarto atiborrado de recortes de periódicos, cómics, revistas, libros destripados, aparente basura y unas gigantescas acuarelas que repetían obsesivamente las imágenes de niñas desnudas con grandes alas de mariposa siendo perseguidas por soldados empuñando bayonetas de época. En una segunda inspección, halló sepultado uno de los libros más extensos conocidos, 15.154 páginas, titulado The story of the Vivians girls, in what is known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, caused by the Child Slave Rebellion, que ha sido traducido como La historia de las niñas Vivian, en lo que se conoce como los Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la rebelión de los Niños Esclavos. Supuestamente, las grandes acuarelas, pintadas por el propio Darger, ilustraban el libro escrito en sus más de cuarenta años de reclusión. El casero, Nathan Lerner, significado fotógrafo, detectó enseguida la extraordinaria calidad de aquellos dos trabajos, y se asignó el trabajo de albacea, a pesar de que, como le había ocurrido a Max Brod con Kafka, Darger le había dejado expreso deseo de que destruyera todo lo que encontrara en el apartamento. Ningún vecino sospechó jamás la obsesión que minaba la vida de aquel solitario de patrones fijos, que buscaba en la basura, sólo hablaba de los partes meteorológicos y únicamente salía de su casa para ir a misa cinco veces al día. Hoy, su obra, una de las más importantes de lo que se ha dado en llamar el outsider art o arte marginal, es una de las joyas del American Folk Art Museum de Nueva York.

Continuar leyendo "La oscura vida de un pintor marginal - Agustín Fernández Mallo"

Enviado por salonKritik el 30 de Marzo | Comentarios (0)

Una verdad incómoda - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abcd

CLIMATICOINTERIOR-u.jpgRobert Smithson es, sin ningún género de dudas, el artista que mayor influencia ha tenido en la reconsideración de la relación con la Naturaleza, un término por el que no tenía precisamente simpatía, dado que para él se trataba simplemente de otra ficción del siglo XVIII; prefería el término tierra (earth), algo más concreto, confuso, sujeto a cataclismos, capaz de generar en el sujeto melancolía. El Earth Art encontró sus mejores emplazamientos en lugares que habían sido perturbados por la propia industria, la urbanización incontrolada o la devastación propia de la Naturaleza: los emplazamientos más humildes o incluso degradados, dejados por las intervenciones mineras, constituyen un reto mayor para el arte, y una mayor posibilidad de estar en soledad.

Labores de jardinería. Podría decirse que el arte degenera cuando se aproxima a la condición de jardinería, especialmente cuando no repara en la conciencia de clase o ideología que esos lugares comportan. Advertimos una oposición clara entre las earthworks smithsonianas y el jardín inglés: «No son accesibles; no existen -apunta Gary Shapiro- para el placer o la evasión; son explícitamente entrópicas en vez de crear la ilusión de eternidad; implican una crítica teórica del humanismo que es esencial en la estética del jardín». Smithson se adentra en lo que llama los problemas abismales del jardín, que no entiende como un lugar utópico o paradisíaco, sino como un ámbito en el que puede surgir lo siniestro, así como aspectos perversos, perdido aquel ideal del «jardín de la virtud». Nuestro destino son los torture gardens, cuando los jardines históricos han sido reemplazados por los sitios del tiempo o, en términos más crudos, por los basureros.

Continuar leyendo "Una verdad incómoda - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 30 de Marzo | Comentarios (1)

Marzo 29, 2008

Por un puñado de links

Originalmente en lapetiteclaudine

nighthawks-u.jpgLarry Salander, galerista newyorquino, expresa sus dudas razonables sobre el mercado del arte contemporáneo: "Being with Rembrandt is like making love. And being with Warhol is like fucking"

Prada Prostitutes:

But too much information has been the staple of books for girls ever since the first fictional confession of a period or a crush. These girls might be hookers, but otherwise they are as they have always been, their hookerdom a simple extension—psychologically unexplored—of that right to live and talk dirty which 1960s feminism conferred on the modern woman.

Continuar leyendo "Por un puñado de links"

Enviado por salonKritik el 29 de Marzo | Comentarios (0)

El (posible) privilegio del arte - MANUEL J. BORJA-VILLEL

Originalmente en el pais

La imparable popularización de los museos y centros de arte durante las últimas décadas ha puesto de relieve uno de los problemas más acuciantes de nuestra sociedad: la educación. A menudo asistimos a debates sobre el bajo nivel de la misma o acerca de cómo nos vemos "forzados" a dirigirnos a un espectador cada vez menos preparado. Pero, también es cierto que, en ninguna otra época, ha sido la circulación de información tan extensa ni el acceso a la cultura tan aparentemente fácil. ¿Cómo es posible, pues, que justamente cuando el entretenimiento y nuestro tiempo libre se asocian a la experiencia formativa la educación esté en niveles tan bajos? ¿Cómo es posible que se hable continuamente de crisis de la cultura cuando jamás en nuestra historia reciente había sido tan multitudinaria?

Continuar leyendo "El (posible) privilegio del arte - MANUEL J. BORJA-VILLEL"

Enviado por salonKritik el 29 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 27, 2008

MP MP & Rosado - Javier HONTORIA

Originalmente en el cultural

372-u.jpgMP&MP Rosado presentan a partir de hoy sus últimos trabajos en la galería Pepe Cobo de Madrid bajo el título Spleen. Dirigen ahora sus intereses hacia el concepto de Melancolía, sin olvidar la trama argumental que ha sustentado su trabajo en los últimos años, la identidad, la suya propia, desde las particularidades de su naturaleza vital. Como sabemos, MP&MP son las iniciales de dos hermanos artistas que nacieron de la misma madre un mismo día de 1971 en San Fernando, Cádiz. Así, no debe sorprender que su material de trabajo esencial haya venido siendo las complejas relaciones entre el “yo” y el “otro”. Éstas se han hecho visibles a partir de una muy personal asunción de lo escultórico con gran protagonismo de la figura humana, que hunde sus raíces en fuentes diversas, desde la tradición barroca española, tan presente en Andalucía, hasta el arte contemporáneo, sin olvidar la literatura, la música o el cine. Hoy, sin embargo, parecen avanzar hacia otro estadio, entre el drama y el enigma, con la figura antropomorfa por el momento ausente. MP&MP Rosado han hablado con El Cultural desde su estudio sevillano. Se distingue en su hablar una actitud reflexiva y una dicción abstracta, que se traduce en una mayor complejidad formal y conceptual.

Continuar leyendo "MP MP & Rosado - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 27 de Marzo | Comentarios (0)

Günther Förg se divierte - Abel H. POZUELO

Originalmente en el cultural

foto1_amp-u.jpgA medida que Günther Förg ha ido convirtiéndose en más y más visible y más y mejor considerado en nuestro país como nombre imprescindible de la generación de artistas alemanes aparecida justo antes de la caída del Muro, las dudas sobre sus intenciones y sobre el modo apropiado de leer su obra en la extensión del proceso van aumentando. Las de los críticos. Es comprensible. Förg viene a ser como un viejo pez gato en un pequeño estanque o una poza de riachuelo: parece fácil de apresar por ser el lugar limitado, pensable, previsible, pero el viejo pez conoce perfectamente las intenciones de los ilusos pescadores. Para apresarlo, no hay otro modo que drenar. Y eso, claro está, no sería pescar.

Continuar leyendo "Günther Förg se divierte - Abel H. POZUELO"

Enviado por salonKritik el 27 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 21, 2008

Chen Chieh-Jen, simbolismo contra amnesia - Rocio de la Villa

Originalmente en elcultural
salon09-u.jpgLa conversión del antiguo Tribunal militar y Prisión de Taipei en Memorial de los Derechos Humanos de Taiwán, inaugurado en diciembre de 2007, es el motivo del que parte el último vídeo de Chen Chieh-Jen (Taoyuan, Taiwán, 1960). El artista, que creció vecino a esta institución represora hasta el final de la dictadura de Chiang Kai-chek en 1987, se siente involucrado veinte años más tarde en el ajuste de cuentas entre su memoria biográfica y la rehabilitación de la historia oficial taiwanesa. Pero el peso del imaginario infantil proyectado sobre lo entonces nunca visto –el interior de la institución– es tal, que el proceso de concepción de esta obra le lleva a indagar sobre el bloqueo de los recuerdos siniestros en el sujeto contemporáneo entendido no en términos psicoanalíticos sino, por el contrario, impuesto como una “neurocirugía colectiva”: operada por el Estado represor para colapsar las “habilidades cognitivas” de una generación formada en la Guerra Fría y así debidamente domesticada para la amnesia y exclusión de la voz de los otros en el neoliberalismo actual. Pero ¿no es acaso esta dinámica común a la genealogía y desarrollo de la Modernidad, como ya indicara Foucault en Vigilar y castigar, argumento prolongado después en la discusión poscolonial, donde el protagonismo del “reo” (encarcelado, enfermo, demente) ha sido sustituido por el desplazado y el trabajador “sin papeles” de la economía sumergida…? La fábula, por tanto, habría de adquirir una dimensión universal, que el artista taiwanés resuelve con una narrativa onírica respaldada por pregnantes motivos simbólicos.

Continuar leyendo "Chen Chieh-Jen, simbolismo contra amnesia - Rocio de la Villa"

Enviado por salonKritik el 21 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 17, 2008

Del blog como espacio crítico - Miguel López López

Originalmente en Arte Nuevo

A propósito de Arte Nuevo: 9 notas personales en torno, a través y en relación al blog como espacio crítico

1.
A casi dos años de abierto el blog Arte Nuevo quisiera pensar que su aparición, y la posterior apertura de espacios otros de discusión y diálogo virtual en Lima, ha sido el temprano síntoma de un aparato crítico local asfixiado. Ser un síntoma no implica ser un detonante o generador, y menos aún la posibilidad de su recuperación, sino alude de modo indirecto al momento preciso donde parecían operar un conjunto tácito de necesidades discursivas otras que no atravesaban necesariamente por los canales y soportes habituados de escritura –ya sea en prensa o en las casi inexistentes revistas culturales locales-.

2.
La posibilidad de abrir un blog implicaba así la urgencia de pensar una forma de acompañamiento del arte reciente a través de una dinámica continua de observación y comentario. No se trataba de formatos precisos ni reglas preestablecidas; había allí, en cambio, la intención personal y deliberada de ser cómplice de una manera deshabituada y contemporánea de discutir y crear. Me interesaba abrirlo a comentarios externos, recoger opiniones de otros, y poner en circulación ideas relevantes del ámbito internacional pero sobre todo latinoamericano, agregando interrogantes a una escena que, consideraba yo, se encontraba carente de estímulos críticos.

Continuar leyendo "Del blog como espacio crítico - Miguel López López"

Enviado por salonKritik el 17 de Marzo | Comentarios (0)

Esa sonrisa de la inteligencia - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abcd

sonrisa-u.jpgNo es que te partas de la risa, pero bueno, a veces el rostro alrededor de los labios se relaja y esboza una imagen amable y simpática. Reírse es necesario, sobre todo de uno mismo. Esto se sabe bien en el arte contemporáneo, aunque a veces se aparente lo contrario, y pese a que a menudo se vaya de seriedad total. En las salas de la planta baja de la Hayward no se escuchan las carcajadas de los visitantes -lo cual tampoco es que sea fruto de la famosa flema británica-. De hecho, el silencio sólo es interrumpido por la ya también tradicional contaminación sonora de los vídeos y piezas varias que lo incorporan. Tampoco es que uno salga con la cara de la Mona Lisa, con la media sonrisa petrificada en la cara. No, nada de esto: ni partirse de risa, ni una sonrisa permanente en los labios. Hay, eso sí, buenos momentos a lo largo del recorrido.

Continuar leyendo "Esa sonrisa de la inteligencia - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 17 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 16, 2008

Inagotable Todorov - JOSÉ ANDRÉS ROJO

Originalmente en Babelia · ELPAÍS

kamalidehghan-todorov01.jpgTuvo suerte. Eso es lo que dice Tzvetan Todorov para referirse a los cuarenta años que lleva trabajando como investigador científico. No tiene que enseñar, no es un personaje público. Su trabajo consiste exclusivamente en leer y escribir. Así que se considera un privilegiado, por su libertad y disponibilidad.

Todorov nació en Sofía, Bulgaria, en 1939. Se fue a París a finales de los años cincuenta. Ya trabajaba entonces en cuestiones relacionadas con la filosofía del lenguaje, con su materialidad, sus formas y estructuras. Se nacionalizó francés en 1963 y fijó su residencia en París, donde desde 1987 dirige el Centro de Investigaciones sobre las Artes y el Lenguaje del Centre National de la Recherche Scientifique (CNRS). Del lenguaje y los signos pasó, en los sesenta, a la historia. Se metió de lleno en la conquista de América, y más adelante abordó la Segunda Guerra Mundial.

Leer y escribir como gran pasión. Con el tiempo nada parece resultarle ajeno a este investigador social y filósofo, y su inagotable curiosidad lo arrastra por caminos muy diferentes. Basta ver sus libros más recientes. En estos días se publica Sobre 'Vida y destino', donde aborda la novela de Vasili Grossman, y en mayo saldrá El espíritu de la Ilustración. Hace unos meses aparecieron sus ensayos Elogio del individuo (donde analiza la pintura flamenca del Renacimiento) y Los aventureros del absoluto, donde se ocupa de Oscar Wilde, Rainer Maria Rilke y Marina Tsvietáieva, y su contribución al volumen colectivo Frente a la razón del más fuerte. Al catalán se ha traducido La literatura en perill. Todos estos títulos los edita Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores.

PREGUNTA. ¿Cómo se le ocurrió dejar Sofía y trasladarse a París?

RESPUESTA. A finales de los cincuenta, las posibilidades que había en Bulgaria eran las de hacer carrera en el partido comunista o dedicarse a la vida privada. Las imposiciones y las concesiones empezaban al trabajar. La vida de estudiante era fácil.

Continuar leyendo "Inagotable Todorov - JOSÉ ANDRÉS ROJO"

Enviado por salonKritik el 16 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 15, 2008

Juan López - Javier HONTORIA

Originalmente en elcultural

w_jlp_0564-u.jpgTodavía no tiene 29 años y Juan López (Alto Maliaño, Cantabria, 1979) lleva ya cuatro o cinco siendo uno de los referentes del arte joven español. Su carrera es meteórica. Ha estado presente en las principales plataformas de apoyo la juventud artística y en importantes colectivas, Globos Sonda (MUSAC, 2006), la I Bienal de Canarias (2006) o Planes Futuros (Pamplona, 2007). En su segunda individual en La Fábrica su trabajo puede verse en su mejor versión, en un montaje de envergadura.

Su trabajo es conocido por su asombrosa frescura. Interviene el espacio público al tiempo que introduce en galerías y centros de arte el ritmo de la calle, desde la jerga juvenil hasta el mensaje publicitario. Si en el ámbito urbano utiliza el lenguaje, distorsionándolo y dándole otro sentido, en el interior utiliza el dibujo, que realiza con cinta adhesiva. Su soporte es el muro y su herramienta el cúter, que maneja con destreza para crear imágenes vibrantes e irónicas. Licenciado en Bellas Artes en Cuenca, lo que le mueve a Juan López no siempre se encuentra en la esfera del arte.

Continuar leyendo " Juan López - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 15 de Marzo | Comentarios (0)

Nacho Criado en la encrucijada - Rocio de la Villa

Originalmente en elcultural

22672_1-u.jpgEl proceso y la quietud. En el reduccionismo formal característico de Nacho Criado (Mengibar, Jaén, 1943) hay una extraordinaria capacidad de congelar espacialmente el devenir. Las figuras finalmente extraídas, ya sean elipses, vectores secuenciados o, aquí, cruces –con el tríptico mayor realizado en hierro y plomo– expresan en su depuración última, abstracta, un largo recorrido anterior, repleto de vericuetos, dudas, incertidumbres y experiencias. A través de las fotografías, pinturas, collages, dibujos y esculturas de esta exposición, Criado ha dejado suficientes hallazgos para que el espectador pueda rastrear algunas de las múltiples y variadas referencias que, a lo largo de su trayectoria, se han ido sumando hasta llegar a plasmar ahora la idea de la encrucijada. Es el magma de la vida cotidiana y, a la vez, la tenaz indagación hasta materializar en sus mínimos una idea.

Continuar leyendo "Nacho Criado en la encrucijada - Rocio de la Villa"

Enviado por salonKritik el 15 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 09, 2008

De allá para acá - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

lothasBaumgarten.jpgLothar Baumbarten (1943) es un artista de producción lenta, que aparece, desaparece y reaparece en la escena internacional al margen de cualquiera de los grandes eventos que la sacuden. Baumgarten es un artista alemán formado en el núcleo duro de las Academias de Karlsruhe y Düsselforf, que, como Hans Haacke y Benjamin Buchloh, decidió dejar su país natal para instalarse en EE.UU. y disfrutar del pluralismo de una sociedad alejada de las polarizaciones que el trauma de la II Guerra Mundial dejó consigo.

Fue en Alemania donde comenzó a interesarse por el pensamiento de Lévi-Strauss. De su mano (y también por la influencia de su padre) se interesó por la antropología, la etnografía y, sobre todo, por la Historia, la tradición y la cultura de lo «otro», entendiendo por esto lo distinto, lo ajeno y lo excluido. Fue así como empezó sus «etnografías de la otredad» (o lo que a finales de los sesenta se conoció como su particular contribución al land art) en «otras» zonas de la cuenca del río Rin a base de filmes (el primero, El origen de la noche, de 1973-77, se ambientó en la selva amazónica aunque se rodó en Alemania) y de obras objetuales de carácter efímero que Baumbarten siempre registraba en distintas series fotográficas, la más conocida, Culture-Nature, Manipulated Reality (1968-1972). Y siempre para dejar constancia de la psique de las cosas, de la duplicación de su morfología, entendido el registro fotográfico como el mejor potencial mimético de la realidad.

Continuar leyendo "De allá para acá - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 9 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 06, 2008

Inteligencia colectiva y redes creativas - António Cerveira Pinto

Originalmente en e-limbo

mini28.jpgNous proposons ici de concevoir des mondes virtuels de significations ou de sensations partagées, l'ouverture d'espaces où pourront se déployer l'intelligence et l'imagination collectives. — Pierre Lévy *

A la vez que argumentaremos, con la máxima honestidad posible, sobre la metamorfosis de los paradigmas modernos de la cultura occidental, intentaremos de otra parte (con igual disciplina intelectual y de acuerdo con la estimulante iniciativa emprendida por el MEIAC) avanzar una propuesta de reflexión teórico-práctica que incida en la necesaria adaptación de la institución museológica a los desafíos de esa omnipresente cultura bio-tecnológica a cuya expansión acelerada estamos todos adaptandonos.

El programa de acción en curso puede resumirse a una idea repetida: metamorfosis, metamorfosis, metamorfosis. Lo que viene a querer decir, paso del museo material a un museo inmaterial (en realidad, un bio-museo), elevación del público a la categoría de actor curatorial y transformación del lugar arquitectónico en una topología avanzada de democracia, urbanidad y vida multimodal. A pesar de la globalización, o precisamente por su causa, continua teniendo sentido entender la actividad artística, y sobretodo las causas de su legitimación crítica y valorización comercial, así como su notoriedad, en función del respectivo origen geo-estratégico. En este caso, tomando buena nota de las aportaciones creativas más relevantes, independientemente de su procedencia geográfica, el MEIAC inició hacia el año 2000 una política de adquisiciones y exposiciones en función de la importancia seminal de algunos artistas en el nacimiento del nuevo arte pós-contemporáneo, y por otro lado, dar el debido relieve a la producción digital y generativa de autores oriundos del mundo ibérico y latino-americano. La exposición META.morfosis resume de la mejor forma posible esta aspiración. La actualidad creativa de autores como Marta de Menezes, Joan Leandre (a.k.a Retroyou), Brian Mackern, Santiago Ortiz, Arcangel Constantini, Rosa Sanchez y Alain Baumann (a.k.a Konic thtr), Fran Ilich, André Sier ou Gustavo Romano, entre otros, lo justifican plenamente.

Continuar leyendo "Inteligencia colectiva y redes creativas - António Cerveira Pinto"

Enviado por salonKritik el 6 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 02, 2008

Sobre el planteamiento de IVO MESQUITA para la 28 Bienal de Sao Paulo - Antonio Socias

Originalmente en e-limbo

mini-26.jpgEn la Confusión de las Mentes (proceso en desarrollo permanente desde febrero de 2004)

ACTUAR

Actuar, propone el hombre, y hacerlo ahora mismo. Dejar de lado el discurso soporífero y los hipnóticos usos gremiales, arremangarse, ponerse manos a la obra, jugársela si es necesario y, consecuentemente, crear el caldo de cultivo propicio a la elaboración de un nuevo discurso con: 1. auténtica perspectiva de lo que está sucediendo en el arte de nuestros días, y 2. visión de futuro para salir de la arbitrariedad, el aburrimiento y la inercia, y dar un imperioso paso hacia otro estadio diferente.

Alejadas de algunas de las sustanciosas propuestas vanguardistas del primer tercio del siglo XX, desviadas de aquellas drásticas proposiciones conceptuales de finales de los sesenta y principios de los setenta, y al margen por supuesto de las siempre respetables propuestas particulares con un valor innegable, el grueso de las invectivas "radicales", que tanto nos han mareado durante las últimas décadas y que nos marean ahora mismo con alegatos vomitivos, han acabado por convertirse en puros trámites estéticos, ejercicios evidentes de plástica trasnochada; puro arte funcional, funcionarial; mera decoración de áreas retóricas, espacios desaprovechados y mentes apoltronadas; carne de ferias, certámenes y bienales; estribillos de una contemporaneidad mal concebida, gestionada, practicada y asumida.

Continuar leyendo "Sobre el planteamiento de IVO MESQUITA para la 28 Bienal de Sao Paulo - Antonio Socias"

Enviado por salonKritik el 2 de Marzo | Comentarios (1)

"En mi estilo se puede reconocer cierto perfume" Entrevista a Juan Hidalgo - Mariano de Santa Ana

Originalmente en babelia

01_juan.jpgEl koan es un problema aparentemente absurdo, ilógico o banal, cuya resolución mediante la liberación de los resortes del pensamiento racional ayuda a aumentar el nivel de conciencia de quien está entregado a la experiencia contemplativa. De larga tradición en el zen, el koan nutrió la poética de Juan Hidalgo desde que se pusiera a estudiar el budismo japonés en Milán, allá por la década de los sesenta, y sigue alimentándola aún, como acredita en Jugando con bolas, que muestra estos días en la sala San Antonio Abad del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), de Las Palmas de Gran Canaria.

Suspendidas del techo, custodiadas en vitrinas como reliquias infraleves, envueltas en condones o expuestas en pedestales carentes de solemnidad; navideñas, planetarias, de peluche o de billar, las bolas del octogenario artista se combinan mediante una economía poética de lo mínimo en forma de chistes obvios, gestos cómplices, historias privadas y permutaciones con resonancias oraculares para jugar, en última instancia, el papel de objetos restablecedores del silencio.

Miembro fundador del legendario grupo Zaj -formado por él, Esther Ferrer y Walter Marchetti-, introductor del conceptualismo en España en los años sesenta, Juan Hidalgo vive desde 1997 retirado en la aldea de Ayacata, en las montañas de su isla natal de Gran Canaria, en una hermosa casa de color violeta en la que comparte sus trabajos y sus días con su marido, Carlos Astiárraga; sus 14 perros, un pájaro del Himalaya y el segundo almendro más grande del pueblo.

Continuar leyendo ""En mi estilo se puede reconocer cierto perfume" Entrevista a Juan Hidalgo - Mariano de Santa Ana"

Enviado por salonKritik el 2 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 01, 2008

Un destello de piedad - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abcd

w_ghm_0658-u.jpgPerteneciente a esa generación de artistas británicos que, como Paul Seawright o Willie Doherty, han impreso un nuevo sesgo al empleo documental de las imágenes, Paul Graham (Reino Unido, 1956) celebra su tercera individual madrileña, después de que en esta misma galería presentara hace un par de años su serie American Night (muchos de ustedes recordarán aquellas impecables fotos a punto de disolverse por completo en el efecto neblinoso que las daba nombre), y que en 2004 la Fundación Telefónica le dedicara una amplia retrospectiva. Así pues, el compromiso social y político de Graham es, al menos inicialmente, familiar para el público de estas fotografías, donde avanza en el retrato colectivo americano del presente, atendiendo sobre todo a sus fracturas internas y tomando como protagonistas a los más desfavorecidos.

Sombras del pasado. Graham trabajó largo tiempo sobre la problemática inherente a la cristalización de toda identidad colectiva: en el terreno de lo social, retratando franjas generacionales que, como los adolescentes, están sujetos a rápidos tránsitos identitarios, y, sobre todo, en el terreno de lo político, como en el caso de su tierra natal -con la presencia del conflicto norirlandés- o en el de la construcción europea -donde a finales de los ochenta, «liberada de las ataduras de la Historia y habiéndose dotado de una única frontera, buscaba un nuevo futuro, aunque era visible en ella la sombra del pasado», según él mismo.

Continuar leyendo "Un destello de piedad - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

Lamentablemente, Muñoz Molina - David G. Torres

Originalmente en a-desk

Este sábado el suplemento Babelia de El País reproducía el debate que durante el pasado ARCO moderó Antonio Munoz Molina sobre arte contemporáneo. Sólo quiero destacar la deslumbrante ineptitud de Antonio Muñoz Molina para desbaratar lo que según él representa el arte contemporáneo hoy.

Tan ridícula como una defensa numantina del arte contemporáneo es un ataque basado en prejuicios. Aunque por otra parte esa defensa numantina y en bloque nadie minimamente documentado la verá por ningún lado, más bien se encontrará autocrítica y discusión. Por ejemplo, no defenderé por igual y en bloque la idea de hacer una bienal vacía en Sao Paulo y dejar el pabellón español en la Bienal de Venecia vacío como hizo Santiago Sierra; ambos ejemplos citados por Muñoz Molina. Lo inaudito es que alguien que trabaja desde la creación literaria, que utiliza sus recursos, imágenes y metáforas declare que la intervención de Santiago Sierra necesitaba de explicaciones adicionales y que esas explicaciones adicionales representan el conflicto en el que vive el arte contemporáneo. Sinceramente, al margen de juicios sobre la obra de Santiago Sierra, no sé que explicación adicional requiere una obra que consistía no tanto en dejar un pabellón vacío como en impedir la entrada a un supuesto territorio de españolidad a aquellos que no tengan pasaporte español para entrar en un espacio en estado ruinoso. Y esto no és una explicación que haga que la pieza se aguante o no, sino simple descripción de lo que hay, otra cosa es que se sepa ver o no. Explicación sería decir que eso tiene que ver con el cierre de fronteras, las políticas de exclusión en España, el estado ruinoso de la cultura en este país o la absurda internacionalidad de un evento como la Bienal de Venecia.

Continuar leyendo "Lamentablemente, Muñoz Molina - David G. Torres"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (1)

China, más allá de la muralla - Anna Maria Guasch

Originalmente en abcd

1203627027_extras_albumes_u.jpgEn uno de los rincones de los blancos espacios de la Fundación Miró, a resguardo de las miradas y de las ochenta obras de 51 artistas chinos contemporáneos, sentada en las escaleras, trajeada y leyendo el periódico, aparece la inquietante escultura hiperrealista del único «europeo» de toda la muestra: el diplomático y empresario suizo Uli Sigg, embajador por un tiempo de Suiza en Pekín, que desde su primer viaje a China en 1979, en la era posterior a la muerte de Mao, empezó a coleccionar un arte nada apreciado -al menos en el mercado tradicional- en aquellos momentos, hasta reunir más de dos mil piezas, sin duda, la colección de arte chino contemporáneo más amplia de las existentes en la actualidad.

Fuera protocolo. La pulsión coleccionista de Uli Segg trasgrede, no obstante, los protocolos tradicionales del coleccionista: más que aislar las obras de su contexto, Sigg se ha propuesto servirse de la obra de arte para intentar entender un mundo que le era inaprensible o, lo que es lo mismo, para explicar visualmente la vertiginosa transformación experimentada por la China post-Mao y posterior también a la disolución de la URSS: «Conocer China a través de su arte». Eso es, al menos, lo que se deriva de sus palabras en la entrevista que se publica en el catálogo de la exposción, y en la que el suizo insiste en servirse de las obras de los artistas chinos entre 1987 y 2007 para explicar la nueva situación de un país que, tras la apertura al «mundo occidental» -en realidad, a su capitalismo-, pretende convertirse en una superpotencia mundial.

Continuar leyendo "China, más allá de la muralla - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

Las paradojas del arte contemporáneo

Originalmente en babelia

Un grupo de ocho destacados intelectuales, profesionales y artistas participó el pasado viernes 15 de febrero en la mesa redonda organizada por EL PAÍS en el VI Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo durante la feria madrileña Arco. El escritor y académico Antonio Muñoz Molina actuó como moderador planteando varios de los puntos de una discusión en la que tomaron parte los artistas Eduardo Arroyo, Jaume Plensa, Soledad Sevilla y Sergio Prego. Junto a ellos, el crítico de arte Francisco Calvo Serraller, la curator internacional Carmen Giménez y el director de La Casa Encendida, José Guirao.

La mesa fue planteada en torno a la relación entre el artista y el público. Es decir, cómo llega el artista al público y cómo el público también se educa en su apreciación del arte. Antonio Muñoz Molina quiso empezar enumerando unas cuantas paradojas descriptivas del arte contemporáneo, algunas de ellas universales, otras europeas y otras específicamente españolas, que lo definen. "La primera es que en arte la ruptura es la norma. Paradoja que plantea sus problemas, porque, para rebelarte contra algo, tienes que hacerlo contra un poder, que en este caso se ha disipado. Además la provocación requiere un establishment fuertemente establecido de gente dispuesta a sentirse provocada y escandalizada".

Continuar leyendo "Las paradojas del arte contemporáneo"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

Febrero 24, 2008

La encrucijada. Acción política, arte y comisariado. - David G. Torres

Leido en e-limbo

En abril de 2000, Antonio Ortega presentó una exposición en la Sala Montcada de la Fundació "La Caixa" bajo el título Registro de Caridad. Su obra era fruto de haber apadrinado una cerdita en Londres y de dar de comer sus propios vómitos a unos anónimos pájaros en la entrada de su casa. La exposición ponía en evidencia nuestros prejuicios respecto a la caridad y la generosidad con una pregunta implícita muy simple: ¿qué es más generoso o caritativo, ofrecer a una cerda un nombre y un hábitat ideado por nosotros, que en el fondo es una especie de encierro, o dar de comer vómitos a unos pájaros que siguen siendo libres y que pueden decidir si comer eso o no?, ¿cómo medimos nuestra generosidad, en base a nuestra propia satisfacción personal o en base a la del objeto con el que pretendemos ser caritativos?, ¿qué mide la generosidad, nuestro esfuerzo o el resultado?… Para comentar la exposición de Antonio Ortega utilicé una noticia que había aparecido en un telediario reciente: Chrissie Hynde, líder de The Pretenders, había sido detenida en Nueva York mientras se manifestaba en una tienda Gap contra la venta de prendas de piel realizadas a partir de la explotación de vacas en la India. La historia era larga y complicada, la moraleja final consistía en preguntarse quién se beneficiaba de qué, si Gap con la publicidad gratuita que le hacía Chrissie Hynde o la propia cantante al ganar minutos de televisión con un reciente disco en el mercado.

Continuar leyendo "La encrucijada. Acción política, arte y comisariado. - David G. Torres"

Enviado por Jose Luis Brea el 24 de Febrero | Comentarios (0)

La energía necesaria - Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en abcd

21(51)-U.jpgBeuys reconstruye su vida como montaje permanente de exposiciones: se convierte en parásito de sus heridas. El currículum recuerda que con diez años suceden dos muestras en Kleve: «Exposición contraída» y «Exposición de la contracción», más tarde «Exposición bajo tierra (a poca profundidad)». Beuys se sitúa en el terreno en construcción benjaminiano, su mirada visionaria es la de un niño que juega: «Naturalmente -declarará el defensor de la nueva plástica social- todo aquello no tenía aún otro carácter que el de un juego. Así, por ejemplo, con los trozos de tela vieja, trapos y restos que habíamos andado mendigando por ahí, se construyeron grandes cobertizos a modo de tiendas de campaña, y allí se exhibían todas aquellas cosas, empezando por mosquitos, reptiles, renacuajos, peces, escarabajos, ratas, ratones, hasta chismes mecánicos viejos y algún que otro aparato técnico, todo, en fin, cuanto podíamos buscar. Se producían también considerables movimientos sísmicos, pues, en parte, construíamos bajo tierra nuestros locales, en un laberinto de zanjas».

Injertado en la muerte. Las correspondencias son claras: las zanjas y el laberinto, el cobertizo y la Torre de Babel, la colección de zoología azarosa y el Arca de Noé. Las obras de Beuys sobreviven como fragmentos, piezas sueltas de una gran confesión y una gran confusión. Es un mensaje injertado en la muerte, de una fealdad provocativa e informe.

Continuar leyendo "La energía necesaria - Fernando CASTRO FLÓREZ"

Enviado por salonKritik el 24 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 17, 2008

Y todo a media luz - Javier DÍAZ-GUARDIOLA

Originalmente en abcd

ESBALUARDS-u.jpg«Yo sólo tuve miedo de la luz, no de la oscuridad, porque la oscuridad nunca miente», expresaba en 2002 Bernardí Roig, uno de los tres integrantes de Light Messages, en Es Baluard -y la cita le sirve también a Fernando Castro para arrancar el conjunto de «fogonazos» y «sombras de la mirada» con los que sintetiza en su texto para el catálogo de la muestra la obra del mallorquín y sus otros dos compañeros generacionales y de cita expositiva: Daniel Canogar (Madrid, 1964) y Chema Alvargonzález (Jerez de la Frontera, 1960)-. Porque no hay mayor ciego que el que no quiere ver (sabiduría popular). Y Roig recurre a Goethe para explicar la «ceguera lúcida» a la que parecen abocados algunos creadores, el balerar incluido: «Estoy convencido -señala- de que el alemán no quiso decir mehr light (más luz), sino mehr nicht (no más), porque estaba harto».

Continuar leyendo "Y todo a media luz - Javier DÍAZ-GUARDIOLA"

Enviado por salonKritik el 17 de Febrero | Comentarios (1)

Febrero 14, 2008

Poéticas de resistencia - Rocio de la VILLA

Originalmente en el cultural

22394_1-u.jpgLa serie de grabados Belief in the Age of Disbelief del jovencísimo Cyprien Gaillard (París, 1980) podría ser el lema de fondo de la intencionalidad en la política artística del PAC (Proyecto de Arte Contemporáneo, de Murcia), de la exposición Estratos y de la propia postura de su comisario, Nicolas Bourriaud. Así como los grabados muestran la invasión de la vegetación del paisaje de la Arcadia sobre edificios de la Modernidad, la búsqueda de un proyecto singularizador e identitario de Arte Contemporáneo en Murcia con ciertas señas de resistencia ha encontrado su mejor aliada en la arqueología. Y no sólo porque, según ha declarado Bourriaud, su primera visita a Murcia quedara impregnada por la visión de la Muralla; sino también, porque de las acciones culturales llevadas a cabo hasta ahora en la ciudad, la revisión arqueológica era la más destacada y podía servir de punto de arranque y cohesión frente a anteriores iniciativas contemporizadoras pero de relativo alcance. De manera que todo en Estratos respira un optimismo pragmático, ajeno a utopías, por grandilocuentes, fracasadas. Una propuesta, también generacional, que podríamos denominar la de los The Smithson, siguiendo el título del vídeo de Gaillard, tan melancólica como la música de su banda sonora de The Smiths, pero tan disciplinada en testar la experiencia como las acciones in site de Robert Smithson.

Continuar leyendo "Poéticas de resistencia - Rocio de la VILLA"

Enviado por salonKritik el 14 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 09, 2008

Brasil, menú para caníbales · Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en abcd

22(48)20080208.jpgEn el Manifiesto Pau, de Oswald de Andrade, hay tanto una valorización del elemento primitivo cuanto el esbozo de la propuesta antropofágica, entendida como estrategia de asimilación de virtudes del enemigo extranjero para fundirlas con lo nacional. Frente al paradigma maquínico decisivo en la vanguardista europea surge una apelación al banquete caníbal, aquella mítica guerra trival que, desde el informe de Hans Staden en el siglo XVI, asombrara a los «civilizados» occidentales. El mismo De Andrade, conocedor de la influencia del arte africano y polinesio en la estética de Picasso, señalaría en su célebre Manifiesto antropófago (1928): «Sólo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre. Ley del antropófago». La asunción del barbarismo y la carnavalización de los valores en De Andrade tiene en la pintura de Tarsila do Amaral el sentido de una conceptualización de la identidad cultural en relación con la angustia de las influencias marcada con respecto a las vanguardias europeas.

Continuar leyendo "Brasil, menú para caníbales · Fernando CASTRO FLÓREZ"

Enviado por salonKritik el 9 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 04, 2008

Heterocronías y estratos - Bourriaud en Murcia - Guadalupe Aguiar Masuelli

Originalmente en e-limbo

Está desarrollándose en la ciudad de Murcia un curso denominado Heterocronías. Imágenes, tiempo y arqueologías del presente, en el CENDEAC, en el marco de la exhibición ESTRATOS comisariada por el crítico y curador francés Nicolás Bourriaud. La muestra se despliega por varios puntos de la ciudad de Murcia, tomando como eje la idea de arqueología en relación al arte contemporáneo. Aquí transcribo algunas de las ideas que recogí de su conferencia:

La estandardización del tiempo.

A mediados del Siglo XIX y principios del XX se percibe una lucha entre tiempo sagrado e historizado. Las campanas y el tiempo natural han desaparecido de nuestra vida diaria, y vivimos una creciente estandardización del tiempo. 1891: Ley francesa de racionalización del trabajo. 1912: Se instituye definitivamente el meridiano de Greenwich como referencia para crear un tiempo universal estandardizado. Ese mismo año aparece el arte abstracto. La relación entre Kandinsky y Mondrian con la estandardización del tiempo es algo que debería estudiarse: Abstracción que genera tiempo

Continuar leyendo "Heterocronías y estratos - Bourriaud en Murcia - Guadalupe Aguiar Masuelli"

Enviado por salonKritik el 4 de Febrero | Comentarios (0)

Un escenógrafo sin escenografía· Juan Antonio ÁLVAREZ REYES

Originalmente en abcd

juan_080123_300U.jpg¿Cómo organizar una escenografía sin contar con el escenógrafo? Esta cabría ser la pregunta clave a la que desde el lado curatorial se debería prestar una especial atención a la hora de pensar una exposición sobre Juan Muñoz en el presente, tras su muerte. Si hay una cualidad que se debe resaltar en su trayectoria, en lo mejor de ella, es esa fuerte voluntad escenográfica. Sus mejores exposiciones individuales fueron, precisamente, aquellas en las que desplegó todo esa capacidad de transformar el espacio y convertirlo en otro lugar donde también su producción adquiría nuevas significaciones más allá del objeto escultórico. En este sentido, más que sus esculturas, son sus instalaciones -como el mismo supo ver ya desde finales de los años 80- las que continúan hoy despertando el interés e incluso cierta fascinación ante un artista que supo sacar un gran partido a toda una amplia gama de trucos referentes a la visión, al parecido y al espacio barroco -en tanto que referente del ilusionismo-. Así, en la exposición de la Tate, se echa en falta al escenógrafo y su escenografía, que sólo cabe reapreciar aquí en sus instalaciones.

Continuar leyendo "Un escenógrafo sin escenografía· Juan Antonio ÁLVAREZ REYES"

Enviado por salonKritik el 4 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 03, 2008

Entrevista con Lourdes Fernández - KARMENTXU MARÍN

Originalmente en El País

Pregunta. Tiene contentos a los galeristas españoles. ¿Con usted llegó la polémica?

Respuesta. Lo que pasa es que este año ha habido una selección mayor, y ha habido más polémica. Sí, hay 26 expositores españoles menos que el año anterior, y 27 extranjeros.

P. Juana de Aizpuru, Rosina Gómez Baeza, ahora usted: ¿pedirán cuota los hombres?

R. Pues que la pidan. En el arte nos movemos muchísimas mujeres. Pero un hombre lo podría hacer igual.

Continuar leyendo "Entrevista con Lourdes Fernández - KARMENTXU MARÍN"

Enviado por salonKritik el 3 de Febrero | Comentarios (0)

Manuel Borja-Villel quiere hacer del Reina Sofía el MoMa español

Originalmente en Logopress


El nuevo director del Reina Sofía Manuel Borja-Villel tomó posesión de su cargo sin defraudar la gran expectación que se había creado en torno a su nombramiento. Flanqueado por el ministro de Cultura, César Antonio Molina y por la presidenta del Patronato, Pilar Citoler, Borja-Villel enumeró su decálogo de trabajo para los próximos años y su prioridad para dotar al Reina Sofía del prestigio de los grandes museos del mundo, como el MoMa. No obstante, el nuevo director no cree en los milagros y ha pedido dos o tres años para que se juzgue su gestión aunque sin echar balones fuera asume ya, para este ejercicio, la programación que estaba prevista y que tendrá su estrella en la exposición que prepara el MNCARS sobre Picasso.

Continuar leyendo "Manuel Borja-Villel quiere hacer del Reina Sofía el MoMa español"

Enviado por Jose Luis Brea el 3 de Febrero | Comentarios (2)

Enero 30, 2008

El descrédito de lo visible - MIGUEL Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO

Originalmente en NO (HA) LUGAR

_visd_0001JPG00P1Z.jpgHay ocasiones en las que a uno se le nota demasiado la excitación al escribir sobre un libro. Quizá ésta sea una de ellas. Cuando el otro día encontré sobre la mesa de novedades ‘Ojos abatidos’, se me saltaron las lágrimas y sentí que algo me punzaba en la nuca. He leído y releído este libro hasta la saciedad durante años. Y encontrar ahora la traducción española ha sido un motivo de gozo intelectual difícil de igualar. Si hay libros que marcan época, ‘Ojos abatidos’ es, sin duda, uno de ellos. Desde su publicación en inglés en 1993, el texto se ha convertido en una de las referencias esenciales dentro del ámbito de la cultura visual y la reflexión sobre la mirada.

En cierto modo, ‘Ojos abatidos’ introduce un cambio de paradigma en la reflexión sobre la visión, aunque la tesis del libro es bien sencilla, y tampoco llega a ser del todo novedosa. Sin embargo, sí que es la primera vez que se presenta de un modo tan sistemático, claro y ordenado, sintetizando hallazgos e intuiciones anteriores, una cartografía exhaustiva de la evolución de la visión moderna. Según Jay, a lo largo del siglo XX, especialmente en Francia, tiene lugar en la filosofía un profundo cuestionamiento de la vista como sentido privilegiado de la Modernidad.

Continuar leyendo "El descrédito de lo visible - MIGUEL Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO"

Enviado por salonKritik el 30 de Enero | Comentarios (1)

Enero 29, 2008

Santiago Sierra escandaliza Londres con una exposición de mierda - La Petite Claudine

Originalmente en La Petite Claudine

El madrileño Santiago Sierra, posiblemente el artista contemporáneo español más famoso del mundo, acaba de exponer una obra en una galería de Londres consistente en 21 monolitos compactos de caca seca.

Una obra de mierda, podría decirse. Pero, aunque todos sabemos que Sierra no es el primer artista que hace una obra de mierda, esa no es la cuestión. Lo importante es que la materia prima de la obra ha sido recolectada a mano por mujeres de Nueva Delhi y Jaipur "cuya casta les impide tener otro trabajo que sacar la mierda de los baños públicos". Además de un artista de mierda, Santiago Sierra es el artista de la conciencia, pero no la suya, sino la de ustedes.

Continuar leyendo "Santiago Sierra escandaliza Londres con una exposición de mierda - La Petite Claudine"

Enviado por salonKritik el 29 de Enero | Comentarios (1)

Arqueología de lo cotidiano · CARLOS JIMÉNEZ

Originalmente en ELPAÍS-BABELIA

20080126elpbabart_1.jpgNicolas Bourriaud no se siente como algunos de esos comisarios estrella que van de un continente a otro organizando bienales y exposiciones como quien organiza megaconciertos de rock. Y eso que a él no le faltan credenciales para reclamar su ingreso por derecho propio en esa élite de deslumbrantes gestores culturales. Con apenas 42 años y un aspecto todavía muy juvenil, Bourriaud se dio a conocer en los años noventa como codirector del parisiense Palais de Tokyo, convertido en un centro de arte contemporáneo de referencia a escala internacional gracias a las ideas que expuso en un libro que pronto se hizo célebre: Estética relacional. El proyecto era abandonar la idea de la obra de arte cerrada sobre sí misma y entregada a la contemplación solitaria del espectador -que aún era el modelo imperante en los museos- sustituyéndola por la puesta en valor de aquellas obras capaces de estimular el intercambio y la interacción entre el artista, la obra y sus espectadores. El Palais de Tokyo se vio entonces desbordado por una multitud variopinta que con su desenfado subvertía la solemnidad del resto de los museos y centros de arte de la época.

De hecho, la forma como ha respondido a la petición que le hiciera Pedro Alberto Cruz -consejero de Cultura, Juventud y Deporte de la región de Murcia- de hacerse cargo de una gran exposición de arte actual no desdice de estos antecedentes, por lo que tiene de contraste con las prácticas impositivas habituales de los comisarios estrella. Él explica que la elección del tema de la misma se lo dictó la propia ciudad de Murcia. "Fue visitando por primera vez la ciudad cuando tuve la idea de la exposición", cuenta. "Quedé fascinado por el hecho de que se compone actualmente de múltiples estratos históricos que, como los trazados de la ciudad árabe y los numerosos vestigios de la civilización musulmana, afloran bajo el presente europeo. Esta sedimentación histórica resulta una suerte de yacimiento arqueológico a cielo abierto en el cual el pasado y el presente coexisten y se reflejan mutuamente".

Continuar leyendo "Arqueología de lo cotidiano · CARLOS JIMÉNEZ"

Enviado por salonKritik el 29 de Enero | Comentarios (0)

El intelectual y el administrador · David G. Torres

Originalmente en e-limbo

mini12.jpgEn los últimos tiempos, parece que la gran prioridad indiscutible de algunos profesionales del arte y artistas españoles, es decir, de una parte del sector artístico, es solucionar el problema de la promoción del arte español en el extranjero. De entrada, me gustaría insistir en que dicha prioridad no es tan indiscutible, y que tal vez buena parte de esa precariedad que se pretende solucionar con la promoción exterior está provocada por el mero enunciado de una solución en esos términos. De hecho, allí donde algunos declaman con cara de estupefacción e indignación no entender cómo, dada la "gran calidad" del arte español, éste no tiene presencia en el exterior, otros vemos como esa cara de estupefacción es en sí toda una respuesta. Porque antes habría que discutir si existe tal calidad, cómo se mide y si finalmente tiene algo que ver con lo español. Lo que sí me parece una absoluta prioridad es la necesidad de ejercer un pensamiento crítico desde poco importa cómo se llame el lugar desde el que se ejerza.

Bajo el riesgo de caer en mil malentendidos ―básicamente porque como decía Slavoj Zizek cualquier pensamiento que se quiera crítico está condenado a ser recluido en los márgenes de una supuesta radicalidad en la que todo se simplifica por aquellos que aún elogian valores como la moderación y la centralidad porque, ya se sabe, los extremos se tocan―, creo que antes de pensar si es una prioridad o no la promoción del arte español a un supuesto exterior, será necesario como mínimo preguntarse si existe algo llamado arte español (y algo que se considere exterior a él). Desde luego, lo que resulta indefendible para un pensamiento crítico y atrincherado es el uso de términos como nacional y todos sus derivados: regional, internacional, etc. Si Millán Astray, como el nazi Hermann Goering, decía echar mano de su pistola al oír la palabra cultura, algunos al oír la palabra nación también tememos que muchos se pongan a desenfundar sus pistolas.

Continuar leyendo "El intelectual y el administrador · David G. Torres"

Enviado por salonKritik el 29 de Enero | Comentarios (0)

Enero 27, 2008

Sin miedo a nada · Anna Maria GUASCH

Originalmente en ABCD

MUNTADAS.jpgFiel a sus habituales protocolos expositivos, Antoni Muntadas presenta una nueva entrega de su proyecto On Translation -con el que lleva trabajando desde 1995-, un obra en formato televisivo denominada On Translation: Miedo/Jauf, acompañada de una retrospectiva o de una revisión a modo de «mirada analítica» entorno a su contribución al uso de la televisión como dispositivo artístico y crítico.

Yolanda Romero y Mar Villaespesa han escogido algunos de los trabajos más representativos de Muntadas desde que en 1974 realizara, por un lado, la experiencia Cadaqués. Canal local -un conjunto de entrevistas y reportajes televisados en distintos lugares de esta localidad catalana-, así como la instalación Emisión / Recepción -presentada originariamente en la galería Vandrés, de Madrid, con una doble proyección de diapositivas tomadas de emisiones de televisión y receptores situados en bares y hogares privados-. Años después, Muntadas aludiría en el texto About Invisible Mechanims (1978) al poder que «los mecanismos invisibles» de los media ejercen sobre las masas: «Las distintas estrategias de los medios, las técnicas subliminales son el perfume y las flores utilizadas para esta seducción. A través de campañas, carteles, radio y televisión, el poder se impone, no por las armas, sino más bien por el sonido y la imagen».

Continuar leyendo "Sin miedo a nada · Anna Maria GUASCH"

Enviado por salonKritik el 27 de Enero | Comentarios (0)

El colmo de lo lujoso · Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en ABCD

19(44)-U.jpgParece ser que fue Rauschenberg quien animó a Jasper Johns a que pintara un sueño en el que «veía una gran bandera» para incluir luego esa materialización en el ensamblaje Cortocircuito (1955) en vecindad con un collage de Ray Johnson, el programa de un concierto del compositor John Cage y la firma de la actriz y cantante Judy Garland. Esa vecindad de lo «patriótico» de lo alegóricamente homoerótico es crucial en la manifestación del complejo modo de encriptar deseos, juegos de lenguaje y alusiones políticas en un despliegue vertiginoso de materiales heterogéneos. Thomas Crow ha señalado que mientras muchos seguían a mediados de los cincuenta la senda trazada por De Kooning, Pollock y Rothko, otros, especialmente Rauschenberg y Jasper Johns, participaban del heroísmo irónico y burlesco floreciente en otros medios de Nueva York

Rauschenberg encuentra una fuente de «inspiración» en los ready-mades duchampianos y, sobre todo, en su actitud irónica con respecto al arte. Comprendió que aquellos objetos elegidos con una precisión anestética posibilitaban una reducción irónica del punto de vista heroico y de la concepción «religiosa» del arte. Este joven tejano se sentía atrapado por lo cotidiano, quería trabajar en los terrenos en construcción tal y como los describiera Benjamin en Dirección única, allí donde el niño, el trapero y el poeta forjan el mito intempestivo de la modernidad.

Continuar leyendo "El colmo de lo lujoso · Fernando CASTRO FLÓREZ"

Enviado por salonKritik el 27 de Enero | Comentarios (0)

Enero 25, 2008

Entrevista a Manuel Borja-Villel - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL.es

El 30 de enero Manuel Borja-Villel se presentará como director del Museo Reina Sofía al patronato, a los medios de comunicación y al mundo del arte, algo más de un mes después de que anunciara que había ganado un concurso internacional, dirimido por un jurado independiente. Tendrá que enfrentarse a una situación complicada pero, aunque aún tiene que conocer en detalle muchos extremos, viene armado de un proyecto, el que le sirvió para convencer al jurado y al que habrá que referirse para juzgar su futura gestión. Con ese documento como guía, nos perfila los rasgos más relevantes de sus planes para el “buque insignia” del arte contemporáneo español, que será pronto agencia estatal.

En estos días, Manuel Borja-Villel (Burriana, Castellón, 1957) está entre Madrid y Barcelona, manteniendo los primeros contactos con el personal del Reina Sofía y preparando su pronto traslado. Está pasando una gripe de las malas, pero pone su mejor cara para recibirnos y para someterse, en el frío de la calle, a la sesión fotográfica. Una buena disposición que le va a hacer falta para ganarse voluntades dentro y fuera del museo.

–El proceso por el que va a ser director del MNCARS tiene importancia histórica. ¿Tendrá como resultado otra forma de relación entre el museo y la administración?
–Espero. Éste ya no es un nombramiento político y eso supone una diferencia sustancial. Otras veces me habían seleccionado para dirigir el MNCARS en base a nombres, ahora es un concurso en base a un proyecto, valorado por un jurado.

Continuar leyendo "Entrevista a Manuel Borja-Villel - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 25 de Enero | Comentarios (0)

NO, FUTURE - YP

Originalmente en YPSITE BLOG

JCnofuture 2 copy.jpgEstando por Londres, fuimos al “Bloomberg Space“, donde nos encontramos una expo comisariada por David G. Torres en collboration con Graham Gussin y Sacha Craddock. En la expo se pueden encontrar piezas de varios artistas españoles (entre ellos Antonio Ortega, Ignasi Aballí, Rafael G.Bianchi, Tere Recarens, Jordi Colomer, Karmelo Bermejo..) junto a trabajos de Paul McCarthy, Sarah Lucas, Jonathan Messe, el propio Graham Gussin, etc. Bajo el título NO, FUTURE (alerta con la coma entre palabras que es importante) y según leemos en la tertulia que mantienen los tres responsables de la exposición, David G. Torres contextualiza todas estas piezas/actitudes entorno a la idea de “intensidad” que relaciona con “lo subversivo” o “naturaleza rebelde”. Lejos de querer hacer una crítica a lo A-Desk de esa expo ya que ellos lo hacen muy bien y nuestra intención es en el fondo hablar de un concepto-vértebra que David utiliza a modo de manifiesto (no, no estoy preparando el terreno para soltar garrotazos..), nos gustaría intentar analizar esa idea de “intensidad”. El texto que hay en la exposición es corto y el formato de entrevista sirve más para delimitar un estado de cosas que para hacer una tesis comisarial, por lo que no alcanzamos a ver cómo acotar o entender esa “intensidad”. Vamos a inaugurar un nuevo formato de post que carecerá completamente de sentido si no se responde a nuestra llamada…tomémoslo como el riesgo incluido en toda innovación..

Aprovechando la marcha bloguera que llevamos todos y lanzándonos al vacío cibernético, estaríamos encantados de que David nos pudiera comentar un poco esa idea de “intensidad” contestando a este post..David…estás ahí?

Continuar leyendo "NO, FUTURE - YP"

Enviado por salonKritik el 25 de Enero | Comentarios (0)

Enero 24, 2008

Mrzyk & Moriceau, delirio y euforia · David G. TORRES

Originalmente en el cultural

22277_1-u.jpg
Hay muchos artistas que trabajan en pareja, como un tándem, realizan obras en colaboración que siempre inducen a preguntarse qué sería de cada uno de ellos por separado: Gilbert & George, Fischli & Weiss o, más próximos, Bestué y Vives. En cualquier caso, la idea de grupo o tándem de artistas pone en cuestión la idea picassiana del genio creador individual. No en vano, los trabajos de los artistas mencionados tienen una raíz más o menos conceptual y no suele aparecer la mano loca (o mano tonta): el gesto. Por eso el caso de Petra Mrzyk y Jean-François Moriceau es aparentemente sorprendente, porque su trabajo se concentra en el dibujo. Y éste parece alineado al lado del gesto, en una conexión directa entre la idea y la mano que lo ejecuta. Al fin y al cabo, André Breton decía que el pensamiento se hace en la boca, de ahí la escritura automática, y, también, de ahí, el dibujo automático.

Continuar leyendo "Mrzyk & Moriceau, delirio y euforia · David G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 24 de Enero | Comentarios (0)

Anne Berning, el juego de amontonar · Abel H. POZUELO

Originalmente en el cultural

espacio-minimi01.jpg
Los lugares que habitan los críticos, los comisarios, los directores de museo y galeristas, los doctores en Historia del Arte y, en especial, muchos artistas están invadidos por libros de pintura, postales con reproducciones de cuadros, monografías y enciclopedias del arte. A cada reparto de correo, nuevas invitaciones y catálogos de exposición se acumulan en un buzón postal ya casi sólo visitado por ellos y los asuntos del dinero. Cada miembro del comité del planeta arte tiene un río furioso, un volcán, tsunamis o cordilleras de papel impreso que amenazan con derrumbarse sobre las ollas, hundir el piso, salir derramadas por las ventanas o tirar abajo las puertas.

La era que siguió a Gutenberg no ha acabado para los que viven en ese planeta. Su literatura y la reproducción de imágenes del pasado son agentes activos en cualquier reflexión sobre las cuestiones que organizan, que dan sentido, que vertebran y hacen discutible las obras, en especial la pintura. Los artistas que pintan hoy se rodean menos de modelos desnudos que de libros sobre pintura: falsos museos en miniatura donde la Historia de las imágenes manuales son una y otra vez miradas, analizadas, procesadas, interpretadas, reapropiadas, desmenuzadas, despedazadas, expropiadas, amadas, negadas... Anne Berning (1958) hace de su obra una pura constatación de tal realidad así como de las causas que la provocan y la madeja de juicios que de ello emanan.

Continuar leyendo "Anne Berning, el juego de amontonar · Abel H. POZUELO"

Enviado por salonKritik el 24 de Enero | Comentarios (0)

Enero 22, 2008

Política de la visión - Miguel Cereceda

lepartage3.jpg

Originalmente en ABCD

El trabajo de Rogelio López Cuenca ha ido derivando lentamente desde una poesía visual de contenido irónico-político hacia una especie de semiótica de la visión, en la que se trata de pensar lo que se puede y lo que no se puede ver. Tal vez por eso el artista ha vivido estos últimos años algo alejado de las exposiciones en galerías de arte, entregado más bien a la presentación de cursos, talleres y seminarios, en los que trataba de articular esta semiótica de la visión.

Unas son, en efecto, las cosas que se nos dan a ver, otras las que se nos permite ver y otras, por último, aquéllas que se nos fuerza a ver. La televisión, la publicidad, la Historia del Arte o la pornografía constituyen repertorios visuales de este tipo. Todas ellas, sin embargo, ocultan otras cosas que no podemos ver, que no queremos ver o que ideológicamente desaparecen de nuestro ámbito de representación. Aunque lo visible es tanto lo monstruoso como lo desagradable, tanto lo inmoral como lo inhumano, y aunque ello esté tan presente en nuestra mirada como lo gratificante y placentero, pensado desde una política de la visión, sigue siendo cierto que uno no puede ver que no puede ver lo que no puede ver. Esta elemental reflexión le sirve a López Cuenca para desplegar una estrategia de actuación sobre lo visual en la que la imagen es deliberadamente cargada de un suplemento político que la imposibilita para cualquier contemplación ingenua o meramente placentera.

Continuar leyendo "Política de la visión - Miguel Cereceda"

Enviado por salonKritik el 22 de Enero | Comentarios (0)

Entrevista con Antoni Muntadas - Chema González

Originalmente en Blog del Guerrero

Después de cinco días de trabajo frenéticos, tras el montaje de la exposición, presentaciones y entrevistas con la prensa, el laboratorio sobre la microtelevisión en el barrio de La Chana con el colectivo de Aula Abierta y conferencias y encuentros con estudiantes bastante multitudinarios, logramos robar una hora para realizar esta entrevista con Antoni Muntadas, aunque tuviéramos que despertarle, cosa que habla bastante bien de su constante predisposición. En ella, más que entrevistarle, charlamos sobre Jauf-Miedo, el nuevo trabajo producido por el Centro, el cambio en los medios que integran sus proyectos, la educación artística en su faceta como profesor en diferentes universidades y la distinción, quizás apórica en su planteamiento, entre new-media y arte contemporáneo, entre otras muchas cosas. Me hubiera gustado plantear esta entrevista con los lectores del blog, aunque el tiempo no daba para mucho, pero sí que sé que Muntadas se pasará por aquí a menudo, así que no dudéis en plantearla en los comentarios.

Chema González: A partir de tu conferencia de ayer, en la que realizaste una revisión de más de tres décadas de estrategias de representación y confrontación del poder en tu trabajo, me gustaría que reflexionaras sobre la manera en que has modificado estas formas de enfrentar y materializar este poder. Te pongo como ejemplo el cambio evidente en el paso de una televisión de proximidad (Cadaqués Canal Local) a una televisión de guerrilla en los ‘80 (La Televisión), hasta una actividad más próxima al archivo, relacionada con paradigmas de distribución y recepción en la red (The File Room). Quisiera que hablaras cómo han cambiado las formas de materializar el poder en más de tres décadas.

Antoni Muntadas: Bueno, yo creo que muchas de estas cosas no son totalmente conscientes. Creo que lo que denomina mi trabajo y los diferentes proyectos es que cada proyecto tiene su propia autonomía, intenciones, limitaciones y definiciones, todos se materializan de diferentes maneras. Lo que ha habido a través de los años son series y bloques de trabajo que pertenecen a preocupaciones diversas.Haciendo una revisión muy básica, aunque no sea yo quien lo tenga que decir, y para que se entienda que lo que prima para mí son los proyectos y que cada proyecto se agrupa por territorios o cosmologías específicas de un período,en los años ‘70 dejo de pintar, hay un período de tiempo en el que propongo la participación en la obra a partir de una serie de acciones. Este tipo de trabajos están relacionados con una reflexión sobre cómo nos comunicamos y cuáles son los procesos sensoriales en la comunicación. Hay una semantización en sentidos que no utilizamos habitualmente, o que no utilizamos con un potencial estético. Trabajo sobre el tacto, el gusto, el olfato, que definí como experiencias subsensoriales. Hay un trabajo más tardío, que es un trabajo puente, que son experiencias sensoriales en espacios públicos. Las primeras, sin ser íntimas, tenían un tono privado, que pasaban a ser públicas en su registro en súper 8 y vídeo…

Continuar leyendo "Entrevista con Antoni Muntadas - Chema González"

Enviado por salonKritik el 22 de Enero | Comentarios (0)

Enero 20, 2008

CH. Marker: La voz de un enigma - Antonio Weinrichter

Originalmente en abc.es

bild.jpgChris Marker es un cineasta mítico, una figura de culto. Hay al menos dos razones para ello. La primera es escandalosa: lo poco que se conoce su inagotable filmografía, quizá por haberse desarrollado en el terreno del cine de no ficción, como escribía al presentar su obra maestra, Sin sol, en 1982: «A uno le gustaría mostrar al principio de la película un rótulo que dijera: La ficción está fuera», y ya se sabe que eso deja fuera a ese amplio porcentaje de la audiencia que solamente está para (que le cuenten) historias. La segunda razón reside en el núcleo mismo del enigma Marker: un artista que firma con seudónimo de rotulador, no se deja hacer fotografías (no circula más que un mínimo puñado de retratos suyos), no concede entrevistas, no acude a festivales y que incluso tiene la costumbre de hacer que otros lean por él los espléndidos comentarios que escribe para sus películas.

Sin embargo, no hay nada más reconocible que la voz de Chris Marker: la voz de un hombre -eso al menos, parece seguro- sabio y curioso, políticamente engagé pero que lo pasa todo por el tamiz de su fina ironía, amante de los gatos y otros animales, viajero impenitente aunque ahora salga poco de su electrónica central de operaciones parisina? No hay nadie que se haya ocultado más que él; pero si existe una filmografía que dibuje un autorretrato, ésa es la suya.

Continuar leyendo "CH. Marker: La voz de un enigma - Antonio Weinrichter"

Enviado por salonKritik el 20 de Enero | Comentarios (0)

Los ladrones de cuerpos - Óscar Alonso Molina

Originalmente en | abc.es |

007.jpgA partir del siglo XVIII, momento de un decisivo avance y evolución para las categorías estéticas negativas, el arte en Occidente desplazará progresivamente la prioridad clásica de lograr la representación en un plano de igualdad con la naturaleza para, poco a poco, llegar a convertir a ésta claramente en «imagen». El resultado serán espacios inéditos para lo artístico donde conquistar «otros tantos modos de la experiencia» o, si se quiere, formas de mirar: lo pintoresco, lo sublime, lo grotesco... De entre ellas, será esta última categoría la más ligada al cuerpo, tanto en su dimensión formal como espiritual, hasta el punto de que a menudo sólo es posible emplearla más allá -sobre un mueble, por ejemplo-, mediando una fuerte proyección de las formas de lo humano sobre la cosa -la comparación más o menos inconsciente de sus patas y brazos con los nuestros. Distancia extrañada del mundo, que culmina en el siglo XX su metástasis y llevará a pensar a Wolfgang Kayser en 1957 que «quizá el estudio de lo grotesco en épocas anteriores y la precisión conceptual del fenómeno aporten alguna ayuda para hallar un acceso al arte moderno e, incluso, permitan adoptar una posición más firme como hombres de la actualidad».

Continuar leyendo "Los ladrones de cuerpos - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 20 de Enero | Comentarios (0)

El silencio de los grandes - Jesús Marchamalo

Originalmente en | abc.es |

1(53).jpg

Émile Cioran. Vivía en París, en un pequeño apartamento en un último piso sin ascensor, casi sin libros. Vestía siempre el mismo tipo de ropa y cuando salía de casa era para comer en algún comedor universitario o visitar una biblioteca pública. Salvo la pequeña aportación económica que le concedió el Estado francés, rechazó premios y distinciones, y nunca buscó notoriedad ni fama.


De Maurice Blanchot apenas se conocen un par de fotografías. Contemporáneo de Sartre, Beau-voir y Camus, a quienes las revistas y diarios de la época trataban casi como vedettes, Blanchot se refugió en su casa de campo, sin mantener apenas contacto con el mundo editorial, dedicado casi en exclusiva a su obra, invisible.

El pasado 22 de diciembre moría Julien Gracq, otro de estos raros, «ausentes», del mundo literario. Figuras esquivas, extravagantes, que rehúsan los reconocimientos oficiales y a quienes la vida pública -entrevistas, conferencias, presentaciones- les resulta, como mínimo, molesta.

Continuar leyendo "El silencio de los grandes - Jesús Marchamalo"

Enviado por salonKritik el 20 de Enero | Comentarios (0)

Enero 18, 2008

Manuel Saiz, sobre el parangón. Elena VOZMEDIANO

Originalmente en El CULTURAL
5-u.jpgDice Manuel Sáiz (Logroño, 1961) que, echando la vista atrás, descubre en su trayectoria una querencia a la comparación por parejas. Aunque ha producido en los veinte años transcurridos desde que comenzara a exponer numerosas obras “unitarias”, es verdad que a Sáiz le ha interesado siempre “la diferencia” como herramienta de análisis de la realidad, por lo que se ha visto compelido a realizar obras compuestas por dos o más unidades variacionales. Recuerden, por ejemplo, los tempranos tarros de cristal con tierra, en los que los brotes de hierbas plantados alcanzaban progresiva altura. En aquellos años su trabajo tendía más a las piezas y las instalaciones escultóricas, pero estaba ya regido por dos principios básicos que se mantienen en su ideario: “el arte es ante todo experiencia” y “el arte sólo existe en la búsqueda del arte”. En cada nueva obra el artista se interroga sobre esa esencia, tan acorralada hoy por todas las disciplinas creativas que no son arte pero que comparten recursos y circuitos con él, y concluye que el matiz diferenciador puede ser muy relevante. El esfuerzo de atención a las sutilezas sería, por tanto, uno de los componentes principales tanto de la producción como de la recepción del arte.

Continuar leyendo "Manuel Saiz, sobre el parangón. Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 18 de Enero | Comentarios (0)

Enero 12, 2008

Los riesgos de la imagen: entrevista con Paul Ardenne

Originalmente en arte-nuevo(Lima, 2007)

Paul Ardenne. Curador, novelista, ensayista, especialista en estética contemporánea, filósofo, francés, nacido en 1956, hijo de agricultores y agricultor en su juventud, profesor e historiador del arte en la Universidad de Picardía. Vino a la capital del Perú y expuso en el I Encuentro Internacional Sobre la Imagen Contemporánea, ciclo de charlas y conversatorios, en el marco del VI Festival de la Fotografía Mirafoto (octubre-noviembre 2007). Hace un par de semanas, conversó con este blog [La cinefilia no es patriota]. Le dolía el estómago y no hablaba español.

En una de sus conferencias, aquí, en Lima, usted dijo que la actividad de un fotógrafo se hallaba expuesta a múltiples riesgos. Específicamente, ¿a qué se refería?

Pues, a que una imagen nunca es “el mundo”, sino apenas una “imagen del mundo”. Suena tautológico, por supuesto, es un lugar común; pero existe la necesidad de remarcarlo, hoy, cuando se ha olvidado, en cierto modo, que una imagen no es más que una aproximación muy condicionada a la realidad, nada más que una elección, o una forma de ver, entre muchas otras formas de ver. Toda imagen, por definición, será siempre una mentira y un simulacro; toda imagen se comunicará con otras imágenes, tan o más mentirosas que ella. Ahora bien, si construimos nuestra representación del mundo, a partir de una cierta “imagen del mundo”, entonces tenemos ante nosotros un asunto complejo. Últimamente, me ha interesado la imagen documental —más aún, el próximo año, en Francia, publicaré un libro al respecto—; y lo que me ha llamado la atención es una suerte prestigio de que goza la imagen documental, con relación a su supuesta capacidad infalible para mostrar la verdad tal cual es. Claramente, un prestigio de esta índole carece de sostén alguno. Por el simple hecho de ser una imagen, lo documental constituirá siempre una ficcionalización, una teatralización y una puesta en escena.

Continuar leyendo "Los riesgos de la imagen: entrevista con Paul Ardenne"

Enviado por salonKritik el 12 de Enero | Comentarios (0)

Manuel J. Borja-Villel en “La nit al dia”

Originalmente en a-desk

Nuestros amigos de a-desk recogen y enlazan la entrevista realizada a Manuel J. Borja-Villel en el programa de TV3 "La nit al dia".

Aquí el link al vídeo

En el comentario con que lo introducen en su blog, los a-desk destacan:

1. El Reina como un Hub aeroportuario, en una red con Macba, Arteleku …
2. El Reina es un museo con una crisis de identidad: "Por eso voy, si no me quedaría aquí"
3. "Sigo siendo del Barça"
4. Futuro del Macba: ¿concurso?; ¿Bartomeu Marí?
5. Reforma del edificio Sabatini.

Continuar leyendo "Manuel J. Borja-Villel en “La nit al dia”"

Enviado por salonKritik el 12 de Enero | Comentarios (1)

Enero 11, 2008

Susan Philipsz, la política del sonido · David BARRO

Originalmente en El Cultural

22152_1.jpgAños antes de la invención de la grabación del sonido, Théophile Gautier se preguntaba qué sucede con la voz cuando llega la muerte. Algo así podrían cuestionarse los visitantes del cementerio de Bonaval en Compostela, que acoge una de las propuestas sonoras de la escocesa Susan Philipsz (1962), enmarcada en la exposición que le dedica el CGAC. En esta obra, titulada Follow me, escuchar es sumergirse en el tiempo de la pérdida, en un pasado extraño y preso por su mismo vacío, a la vez que con forma de llamada íntima. Pero también es entrar en un juego de apropiaciones, de recuerdos y fisuras de la memoria, algo que se torna todavía más evidente en The Dead -ya en el blanco espacio del CGAC-, donde recoge la historia homónima escrita por Joyce y llevada al cine por John Huston. Esta historia, retomada por Philipsz, es una suerte de ceguera para el espectador. Las dos obras citadas anuncian la ausencia y la presencia de un cuerpo, su desvelamiento, su representación diferida o dislocada. Lo mismo sucede con la incertidumbre que produce el escondido piano de Company o el vacío de resonancias de The Glass Track, presentados también aquí.

Continuar leyendo "Susan Philipsz, la política del sonido · David BARRO"

Enviado por salonKritik el 11 de Enero | Comentarios (0)

Enero 07, 2008

¿Y si ...

... a-desk?

!!!

Enviado por salonKritik el 7 de Enero | Comentarios (1)

Enero 06, 2008

La maleta de Manolo Borja y sus metáforas · FERRAN MASCARELL

Originalmente en El Pais

La verdad es que me ha sorprendido que el director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), Manuel de Borja-Villel, haya decidido hacer las maletas, aunque no tanto como la reacción mayoritaria de la opinión publicada respecto a su marcha al madrileño Centro de Arte Reina Sofía. Salvo algunas excepciones -Toni Puigverd, por ejemplo-, lo cierto es que, en general, se ha considerado que el tránsito de Borja era lógico y suponía su salida natural después del buen trabajo materializado en el museo barcelonés. En realidad, las administraciones han dado por válido el salto, los medios artísticos se han limitado a pedir un concurso para buscarle sucesor y los críticos, los más, se han manifestado perfectamente entusiasmados con la decisión del Ministerio de Cultura y el propio director. Solamente el presidente de la Fundación del Macba, Leopoldo Rodés, no escondió su incomodidad.

Continuar leyendo "La maleta de Manolo Borja y sus metáforas · FERRAN MASCARELL"

Enviado por salonKritik el 6 de Enero | Comentarios (0)

Enero 05, 2008

Julien Gracq y la percepción de futuro · ENRIQUE VILA-MATAS

Originalmente en Babelia

CULTURE-PATRIMOINE-DECENTRALISATION-GRACQ

Pienso en aquello que Tolstói dice de Napoleón y que Julien Gracq transcribe en A lo largo del camino: "Con un gran tacto y una gran experiencia, con calma y dignidad, cumplió su papel de jefe imaginario". Podríamos perfectamente aplicarlo al propio Gracq, último clásico de la literatura francesa. Que lo sea no equivale a que sea una estatua de mármol del panteón de los ilustres. Es más, si nos acercamos a su mejor novela, El mar de las Sirtes, nos llevaremos una sorpresa cuando, en lugar de resonancias decimonónicas, percibamos el vigor moderno de una fábula que no sólo se acopla perfectamente al aire de nuestro tiempo, sino que se alinea con las tendencias más exquisitas o renovadoras de la narrativa de estos comienzos de siglo. Porque El mar de las Sirtes no sólo contiene la belleza extrema de cierta modernidad, sino que, además -como el enigmático volcán Tängri, que una madrugada lunar despega del horizonte en el séptimo capítulo-, se proyecta con sombra inquietante en el panorama de las novelas futuras.

Continuar leyendo "Julien Gracq y la percepción de futuro · ENRIQUE VILA-MATAS"

Enviado por salonKritik el 5 de Enero | Comentarios (0)

Cuentos de chicas - Óscar Alonso Molina

Originalmente en ABC

6_g.jpgRecientemente incorporada al equipo de la galería para colaborar en sus relaciones internacionales, Giulietta Speranza presenta una exposición que, sin llegar a articular tesis argumental fuerte alguna, supera con mucho la mera propuesta colectiva habitual. Sin duda, con el peculiar sesgo de una muestra como ésta, la comisaria hace notar su presencia allí en cuanto elemento enriquecedor y dinamizador del previsible contexto comercial. Con experiencia contrastada en muy diverso tipo de eventos (desde la coordinación de grandes exposiciones en el mamotreto del Reina Sofía, hasta la gestación de proyectos tan inclasificables y fuera de formato como Doméstico), los Cuentos modernos de Speranza vienen a ser una propuesta modesta y correcta, que se deja ver con facilidad, para ir descubriendo en el recorrido detalles deliciosos entre las obras escogidas, y de la cual el visitante terminará por apreciar lo beneficioso de un buen argumento en estas reuniones de más de dos firmas. Todo muy de agradecer.

Continuar leyendo "Cuentos de chicas - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 5 de Enero | Comentarios (0)

Enero 04, 2008

El escándalo Borja-Villel - Manuel Trallero

Originalmente en La Vanguardia

El actual director del Macba, Manolo Borja-Villel, ha sido elegido a través de un concurso internacional nuevo director del Museo Reina Sofía de Madrid. El hecho de que un profesional, en este caso un buen profesional, cambie de trabajo no parece que tenga que provocar ningún especial desasosiego. Afortunadamente, al mundo de la cultura todavía no han llegado los aires futboleros, así que la marcha de Manolo no es entendida entre los aficionados como una traición - como la que cometió el señor Figo, guardada en la memoria colectiva para una mejor ocasión-.

Continuar leyendo "El escándalo Borja-Villel - Manuel Trallero"

Enviado por salonKritik el 4 de Enero | Comentarios (1)

Diciembre 26, 2007

Sucesión de ciclos. Anna Maria GUASCH

Originalmente en ABCD:

Panza Robert Mangold 1Ramón Esparza, comisario de Construir, habitar, desocupar, se refiere a la técnica fotográfica del «ciclorama» usada por Doug Wheeler en una obra de la exposición del Guggenheim Percepciones en transformación, para eliminar toda referencia espacial en el ámbito arquitectónico: ni esquinas, ni líneas de borde entre techo y suelo, ni sombras. Y ha sido esta misma experiencia espacial la que le ha servido de carta de presentación de la muestra del Koldo Mitchelena. El primer espacio con el que se encuentra el visitante es también un espacio liberado de referencias arquitectónicas precisas, y en él, a modo de tríptico pictórico de gran formato, se presentan tres macrofotografías (una por cada uno de los tres artistas que componen la exposición) con las que se consigue crear una síntesis de lo que será el discurso narrativo de la misma, escueto pero, a la vez, complejo, directo y sutil con el que se explica, a través de imágenes fotográficas arquitectónicas, el ciclo vital del propio espacio. La arquitectura -nos viene a decir el comisario-, una vez que ha salido de las manos de su creador/artífice, tiene su vida propia en la que participan muchos factores, no únicamente técnicos o humanos, es decir, previsibles. La arquitectura, como la Naturaleza, tiene una cierta cualidad «entrópica»; una tendencia natural a la pérdida del orden; una incertidumbr; una cierta cantidad de ruido que afecta a su propio sistema y lo conduce irremisiblemente al desorden, al caos y a la destrucción.

Ahora entendemos el porqué de la inclusión de estos tres conceptos que definen el título de la muestra, términos que no aludirían tanto a criterios constructivos, vinculados a la voluntad del hacer humano, sino al devenir de la propia Naturaleza, casi como una reivindicación de lo psíquico o irracional de la arquitectura más allá de los componentes propiamente físicos o racionales o, dicho en otras palabras, una defensa de los procesos de «autoproducción».

Continuar leyendo "Sucesión de ciclos. Anna Maria GUASCH"

Enviado por salonKritik el 26 de Diciembre | Comentarios (0)

Petrificación del deseo. Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en ABCD:

04En primer término, un bastón cuya empuñadura es una calavera. Desde la oscuridad emerge o, mejor, se desenfoca un rostro hermoso. Robert Mapplethorpe alegoriza su vida recurriendo a la facies melancólica, su mirada clásica mantiene la obsesión de la sombra. «Mapplethorpe medía -escribe Jack Fritscher- 1,75 metros, pesaba 65 kilos y empalmaba unos 15 centímetros. Era prácticamente lampiño, así que no parecía amenazador ni a las mujeres ni a los gays de un decenio durante el cual amenazador fue sinónimo de sexy. A su manera calculadora, utilizaba el caramelo de la cámara (para seducir a los chicos gays blancos) o el tintineo del dinero (para seducir a los heteros negros), a fin de compensar la insoportable levedad de su seducción sexual». Sabía que debajo de las máscaras no está el rostro, sino el juego seductor o abismal del enmascaramiento.

Entre las magníficas fotografías que presenta Pepe Cobo, encontramos unas cabezas de sátiros, negras, iluminadas, dispuestas como si fueran sujetos vivos que estuvieran a punto de actuar. Más allá de la naturaleza musical de las ninfas, Mapplethorpe convoca la pulsión dionisiaca que, sin embargo, él codifica fotográficamente de una manera vocacionalmente clásica.

Continuar leyendo "Petrificación del deseo. Fernando CASTRO FLÓREZ"

Enviado por salonKritik el 26 de Diciembre | Comentarios (0)

Cuentos de chicas. Óscar ALONSO MOLINA

Originalmente en ABCD:

9 GRecientemente incorporada al equipo de la galería para colaborar en sus relaciones internacionales, Giulietta Speranza presenta una exposición que, sin llegar a articular tesis argumental fuerte alguna, supera con mucho la mera propuesta colectiva habitual. Sin duda, con el peculiar sesgo de una muestra como ésta, la comisaria hace notar su presencia allí en cuanto elemento enriquecedor y dinamizador del previsible contexto comercial. Con experiencia contrastada en muy diverso tipo de eventos (desde la coordinación de grandes exposiciones en el mamotreto del Reina Sofía, hasta la gestación de proyectos tan inclasificables y fuera de formato como Doméstico), los Cuentos modernos de Speranza vienen a ser una propuesta modesta y correcta, que se deja ver con facilidad, para ir descubriendo en el recorrido detalles deliciosos entre las obras escogidas, y de la cual el visitante terminará por apreciar lo beneficioso de un buen argumento en estas reuniones de más de dos firmas. Todo muy de agradecer.

Un factor refrescante. Hay que señalar que ninguna de las tres artistas seleccionadas para la ocasión están, a día de hoy, ligadas a la galería que acoge sus trabajos, lo cual supondrá incluso para el público habitual más fiel un factor refrescante más. De entre su producción, la comisaria ha seleccionado trabajos especialmente volcados en los efectos realidad-irrealidad, hasta el punto de confesar cómo «cada una de las obras es como un capítulo de este cuento: se sirve de la anterior y ayuda a entender el siguiente. Las tres artistas dan su particular visión de esta quimera, pero, al mismo tiempo, juntas añaden fuerza al discurso general».

Continuar leyendo "Cuentos de chicas. Óscar ALONSO MOLINA"

Enviado por salonKritik el 26 de Diciembre | Comentarios (0)

Jorge Pardo: «que algo parezca una casa no significa que lo sea». Javier DÍAZ-GUARDIOLA

Originalmente en ABCD:

19(37)El apartamento elegido está situado en los aledaños de la Plaza de España, en la novena planta (escalera C), del número 67 de la céntrica Gran Vía madrileña. Lo cierto es que podría pasar inadvertido, teniendo en cuenta que es una isla en un bloque edificado en altura donde confluyen las oficinas de varias agencias de viaje, un gran centro médico, las sedes de algunas asociaciones culturales, cierta franquicia de productos de higiene y hasta un hostal. Superado el portal, un pasillo pintado en verdes y naranjas nos avanza los colores que nos sorprenderán en sus reducidas estancias. En el interior del ascensor que nos conduce hasta la puerta del piso, una cita de Jorge Pardo (La Habana, 1963), su responsable: «Vivimos en un mundo en el que cada vez tiene menos sentido entrar en las salas blancas para contemplar arte. En realidad, este espacio social no se esfuerza mucho en hablar sobre lo complejo». Algún vecino se ha encargado de completarla...

Continuar leyendo "Jorge Pardo: «que algo parezca una casa no significa que lo sea». Javier DÍAZ-GUARDIOLA"

Enviado por salonKritik el 26 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 21, 2007

En los intersticios de Regina de Miguel. Javier HONTORIA

Originalmente en El Cultural:

ReginaFormada en Dibujo y Pintura en la Universidad de San Carlos de Valencia, la malagueña Regina de Miguel (1977) expone ahora, por vez primera de forma individual, sus cuadros y dibujos en Madrid. Habitual en las convocatorias de arte joven, De Miguel afirma sentirse, ante todo, pintora. Dice no encontrar límites en el espacio que le otorga la pintura y que la naturaleza plana de ésta no es obstáculo ni lastre. Y es cierto, porque en esas superficies se observan muy distintos niveles de profundidad. Su trabajo rehúye la estridencia y permanece en una esfera silente. Percibe y analiza el mundo sin necesidad de tomar distancia. Toma su pulso desde dentro, oculta entre alguno de sus infinitos pliegues, desde los intersticios –término del gusto de la artista– que median entre los diferentes motivos que pueblan la superficie heterogénea de los cuadros y que resultan, en principio, de ardua interpretación.

Continuar leyendo "En los intersticios de Regina de Miguel. Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 21 de Diciembre | Comentarios (0)

Manolo Paz, nubes de piedra. David BARRO

Originalmente en El Cultural:

Vista 1Existen artistas que siempre están ahí. De esos que nunca entran en las modas; no porque no quieran y lo eviten estratégicamente, sino porque éstas no van a por ellos y ellos no alteran su modo de hacer para llegar a ellas. Encontrar artistas capaces de permanecer ofreciendo algo propio, genuino, como es el caso de Manolo Paz, es siempre una buena noticia. Si además, como en este caso, se trata de un artista que no se prodiga en exposiciones, la importancia del encuentro es todavía mayor.

El trabajo de Manolo Paz no se basa en una radicalidad conceptual. Ni es radicalmente moderno. Tampoco encontramos en él una experimentación plástica con nuevos materiales y formas. Si a esto sumamos la dificultad que supone exponer su trabajo debido al peso de sus obras, entenderemos que las dificultades de partida sean muchas. Sin embargo, no tengo dudas en afirmarlo: Manolo Paz es un artista imprescindible, capaz de con muy poco conformar unas obras que pueden hablar por sí mismas hasta el punto de convertirse en iconos de una ciudad –pienso en su Familia de Menhires en La Coruña–, algo que muy pocos artistas –más fáciles de defender y seguramente con mayor fortuna crítica en determinados momentos– conseguirían. El de Manolo Paz es arte en sentido puro. Sin colorantes. Y eso, en un mundo aplastado por una saturación iconoclasta de imágenes y publicidades de neón, merece ser valorado por encima de todo.

Continuar leyendo "Manolo Paz, nubes de piedra. David BARRO"

Enviado por salonKritik el 21 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 17, 2007

Arte y oficios: curaduría y gestión cultural (en XXXIII tesis). Lucas OSPINA

Originalmente en [esferapública] :

I. La curaduría escribe ensayos, no prólogos / Los gestores culturales se ejercitan en todo tipo de géneros publicitarios, según el formato de la demanda.

II. La exposición de arte sólo incidentalmente es pedagógica / Hay exposiciones pedagógicas.

III. La curaduría no explica lo que las obras ya hacen evidente / Los gestores culturales se dedican a la estéril labor de convencer.

IV. La curaduría es crítica / Los gestores culturales son el servicio diplomático del arte.

V. En la exposición de arte aprende su oficio la curaduría / Los gestores culturales se instruyen con tablas de cifras.

Continuar leyendo "Arte y oficios: curaduría y gestión cultural (en XXXIII tesis). Lucas OSPINA"

Enviado por salonKritik el 17 de Diciembre | Comentarios (1)

«No estoy tan seguro de que las imágenes sean tan poderosas». Javier DÍAZ-GUARDIOLA

Originalmente en ABCD:

Expo Griffith1

No es la primera vez que los espacios artísticos españoles se ocupan de la producción cinematográfica de Harun Farocki (República Checa, 1944). Su obra ya se ha exhibido, entre otros espacios, en el MACBA y el Reina Sofía. Pero sí que es novedad verlo en una galería privada de nuestro país. Su manera de entender el cine, la capacidad persuasiva de sus imágenes vuelven a abordarse en las dos instalaciones que ha adaptado para las salas de Àngels Barcelona.

Después de una vida dedicada al cine y su incursión en los espacios artísticos desde mediados de los años noventa, ¿dónde se encuentra más cómodo?

La principal diferencia entre los espacios de arte y el cine o la televisión es que, en el segundo de los casos, el código ya está establecido. Cuando un espectador va al cine, ya sabe cómo va a funcionar la película; en los ámbitos artísticos, esto está mucho más abierto. Al entrar en ellos, el espectador no sabe a priori qué código se va a utilizar allí, y eso da una mayor libertad y apertura. También es verdad que el arte es más como un gueto, porque esa libertad y apertura también tienen que ver con un significado simbólico. Cuando estás comunicando algo, la presión es mayor. Ésa es la razón por la que iempre he intentado mantenerme entre ambos mundos y no elegir uno u otro.

Continuar leyendo "«No estoy tan seguro de que las imágenes sean tan poderosas». Javier DÍAZ-GUARDIOLA"

Enviado por salonKritik el 17 de Diciembre | Comentarios (0)

Franz West y amigos. Anna María GUASCH

Originalmente en ABCD:

Hamsterwheel02Hamsterwheel debería entenderse no como una exposición colectiva al uso, sino como uno de los múltiples rostros de una renovada versión de la crítica institucional, no la hecha por artistas para atacar instituciones como museos, galerías o colecciones, sino la protagonizada por curadores y directores para proceder a una revisión de la misma. Hamsterwheel es pues una exposición que plantea nuevos procesos curatoriales y «otras» maneras de mostrar el trabajo de un artista en una institución.

En este sentido, otra muestra anterior, Franz West sin Franz West (presentada en formato documental en el CAAM de Las Palmas y en el CASM de Barcelona en 2006) fue un primer intento de presentar una «antológica» de un artista a partir de la paradoja de su ausencia o de sus huellas en otros artistas, recuperando un aspecto (el de la influencia y magisterio) que parecía obsoleto en un momento legitimado por las apropiaciones y simulaciones de todo tipo. Veit Loers fue el encargado de encontrar en el tema de la «carnavalización» (teoría acuñada en 1928 por el filósofo ruso Mijail Bajtin) la influencia de algunos conceptos como lo popular, lo cómico, lo grotesco y lo escatológico en obras de artistas como John Bock, Fischli&Weiss, Martin Kippenberger, Sarah Lucas, Bruce Nauman, Antonio Ortega, Peter Piller y Dieter Roth, entre otros.

Continuar leyendo "Franz West y amigos. Anna María GUASCH"

Enviado por salonKritik el 17 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 13, 2007

Imágenes urgentes de Philipp Fröhlich. Javier HONTORIA

Originalmente en El Cultural:

160X210 03No recuerdo, en los últimos años, un ascenso tan fulminante como el que está viviendo el artista Philipp Fröhlich. Hace tan sólo dos años se presentaba por vez primera en público en el Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid y el año pasado el MUSAC, que ya colecciona un buen número de cuadros suyos, le dedicaba una individual en su Laboratorio987. Ahora es Soledad Lorenzo la que presenta sus cuadros en la que es su primera muestra en solitario en una galería comercial. Tres exposiciones y tres zarpazos certeros que lo sitúan ya en una posición privilegiada. Nacido en un pueblo del centro de Alemania, estudió en la Escuela de Dusseldorf y lleva cinco años viviendo en España. Es joven, nació en 1975.

Fröhlich es un hijo de su tiempo. En un mundo atosigante, ávido de imágenes urgentes, la suya parece una estrategia correcta. Su pintura es luminosa y tiene un impacto inmediato. Los anglosajones utilizan incesantemente el término glossy painting, cuya acepción principal es “brillante” o “lustroso”, pero que también puede significar “moderno” o “a la moda”. Y ambas opciones encajan en el contexto de Fröhlich. Anteriormente a esta individual el artista había trabajado sobre aspectos que podríamos definir como policiacos, con referencias a turbios sucesos de clima siniestro cuyos desenlaces permanecían inciertos. Abiertas las tramas, éstas resultaban, sin duda, muy sugeridoras.

Continuar leyendo "Imágenes urgentes de Philipp Fröhlich. Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 13 de Diciembre | Comentarios (0)

Arte, en la Universidad. Elena VOZMEDIANO

Originalmente en el El Cultural:

21927 1

La educación artística en España tiene carencias importantes en todos los niveles académicos. A pesar de la gran cantidad de información, de museos y de exposiciones que se nos ofrecen, y del indudable interés que una parte de la población siente por el arte, seguimos suspendiendo en formación. En parte por falta de voluntad política. La mayor parte de universidades españolas, incluyendo las que enseñan Bellas Artes e Historia del Arte, no cuentan con dignas salas de exposiciones con una programación de calidad, como es habitual en las norteamericanas. Y es importante que el arte vaya hacia los jóvenes, que se introduzca en sus espacios cotidianos, saltando las barreras psicológicas (y económicas) del museo y la galería. Por eso destacamos esta exposición en la Universidad Autónoma, organizada por la asociación Hablar en Arte, arropada por el profesor Jesús Carrillo y acompañada por unas jornadas en las que los artistas hablan de sus obras. Ojalá cunda el ejemplo, empezando por la deseable repercusión en la programación errática de la sala de la UAM.

Continuar leyendo "Arte, en la Universidad. Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 13 de Diciembre | Comentarios (0)

Arte: ArtBasel Miami. David G. TORRES

Originalmente en El Cultural:

21931 1Hace unos años se hablaba de la cantidad de aviones privados que habían aterrizado en Miami para ejemplificar el movimiento económico, de coleccionistas, que movilizaba la franquicia Art Basel en la capital de Florida (franquicia que desde hace tiempo se rumorea puede ampliarse a otras latitudes). Los datos también podrían tener que ver con la manera ostentosa y desinhibida con la que se muestra la riqueza en la ciudad: sea por las cantidades de silicona y cirugía estética que pasean por la feria, los coches, la ropa o... el arte. Así, varias de la colecciones asentadas en Miami abren sus puertas para exhibirse sin complejos a los visitantes de la feria en sus casas o en los museos hechos a la medida de, por ejemplo, la familia Rubell, con muchos metros cuadrados, comisarios y exposiciones. Algo bastante significativo: el coleccionista ya no cede su colección a un museo, que también, sino que, al más puro estilo Peggy Guggenheim, decide abrir el suyo.

Más datos: desde que Art Basel se ha instalado en Miami cuentan que la ciudad se ha revitalizado, que alrededor de doscientos artistas se han instalado allí; tres museos tienen planes de renovación; veinticuatro ferias de distinto calibre, desde las celebradas en las habitaciones de un pequeño hotel hasta verdaderos eventos artísticos como Nada, Scope o Pulse, acontecen al mismo tiempo que Art Basel (Estados Unidos cree vehementemente en la competencia como motor de la economía); y el New York Times ha editado un suplemento especial con doscientas treinta y pico páginas dedicado a la feria, poniéndola en relación, significativamente, con la moda. A todo ello hay que sumar que los pasillos de la feria están llenos, no abarrotados, y no parece que sea de público. Más bien parece que en cada visitante, o bien hay un pobre crítico, comisario o periodista, o bien esconde una importante chequera en su cartera.

Continuar leyendo "Arte: ArtBasel Miami. David G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 13 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 11, 2007

Non olet. Miguel Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO

Originalmente en No (ha) lugar:

20071129Elpepicul 4

Hace unas semanas, el artista madrileño Santiago Sierra (1966) inauguraba en la Lisson Gallery de Londres una exposición compuesta por veintiún módulos antropométricos en la línea de la estética minimalista: formas geométricas puras que se repiten formando un todo. Esta apariencia neutral cambia cuando leemos que esos módulos han sido construidos con excrementos humanos provenientes de las ciudades de Nueva Delhi y Jaipur. Excrementos que han sido recogidos por los trabajadores del Sulabh, lo más bajo de la sociedad de castas hindúes, obligados desde pequeños a trabajar llevando mierda de un lugar a otro para purgar los malos actos de su vida anterior. En la instalación, y debido a que los excrementos han sido tratados químicamente, nada de esto es percibido. Solo vemos unas formas abstractas y asépticas. Pero detrás de eso, se encuentra todo un sistema de explotación y sumisión frente al cual ladeamos la mirada.

Continuar leyendo "Non olet. Miguel Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO"

Enviado por salonKritik el 11 de Diciembre | Comentarios (0)

Como lágrimas en la lluvia. Luis Alberto de CUENCA

Originalmente en ABCD:

22(36)Lo de «como lágrimas en la lluvia» lo dice el holandés Rutger Hauer, quien, además de ser uno de los actores favoritos de mi amigo Juan Manuel de Prada, es el actor que encarnó al replicante Roy Batty en Blade Runner, una cinta genial y mitológica para cuantos amamos la fantasía y la ciencia ficción, y yo diría incluso que para aquellos que detestan tales subgéneros.

Se estrenó en 1982, o sea, hace veinticinco años, de modo que ahora celebramos las bodas de plata de ese filme con el público de todo el mundo, que lo ha situado en un Olimpo reservado tan sólo a productos cinematográficos de excepción, destinados a permanecer en la memoria colectiva. Blade Runner, del director británico Ridley Scott, es, en suma, un clásico, y ya se sabe lo que ocurre con los filmes clásicos: están lozanos, perpetuamente jóvenes e inasequibles a las dentelladas del tiempo, y se dejan ver muchas veces, y no dejan de asombrarnos -y, sobre todo, de divertirnos- cada vez que los vemos.

No siempre fue así. Quiero decir que uno no ha sido siempre, ab initio, un fan de Blade Runner. Todavía recuerdo una conversación entre Jacobo Fitz-James Stuart y el que suscribe en Sevilla, allá por 1983, cuando la UIMP organizó aquel célebre simposio que reunió a Borges, Calvino y Torrente Ballester en el Hospital de los Venerables. Yo andaba por aquel entonces enloquecido con la primera trilogía de Star Wars (cuya primera entrega, firmada por George Lucas, se había estrenado en 1977), que me parecía una especie de hechizo fílmico para combatir de por vida el aburrimiento y una obra maestra de la ciencia ficción aventurera. También me había fascinado otra mítica película de aquel entonces, Alien. El octavo pasajero, del propio Ridley Scott, en la que la guapísima Sigourney Weaver daba carne (¡y qué carne!) a la teniente Ellen Ripley, que tenía apellido de héroe de Patricia Highsmith y no paraba hasta seducir, primero, y deshacerse, después, de un molesto alienígena reclutado en un mundo perdido trasoñado por H. R. Giger, el gran ilustrador del Necronomicón lovecraftiano.

Continuar leyendo "Como lágrimas en la lluvia. Luis Alberto de CUENCA"

Enviado por salonKritik el 11 de Diciembre | Comentarios (0)

Espejo de lo que somos. Delfín RODRÍGUEZ

Originalmente en ABCD:

18(33)

Es ésta de y sobre Pierre Klossowski (1905-2001) una exposición que no habrá de pasar desapercibida, ni mucho menos, y no sólo en Madrid. Escritor que pintaba imágenes y figuras y, a la vez, pintor que escribía figuras e imágenes, entre ambas formas de expresión de pensamientos y de sentimientos trazó encuentros y desencuentros, pero no fueron nunca alternativas, ni siquiera entre ellas.

Su necesidad de expresión, irónica y paradójica, se sirvió de ambos procedimientos, incluidos otros como la fotografía o el cine, o la puesta en escena, el teatro y la dramaturgia entendidas como sinónimos de «simulacros», como máquinas autobiográficas y biográficas de cualquiera que se enfrente a ellas, incluso cuando traducía, como traductor, del latín o del alemán, a los teólogos y los filósofos, a los ensayistas o a los poetas y escritores. Moralista, seminarista, provocador, católico y protestante, y nuevamente católico; teólogo de una teología sin dios, pero siempre omnipresente en los cuerpos y las almas de sus nunca obscenas imágenes o textos, aunque parezca lo contrario por condición propia de quien mira o lee sus obras, es decir, casi todos, incluido él mismo, lo que constituyó a la vez su tragedia y su lucidez provocadora.

Continuar leyendo "Espejo de lo que somos. Delfín RODRÍGUEZ"

Enviado por salonKritik el 11 de Diciembre | Comentarios (0)

Una forma de estar. Javier MONTES

Originalmente en ABCD:

Fue un signo de la aceleración de los tiempos (que son más o menos los de Andy Warhol, y los nuestros) que Barbey d?Aurevilly publicase en 1845 Del dandismo y de George Brummel. Acababa de nacer el dandi y ya se etiquetaba la nueva raza: «El dandismo es la fusión del ser y del personaje, de la naturaleza y el destino».

Tenía mérito tanta lucidez a la hora de adivinar la forma por excelencia de estar en el mundo de tantos artistas contemporáneos. Menos de siglo y medio después nosotros reconocemos a partir del Bello Brummel una genealogía que extiende ramas hasta Oscar Wilde y Duchamp, roza a Jean Cocteau, pasa por Salvador Dalí y desemboca en Andy Warhol antes de dispersarse por cientos de esforzados (y a la fuerza) dandis del arte de hoy.

Continuar leyendo "Una forma de estar. Javier MONTES"

Enviado por salonKritik el 11 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 10, 2007

Fascinación por el nuevo mundo. Julio CRESPO MACLENNAN

Originalmente en ABCD:

Entre todo lo que se ha escrito en Europa sobre Estados Unidos desde el 11 de septiembre de 2001, este libro merece un lugar muy especial por varias razones; primero, porque aporta una visión contemporánea de Estados Unidos a través de una mezcla de géneros combinados con mucho talento: la crónica de viajes, el reportaje y el ensayo sociopolítico; segundo, porque se basa en la reconstrucción de un legendario viaje que emprendió Alexis de Tocqueville hace siglo y medio, cuya visión de Norteamérica ha ejercido gran influencia en el pensamiento europeo hasta nuestros días; y en tercer lugar, porque está escrito por Bernard-Henri Lévy, el más famoso de los intelectuales franceses, que con este libro intenta dar respuesta a algunas de las grandes cuestiones de nuestro tiempo: ¿Hacia dónde va Estados Unidos? ¿Hasta qué punto la imagen exterior de Estados Unidos corresponde con su realidad interior?, y sobre todo, ¿cuál es su porvenir como superpotencia?

Esta obra es el resultado de un fascinante viaje por Estados Unidos que lleva al autor a recorrer desde las grandes ciudades hasta pueblos recónditos y a entrevistarse con todo tipo de personas, desde famosos políticos y cineastas hasta ciudadanos anónimos. El autor trasmite al lector todo lo que va viendo, combinando la precisión del reportero con los comentarios provocadores típicos de filósofo inconformista.

Continuar leyendo "Fascinación por el nuevo mundo. Julio CRESPO MACLENNAN"

Enviado por salonKritik el 10 de Diciembre | Comentarios (0)

Imágenes revenidas. Antonio WEINRICHTER

Originalmente en ABCD:

20(37)Cuando el Departamento de Audiovisuales del Reina Sofía comenzó a programar el ciclo anual Cine y casi cine en el año 2001, resultaba todavía un concepto relativamente novedoso que la institución museística se interesara por las imágenes en movimiento, más allá de su histórica relación natural con el vídeo-arte y el screen art y, un poco más forzada, con el cine experimental, al que, desde luego, comisarios anteriores habían venido dedicando ciclos temáticos. La novedad que aportó Berta Sichel con esta iniciativa fue la de organizar ciclos que no eran retrospectivos, nacionales o de tendencia, sino estrictamente contemporáneos, como hacen los festivales de cine o vídeo.

Esto es lo que hay. A lo largo de estas seis ediciones hemos podido ir viendo una amplia selección de títulos que ejemplifican el uso de los nuevos medios digitales; la estética relacional; los paradigmas antinómicos de la cultura local encarnada y el nuevo internacionalismo; la cultura del remix y el apropiacionismo, y hasta la entrada de la práctica documental en el área de visión del arte: un panorama imposiblemente diverso que define precisamente la contemporaneidad, también en el ámbito audiovisual. En esta pionera, entre nosotros, amplitud de miras lleva Cine y casi cine su penitencia, traducida en la injustamente escasa resonancia que suele tener en la Prensa: los críticos de cine no suelen ir al museo y los de arte recelan del sarampión del cine de exposición, lo que vuelve a confirmar el secular desinterés que se profesan sendas instituciones.

Continuar leyendo "Imágenes revenidas. Antonio WEINRICHTER"

Enviado por salonKritik el 10 de Diciembre | Comentarios (0)

«Kitsch» a cámara lenta. Óscar ALONSO MOLINA

Originalmente en ABCD:

W Lar 0795

Si hace tres años la artista sueca Annika Larsson (1972), realizaba en la Sala Montcada de Barcelona su primera individual en nuestro país, tras participar durante 2002 en colectivas del Domus Artium y MARCO, ahora se presenta por primera vez en solitario avalada por una galería comercial privada. Para la ocasión se han seleccionado un par de sus más representativos proyectos realizados durante los dos últimos años: nada más entrar nos encontramos con el vídeo Pirate, para, bajando a la planta sótano, poder asistir a la larga proyección de Fire. Junto a ellos, dos series de stills relacionados con ambas piezas: conjuntos de siete y tres fotografías, respectivamente, que sin duda encuentran justificación más en lo comercial que en la necesidad interna de ampliar el discurso o buscar nuevas perspectivas.

Estetización del diseño.

Ambos vídeos se erigen, una vez más, como la estetización proclive al diseño, ambigua y gélida de conflictos de cualquier naturaleza, a la cual nos tiene acostumbrados el discurso de Larsson. Suya es, en esencia, la voluntad de detener hasta el nivel de lo decorativo -y muy a menudo, por desgracia, más allá- el impulso entrópico o violento que late bajo distintas situaciones de conflagración, lucha, antagonismo o rivalidad que nuestro presente nos sirve a diario.

Continuar leyendo "«Kitsch» a cámara lenta. Óscar ALONSO MOLINA"

Enviado por salonKritik el 10 de Diciembre | Comentarios (0)

Una colección de tiempo encapsulado. Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en ABCD:

16(41)
«Maté -escribe Warhol en sus Diarios- una cucaracha y fue un trauma». La vida de Warhol parece un combate permanente o, mejor, un olvido de lo siniestro. Sin embargo, el sentimiento de la fragilidad de la vida, la inminencia de la vejez, la proximidad del desastre, le obsesionan. Su búsqueda paranoica del glamour no consigue apartar la sensación áspera de una condena. El arte es en Warhol un paraíso de afectación, un espacio para el culto narcisista, pero también algo nimio en lo que se puede creer. La vida es para este artista algo horrible, por ello es la muerte el eje de la redención. Warhol es un artista de la desesperación, alguien que no confía en algo que fuera común, un experto en profilaxis. Las imágenes movidas, casi temblorosas, protegen frente al acelerado paso del tiempo. La detención es la estrategia warholiana; en un mundo de velocidad, él aparece como un secreto neoclásico, alguien que confía en los gestos congelados, en lo teatral, en lo deliberadamente decadente.

Continuar leyendo "Una colección de tiempo encapsulado. Fernando CASTRO FLÓREZ"

Enviado por salonKritik el 10 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 08, 2007

Buenas prácticas, mejor cultura - José Manuel Costa

Originalmente en Vía Límite

Dentro de pocos días se conocerá el nombre del nuevo director del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (MNCARS en su horrísono acrónimo oficial). Esto no excitaría más que a los muy aficionados si no fuera porque este nombramiento marcará una cesura en la forma en que se rigen nuestras instituciones culturales. Y cualquiera ve a su alrededor como cada vez hay más museos, centros y auditorios propiedad pública. Pagados con nuestros dineros.

Hasta el momento, los nombramientos y ceses en estos lugares han sido puramente digitales. Y así, puede suceder que una consejera de comunidad, Consuelo Ciscar, licenciada en Empresariales, pase a dirigir uno de los principales centros de arte españoles (el IVAM valenciano), simplemente porque había de buscarse acomodo a una zaplanista defenestrada. O que un cambio de gobierno en Galicia signifique la expulsión inmediata del director del CGAC, Miguel Fernández Cid. O que se ningunee a la directora del CAAM de las Palmas, Alicia Chillida…

Así no hay institución que funcione. Como me decía con algo de sorna Norman Rosenthal, director artístico de la Royal Academy de Londres: “Mira, mi problema con el Reina Sofía, es que cada vez que llamo se pone una persona diferente”.

Continuar leyendo "Buenas prácticas, mejor cultura - José Manuel Costa"

Enviado por salonKritik el 8 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 05, 2007

¡VIVA EL FRACASO! - David G. TORRES


Originalmente en e-limbo:

Mini.Php09Es cierto que por mucho que Johnny Rotten se dejase las cuerdas vocales (es un decir) gritando "God save the Queen, and her fascist regime", bueno, pues la reina sigue ahí y su régimen no parece mucho menos fascista. A no ser que alguien todavía considere que es un cambio sustancial haber pasado de la amistad de Thatcher con Pinochet, a la complicidad de Blair con Bush invadiendo Irak en una especie de cruzada que en el nombre de Dios se lanza en busca de petroleo. Para un pensamiento radical la misma idea de estado es represiva, así que eso no son más que matices del mismo tipo de fascismo.

Quizá haya sido por la incapacidad de matizar a la que tiende un pensamiento que se quiera a la contra por lo que finalmente habrá que considerar que, sí, nada ha cambiado demasiado y tampoco hemos colaborado efectivamente a que cambie. En fin que habrá que dar la razón a aquellos que, también desde la izquierda, han denunciado la falta de pragmatismo de los malintencionados. Y estar de acuerdo con los argumentos de tipos como Joseph Heath y Andrew Potter cuando arremeten contra la tradición contracultural occidental (y ahí cabe mucho, efectivamente Johnny Rotten y los Sex Pistols, pero muchos más). Rebelarse vende. El negocio de la contracultura es el título de su libro; un título tan explícito que en sí viene a resumir su tesis, en la que fundamentan una crítica generalizada a lo "contracultural": por su falta de eficacia, por haber estado predispuestos a ser vendidos y, en definitiva, por cómplices. Por si quedaba alguna duda, la edición del libro en la mayoría de los idiomas está ilustrado con una taza tipo mug (paradigma de taza globalizada) con el retrato de El Che: ejemplo ilustrativo de una cultura que pretendiéndose crítica y contracultural sólo ha servido para vender más tazas fabricadas en China con un logo concienciado. En fin, que mientras unos proponían liberar la mente y otros se declaraban antisistema y antisociales por llevar el pelo rojo y de punta, la casa seguía sin barrer: no sólo los serios objetivos políticos quedaban sin atender, sino que esa contracultura, vía tazas o camisetas, se convertía en cómplice del capitalismo extendido.

Continuar leyendo "¡VIVA EL FRACASO! - David G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 5 de Diciembre | Comentarios (0)

Frío, frío, frío... CARLES GUERRA

Originalmente en cultura I s de La Vanguardia.es:

BombaHace poco más de un año una pintura de Jackson Pollock batió todos los récords. Number 5 (1948) fue vendida por de dólares, el precio más caro de toda la historia. David Geffen, un magnate de Hollywood que había fundado Dreamworks con Steven Spielberg, se deshizo de ella. La tela de formato vertical pasó a manos de David Martínez, un financiero mexicano que la adquirió a través de Sotheby´s.

Number 5 mide cerca de dos metros y medio por un metro y poco más. Tiene el aspecto de un torbellino de manchas y salpicaduras. Parece un accidente. No hay figura y no alude tema o contenido literario alguno. Sin embargo, Number 5 es reconocible como un icono del arte moderno. Está entre los objetos más sublimados de la cultura occidental. Simboliza la hegemonía del arte americano tras la Segunda Guerra Mundial, y como la mayoría de imágenes, cuanto menos dice más representa. Puede ser todo y nada, ése es su mérito. El precio alcanzado en la subasta no hace más que refrendar su estatuto icónico. Aunque eso no tiene nada que ver con su calidad como obra de arte. Son dos cosas distintas. La obra fue realizada por Pollock en el reducido espacio de su estudio, en East Hamptons, Long Island. El icono se forja durante la guerra fría, cuando centenares de pinturas como ésta adquirieron un significado que escapaba al control de los artistas que las crearon. Ni Gottlieb, ni Gorky, ni Rothko, ni Newman, ni Motherwell, por citar sólo algunos, pudieron evitar que se los asociara a una cultura de la victoria.

Continuar leyendo "Frío, frío, frío... CARLES GUERRA"

Enviado por salonKritik el 5 de Diciembre | Comentarios (0)

Política y cuerpo. La guerra caliente. BEATRIZ PRECIADO

Originalmente en cultura I s de La Vanguardia:

Los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial no fueron sólo un período de guerra fría, marcados por sintagmas que en una escala retórica de Celsius indicaban negativo (tensión de bloques, depresión económica postbélica, telón de acero, enfriamiento y dispersión de las concentraciones urbanas ante el temor de un nuevo ataque nuclear…), sino que también fueron los años de un aumento exponencial del interés de los poderes políticos en el cuerpo y la sexualidad como posibles centros de control del individuo. Mientras que en un nivel macropolítico las potencias, tanto occidentales como orientales, intentaban bajar la temperatura del conflicto al mismo tiempo extáticas y espantadas frente su reciente descubrimiento y ensayo de nuevas tecnologías de destrucción masiva, en un nivel micropolítico, los estados llevaban a cabo una infiltración del cuerpo individual, atacando, con nuevas técnicas biomoleculares y mediáticas, un nuevo terreno privado, visceral y silencioso: la sexualidad.

Continuar leyendo "Política y cuerpo. La guerra caliente. BEATRIZ PRECIADO"

Enviado por salonKritik el 5 de Diciembre | Comentarios (1)

Diciembre 01, 2007

Peligro: Arte - MIGUEL Á. HERNÁNDEZ-NAVARRO

[Originalmente en No (ha) lugar]

dorisgrieta2.jpgEn los últimos días ha saltado a la prensa la noticia de que Shibbolet, la obra de la colombiana Doris Salcedo en la Sala de Turbinas de la Tate Modern, ha provocado ya más de diez heridos, algunos de los cuales han demandado al museo. La obra consiste en una serie de grietas en el suelo de la galería. Unas grietas que dan la sensación de que algo terrible está a punto de ocurrir. Pues bien, como una profecía, lo terrible, en efecto, está sucediendo, pero en lugar de un gran cataclismo, el desastre es que la gente se tuerce los tobillos al caerse en las grietas. Y esto es así hasta el punto de que la Tate ha tenido que llenar la sala de carteles que alertan de la peligrosidad de la obra, advirtiendo al espectador que pise con cuidado y que no deje a los niños sin vigilancia.

Todo esto, que puede resultar hasta cierto punto divertido, me ha hecho reflexionar acerca de la equivocada idea de que el arte es algo bueno e inofensivo. A veces llevamos a los niños a los museos creyendo que allí se encuentra la panacea de la cultura, y no somos conscientes de que, tamizados por la pátina del tiempo, en el museo hay crímenes, señoras desnudas, tiranos, actos de dominación... es decir, lo peor de lo peor. El museo, el arte en general, aparte de enseñarnos la belleza del mundo, contribuye también a la perpetuación de estructuras de dominación y exclusión, de prejuicios y falsas creencias. El arte es peligroso. Siempre lo ha sido. Lo único que ocurre es que a veces nos olvidamos de ello. No sería, por tanto, descabellado pensar que, en el fondo, la célebre grieta de la Tate enseña que el arte puede provocar heridas, que una obra terrible nos puede agriar el día. Quizá vaya siendo hora de que en la entrada de todas las instituciones artísticas pongan un cartel con una advertencia. “Peligro: Arte”.

Enviado por salonKritik el 1 de Diciembre | Comentarios (0)

Pangea, el nuevo mundo - Vicente Luis Mora

Originalmente en Diario de Lecturas

Hay algo de conquistador en todo aquel que mira un mapa
Rodrigo Fresán, Mantra
Tienes que aprender a ser adulto, abrir bien los visores y enfrentarte a la realidad virtual.
Eloy Tizón, Parpadeos

Cuando en una sociedad sus habitantes ya no son los mismos, su concepción del tiempo ha cambiado, su visión del espacio es más amplia, sus potencialidades físicas y mentales son superiores, la ética y la política de sus relaciones internas han mutado, el antiguo arte ha sido superado por formas de crear que jamás habían existido antes y la idea misma de sociedad ha reventado, haciéndose más amplia y global, ha llegado el momento de repensar si esa sociedad es la misma. Y la respuesta es no. En apenas quince años, desde 1992 hasta hoy, el mundo ha sufrido una serie de cambios tan drásticos y profundos y que afectan a tantos ámbitos, ya sean sociológicos o íntimos, políticos o literarios, jurídicos y económicos, que es imposible mantener que el nuestro sea el mismo mundo que conocíamos hace dos decenios. Ha llegado el momento de detenernos a pensar qué puede haber ocurrido, y elegir un nombre cualquiera para definir esa nueva realidad, porque el nombre antiguo se ha quedado desfasado.

Continuar leyendo "Pangea, el nuevo mundo - Vicente Luis Mora"

Enviado por salonKritik el 1 de Diciembre | Comentarios (0)

Noviembre 29, 2007

El artista, el hámster y la rueda. Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en El Cultural:

21808 1El CASM presenta una muestra poco habitual en su línea expositiva, que suele privilegiar los proyectos específicos, mientras que aquí se trata de una intervención concebida para la 52 edición de la Bienal de Venecia. Cuando Franz West (Viena, 1947) fue requerido para participar en la Bienal, invitó, en su mayor parte, a jóvenes artistas –amigos, amigos de amigos, asistentes, etc.– sin un criterio determinado o idea de exposición previa. Simplemente, el espacio de Venecia –comentaba West– era demasiado grande para él… La exposición se fue tejiendo, así, de una forma espontánea y a través de una red de complicidades. La idea era la de prescindir del comisario, de toda idea de selección, de plan… West justificaba este gesto arbitrario como una especie de protesta y afirmación del artista contra la autoridad de los curadores o la tiranía de las instituciones, cuyos criterios y formatos son necesariamente coercitivos… Y acaso en esta acumulación heterogénea, en la confrontación espontánea de obras, se puedan establecer relaciones u oposiciones de sentido en la mejor tradición surrealista.

Continuar leyendo "El artista, el hámster y la rueda. Jaume VIDAL OLIVERAS"

Enviado por salonKritik el 29 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 28, 2007

( Schwarz auf Weib (negro sobre blanco): palabras en busca de un mundo ). Gemma AGUILAR

Originalmente en E-limbo:

Mini.Php03-1

¿Cuadrado negro sobre fondo blanco? Nada para ver.
Gérard Wajcman, "[de los objetos al objeto]", El objeto del siglo

el Negro sobre blanco del título emerge como declaración de intenciones postminimalista,

En efecto, es difícil no ver que todos somos no-videntes, que en verdad, muy lejos de la ilusión de agudeza y vigilancia con que nos regalamos, de ser vigías del siglo, realizamos fervientes esfuerzos por mantener los ojos cerrados.
Gérard Wajcman, "[duro deseo de mirar]", El objeto del siglo

ecos de Malevitch: la expresión más escueta del punto [letra] sobre el plano, del punto [nota] sobre la partitura, del punto [actor] sobre el escenario

Continuar leyendo "( Schwarz auf Weib (negro sobre blanco): palabras en busca de un mundo ). Gemma AGUILAR"

Enviado por salonKritik el 28 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 26, 2007

Las trampas del azar. Javier DÍAZ-GUARDIOLA

Originalmente en ABCD:

Marianarondon

Emergentes, la muestra que reúne en LABoral diez potentes instalaciones de artistas iberoamericanos que se mueven en las procelosas aguas del arte electrónico, es, a todas luces, una especie de sondeo sobre el asunto que le ocupa, y, como todas las encuestas, con multitud de trampas. Con ella, José Carlos Mariátegui, su comisario, alerta sobre la inflación informativa a la que estamos sometidos diariamente: «En la actualidad -apuntaba este científico e investigador en tecnología de medios- la vida social se traduce a lo digital y, de esa forma, se convierte en realidad misma. Esta relación es la que persigue analizar esta exposición». Sin embargo, el resultado final llama la atención precisamente por su descontextualización, también teórica.

Podría pensarse erróneamente que Iberoamérica es tal paraíso para el arte electrónico que bien mereciera esta muestra. Nada más lejos. Sus artistas no sólo son una rara avis en su ámbito, sino que son muchos los que desarrollan su labor en países de lo que se conoce como el Primer Mundo. Son los casos de Rafael Lozano Hemmer, Rodrigo Derteano y Fernando David Orellana.

Continuar leyendo "Las trampas del azar. Javier DÍAZ-GUARDIOLA"

Enviado por salonKritik el 26 de Noviembre | Comentarios (0)

Estilo internacional y utopía social. Juan Antonio ÁLVAREZ REYES

Originalmente en ABCD:

Exp-DavidclaerboutFinaliza como comenzó. El espacio 315 del Pompidou termina el año casi como en su inicio: con una exposición que analiza la disolución de la modernidad en el presente, de ciertas ideas acerca de un futuro que fue en parte y que ya está aquí diluido, de la transformación de un utopismo social y su inclusión en el «estilo internacional». Si la primera exposición del año, titulada Le nuage Magellan, era una colectiva que revisitaba el movimiento moderno desde la perspectiva de artistas actuales de Europa del Este, la última es una muestra individual absolutamente medida del artista belga David Claerbout. Hay, más allá de las diferencias, una reflexión similar: aquello que de algún modo fue -aunque sólo fuera en las intenciones- y se transformó está aquí mediante sus huellas en el presente, mediante su pasado inconcluso.

La reflexión sobre la modernidad -desde una nueva postura que ha trascendido ya la voluntad «post» de pasar página- deviene ahora fundamental. Junto a cierto aire de pasado reciente desvencijado que quizás no mereciera una desviación tan demoledora, pensar la modernidad acarrea ahora también recuperar de algún modo la ideología antagónica del siglo XX que fue desechada demasiado interesadamente. No es casual, entonces, el enfoque desde el Este en Le nuage Magellan, como tampoco lo era, en la pasada Bienal de Venecia, el detenimiento del premiado Andreas Fogarasi en la vida y transformación de los centros culturales de Budapest o, en la última Bienal de Estambul, la reflexión sobre la voluntad de travestir un edificio de servicio comunitario en un centro comercial.

Continuar leyendo "Estilo internacional y utopía social. Juan Antonio ÁLVAREZ REYES"

Enviado por salonKritik el 26 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 22, 2007

Hans Ulrich Obrist. Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL:
Hans Ulrich ObristCreó en 1992 el Museo “migratorio” Robert Walser, ha sido conservador del Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris desde 2000, del Museum in Progress de Viena (1993-2000) y es hoy director de proyectos internacionales de la Serpentine Gallery de Londres; comisarió la primera Bienal de Berlín, Manifesta I, la primera Trienal de Moscú y la segunda Bienal de Guangzhou... ha organizado cerca de 150 exposiciones desde 1991 y se ha convertido en poco tiempo en una de las figuras más influyentes del arte actual. Además, permanece abierta al público, hasta principios de enero, su Bienal de Lyon, que ya pretende hacer balance de esta década con un novedoso modelo curatorial. En estos días ultima los preparativos para la inauguración de everstill/siempretodavía (el título y el logo son de Douglas Gordon), su proyecto para la Huerta de San Vicente, que constituye un nuevo capítulo en una serie de muestras en las que busca la “expansión” del tradicional espacio expositivo. En este sentido, ha mostrado preferencia por los lugares en los que han vivido artistas. Hasta ahora, ha convertido en temporales centros de arte la Casa Barragán en México, la de Nietzsche en Sils Maria o la de Sir John Soane en Londres.

Continuar leyendo "Hans Ulrich Obrist. Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 22 de Noviembre | Comentarios (0)

Arte y ciencia del comportamiento. David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL:

Emergentes-LabEntender un centro de arte como una suerte de laboratorio abierto puede parecer, para muchos, un simple juego. Pero como señala Mallarmé “todo pensamiento emite una jugada de dados” y ese virtual equilibrio entre ensayos, aciertos y errores, resulta vital para entender la relación del hombre con la tecnología. Al fin y al cabo, como afirmara Novalis, tampoco es inescrutable el azar, sino que también está regido por un orden. En efecto, si dibujamos el azar como resultado de una jugada previa, advertiremos que todo juego posee un sentido, se halla limitado espacial y temporalmente y procede según reglas que son reconocidas por todos los participantes, como la historia del arte. En general, el juego está enraizado en el mundo y ya Platón y Aristóteles subrayaron el valor del juego para la formación de la personalidad. De ahí que, en ese intento de conformar un lugar para la investigación, formación y producción artística y técnica, así como para la proyección de nuevas formas de arte y creación industrial, que se ha marcado como objetivo LABoral, resulte normal esa apuesta por el juego en varias de sus exposiciones e, incluso cuando las intenciones son otras, como en esta ocasión, esa sensación nos invade al experimentar cada una de las obras.

Continuar leyendo "Arte y ciencia del comportamiento. David BARRO"

Enviado por salonKritik el 22 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 21, 2007

De Ítaca a Rothko - ANTONI MARÍ

Originalmente en cultura | s de La Vanguardia

Los lugares remotos son lugares próximos y muy lejanos. La proximidad la proporciona el deseo, la distancia viene impuesta por la dificultad, o la imposibilidad, de la realización o del encuentro con este deseo. Los lugares remotos son lugares mentales construidos por la intuición y por la idea de que hay espacios, alejados del espacio cotidiano, en los que poder realizar la totalidad de la persona o habitar según la idea que cada uno se ha construido de la existencia, o el lugar donde aparece la posibilidad de otra existencia. Es la imaginación la facultad capaz de identificar el deseo y la idea en la construcción de la imagen de los lugares remotos. Porque, por muy apartados y lejanos que estén, los lugares remotos aparecen con una imagen precisa, y a menudo, minuciosamente descrita ya sea en una imagen plástica o en una imagen verbal: por lo que los lugares remotos no son espacios desconocidos, si no abiertos al conocimiento y a ser hollados desde la necesidad que el deseo provoca. El lugar remoto ofrece, tal vez, la presencia real de lo desconocido, y lo desconocido es, sobre todo, aquello a lo que nunca se le puso atención y de repente aparece en toda su extrañeza y familiaridad.

Continuar leyendo "De Ítaca a Rothko - ANTONI MARÍ"

Enviado por salonKritik el 21 de Noviembre | Comentarios (0)

El mastín de ´Las Meninas´ no debería dormitar - LLUÍS PERMANYER

Originalmente en cultura | s de La Vanguardia

meninas.jpgCoincidiendo con la importante exposición que El Prado dedica a Velázquez como pintor de historia (Fábulas de Velázquez,del 20 de noviembre al 24 de febrero) es pertinente abordar una nueva reflexión sobre la que, sin duda, es no sólo su obra maestra, sino además la más compleja de todas. Así las cosas, no es de extrañar que aún siga propiciando la polémica intelectual, con el fin de desentrañar algunos de los misterios que aparecen hábilmente planteados en el lienzo.

Lo primero que se desprende de su análisis es plantearse, a modo de Gauthier, ¿dónde está el cuadro?

Así pues, tenemos diversos temas, según el punto de vista del espectador: un autorretrato de Velázquez, un retrato de la infanta Margarita, un retrato de los reyes, un retrato de familia. Al propio tiempo, otro tema, nada banal, es la escena que se desarrolla, a tenor de lo que se desprende del conjunto de personajes reunidos en una estancia de palacio. Y es que todo ello se presenta tal como es, una acción real.

Continuar leyendo "El mastín de ´Las Meninas´ no debería dormitar - LLUÍS PERMANYER"

Enviado por salonKritik el 21 de Noviembre | Comentarios (1)

Plusvalía cultural - NOÈLIA HERNÁNDEZ

Originalmente en cultura|s de La Vanguardia

expo07_herespectaculo.jpgHablar de arte desde el arte. Mostrarlo en su proceso. Desenmascararlo. Poner a prueba la autenticidad de una idea. Explorar los límites del lenguaje. Determinar el papel del artista durante la realización de una obra. Señalar sus limitaciones. Estos son algunos de los parámetros que definen el trabajo de Pep Agut (Terrassa, 1961), artista ampliamente conocido por su trayectoria dentro de la vertiente más conceptual del arte en nuestro país, con una mirada crítica sobre las imposiciones del sistema artístico y sus velados mecanismos de control que ha marcado su obra desde el inicio de su carrera.

Pep es un artista de ideas claras, muy claras, aunque algunas de sus intervenciones puedan parecer complejas. Un ejemplo de ello es Hércules (Autorretrato en devaluación económica y plusvalía cultural), exposición con la que se inaugura un nuevo espacio dedicado al arte en nuestra ciudad, Àngels Barcelona, construido sobre la experiencia acumulada por el equipo de la Galeria dels Àngels. Hércules es un proyecto en desarrollo desde el año 2004 que plantea una serie de interrogantes sobre el trabajo artístico, vinculando su práctica con temas poco divulgados como el derecho, la economía, la legalidad o el precio de las obras y su plusvalía.

Continuar leyendo "Plusvalía cultural - NOÈLIA HERNÁNDEZ"

Enviado por salonKritik el 21 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 20, 2007

Entrevista: Bugge Wesseltoft. Jazz protesta

Originalmente en ELPAÍS:

Bugge WesseltoftEscenario: una típica e impersonal habitación de hotel en el centro de Madrid. Bugge (pronunciado Bugui) Wesseltoft espera al entrevistador sentado delante de un extraño híbrido, mitad piano eléctrico, mitad ordenador portátil de última generación. El fundador y máximo responsable del sello Jazzland, santo y seña de los freaks adictos al future jazz de los cinco continentes, presenta nuevo disco. IM es un punto y aparte en la carrera del compositor, pianista y productor noruego; un remanso de serenidad al margen de las convenciones de la free improvisation y el nu jazz. Un piano de cola, algunos discretos efectos electrónicos y el talento como improvisador que se le reconoce a Jens Christian Bugge Wesseltoft, eso es todo... además de unos intrigantes textos interiores de marcado tono antibelicista.

PREGUNTA. Con ese texto, IM podría pasar por el primer disco de jazz protesta de la historia.

RESPUESTA. Tanto como eso..., en realidad, el álbum tiene 10 piezas y sólo hay una que para mí tiene una significación política, WY, que es como why (por qué, en inglés) sin la hache. Ese tema es mi respuesta al tiempo que paso sentado ante el televisor yendo de un lugar a otro y de una guerra a otra. Aterra pensar en tantos lugares en guerra en este momento: Irak, Chechenia, Birmania, Palestina..., no puedo evitar compadecerme de la población civil en su lucha por sobrevivir; pero lo que más me llama la atención es que siempre es la misma historia, con unos pocos que tratan de acaparar el poder y una mayoría que sufre la tragedia por su culpa. Como padre de familia todo esto me deja un sentimiento muy amargo. Trato de ponerme en la situación de los que sufren. Es algo sobre lo que pienso muy a menudo así que simplemente quería comentarlo en mi disco.

Continuar leyendo "Entrevista: Bugge Wesseltoft. Jazz protesta"

Enviado por salonKritik el 20 de Noviembre | Comentarios (0)

Teresa Margolles: «convertiré la galería en un mausoleo». Javier DÍAZ-GUARDIOLA

Originalmente en ABCD:

Margolles Teresa150Las paredes de la galería se cubrirán de negro, y sobre un lujoso suelo alfombrado se situarán las vitrinas que albergarán las joyas diseñadas por la mexicana Teresa Margolles (1983). La intimidad de la sala, tan sólo iluminada por los halógenos dirigidos hacia las piezas, se romperá cuando el visitante descubra la historia que cada una de ellas oculta. Margolles, para la que esta exposición en Salvador Díaz es su primera incursión en un espacio privado en España, enfrenta al espectador a una realidad insostenible demasiado habitual en su país de origen y nos obliga a reflexionar sobre la legitimidad de algunas acciones, con el encuentro con la muerte, que siempre ha rodeado su imaginario, como telón de fondo.

Continuar leyendo "Teresa Margolles: «convertiré la galería en un mausoleo». Javier DÍAZ-GUARDIOLA"

Enviado por salonKritik el 20 de Noviembre | Comentarios (0)

Del lado de las otras. Andrés ISAAC SANTANA

Originalmente en ABCD:

Eileen GrayEl trabajo de Carmela García revela un grupo de señas que hacen la suerte de identidad discursiva de su propuesta fotográfica. Su trabajo enfatiza una fuerte carga narrativa, una constante y profunda reflexión sobre el universo femenino y sus múltiples variantes, un deseo por explorar nuevas nociones espaciales en tanto escenarios del hecho fotográfico en sí y una misteriosa ambigüedad que hace abortar la figura masculina del marco de la representación, sin la decretada defunción de lo fálico tan de moda entre algunas rabiosas feministas. Aquí hay ausencia poética, no aniquilación fulminante y bravucona.

Arqueología afectiva. En esta muestra en particular, hermosa en toda su extensión y hondura, García pone en práctica un sintomático ejercicio de «arqueología afectiva» para la recuperación / reivindicación de un pasado femenino con el que ella se siente más que identificada. Subvirtiendo el paradigma ortodoxo de la amnesia malintencionada y advirtiendo de la falacia que supone todo relato histórico, Carmela García se aventura en un recorrido ficcionalizado y altamente subjetivo por las huellas -apenas perceptibles- de una historia protagonizada por un grupo sui generis de mujeres. Féminas transgresoras que en su momento, y a contracorriente de las normas impuestas por el falso modelo de virtud de lo políticamente correcto y el corsé de una feminidad esteriotipada, alcanzaron a vivir su deseo en libertad.

Continuar leyendo "Del lado de las otras. Andrés ISAAC SANTANA"

Enviado por salonKritik el 20 de Noviembre | Comentarios (0)

Reglas para la superviviencia de la novela - VICENTE VERDÚ

Originalmente en EL PAIS

Que los últimos cinco premios Herralde de novela hayan recaído sin cesar sobre escritores latinoamericanos no debe considerarse un simple azar. La novela que todavía se premia responde al molde tradicional y este producto no se cultiva con la debida dignidad sino en la periferia del sistema. Sucede de la misma manera que con las películas de autor, que, si antes procedían de Italia, Francia o Alemania, ahora brotan en Irán, Irak, China, India, Argentina o Senegal, puesto que el cine de autor como la novela de argumento son productos que caducaron en territorios de la Metrópoli mucho antes de iniciarse el siglo XXI.

Muchos suponen que están leyendo literatura cuando, en realidad, prestan su atención a enmascarados guiones de cine, borradores de telefilmes o largos bocadillos de cómic

Paralelamente, así como en la pintura es inconcebible producir sin tener presente la fotografía, la televisión, los videojuegos, el avión, los grafitis o cualquier pantalla, en la narración es torpe seguir como si no existiera publicidad, correo electrónico, chats, cine, YouTube, MySpace o la blogosfera. Quienes en los países donde se han desarrollado las nuevas formas de comunicación continúan redactando novelas a la antigua usanza atienden sólo a los lectores vetustos, incomunicados o burdos. Y también a los que aprecian los libros en cuanto les parecen películas o telefilmes impresos y en donde la escritura cumple la simple función de entretener durante el trayecto en avión o metro.

Nada que ver, pues, con el carácter propio y especial de la escritura literaria, en donde la nueva narración debería caracterizarse por estos diez componentes, al menos:

Continuar leyendo "Reglas para la superviviencia de la novela - VICENTE VERDÚ"

Enviado por Jose Luis Brea el 20 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 19, 2007

Pasen y vean: el museo se resquebraja. Juan Antonio ÁLVAREZ REYES

Originalmente en ABCD:

Grieta-Obra-De-Arte-1Las películas de catástrofes, tan queridas por los telespectadores norteamericanos y por las políticas del miedo, deben ser tenidas en cuenta a la hora de enfrentarse a la intervención que la artista colombiana Doris Salcedo ha realizado en la Sala de Turbinas de la Tate, el mayor espacio mundial para intervenciones/instalaciones específicas disponible en estos momentos. Grieta, raja, hendidura o corte, esta obra de Salcedo puede tener numerosas interpretaciones -más allá de las que dan la propia artista y el museo-, y también sus referentes iconográficos son más variados de los que Achim Borchardt-Hume cita en el texto de la exposición que ha comisariado. Repasemos, entonces, algunos de ellos sin voluntad de agotarlos.

¿Terremoto? Terremoto, sin duda, es una de esas citas -conscientes o no- a las películas de catástrofes. De hecho, los visitantes entregados lo saben bien. En el gran juego fotográfico-relacional en que se ha convertido esta enorme grieta, los visitantes prueban numerosas posturas interpretativas de ese género cinematográfico. Un corte así sólo lo ha podido causar un terremoto: esto lo sabe cualquiera que haya visto los efectos especiales de este tipo de películas. Aquí, por otro lado, entraría una cuestión claramente de estética representacional: la hendidura realizada es la representación de una grieta, no «una grieta en sí».

Es decir, convendría poner en funcionamiento, a la hora de encarar esta intervención, a Magritte y a su cuadro Esto no es una pipa, junto al ensayo que Foucault dedicó a esta cuestión, por no retrotraernos a la tradicional discusión aristotélica del «ser» y del «ser como». Pero volviendo al público entrenado en los filmes de catástrofes, el corte de Salcedo «es como» el que se produce en esa película, lo que permite a este tipo de visitante-turista performatizar sin complejos una intervención en la que, como en ese género, los riesgos -pese a su espectacularidad- son mínimos.

Continuar leyendo "Pasen y vean: el museo se resquebraja. Juan Antonio ÁLVAREZ REYES"

Enviado por salonKritik el 19 de Noviembre | Comentarios (0)

Recuerdos encadenados. Anna Maria GUASCH

Originalmente en ABCD:

Miroslaw Balka Bajo Shss En Santander, Foto E.CoboReflejos condicionados es el título de la exposición del artista polaco Miroslaw Balka (Varsovia, 1958) en la Fundación Marcelino Botín de Santander, un título tan críptico como lo es su obra, conocida por el público español gracias a sus periódicas exposiciones individuales en la Galería Juana de Aizpuru, de Madrid -Su seguro servidor (2004) Pureza (2001) y Mañana (1999)- y gracias también a retrospectiva del IVAM (Revisión, 1997), comisariada por Juan Vicente Aliaga, también responsable de esta de Santander.

Es el propio Aliaga el que, en el texto del catálogo, nos adentra en la pasión, casi obsesión «memorialista» de Miroslaw Balka que parece acogerse milimétricamente al «impulso» por la memoria (individual, colectiva y, a la vez, histórica) constante de muchos creadores de unos tiempos marcados, al decir de Andreas Huyssen -uno de los teóricos que más ha profundizado-, por los «pretéritos perfectos» y por una hipertrofia de memoria en detrimento de la historia, en las antípodas del que fue el gran impulso de la modernidad, basado en el deseo de pureza y en una cultura impulsada por los «futuros presentes».

Continuar leyendo "Recuerdos encadenados. Anna Maria GUASCH"

Enviado por salonKritik el 19 de Noviembre | Comentarios (0)

Los seres humanos creamos diablos. Cecilia DREYMÜLLER

Originalmente en ELPAÍS:

FotoklugectiempoEn Múnich, en el barrio de Schwabing, muy cerca del cine de culto ARRI, se encuentra el centro de operaciones del polifacético escritor, cineasta y autor televisivo Alexander Kluge (Halberstadt, 1932), instalado en un enorme piso antiguo de altos techos y parquet crujiente. En una espaciosa habitación hay una gigantesca cámara Arriflex de 1956 entre focos y pantallas. Es allí donde Kluge, corriendo tres cortinas azules, graba sus subversivos programas culturales. Otra habitación está abarrotada de las ediciones de sus libros, más de una veintena de títulos. En la estancia de al lado hay varias mesas con ordenadores. Allí gestiona el jurista los diferentes gremios de cineastas libres que preside y es donde escribió las casi mil páginas de su libro-crónica El hueco que deja el diablo (Anagrama), que acaba de publicarse en España en una versión acortada por el autor.

La viveza de expresión, la curiosidad casi infantil que reflejan sus ojos, la familiaridad con la que este espíritu universal maneja referencias de filosofía, historia, antropología, ópera o técnica genética hacen olvidar que acaba de cumplir 75 años. La Mostra de Venecia, donde Kluge con sus primeras películas se hizo con un León de Oro y otro de Plata, lo celebró este año nombrándole invitado de honor. El MoMA de Nueva York le ha dedicado una retrospectiva. En Sevilla se ha proyectado, dentro del Festival de Cine Europeo, un ciclo de homenaje al cineasta.

Continuar leyendo "Los seres humanos creamos diablos. Cecilia DREYMÜLLER"

Enviado por salonKritik el 19 de Noviembre | Comentarios (0)

Barthes, el siglo de la imagen. Fernando CASTRO FLÓREZ

Originalmente en ABCD:

Catch5 0268BdEl Enterrador pone los ojos en blanco y, con su poderosa mano convertida en garra, ahoga a uno de sus rivales, reducido a la condición de pelele. Los alaridos del público completan la atmósfera aterradora que da paso a la epifanía; ese, por exagerado que sea, es el término apropiado, de «la Bestia» Batista, que, bajo un arco metálico rescatado de algún decorado de La guerra de las galaxias, se abre de piernas y ametralla, con un arma invisible, a diestro y siniestro. En Smack Down! todos reclaman el cinturón de campeón con un gesto enfático repetido incansablemente. Da la sensación de que hay tantos campeones que hasta los más torpes y ridículos tienen razones de sobra para aspirar a los más altos reconocimientos. Un luchador negro, King Booker, sube al ring con corona e incluso acompañado por una reina que está, todo hay que decirlo, bastante buena. John Cena, que va de rapero, lanza soflamas por el micrófono ante la mirada escrutadora de un tipejo trajeado, ex luchador para más señas, que ahora va de jefazo.

El Gran Kali. No faltan un chino transformado en vaquero, un enmascarado mexicano (Rey Misterio), Umaga, un luchador tatuado originario de Samoa, y otro irlandés, Finlay, pasado de kilos. Pero el que impone en esta fauna aparentemente caótica, el que impone el máximo respeto, es el Gran Kali, la materialización de todo aquello que el Imperio exorciza, un gigante con una mandíbula desmesurada y unas greñas grasientas que además habla un lenguaje gutural que nadie entiende.

Continuar leyendo "Barthes, el siglo de la imagen. Fernando CASTRO FLÓREZ"

Enviado por salonKritik el 19 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 16, 2007

¿Reina la Razón en el País? - DAVID G. TORRES

Originalmente en A-Desk

Ayer salía una noticia, cuando menos sorprendente, en El País: "El director del Macba, favorito para el Reina Sofía".

Hoy ha respondido La Razón: "Las «malas prácticas» del Reina Sofía".

Da cierta rabia darle la razón a La Razón, pero la tiene.

El País dice: "Aunque la confidencialidad es uno de los compromisos del concurso, se sabe que Borja-Villel es uno de los más firmes candidatos. Sólidos rivales son Enrique Juncosa, director del Irish Museum de Dublín y ex subdirector del Reina Sofía; Dan Cameron, historiador y crítico de arte; Gloria Moure, comisaria de exposiciones y actual responsable de ediciones Polígrafa; Javier González de Durán, cabeza del museo Artium de Vitoria, y Carlota Álvarez-Basso, directora de proyectos de la sociedad estatal de Conmemoraciones Culturales y ex directora del Museo Marco de Vigo".

Continuar leyendo "¿Reina la Razón en el País? - DAVID G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 16 de Noviembre | Comentarios (0)

Las «malas prácticas» del Reina Sofía - Manuel Calderón

Originalmente en La Razón | Digital : Cultura

El museo no ha respetado la confidencialidad de los candidatos que se presentan al concurso de elección de director como obligaban las bases - «Esto es una chapuza, como ya preveíamos», dice uno de los aspirantes.

Ayer venció el plazo para presentar las candidaturas al concurso público para elegir el nuevo director del Centro de Arte Reina Sofía. De momento, hay doce aspirantes, aunque se espera llegar a los veinte, según el Ministerio de Cultura, a la espera de las solicitudes que lleguen, de aquí a ocho días laborables, desde embajadas y consulados. Este concurso se organizó siguiendo las pautas del Código de Buenas Prácticas propuesto por las asociaciones profesionales del mundo del arte, que el Ministerio de Cultura ha hecho suyo, sobre todo en lo referente al método para elegir a los responsables de las grandes instituciones culturales, entre ellas el Reina Sofía. Sin embargo, desde hace días ha trascendido el nombre de algunos de los candidatos, saltándose las bases del concurso que obligan a la confidencialidad más estricta. La dirección general de Bellas Artes, cuyo responsable, José Jiménez, supervisa al dedillo el proceso, no se responsabiliza de que algunos de los nombres se hayan dado a conocer.

Continuar leyendo "Las «malas prácticas» del Reina Sofía - Manuel Calderón"

Enviado por salonKritik el 16 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 15, 2007

El director del Macba, favorito para el Reina Sofía · Á. GARCÍA / I. LAFONT

Originalmente en ELPAÍS.com:

Manuel Borja-Villel, responsable del Macba, se destaca en la carrera por la dirección del Reina Sofía, según fuentes próximas al comité que debe decidir el nombramiento. Hoy concluye el plazo de presentación de las candidaturas para dirigir el centro. Por primera vez, la designación no será a dedo sino mediante un procedimiento impulsado por el Ministerio de Cultura a raíz de la crisis abierta con la dimisión de Ana Martínez de Aguilar. Desde sus orígenes, en 1988, todos los directores o directoras de la institución han sido elegidos por el ministro de turno.

Continuar leyendo "El director del Macba, favorito para el Reina Sofía · Á. GARCÍA / I. LAFONT"

Enviado por salonKritik el 15 de Noviembre | Comentarios (0)

Cultura acaba con las designaciones a dedo en sus diferentes centros · JESÚS RUIZ MANTILLA

Originalmente en ELPAÍS.com:

Se acabaron los nombramientos a dedo. Al menos en todos los centros que dependan del Estado en Cultura. "Es toda una novedad. Desde ahora no serán los ministros, sino el propio mundo de la cultura quien rija sus propios lugares", aseguró ayer a este periódico el responsable de la cartera, César Antonio Molina.

El Código de Buenas Prácticas surge del Plan de Modernización de las instituciones culturales, que cuenta ya con el visto bueno del Consejo de Ministros. Era más una declaración de intenciones que un proyecto desarrollado. A partir de ahora, será la norma que rija todas las designaciones. Su puesta en práctica por primera vez para nombrar un responsable del Museo Nacional Reina Sofía ha entusiasmado tanto a los gestores culturales que las próximas vacantes del Estado en este campo se cubrirán con el mismo método.

Continuar leyendo "Cultura acaba con las designaciones a dedo en sus diferentes centros · JESÚS RUIZ MANTILLA"

Enviado por salonKritik el 15 de Noviembre | Comentarios (0)

Interiores planos de Martínez Bueno. Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL:

Martinezbueno

El antropólogo Christopher Pinney afirma que la fotografía africana se caracteriza por dos ausencias: de narratividad y de perspectiva. El tan frecuente uso de telones decorativos para los retratos de estudio, que es allí el género fotográfico más popular, es un signo de esa falta de interés por la profundidad. Lo que el cliente quiere no es un retrato fiel, sino “salir mejor”, y eso incluye la utilización –a menudo rudimentaria– de un fondo lujoso o simbólico, además de vestidos y un atrezzo acordes. Aunque los telones se empezaron a usar ya en los estudios de los daguerrotipistas, su empleo ha quedado relegado a las áreas geográficas con menor penetración de la modernidad artística. El joven melillense Javier Martínez Bueno (1977) ha buscado en Marruecos estudios fotográficos en los que se practica ese tipo de retrato y ha fotografiado a su vez los “escenarios” dispuestos a tal fin. Pero los establecimientos que ha visitado el artista son modestos, y el mal gusto o el deterioro impiden, a nuestros ojos, cualquier ilusión de opulencia. Tres son los elementos que privilegia en sus imágenes: el fondo pintado, los focos y el asiento (y hay que ver qué asientos...).

Continuar leyendo "Interiores planos de Martínez Bueno. Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 15 de Noviembre | Comentarios (0)

El arte de lo cotidiano. Anna Maria Guasch

Originalmente en ABCD:

Angelbergara

Juan de Nieves, director del Espai, tiene bien asumido que la función del museo no es sólo generar una autonomía estética, sino desencadenar dispositivos críticos y sinergias entre lo global y lo local dentro de los imaginarios transnacionales y transculturales de las actuales geopolíticas de lo global. De ahí que algunos de sus más recientes proyectos expositivos, desde el de Daniel Buren hasta el actual del artista español afincado en Bélgica Ángel Vergara Santiago (1958) puedan considerarse como renovadas visiones de la ya histórica «crítica institucional», no entendida como un arma o instrumento para atacar la institución, sino para reforzarla o replantearla, entendiendo la «crítica institucional» como una metodología de trabajo, como una nueva versión de la «especificad del lugar», un lugar definido no por las relaciones físicas, formales o arquitectónicas, sino por las sociales.

No es extraño que se defina el trabajo de Ángel Vergara como el de un sociólogo «estudioso de una realidad dada que se disecciona con el objetivo de construir nuevas ficciones». Nosotros añadiríamos una nueva denominación: la del artista como «facilitador» o como «trabajador social», un artista creador de redes de comunicación en el seno de una comunidad no entendida desde el punto de vista del consumo pasivo, sino insistiendo en el poder de la imaginación misma.

Continuar leyendo "El arte de lo cotidiano. Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 15 de Noviembre | Comentarios (0)

Jorge Diezma * Eso ahí queda. Begoña Santa Cecilia y Luis Moreno-Caballud

Originalmente en e-Limbo :

Mini.Php-2Los nuevos cuadros de Jorge Diezma no pueden parar quietos: el pintor ha trasladado su estudio a una nave industrial, donde continúa pintando, ahora con un compresor y una pistola. Lo que está claro es que, industrial o no, el proceso no consiste en ninguna transgresión "por amor al arte".

Para poder hacer algo con estas piezas, necesitamos pensar que la gracia no está ahí; ya hemos visto cuadros pintados como si fueran coches y coches amontonados como si fueran cuadros. Jorge dice que los suyos son "cuadros normales", y añade: "¡cómo si hubiera otros!".

Si por amor al arte (o por cuestionar el arte, que es lo mismo desde Duchamp) se han retorcido miles de lienzos y bastidores, ahora se pueden retorcer unos pocos más con la esperanza de tender un puente hacia la vida. ¿Podrá el arte escapar de sí mismo? ¿Es que hay alguna "vida" a la que escapar? Si la espuma de poliuretano continua su callado proceso de succión no es porque quiera explicarnos algo sobre el arte.

Continuar leyendo "Jorge Diezma * Eso ahí queda. Begoña Santa Cecilia y Luis Moreno-Caballud"

Enviado por salonKritik el 15 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 14, 2007

Últimos pasajes a la diferencia. Bruno Marcos

Vía e-norte, Originalmente en Diario de León

Bailarinasdejaipur1915

Por todas partes, en las ciudades milenarias y en los rincones polvorientos, en medio de selvas vírgenes y entre los rascacielos, en los lugares en los que los antiguos ofrecían sacrificios a los dioses o escrutaban los augurios de las aves, donde se erigían templos al sol o donde los profetas hacían ayuno, en Oriente y en Occidente, en el Norte y en el Sur, en cualesquiera lugares del mundo lo mismo está siendo construido.

A veinte horas de avión estamos en idéntico sitio. Las mismas calles, los mismos centros comerciales, los mismos puentes, la misma cantidad de elementos pintorescos, la misma dosis de casco antiguo, el mismo trasiego de hombres, mujeres, ancianos y niños, la misma proporción de mestizaje, de exotismo, de anacronía, los mismos barrios chinos, turcos, la misma dosis de kitsch, de ciudad moderna...

Continuar leyendo "Últimos pasajes a la diferencia. Bruno Marcos"

Enviado por salonKritik el 14 de Noviembre | Comentarios (0)

Sobre el festival Transitio_Mx 2, en DF. PABLO MARTE

Originalmente en A-Desk :

Transitio

Llevo un par de semanas con la intención de publicar este escrito (y nunca arranco):

“Ya ha terminado la segunda edición del Festival de Vídeo y Artes Electrónicas Transitio_Mx, que organiza el Centro Multimedia y el Centro Nacional para las Artes, aquí en México DF.

Justo una semana antes me tomaba una birra a las cinco de la mañana con uno de los curadores del festival, Eusebio Bañuelos, y le comentaba mis reticencias a cierto arte electronico, por endogámico y autocomplaciente, por, pese a la euforia crítica (o precisamente por eso) no resultar finalmente sino un ejercicio de exclusivo y cerrado formalismo técnico, vamos, por mirarse demasiado el ombligo, olvidando de alguna manera la realidad, lo cotidiano, el usuario común y un sin fin de aspectos similares.

Continuar leyendo "Sobre el festival Transitio_Mx 2, en DF. PABLO MARTE"

Enviado por salonKritik el 14 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 13, 2007

Salvador Cidrás y Silvia Prada. Abel H. POZUELO

Originalmente en EL CULTURAL:

21642 1En RoomMate Casado Santapau quieren reunir a diferentes artistas que mostrarán obras con ciertas relaciones entre sí de forma individual pero a la par. Arrancar con Silvia Prada (1969) y Salvador Cidrás (1968) funciona como ejemplo de una relación de contraste entre ciertos valores comunes y un intenso desequilibrio. Las semillas del trabajo de ambos están en el mismo terreno de la fascinación por lo emergente, por la calle de los nuevos chicos, la pantalla de los héroes de los Mass Media, los iconos de la música pop, y en la reutilización de un trasfondo cultural híbrido que mezcla y conecta referentes.

Continuar leyendo "Salvador Cidrás y Silvia Prada. Abel H. POZUELO"

Enviado por salonKritik el 13 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 12, 2007

«True stories es color en estado puro». Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en ABCD:

El espacio de Javier López, en Madrid, no es muy amplio, por lo que tan sólo se exhiben allí tres de las fotografías de Bilbao, la serie con la que Hannah Collins (Londres, 1956) amplia el discurso de True Stories. Sin embargo, estas breves pinceladas son suficientes para comprobar que algo está cambiando en su trabajo. Sobre ello se pronuncia la artista, que presenta monografía en edición limitada y prepara con ilusión la retrospectiva que el próximo año ofrecera CaixaFórum en Barcelona, su ciudad, y Madrid.

Ya que «Bilbao» pertenece a «True Stories» convendría que comenzáramos definiendo el conjunto.

Comencé True Stories después de compartir con un amigo las vistas de Barcelona desde una azotea y conversar con él sobre fotografía. Ambos pensábamos que las imágenes deben sintetizar lo que se ve y lo que se piensa respecto de algo. Sobre un tejado, esta realidad se hacía aún más evidente, pues es un ámbito casi secreto de una casa, donde, a la vez, se respira mucha libertad. Todo eso me llevó a recordar algunas películas del neorrealismo italiano. Mi idea era partir de un realismo muy fuerte pero, a la vez, apoyarme en un pensamiento que fuera de alguna manera una vía de escape. Se unía además que hacía tiempo que quería servirme de la foto en color, de emplear los colores como los usa cualquier pintor. No podemos olvidar que yo comencé en la pintura, por lo que la serie me permitía regresar de algún modo a mis raíces. Si el conjunto se ha seguido desarrollando en el tiempo es en buena medida porque para mí supone un escape.

Continuar leyendo "«True stories es color en estado puro». Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 12 de Noviembre | Comentarios (0)

Dora García. Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL:

21639 1

Contes Choisis es el título del último proyecto de la artista vallisoletana Dora García (1965), una de las más relevantes de su generación. Su sólida proyección internacional (viene de participar en el Skulptur Projekt de Münster) así lo confirma. Residente desde hace años en Bruselas, presenta ahora en Barcelona una exposición que hemos de entender como una miniretrospectiva. Pero lo es en un sentido muy particular. El proyecto no está formado por las piezas más significativas de la trayectoria de la artista, sino que lo integran alusiones y referencias a dichas piezas. La comisaria de la muestra, Montse Badía, ya nos avisa de que se trata de una “selección de proyectos en modo off que explora la noción más narrativa y ficcional de su trabajo”. Cautivada por la relación entre lo real y su representación y, a su vez, por cómo se filtra la ficción en lo real; el juego y las normas que lo rijen, el papel del espectador o el subconsciente, Dora García maneja todo tipo de formatos, desde la fotografía a la instalación, desde el sonido a la red en un trabajo de enorme calado conceptual.

Continuar leyendo "Dora García. Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 12 de Noviembre | Comentarios (0)

"La tecnología democratiza la creación para que todos podamos ser artistas" - ROBERTA BOSCO

"La tecnología democratiza la creación para que todos podamos ser artistas" · ELPAÍS.com:

20071110Elpbabese 2
Peter Weibel (Odessa, 1944) ha sido nombrado director artístico de la tercera edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (BIACS), que se inaugurará en octubre de 2008. Brillante teórico y experto de los nuevos medios, Weibel es director del ZKM, Center for Art and Media de Karlsruhe en Alemania desde 1999. Se estrenó en el cargo con net_condition, una exposición que se convirtió en una piedra miliar de la historia del arte digital, y desde entonces ha conseguido compaginar su actividad como director y comisario con su trayectoria de artista y pensador pionero del arte digital.

PREGUNTA. Las anteriores ediciones de la BIACS han sido muy polémicas y sus comisarios muy criticados. ¿Cómo se enfrenta a este reto?

RESPUESTA. Mi aproximación es completamente diferente, los proyectos anteriores no estaban enraizados en la cultura española. Mi bienal se remontará a Al Ándalus como momento clave de la innovación científica, un tiempo de confluencia y no de choque entre las tres grandes culturas: cristiana, musulmana y judía. Quiero volver a escribir la experiencia de Al Ándalus en el presente y el futuro. Utilizar la lección histórica y materializar la concordia entre las culturas a través de la tecnología. Su título, Youniverse, alude a las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías: el individuo puede ser el universo, pero también debe responsabilizarse por el universo.

Continuar leyendo ""La tecnología democratiza la creación para que todos podamos ser artistas" - ROBERTA BOSCO"

Enviado por salonKritik el 12 de Noviembre | Comentarios (1)

La segunda vida (del arte) - Ángela Molina

Originalmente en ELPAÍS.com:

Gran parte de lo que se conoce como arte electrónico consiste simplemente en leer. Leer de izquierda a derecha, de arriba abajo, periféricamente. Sin focalización, sin jerarquías. Leer imágenes yuxtapuestas, simultáneas. El arte electrónico es policéntrico. El espectador se deja asaltar por nuevos y constantes centros de atención ajenos a toda quietud contemplativa. ¿Dónde está la obra? ¿Dónde sus límites? Ésta podría ser una de las razones del atractivo de los formatos electrónicos en las bienales.

La estética del arte electrónico es una estética de la actuación que desafía la existencia del artista tradicional. El happening y la performance, surgidos a finales de los cincuenta a partir de los conceptos clásicos de pintura y escultura, fueron los primeros pasos en el camino hacia la ruptura de los límites del arte. Desde entonces, el ojo no ha parado de moverse, y aunque no tiene los apetitos y deseos en el sentido corriente —frente a la imagen estática de un Tiziano o un All Over de Jackson Pollock— juega a tenerlos.

Continuar leyendo "La segunda vida (del arte) - Ángela Molina"

Enviado por salonKritik el 12 de Noviembre | Comentarios (0)

Nervios de vanguardia - JUAN CUETO

Originalmente en ELPAÍS.com


Un día, a mediados del siglo pasado, las viejas máquinas grasientas, dentadas, llameantes y muy ruidosas con las que trabajaba y sudaba el hombre en su puesto de trabajo industrial, de repente se transformaron en máquinas alfanuméricas de memoria infinita, dotadas de pantalla electrónica, con gran capacidad multimedia y siempre muy obedientes a las leyes de la lógica matemática. Ese mismo día impreciso empezó no sólo la gran bifurcación posindustrial, con todo lo que ese cambio de tecnología implicó e implica en nuestras sociedades desarrolladas, o turbocapitalistas, sino que al mismo tiempo y por vez primera en nuestra historia las nuevas máquinas con las que trabajaba el hombre, todas y sin excepción, empezaron a tener tratos muy íntimos con las herramientas del artista experimental.

Continuar leyendo "Nervios de vanguardia - JUAN CUETO"

Enviado por salonKritik el 12 de Noviembre | Comentarios (0)

Noviembre 05, 2007

Pep Agut. David G. TORRES

Originalmente en EL CULTURAL:

21577 1Hércules es la nueva exposición de Pep Agut (Terrassa, 1961) en Barcelona. Un artista de una generación que supuso un relevo frente a la eclosión de la pintura en los ochenta, recuperando las prácticas conceptuales de artistas como Muntadas, Francesc Torres o Francesc Abad. Rigor conceptual y compromiso que ha dejado profunda huella en el arte producido en la Ciudad Condal y que vuelve a estar presente en su exposición para el nuevo espacio de la galería Dels Àngels: Angels Barcelona. Tres piezas forman Hércules: un contrato, que es la pieza en sí, y que asegura que en cada nueva versión, en cada nueva compra, perderá valor económico; una performance, y su documentación, en la que el artista con los zapatos clavados el suelo permanece “expuesto” durante toda la inauguración; y Hércules espectacularizándose una fotografía que en palabras de Pep Agut es “un retrato de lo que no muestra un retrato. De como se produce la imagen del artista/héroe”.

–Hércules entra en cuestiones de economía, derecho, legalidad, precio, valor, mercado...
–La legalidad vigente entra con todo su peso. El artista es una figura legal y el espacio del arte está dejando de ser el espacio público por excelencia. Y sin embargo, creo que la producción cultural ocupa el único espacio verdaderamente público que queda en occidente, porque no se construye sobre normativas cerradas: sin distinciones de género, edad, capacidad económica, se puede entrar y salir con plena libertad.

– ¿Tiene que ver su contrato con la devaluación del arte?
–No se trata de una pieza sólo sobre la devaluación, también sobre la plusvalía. La plusvalía es un aumento de valor que se obtiene sin hacer nada, y en cambio en arte el valor depende de la acción. Plusvalía es un término económico opuesto al de producción cultural. Por eso es importante que el contrato estipule una norma legal cerrada por la cual está completamente garantizada la devaluación económica de la pieza.

Continuar leyendo "Pep Agut. David G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 5 de Noviembre | Comentarios (0)

Un manifiesto de cristal. IÑAKI ÁBALOS

Originalmente en ELPAÍS:

Pabellon Kazuyo Sejima Ryue Nishizawa

Hace doce años, en una farragosa entrevista publicada por El Croquis, una entonces jovencísima Kazuyo Sejima decía: "Después de trabajar de forma continua durante tantos años, últimamente me he sentido motivada a volver atrás y repensar de nuevo por completo el concepto de arquitectura. Desarrollando una clara definición de la función, uno puede crear una arquitectura muy transparente. Sin embargo, la arquitectura va mas allá de esto, y puede también incorporar la no transparencia. Quiero utilizar esta idea para hacer algo diferente de lo que he hecho en el pasado". La enigmática afirmación de entonces parece cumplirse hoy de forma admirable en esa bellísima pieza, a la vez transparente y opaca, que es el pequeño pabellón construido en la ciudad estadounidense de Toledo (Ohio), dedicado a la exhibición de manufacturas del vidrio. Un pabellón constituido por la disposición de estancias vidriadas con aristas redondeadas formando una organización planimétrica que remite de inmediato al dibujo de un diagrama y que en la experiencia real del edificio se disuelve en su propia evanescencia formal y material, una evanescencia que pasa de la transparencia total a la opacidad impenetrable y alucinada como resultado de la multiplicación laberíntica de reflejos activados y desactivados simplemente con el paso de una nubecilla, con un soplo de aire -con la sorpresa de verse uno mismo involucrado reflejado o desapareciendo en posiciones inesperadas-. Este pabellón tiene la fuerza y consistencia de un verdadero manifiesto, es una pieza de la entidad que en su día tuvo el teatro científico flotante de Aldo Rossi navegando por Venecia o el hoy sacralizado pabellón de Barcelona de Mies van der Rohe; un pabellón más allá de los límites convencionales, al que se debe prestar toda la atención -no le acompaña la suerte de ubicarse como los anteriores en ciudades memorables: está a tres horas conduciendo desde Columbus (la ciudad más próxima con aeropuerto internacional y escuela de arquitectura)-. Pero la virtud de un pabellón es precisamente servir para experimentar y avanzar temas que con programas y escalas mayores quedarían constreñidos por la convención. En ese sentido su dimensión diminuta supone una enorme ventaja estratégica, le permite avanzar décadas sobre las construcciones que denominamos programáticamente: viviendas, museos, oficinas o naves industriales. Los pabellones siempre han tenido, además, un carácter festivo, celebrativo, que se corresponde bien con otra característica, su ligereza literal o metafórica, ser evanescentes en el tiempo, casi de quita y pon, construcciones mínimas en un parque o jardín, ligadas a motivos especiales, con algo de derroche y exceso. Y algo de innecesario también: esa gratuidad es lo que los emparenta con los manifiestos, puros gestos de la voluntad creativa.

Continuar leyendo "Un manifiesto de cristal. IÑAKI ÁBALOS"

Enviado por salonKritik el 5 de Noviembre | Comentarios (0)

Jonathan Hernández, registro y resistencia. David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL:

21576 1

Comenzaré a partir de una curiosidad: una vez incluido en uno de esos proyectos editoriales donde todos quieren estar, concretamente en esa guía de artistas internacionales editada por Taschen bajo el título Art Now, que está directamente relacionada con el universo de las cotizaciones artísticas, Jonathan Hernández, artista mexicano, joven (1972), ironizó con esa condición de arte emergente enviando, para la biografía, una foto de cuando era niño. Ese simple gesto podría desvelarnos las claves de un artista que trabaja la memoria a partir del ensamblaje y del collage, del humor y la ironía crítica, del apropiacionismo de objetos y situaciones próximas, pero sobre todo desde la aprehensión del espacio entre las cosas, entre obras, y entre distancias.

Jonathan Hernández es el encargado de presentar en sociedad un nuevo espacio: la Fundación RAC (Rosón Arte Contemporáneo), impulsada por el coleccionista Carlos Rosón en Pontevedra. Así, dentro de su programa de residencias, el artista se estableció durante los meses de junio y julio en Pontevedra para realizar un trabajo específico para el nuevo espacio. El pensar para un programa de residencias en alguien como Jonathan Hernández es, al tiempo, un acierto –siempre ha trabajado el tema del turismo o del viaje, pero también del entorno en el que se mueve– y un riesgo –siempre podrá parecer que sólo ha ido para hacer turismo–. Pero en este caso, los presupuestos de su trabajo se invirtieron al abandonar la idea inicial de trabajar en el exterior (el movimiento) y hacerlo en su propio alojamiento (el tiempo detenido), un piso en el centro de la ciudad.

Continuar leyendo "Jonathan Hernández, registro y resistencia. David BARRO"

Enviado por salonKritik el 5 de Noviembre | Comentarios (1)

Octubre 31, 2007

El artista tranquilo. BEA ESPEJO

Originalmente en LA VANGUARDIA:

Ignasi

Los consideramos esenciales y, al mismo tiempo, desvalidos. Aislados, tienen tendencia a desaparecer, a extraviarse en un santiamén, aunque basta un leve esfuerzo de observación para que sean evidentes. Fragmentos, partículas, minúsculos detalles o fracciones nos dan la idea de que todo, desde los sueños hasta la camisa que llevamos puesta, es tan sólo una cuestión de acumulación. Distraídos en una dispersión casual aunque estudiada, cada pequeño elemento que habita en el taller de Ignasi Aballí se define exactamente así. Desde un grano de polvo a un bote de pintura, todo parece funcionar por matizada gradación, del casi nada al todavía no,en un recorrido circular e inacabable. Todo en aparente calma, amontonando tiempo. Nada que se mueva en ningún sitio. Nada que ver en ningún sitio. Nada que oír en ningún sitio.

Continuar leyendo "El artista tranquilo. BEA ESPEJO"

Enviado por salonKritik el 31 de Octubre | Comentarios (0)

Los restos del día. CARLES GUERRA

Originalmente en LA VANGUARDIA:

La 52. ª Bienal de Venecia está punto de clausurarse. En esta edición, España ha contado con una discutida selección a cargo de Alberto Ruiz Samaniego. Lo mejor que se ha dicho de algunos artistas incluidos en el pabellón español es que resultaban divertidos (Herald Tribune,14/ VI/ 2007). José Luis Guerin, un referente indiscutible del cine español contemporáneo, también ha provocado división de opiniones. En muchos casos la presencia española ni siquiera ha merecido un comentario detenido. La Bienal de Venecia, en conjunto, ha sido despachada como un retorno al orden, una apuesta excesivamente conservadora a juzgar por los comentarios de un buen número de críticos.

Continuar leyendo "Los restos del día. CARLES GUERRA"

Enviado por salonKritik el 31 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 30, 2007

El quinto elemento. Eduardo Hojman

Originalmente en ABCD:

35(11)20071026
Cuando, hace ya veintidós años, Philip Glass estrenó su ópera Einstein on the Beach, su música -esas capas de repeticiones reconocibles y aparentemente sencillas- se acomodó con facilidad en un conjunto de ideas sobre el estado de las cosas unidas bajo el generoso paraguas conceptual del postmodernismo. El compositor norteamericano no negaba la melodía, pero la ocultaba bajo estructuras que tenían más de textura, de paisaje, que de narración lineal, lo que cuajaba bien con nociones tales como el fin de la historia o con la dolorosa insuficiencia de los grandes relatos para explicar el mundo. Con su superficie hipnótica y casi diáfana, las obras de Glass rompieron límites entre la música llamada «seria» y la popular, lo que también es, en sí mismo, otra clave de las corrientes estéticas posmodernas. Catalogado como máximo representante del minimalismo y una vez pasado el furor inicial de su música, Glass siguió componiendo piezas para ballet, sinfonías, óperas y música para cine, sobrevolando siempre los límites entre la música narrativa occidental y la música paisajística oriental y entre la alta cultura y el pop. Suena, por lo tanto, más que adecuado que su proyecto más reciente, que se presentará hoy y mañana en el Teatro Albéniz dentro del lujoso marco del Festival de Otoño, consista en ponerle marco musical a Book of Longing, el poemario del inclasificable Leonard Cohen, por cierto, otro marginal.

Continuar leyendo "El quinto elemento. Eduardo Hojman"

Enviado por salonKritik el 30 de Octubre | Comentarios (1)

De todo un poco, pero con «grandeur». Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en ABCD:

Page Image1 23Una feria generalista en un marco incomparable. Estas podrían ser las señas de identidad de la FIAC -así, al menos, es vendida-, que intenta renovarse y salir de esa nebulosa a la que ha sido conducida por su ya larga historia. Muchos han sido los intentos en los últimos años para salir del marasmo, pero el impulso mayor se dio en la pasada edición. La principal decisión estratégica fue volver al centro de París, a los lugares de sus símbolos mayores: la Cour Carrée del Louvre -donde se instala una carpa con la sección más contemporánea- y el restaurado Grand Palais -para la sección generalista y el diseño-. La magnificencia, la grandeur, la pone, pues, el lugar.

Y esa grandeur sirve por lo menos para establecer ese marco incomparable que ennoblece y engrandece a la feria en sí y dignifica más lo expuesto, que -todo hay que decirlo-, no ha sido tan cuidado como en la pasada edición, sobre todo en su sección contemporánea, donde los altibajos fueron enormes. El montaje de los stands no se esmeró tanto como en Frieze: predominó el carácter acumulativo, con auténticas regresiones en el tiempo en algunas partes de la FIAC. No es, en este sentido, una feria imprescindible. Hay de todo un poco: clásicos modernos y contemporáneos; mucho francés; buenos, medios y malos trabajos. A diferencia de su vecina londinense, donde prácticamente nada destaca hacia abajo, en París predomina más el estilo montaña rusa, con unos pocos puntos álgidos y muchos otros descendentes, junto a una gran masa media. Gráficamente, se podrían resumir las diferencias en que en Frieze abundaban trabajos de Thomas Hirschhorn, mientras que en París lo hacían los de Lucio Fontana.

Continuar leyendo "De todo un poco, pero con «grandeur». Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 30 de Octubre | Comentarios (0)

«La mayoría prefiere tener e-mail». Manuel Aineto

Originalmente en ABCD:

39(8)20071026El ensayista, divulgador de ciencia popular y emprendedor en Internet, Steven Johnson (1968, EE.UU.), es uno de los analistas fundamentales de la cultura digital en la última década. Invitado estelar en la XVIII edición del Festival ArtFutura, Johnson acude a esta cita para exponer su visión sobre el futuro de la Red como garante del mundo académico, y promocionar al tiempo su última iniciativa: «outside.in», un servicio que filtra contenidos para mostrar a los usuarios lo que ocurre en sus propios barrios. Entre sus populares obras se encuentran títulos como Sistemas emergentes, Cultura de interfaz o Everything Bad is Good for You. También ha trabajado como columnista en las revistas especializadas Discover Magazine, Wired o Slate, entre otras.

Continuar leyendo "«La mayoría prefiere tener e-mail». Manuel Aineto"

Enviado por salonKritik el 30 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 29, 2007

La onda expansiva. Anna Maria Guasch

Originalmente en ABCD:

Bomba Bomba Big

El texto de Serge Guilbaut para el catálogo de esta muestra se inicia con una cita de Clement Greenberg de 1939, que podríamos calificar de aparentemente secundaria a tenor de los escritos del influyente y programático crítico estadounidense. Se trata del texto de una postal que Clement Greenberg envió a su madre en un viaje a París, pero cuyas palabras de menosprecio hacia los europeos («Están todos majaretas. Todos sin excepción») exponen la que se convertirá en versión oficial y canónica del arte del período 1946 y 1956: la superioridad del arte norteamericano respecto al francés (y, por extensión, europeo). Una consideración que Guilbaut quiere desmantelar.

Lanzar dardos. Ya en 1983 Guilbaut, en el texto De cómo Nueva York robó la idea de arte moderno (traducido al castellano en 1990), hizo un primer intento con las «lentes de un historiador social y neomarxista» (un marxismo poco ortodoxo alimentado desde las aulas californianas con las tesis de Foucault, Bataille y Debord) de reescribir ese capítulo de la Historia del arte de postguerra «congelado» de una manera estática y autoritaria por las versiones «imperialistas» norteamericanas. Pero en esta exposición los dardos de Guilbaut apuntan más lejos: «descolonizar» la mirada formalista impuesta por las teorías o, mejor, los dictados de Greenberg y por las concepciones museográficas de Alfred Barr y, al mismo tiempo, impulsar un proceso más sutil de lectura histórica. O sea, plantear una «historia de las imágenes» basada en encuentros «horizontales» y nada jerárquicos entre las obras de arte de la «cultura elevada» y las imágenes «descualificadas» con significado cultural. En ese análisis, lo importante, parece sugerirnos Guilbaut, no es constatar el valor estético del arte elevado, sino examinar el papel de las imágenes en la vida de la cultura dando igual importancia, entre otras, a una imagen televisiva, un anuncio publicitario, una «postal» (como la enviada por Greenberg a su madre)...

Continuar leyendo "La onda expansiva. Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 29 de Octubre | Comentarios (0)

De tripas, corazón. Óscar Alonso Molina

Originalmente en ABCD:

Existencias2

Hace un par de años abría sus puertas en León el MUSAC, con la voluntad expresa de convertirse en un «museo del presente», coletilla que, gracias a su regusto paradójico, con gran fortuna se ajustaba a la máquina publicitaria encargada de prepararle la bienvenida. Sin embargo, pasado el tiempo, el leit motiv ha demostrado tener bastante fondo y dar mucho más de sí de lo que cabría imaginar al principio, convirtiéndose desde entonces en la verdadera propuesta orgánica de todas las actividades del centro, a pesar de que llenar los museos con cuanto produce nuestra actualidad es algo que implica, al menos, cierta violencia: apuesta seductora y arriesgada, pero también casi imprescindible ya para algunos; conflictiva, contradictoria o incluso disparatada según otros.

Libertad inusitada. Para lograrlo, el MUSAC contó desde el principio con un presupuesto de compras inusual en nuestro entorno, así como con gran autonomía, capacidad real de decisión y adquisición casi inmediatas, apoyo político, coherencia interna, agilidad técnica y continuidad en su quehacer. Son peculiaridades que lo distancian del moroso proceder a que estamos acostumbrados en instituciones semejantes. También es verdad que, a diferencia de muchas, éste tiene claro desde el principio su voluntad de crear una importante colección en un muy corto periodo de tiempo, en vez de completar aspectos parciales o localizar obras concretas que le sean necesarias para alguna ya organizada antes.

Continuar leyendo "De tripas, corazón. Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 29 de Octubre | Comentarios (0)

De un tiempo a esta parte. Alberto Ruiz de Samaniego

Originalmente en ABCD:

Tt-4G

El tiempo -según señaló alguna vez Dostoievski- no existe. Para el escritor ruso no era más que una serie de números. «El tiempo -añadía- es la relación de lo existente con lo no existente». El problema, claro, sobreviene al tratar de establecer cuál sea precisamente el grado de esa relación, y en qué medida es posible, comunicable o experimentable. No es problema menor si trata de concretarse, por ejemplo, desde la experiencia estética. Aquí nos topamos con una vieja disyuntiva que recorre toda la Historia del pensamiento artístico, desde la conocida condena platónica de los poetas, esos seres nada razonables aferrados trágicamente al instante y las apariencias.

A juicio del griego, ellos, poetas o artistas que sólo cantan -al modo por ejemplo de On Kawara- el minuto que pasa, no admiten la esperanza o el consuelo de la razón. Viven por tanto en la desesperación, dando voz y forma a la melancolía y el amor a lo pasajero, sin querer evitar o consolarse de perderlo y de perderse. Poseídos por la hermosura que brilla, habitan permanentemente en el olvido de lo esencial, viven en el tiempo, fascinados por las apariencias amadas, esos fantasmas que el filósofo se empeña, sin embargo, en desdeñar. Él, que ha renunciado a vivir el instante y, desechando la fácil e inmensa melancolía de vivir en un sin vivir que no es más que amor de muerte o canto pánico, confía tan sólo en la razón como principio de esperanza.

Continuar leyendo "De un tiempo a esta parte. Alberto Ruiz de Samaniego"

Enviado por salonKritik el 29 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 28, 2007

La respuesta de la crítica

Originalmente en EL CULTURAL.es:

Continuamos publicando las reflexiones sobre la crítica a las que EL CULTURAL dedica un dossier. Esta semana, las consideraciones sobre la crítica de los propios críticos:

Interlocutores válidos
Mariano Navarro

¿Versus?
Miguel Fernández-Cid

La necesaria independencia
Elena Vozmediano

Mea culpa
Sergio Rubira

¿Para qué la crítica?
Juan Antonio Álvarez Reyes

y, finalmente, un artículo de José Luis Brea que enviamos en un post separado.

Continuar leyendo "La respuesta de la crítica"

Enviado por salonKritik el 28 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 27, 2007

Naomi Klein carga de nuevo contra la ideología neoliberal - Marta Peirano

45151
Originalmente en ADN.es

Si No Logo (2000), el libro insignia del movimiento antiglobalización, hablaba del abuso de las multinacionales sobre los paises en desarrollo y su efecto sobre la economía y la cultura local, el nuevo libro de Naomi Klein es la historia de otra invasión, la de la economía neoliberal en el mundo, a través de una filosofía de poder: La doctrina del shock.

"Sólo una crisis, real o percibida, da lugar a un cambio verdadero -observa Milton Friedman, padre de la escuela de Chicago y superhéroe de la teoría neoliberal- cuando esa crisis tiene lugar, las acciones que se llevan a cabo dependen de las ideas que flotan en el ambiente. Nuestra función es desarrollar esas ideas y mantenerlas vivas hasta que lo políticamente imposible se vuelve políticamente inevitable".

"En ese momento -explica Klein- se abre una ventana de oportunidad en la que las normas de una sociedad democrática desaparecen". La guerra contra el terror es una guerra contra las libertades civiles de todos los norteamericanos, disfrazada de proteccionismo paternal.

Continuar leyendo "Naomi Klein carga de nuevo contra la ideología neoliberal - Marta Peirano"

Enviado por salonKritik el 27 de Octubre | Comentarios (0)

La violencia como certeza · MANUEL DELGADO

Originalmente en ELPAÍS.com

9788483830123
Una década después de La modernidad desbordada (FCE), y confirmando sus intuiciones, el indio Arjun Appadurai (Bombay, 1949) nos brinda El rechazo de las minorías, un ensayo en el que retoma y actualiza una percepción recurrente en antropología -de la mano de Mary Douglas, por ejemplo- acerca de la preocupación que todas las sociedades experimentan por mantener a raya a su principal enemigo, que no es tanto el desorden como la ambigüedad. Ese pavor ante el desdibujamiento de los perfiles y de los límites es lo que vendría a apaciguar modalidades de agresión destinadas a castigar a los sospechosos de haber vulnerado o cuestionado las fronteras simbólicas que protegen al grupo (a cualquier grupo) de los peligros que lo acechan.

Aplicando tal premisa, Appadurai observa que las grandes dinámicas globalizadoras no han hecho sino intensificar ese ingrediente estratégico del que dependieron los Estados-nación, que fue, desde y para su nacimiento, la homogeneidad cultural de los territorios y gentes administrados. El estallido de las certezas culturales compartidas que dieron consistencia a las naciones modernas -y perdón por el pleonasmo- ha llevado a la generalización de lo que el autor llama "angustia de lo incompleto", que se está traduciendo en un creciente ensañamiento contra toda minoría, real o inventada, que amenace sus supuestas integridad y fijeza idiosincrásicas. Como si todo Estado-nación -formado o en ciernes; aquí y en todas partes- llevara en sí, larvado en su narcisismo fundador, el germen del etnocidio o, como apunta Appadurai, del ideocidio.

Continuar leyendo "La violencia como certeza · MANUEL DELGADO"

Enviado por salonKritik el 27 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 26, 2007

Tiempo de cumpleaños. David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL:

21519 1

Para conmemorar los cinco años de existencia del MARCO de Vigo, se ha pensado en un tema que, más que como idea expositiva, se formaliza como una advertencia: Tiempo al tiempo. Precisamente el MARCO inició su singladura con mal tiempo, en un día más conocido en Galicia por la catástrofe del Prestige que por la celebración de la apertura del Museo. De ahí que el primer condicionante temporal sea precisamente el celebrar este aniversario de forma sincopada, unos días antes de la fatídica fecha, para no ser eclipsados, una vez más, por otra marea negra. Sin embargo, entre tan dramático contexto, el tiempo ha sido generoso con el MARCO, posiblemente hasta el punto de colocarlo como la principal referencia para el arte contemporáneo en Galicia en los últimos dos años, ante el hundimiento del otrora buque insignia, el CGAC. Y en este sentido, y ya sin metáforas, resulta obligado comenzar por recordar la importante labor de puesta en marcha que realizó Carlota Álvarez Basso, primera directora del MARCO, trazando una línea de exposiciones pluridisciplinares que todavía fundamenta la del actual director: Iñaki Martínez. Este último ejerce ahora de comisario, conjuntamente con Isabel Carlos, de una serie de artistas que basan su trabajo en la experiencia temporal y despliegan sus obras por todo el edificio de un Museo que antes fue prisión y posteriormente sede de juzgados –más vale vivir en lo provisional que en lo definitivo, que diría Bachelard ante tan afortunado cambio–.

Continuar leyendo "Tiempo de cumpleaños. David BARRO"

Enviado por salonKritik el 26 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 25, 2007

Una bella pareja, arte y escándalo - José Manuel Costa

Originalmente en EL PUBLICO

Navitividad1.Jpg
Hoy en día las artes visuales se encuentran en una encrucijada, como también la música, la literatura o incluso el teatro y la arquitectura. Y en esta duda existencial se están produciendo obras que en algunos casos son verdaderas chorradas y en algún otro atentados contra la más elemental decencia humana.

En nuestro país hay dos personalidades bien conocidas que denuncian a la que pueden los excesos, ciertos o aparentes, del momento: el profesor y crítico de arte Fernando Castro y la periodista Rosa Montero.

Continuar leyendo "Una bella pareja, arte y escándalo - José Manuel Costa"

Enviado por salonKritik el 25 de Octubre | Comentarios (1)

Apariencias de Sergio Belinchón. JOSÉ LUIS CLEMENTE

Originalmente en EL CULTURAL:

21525 1
Sin aparente orden ni concierto, Sergio Belinchón (Valencia, 1971) presenta tres series de fotografías y varias proyecciones aglutinadas bajo el título Once upon a time... En estas obras, si bien abunda en la traída y llevada problemática postmoderna del “no lugar” –asunto con el que se vio reconocido su trabajo–, incorpora además como novedad cuestiones sólo esbozadas en obras anteriores: el engaño, el artificio o la autoría. Así, la deshumanización de los espacios urbanos, tratada en trabajos previos, adquiere aquí una pose distinta y una relevancia mayor, en tanto Sergio Belinchón incorpora otros elementos que añaden mayor complejidad a estas obras. Por una parte, la serie de fotografías Western recrea los lugares en los que Sergio Leone concibió sus populares Spaguetti Westerns. A media luz, como si se tratara de nocturnos, los paisajes desolados de Almería se convierten en la otra imagen del Medio Oeste norteamericano, dando lugar a un juego de espejos y reflejos que va más allá de conocida visión de parque temático. Esta serie, a la que se suma una película Súper 8, y en la que se da cabida a la misma temática, pone de relieve –en la explícita manipulación de las imágenes– cuestiones centrales del arte de nuestros días como son la simulación y el artificio.

Continuar leyendo "Apariencias de Sergio Belinchón. JOSÉ LUIS CLEMENTE"

Enviado por salonKritik el 25 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 24, 2007

¡Que se nos a “colao” un vídeo! - DAVID G. TORRES

Originalmente en A-Desk

Hoy en El País aparece la siguiente noticia: "Un vídeo porno de un falso Papa se cuela en la muestra FEM-7". El vídeo que se ha "colao" es de Federico Solmi, que la temporada pasada expuso en ADN Galería de Barcelona y en él aparece un Papa un tanto salido.

Lo que más llama la atención de la noticia es que según el periodista el vídeo se les ha "colao"… Es decir, que no se habían dado cuenta que estaba, que a los organizadores les han metido un gol. A no ser que todo ese argumento tenga que ver con que el FEM está subvencionado por el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, que es en lo que verdaderamente se centra el artículo. Y, a poco que no nos falle la memoria, contrastaría con la actitud del PP y sus declaraciones furibundas ante otra pintura expuesta en Ibiza este verano con otro Papa fornicador o, más recientemente, con algunas fotos expuestas en el Gugenheim, fotos documentales sobre la violencia en el País Vasco (al respecto no perderse el artículo que apareció en el ABC de Fernando Castro, fiel a la línea de corrección implacable del periódico y la derecha española por extensión).

Continuar leyendo "¡Que se nos a “colao” un vídeo! - DAVID G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 24 de Octubre | Comentarios (0)

Un vídeo porno de un falso Papa se cuela en la muestra FEM-7. ABEL GRAU

Originalmente en el ELPAÍS:

Imagen I Evil Empire I Federico Solmi

Un Santo Padre de ojos desorbitados y dentadura de piraña sobrevuela la plaza de San Pedro como Superman. Desciende. Entra en el templo y sodomiza desaforadamente a dos monjas y, luego, a dos cabras, mientras un grupo de monjes observa la escena masturbándose. Se trata de uno de los momentos culminantes del vídeo de animación The Evil Empire, del artista Federico Solmi, que ha sido presentado este fin de semana en la capital, dentro del VII Festival Edición Madrid (FEM) de Nuevos Creadores, organizado por la Fundación Temas de Arte, que está subvencionada por el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid. El protagonista no es ningún Papa conocido, sino un ficticio Urbano 69.

Continuar leyendo "Un vídeo porno de un falso Papa se cuela en la muestra FEM-7. ABEL GRAU"

Enviado por salonKritik el 24 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 23, 2007

La inspiración del motor. Fredy Massad

Originalmente en ABCD:

30(10)20071019

La poética exacerbada de los futuristas reconoció en la velocidad el signo de su tiempo. El automóvil, el artefacto cuya belleza concibieron superior a la de la Victoria de Samotracia, fue uno de los transformadores cruciales del paisaje del mundo en la era industrial. La revolución provocada por su invención modificó completamente la vida del individuo del siglo XX, obligando a arquitectos y urbanistas a repensar y reacondicionar edificios y ciudades. Su popularización durante el siglo XX supuso no sólo la creación de redes de tránsito, urbanas e interurbanas, sino también el desarrollo del aparcamiento como una tipología arquitectónica de complejidad específica que no radica sólo en su naturaleza estructural y material, sino también en la proyección psíquica de su entidad sobre la imaginación contemporánea.

Posiblemente sea esta segunda premisa la que más enfáticamente sostiene el análisis que el arquitecto Simon Henley realiza a lo largo de The Architecture of Parking (Thames & Hudson, 2007), un ensayo en el que se traza una síntesis de la evolución de las estructuras y zonas de estacionamiento de vehículos utilitarios desde la década de los veinte del pasado siglo hasta la actualidad. Con su análisis, Henley desvela la trascendencia e influencia sobre la arquitectura contemporánea de esta tipología nacida como consecuencia de la conversión del automóvil en una herramienta indispensable.

Continuar leyendo "La inspiración del motor. Fredy Massad"

Enviado por salonKritik el 23 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 22, 2007

Artistas versus crítica

Originalmente en EL CULTURAL.es:

Ocho artistas analizan el papel del "crítico de Arte" en un ensayo por determinar cuál es su papel en el arte actual.

Continuar leyendo "Artistas versus crítica"

Enviado por salonKritik el 22 de Octubre | Comentarios (2)

Steven Johnson en ArtFutura 07. José Luis de Vicente

Originalmente en ELASTICO 3.0:

Url

Este año, ArtFutura acoge la que creo es la primera conferencia en España del analista de la cultura digital, blogger y emprendedor online Steven Johnson , uno de los pensadores de referencia de la esfera cultural de la Web.

Autor de títulos como "Emergence", "Everything Bad is Good for You" o "Interface Culture", y fundador de e-zines y comunidades electrónicas clásicas en la primera Web como FEED o Plastic, Johnson viene a ArtFutura a participar en la primera tarde de conferencias, sobre el lema "La Próxima Web". Aquí presentará su proyecto.

Continuar leyendo "Steven Johnson en ArtFutura 07. José Luis de Vicente"

Enviado por salonKritik el 22 de Octubre | Comentarios (0)

Críticos y Fantasmas. James Elkins

Originalmente en el EL CULTURAL:

La crítica de arte vive una crisis a escala mundial. Su voz se ha debilitado pero su desintegración no es el último y tenue coletazo de rigor de una práctica que ha llegado a su fin, porque a su vez, la crítica de arte también goza de mejor salud que nunca. Su negocio está en auge: atrae a un número enorme de escritores y a menudo se enmarca en publicaciones que presumen de una impresión en color de alta calidad y de una distribución internacional masiva. En ese sentido, la crítica de arte está floreciendo, pero de manera invisible, fuera del campo visual de los debates intelectuales contemporáneos. Así que está moribunda, pero está en todas partes. Es ignorada, y sin embargo tiene al mercado detrás.

No hay forma de contabilizar la inmensa cantidad de textos sobre arte contemporáneo. Las galerías de arte casi siempre intentan crear al menos una tarjeta para cada exposición, y si pueden imprimir un díptico (normalmente creado con una cartulina gruesa doblada por la mitad), por lo general incluirá un breve ensayo sobre el artista. Nadie sabe cuántas revistas de arte existen, porque en su mayoría son tildadas de efímeras por las bibliotecas y las bases de datos artísticas y, por tanto, ni se coleccionan ni se catalogan. A ojo, yo diría que existen unas 200 revistas de arte con distribución nacional e internacional en Europa y Estados Unidos, y del orden de 500 a 1.000 publicaciones pequeñas, folletos y publicaciones.

Continuar leyendo "Críticos y Fantasmas. James Elkins"

Enviado por salonKritik el 22 de Octubre | Comentarios (0)

Un nuevo concepto de presentación. Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en ABCD:

Doorway Faf

Todo es contemporáneo, como decían los vigilantes en la performance de Tino Sehgal de la Bienal de Venecia de 2005. Esta es la principal seña de identidad de Frieze. En cinco ediciones, y casi desde el primer año, la principal feria de arte contemporáneo de Londres -la única en la historia de la ciudad que ha logrado ocupar un papel destacado entre las mundiales más importantes- ha sabido buscar y encontrar una especificidad propia -por muy genérica que se quiera- en el reñido mercado internacional.

El visitante de Frieze apreciará un similar aire de familia: nada o casi nada desentona, todo es «arte contemporáneo», al menos el arte contemporáneo al que se dedican buena parte de las principales galerías mundiales: de Marian Goodman a Barbara Gladstone, pasando por Lisson o Victoria Miro, por citar sólo algunas de las neoyorquinas o londinenses que abundan en la feria, puesto que esta es una tarta que se reparten, principalmente, estadounidenses y británicos.

Continuar leyendo "Un nuevo concepto de presentación. Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 22 de Octubre | Comentarios (0)

Bodegón conceptual en equilibrio. Óscar Alonso Molina

Originalmente en ABCD:

23(23)20071019

El reconocimiento internacional, el interés crítico y las solicitudes para contar con su participación en muestras de relevante interés y variado cuño se han disparado en torno a Mario García Torres (Monclova, México, 1975), quien en la actualidad vive y trabaja en Los Ángeles. Del Reina Sofía al Stedelijk holandés, pasando por las Bienales de Moscú o Venecia, hasta la Tate Modern o el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, vivimos hoy una cierta inflación de este artista que, a pesar de su juventud y la creciente presión, no defrauda ni parece bajar la guardia por el momento.

Así puede comprobarse tras visitar la primera individual entre nosotros, donde se han seleccionado tan sólo tres de sus obras, alguna de ellas ya presentada anteriormente en otro contexto. Son tres potentes y convincentes ejemplos de su trabajo reciente que, ayudados por la limpieza de un montaje despejado hasta el límite, bastarán para convencer al visitante. Convencerle, primero, de la coherencia de los planteamientos de fondo; segundo, del rigor conceptual de sus tramas argumentales y método de trabajo; y tercero, también del sentido último que tiene esa austera formalización característica en él: lógica más allá de los impulsos miméticos, los tics o la mera pose de la puesta en escena, lamentablemente tan habituales entre los miembros de su generación afines, como él, a las poéticas neo-conceptuales en boga.

Continuar leyendo "Bodegón conceptual en equilibrio. Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 22 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 17, 2007

Comprometerse a mirar. Anna Maria Guasch

Originalmente en ABCD:

Thumb 05-Guerra

Bahman Jalali (Teherán, 1944) no es sólo el máximo representante de la fotografía contemporánea iraní, sino que, a juicio de Catherine David, reúne otras virtudes: el profundo conocimiento de las tradiciones artísticas de su país, su implicación y compromiso personal en cada uno de sus trabajos y el ser uno de los primeros artistas en concebir la fotografía como arte y haber impulsado su aceptación por parte del gran público. Quizás, sin embargo, lo que nos ha interesado más del proyecto fotográfico de este economista de profesión y fotógrafo «amateur» es su manera de servirse de la foto como registro de la memoria, tanto la personal, pero sobre todo la colectiva, histórica y cultural.

Continuar leyendo "Comprometerse a mirar. Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 17 de Octubre | Comentarios (0)

Estancias de la poesía. Fernando Castro Flórez

Originalmente en ABCD:

04

Admiro desde hace años la obra de Pep Llambías, un artista de extraordinaria coherencia, caracterizado por el amor a lo poético o, en otros términos, por expandir el placer del texto barthesiano hasta una dimensión objetual. Nos insta a leer las imágenes, a recorrer un territorio pasional en el que encontramos nidos, rosas, alas, ramas, signos materiales que no dejan de tener una dimensión espiritual. Su amor delicado por la cosas está canalizado por una enorme sutileza plástica y, sobre todo, por una búsqueda de correspondencia con el otro. Lo poético en la obra de Llambías no responde a un ánimo anticuario; al contrario, las palabras quieren evocar las cosas, producir una rememoración de la experiencia que rompa con la banalidad «espectacular» del presente.

El latido vital. A la manera romántica, intenta sacar sentido de una naturaleza que está inevitablemente separada de nosotros. Dibuja, una y otra vez, troncos; convierte los árboles secos en soportes para su memoria del corazón; traza la herida y la ruina. Lo que en realidad está buscando es el ánima, el latido vital, ese lugar real y al mismo tiempo mágico, allí donde pueda pronunciarse la palabra felicidad y tal vez encontremos el raro rastro de la poesía.

Continuar leyendo "Estancias de la poesía. Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 17 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 11, 2007

Planes futuros. Arte español de los 2000. Ramón ESPARZA

Originalmente en EL CULTURAL

21400 2

Para quienes recibimos una formación anclada todavía en el enciclopedismo, con su afán por establecer un orden general de todas las cosas; o, peor aún, quienes la desarrollaron en el estructuralismo, con su permanente búsqueda de la estructura subyacente que organiza el saber, resulta a veces un poco difícil admitir que ya no hay orden posible y que tan sólo podemos aspirar a establecer pequeñas islas, objetos aislados de estudio a los cuales aplicar nuestro afán de rigor clasificatorio. Y si hay un campo en el cual este enriquecedor caos resulta más patente es el de la creación. Los grandes temas de los ochenta y los noventa nos parecen como las unificadoras tendencias de la moda de antaño: este invierno, todas de negro. La diversidad es hoy el lema.

Pero, ¿cómo dar cuenta de esa diversidad? La idea de estructura lleva consigo las de orden, selección, delimitación de ámbitos y conceptos. La asunción de la globalidad y la multiplicidad de tendencias que se entrecruzan deja tan sólo una vía posible. Una, por lo demás, tan antigua como compleja: la del viejo juicio de gusto kantiano. Un juicio que, por definición, sólo puede estar determinado por la subjetividad y definido por el placer producido, sin que subjetividad pueda ser equiparada a arbitrariedad. La diferencia estaría en la sustitución del placer sensorial, en el que Kant encuentra el fundamento de la belleza, por el intelectual.

Continuar leyendo "Planes futuros. Arte español de los 2000. Ramón ESPARZA"

Enviado por salonKritik el 11 de Octubre | Comentarios (0)

De estética y compromiso. Rocío DE LA VILLA

Originalmente en EL CULTURAL

21406 3

Absolutamente coherente, adaptada al encargo y al cruce de problemas e intereses que palpitan hoy en Estambul, la bienal de Hou Hanru ha levantado ampollas entre los intelectuales turcos. Como ha señalado la Fundación Cultura y Arte de Estambul (IKSV), organizadora del evento, después de veinte años se trata de una situación sin precedentes. Más de ciento treinta académicos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Marmara han firmado un escrito en donde acusan a Hanru de ignorancia y sesgo ideológico en su análisis de la historia y el presente turcos. No se trata de la habitual polémica sobre la cuota de artistas del país, como podría suponerse –por lo demás, bien representados–, sino de un debate político sobre el alcance del kemalismo, la ideología del fundador de la Turquía moderna, Mustafá Kemal Ataturk, cuyo proyecto de modernización, según el texto del comisario chino “fue una imposición de arriba abajo, (lo que produjo) algunas contradicciones y dilemas insolubles e inherentes del sistema”. Esto, en un momento en el que la resistencia de la Comunidad Europea a aceptar a Turquía como socio está exasperando a una nación encrucijada de Oriente y Occidente, cuya población se condensa en el 3% de territorio europeo –el área de Estambul, que se calcula hoy entre 15 y 25 millones de habitantes– y cuya economía goza de una bonanza en el marco del neoliberalismo que está acarreando los consabidos problemas de gentrificación y debates territoriales.

Continuar leyendo "De estética y compromiso. Rocío DE LA VILLA"

Enviado por salonKritik el 11 de Octubre | Comentarios (1)

Octubre 10, 2007

El beso - CARLES GUERRA

Originalmente en CULTURA|S de La Vanguardia

E1A07Ccf5A0Ece80A9Ee2317B9B00893
Cy Twombly, pintor octogenario, saltó a las noticias el pasado 19 de julio.

Aquel día una mujer besó una obra suya titulada Fedón (1977). Presa de un amor súbito acercó los labios hasta la superficie. Era una tela blanca y formaba parte de un tríptico. La pieza pertenecía a la colección Yvon Lambert, expuesta en Aviñón hasta finales de septiembre. Estaba previsto prorrogar la exposición, pero el artista -muy afectado-declinó. Dicen que estaba "hundido". Donde muchos vieron un suceso fruto de la pasión, el director del museo dijo "vandalismo". E incluso más: "una violación". La pieza fue retirada y ayer mismo Rindy Sam fue juzgada. Su pintalabios había dejado una marca "indeleble". Entretanto, en el mes de agosto se colgó un fax sobre la pared donde antes figuraba el lienzo inmaculado. En la misiva de Alfred Pacquement, director del Centro George Pompidou, éste se solidarizaba con su colega Éric Mézil y recordada que, "cuando Duchamp le pone bigotes a la Gioconda, lo hace sobre una reproducción". En este punto es bueno saber que el tríptico de Cy Twombly estaba valorado en dos millones de euros. De modo que Eric Mézil atajó el debate: "Esta mujer tiene que entender lo que significa la propiedad intelectual del artista". De lo contrario, venía a decir, es como si la caja de Pandora se hubiese abierto y se preguntaba si sería necesario imponer barreras, cristales de protección y alarmas, para concluir que "igual que en la lógica del terrorismo, el mal está hecho". El día que visitaba la exposición pude comprobar el alcance y la seriedad de la advertencia. Una mujer con dos niños pequeños intentaba adquirir la entrada a la exposición. La señora de la recepción se negaba a permitirles el acceso. El más pequeño, un niño rubio de apenas tres años de edad, se introdujo en las salas mientras las mujeres discutían. Al pasar junto a mí corría con los brazos desplegados. Por encima de su cabeza colgaban las pinturas de Cy Twombly, unas espléndidas peonías pintadas a brochazos.

Parecían bolas de helado derritiéndose a chorros

Enviado por salonKritik el 10 de Octubre | Comentarios (0)

El gabinete de las maravillas - ROCÍO DE LA VILLA

Originalmente en CULTURA|S de La Vanguardia

Existencias-1

Cuenta Peter Wollen en Asalto a la nevera (Reflexiones sobre la cultura del siglo XX) que cuando Warhol fue invitado en 1968 a organizar una muestra a partir de los fondos del Museo de Arte de la Escuela de Diseño de Rhode Island, en el proceso hubo momentos en que el director temió que la exposición resultante (Raid the Icebox)fuera el puro "almacenamiento". Andy Warhol consideraba que todo merecía ser registrado y almacenado, y de hecho en su Factory comenzó a embalar "cápsulas del tiempo" en cajas idénticas, selladas y etiquetadas con todo lo producido, desechado y vivido durante el mes para enviarlo a un depósito en Nueva Jersey. Como Cage, rechazaba los conceptos de jerarquía, consecuencia o narración que han dotado de orden y sentido el conocimiento moderno y sus instituciones, tal como detallara después Foucault. También, por supuesto, los museos.

Continuar leyendo "El gabinete de las maravillas - ROCÍO DE LA VILLA"

Enviado por salonKritik el 10 de Octubre | Comentarios (0)

Lanzas, espadas, rostros y nada - FÉLIX DE AZÚA

Originalmente en ELPAIS.com

Javiermarias
Aunque se va atenuando, no es difícil todavía encontrar aquí y allá voces quejosas sobre la bajísima calidad de las (vamos a llamarlas así) obras de arte actuales: narrativas, músicas, plásticas, arquitectónicas. La melancolía de un tiempo en el que los Reyes del Arte eran coronados por un tribunal de expertos sólidamente formados (casi siempre profesores de prestigio capaces de un razonamiento complejo), aunque mermada, no ha abandonado por completo el lamento. Todas las semanas se asoma alguien a la prensa y declara: "¡Hay que ver cómo está la literatura!", como si hablara del precio de la merluza.

Es desde luego casi imposible de creer que todavía en la década de los sesenta del siglo XX pudiera Bernstein mantener con enorme éxito un programa televisivo dedicado a explicar la música clásica o que los conciertos de la orquesta de la BBC tuvieran una audiencia millonaria por la radio. Eran tiempos en los que grandes maestros como Thomas Mann o Camus podían encabezar simultáneamente la cima literaria y la de superventas. Todo eso se acabó. Y no va a volver. Seguramente, para nuestro bien.

Continuar leyendo "Lanzas, espadas, rostros y nada - FÉLIX DE AZÚA"

Enviado por salonKritik el 10 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 07, 2007

La extimidad del abismo - Miguel A. Hernández

Originalmente en No (ha) lugar

Nh417 G-1

Exploradores del abismo es un libro de Enrique Vila-Matas. Decir esto, ciertamente, no es mucho. O quizá sí, según se mire. Y es que un buen número de críticas y comentarios recientes parecen situar este retorno del autor catalán al cuento como una suerte de brecha en el coherente y compacto ciclo narrativo de compuesto por sus últimas obras. Sin embargo, como el propio Vila-Matas afirma, este es, si no su libro más genuino, sí al menos uno de los más vilamatianos.

A mi modo de ver, más que como una ruptura, Exploradores del abismo puede ser entendido como una vuelta de tuerca más al largo y profundo proceso de deconstrucción efectuado por Vila-Matas en la ficción contemporánea. Una vuelta de tuerca operada ahora desde el cuento, si bien no creo que podamos hablar de un regreso sin más a este género. La clave es que Vila-Matas no vuelve al cuento, sino que el cuento vuelve a Vila-Matas. A Vila-Matas en tanto que autor en sentido barthesiano, es decir, como productor de discursividad. Los cuentos de este libro están creados desde el edificio narrativo construido por el autor. No están fuera de las paredes del Doctor Pasavento o del Mal de Montano, no son una exterioridad, sino que constituyen más bien una “habitación”, un planta más, quizá un rellano. Un espacio para seguir mirando hacia arriba, y no sólo hacia atrás, como podría intuirse de las propias palabras del autor, que dice sentirse heredero y guardián del legado de un Vila-Matas ‘autre’.

Continuar leyendo "La extimidad del abismo - Miguel A. Hernández"

Enviado por salonKritik el 7 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 05, 2007

Tres reflexiones sobre Radiohead y la economía del cariño - José Luis de Vicente

Originalmente en Elastico.net

Radiohead
Algunas ideas a bote pronto sobre la que es difícil no considerar la noticia del año en la industria de la música:

1. De cómo acabar en un sólo movimiento con todos tus fantasmas. Es difícil infravalorar la inteligencia de un movimiento que desactiva de un sólo golpe los dos mayores dolores de cabeza que la Red le proporciona a las discográficas: las filtraciones y las descargas no autorizadas. Radiohead han tomado la única de las medidas posibles para evitar que alguien filtrase "In Rainbows" antes de su fecha de lanzamiento: hacerlo ellos mismos. Al reducir el ciclo de lanzamiento de un disco de los tres a seis meses habituales a sólo diez días, absolutamente todo el mundo tendrá oportunidad de escucharlo a la vez. Y a partir de ese mismo día, un usuario cualquiera de la Red tendrá dos maneras de hacerse con él; rebuscar entre torrents, P2Ps y blogs musicales para descargarlo sin pagar nada por las canciones, o acudir a la Web de Radiohead y descargarlo sin pagar nada por las canciones. O pagando algo; la opción es suya. Una vez que están allí es muy probable que la mayoría lo hagan en mayor o menor medida, porque el grupo de Oxford no está regalando sus canciones; está invocando implicitamente un sistema basado en el honor. Los que no paguen nada, probablemente no lo hubieran hecho en ningún otro caso.

Continuar leyendo "Tres reflexiones sobre Radiohead y la economía del cariño - José Luis de Vicente"

Enviado por salonKritik el 5 de Octubre | Comentarios (0)

CHRISTIAN MARCLAY. Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

Marclay
“Todo sonido, todo ruido, es útil para mí” Christian Marclay.

El Domus Artium de Salamanca presenta a partir de mañana la obra del artista californiano Christian Marclay (1955), un proyecto que se adapta como anillo al dedo al tipo de programación que desde hace unos años viene proponiendo el centro, en la que las relaciones entre el arte y otras disciplinas como la música han gozado de gran protagonismo. Christian Marclay. Replay, coproducida con una institución francesa, está llamada a ser una de las exposiciones de la temporada.

Christian Marclay destroza el significado de muchos de los conceptos que dan forma a lo que entendemos por música. Su percepción de la armonía, el ritmo, la cadencia, el equilibrio, la tonalidad... no es la de cualquier aficionado. La suya es más bien una reflexión sobre la relación entre la música y la imagen, que desarrolla a partir de vídeos, performances, fragmentos de películas, esculturas y objetos encontrados que no hacen sino reventar cualquier atisbo de narración lineal. Su obra nace en Duchamp y en Dada, continúa en Fluxus y en las performances de los setenta y se detiene en el punk y en la música en directo neoyorquina de los ochenta. En la exposición se podrán ver muchas de sus piezas más importantes como Guitar Drag (2000) o Video Quartet (2002). Esta última reúne muchos de los intereses del artista, desde la idea de collage hasta la reflexión sobre la relación entre imágenes y sonido desde el lenguaje cinematográfico. Dice que “la música es un material”, que él mismo manipula y transforma, como si fuera arcilla. Marclay creció y estudió en Suiza y a los veinte años se trasladó a Estados Unidos para estudiar el minimal americano. Planes que no tardarían en diluirse...

Continuar leyendo "CHRISTIAN MARCLAY. Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 5 de Octubre | Comentarios (1)

Biomimética . JAVIER YANES

Originalmente en PÚBLICO

Robolobster
No fue un proyecto secreto de la NASA, como insinúa alguna leyenda, sino la genialidad de un ingeniero suizo, George de Mestral, que en 1941 paseaba con su perro en día de asueto. Arrancando los abrojos de cardo alpino del pelaje de su animal, que se le habían quedado prendidos, De Mestral ideó un cierre textil inspirado en el mismo sistema que las plantas espinosas emplean para diseminar sus semillas. Solo quedaba elegir un nombre. Fusionó las palabras francesas velours (terciopelo) y crochet (gancho), y ¡voilà!: nació el velcro.

Continuar leyendo "Biomimética . JAVIER YANES"

Enviado por salonKritik el 5 de Octubre | Comentarios (0)

Octubre 01, 2007

Neurocultura: todo está en el cerebro. Francisco Mora Teruel

Originalmente en abc.es

1(26)20070927-2
¿Qué es ese abstracto gigantesco, esa extraña carpa transparente e invisible que cubre las transacciones de los seres humanos y que llamamos cultura? Haciendo una apretada síntesis de las más de 150 definiciones que se han dado, Kroeber y Kluckhohn, hace más de medio siglo, señalaron que «la cultura es un producto, es histórico, incluye ideas, patrones y valores, es selectiva, es aprendida, está basada en símbolos y es una abstracción de la conducta y de los productos de la conducta». De todo ello quiero resaltar la característica histórica, es decir, el hecho de que las culturas se suceden con el tiempo, renovando, en esas sucesiones, las lecturas de los valores y las normas que han presidido las interacciones sociales. Y es ahora cuando estamos a las puertas o quizá ya entrando en un nuevo ciclo de cultura. La Ciencia, que forma parte de la vida moderna, es la protagonista de ese nuevo ciclo. En él, aparecerá una concepción nueva y diferente de quiénes somos los seres humanos, y en él, también, habrá nuevas respuestas a las preguntas sobre qué nos hace ser animales morales. Esta nueva cultura posiblemente presidirá los cambios sociales revolucionarios que se avecinan, esta vez basados en el conocimiento de cómo opera nuestro cerebro, órgano productor de cuanto somos y origen último de cómo nos comportamos. Eso es Neurocultura.

Continuar leyendo "Neurocultura: todo está en el cerebro. Francisco Mora Teruel"

Enviado por salonKritik el 1 de Octubre | Comentarios (1)

Territorio colonizado - Antonio Lafuente

Originalmente en abc.es

2(25)
Para muchos neurólogos sólo somos lo que hay en nuestro cerebro, una convicción que se hace más radical cuando se escucha que nuestro mundo más que real es cerebral. Cabe entonces preguntarse si podríamos introducirnos en la circuitería neuronal y manipular las conexiones o introducir chips electroquímicos para modificar el digamos normal funcionamiento del sistema nervioso. Un asunto que hasta no hace mucho pertenecía al ámbito de la ciencia ficción pero que hoy comienza a estar en el horizonte de la neurotecnología. Cada día aparecen más noticias que hablan del cerebro como de un territorio colonizado que ya sabemos cartografiar y por el que podemos movernos con cierta familiaridad. Queda mucho por explorar, pero con lo que sabemos se podrían escribir muchas y fascinantes historias de neuroantropología, neuroteología, neuroestética y, desde luego, de neuromarketing y neuroética. Y es que, en efecto, la neurocultura expande sus tentáculos por toda la esfera de lo simbólico y pronto será difícil hablar de cualquier cosa sin hacer claras referencias a los hallazgos que publican los neurólogos.

Continuar leyendo "Territorio colonizado - Antonio Lafuente"

Enviado por salonKritik el 1 de Octubre | Comentarios (0)

Sobre la otra vida. Mercedes Monmany

Originalmente en abc.es

12(15)20070927
En su último libro, o tratado, que merodea metafísicamente de nuevo sobre el hecho de la muerte y «la persistencia del alma», Diario de un mal año, el gran escritor de nuestros días y Premio Nobel de Literatura, J. M. Coetzee, parece echarle un pulso al lector contemporáneo, ese fiel lector que, en su caso, sabe perfectamente que no es un autor sumiso ni cómodo, y que cada obra nueva la entiende de nuevo como un desafío apasionante de creador.

También podríamos decir que con este libro parece «retar» cierta idea tópica de lectura que se ocupa de echar por tierra, con todos los patrones al uso que aconsejan no ignorar al mercado en nuestros días, pensar bien lo que jamás se le puede ofrecer al lector, «en un mundo subordinado por completo a los principios comerciales», como él mismo advierte: es decir, se trata de lecturas incómodas, irritantes y difíciles de entender, no ya sólo en su significado primario que, en cierto modo, se puede descubrir con facilidad, sino en lo que respecta a la razón misma de la obra: ¿Hacia dónde lleva todo esto? Porque las dudas que alberga este lector desconcertado, nada más iniciar su lectura, le hacen vacilar, incluso, «técnicamente»: ¿Cómo llevar a cabo esta empresa de lector de un discurso que se supone organizado de alguna manera?

Continuar leyendo "Sobre la otra vida. Mercedes Monmany"

Enviado por salonKritik el 1 de Octubre | Comentarios (0)

La importancia de llamarse Turner · ÁNGELA MOLINA

Sobre "Turner Prize. A Retrospective. 1984-2006". En Tate Britain, Londres.

Originalmente en ELPAIS.com

En 1832, en plena madurez artística, Joseph Mallord Willian Turner escribió el primero de cinco codicilos donde expresaba su voluntad de donar a la Royal Academy de Londres una importante suma de dinero para la creación de un premio (20 libras) y una medalla, acuñada por él mismo, "a la mejor obra paisajística realizada por un joven pintor inglés". Turner murió en 1851, y ni la medalla ni el premio fueron concedidos "a perpetuidad". Las 20.000 libras de la "herencia Turner" se habían convertido en una patata caliente para los académicos, que no se ponían de acuerdo en cómo gestionar aquel legado.

Continuar leyendo "La importancia de llamarse Turner · ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 1 de Octubre | Comentarios (0)

Cambio de roles - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Jeromebell Show2 Full
En los últimos años se aprecian movimientos progresivos en el sistema internacional del arte que están provocando ciertos desplazamientos. Uno de ellos es aquel que, cada año un poco más, va convirtiendo a las grandes ferias comerciales de arte actual en una suerte de pequeñas o no tan pequeñas bienales. Así, ciertas secciones comisariadas van creciendo en algunas de ellas -principalmente en las dos ArtBasel (Miami y Basilea)- y en otras se realizan producciones específicas, programas de performances y ciclos de vídeo y cine (Frieze). Hasta ahora ésta era la tendencia: ferias que aspiraban a contener su propia especie de bienal no nombrada como tal. Sin embargo, el camino contrario no había sido aún iniciado claramente, hasta la presente Bienal de Lyon. Había, claro está, bienales que parecían ferias, con el mismo caos, ausencia de discurso o con evidentes intercambios financieros. Sin embargo, Lyon ha abierto la veda. Y lo ha hecho de un doble modo. Por un lado, recuerda a la sección de Art Unlimited, de Art Basel, por su muy buen y espaciado montaje de cada una de las propuestas individuales de cada artista y, sobre todo, por la ausencia de conexión entre ellas. Por otro, es la primera que lleva asociada una feria de arte, la Dock Art Fair, de una calidad bastante media-baja.

Continuar leyendo "Cambio de roles - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 1 de Octubre | Comentarios (0)

Septiembre 30, 2007

Bienales, más de lo mismo - Fernando Castro Flórez

Bienales, más de lo mismo | abc.es | ABCD :

Artsince1900
Es significativo que el último año (2003) del ortodoxo «manual» Arte desde 1900 (Ed. Akal, 2006), que pergreñaron Rosalind Krauss & Cia. termine abordando lo que llaman despectivamente «la naturaleza informal y discursiva de gran parte del comisariado reciente». Parece que les había chocado el batiburrillo archivístico de Estación Utopía y Zona de emergencia, dos muestras de la Bienal de Venecia, en la que Francesco Bonami fracasó con todo su equipo. A los «afrancesados» de October, con su mezcla mal resuelta de Barthes, Lacan, Derrida y Althusser, no les hacía ninguna gracia el éxito de la postproducción defendida, de forma bastante pachanguera, por Nicolas Bourriaud. Arremetían particularmente contra la figura del artista-comisario, ejemplificada por Gabriel Orozco, que se autocalificaba como «un líder de equipo, un organizador, un anfitrión de la fiesta, un capitán del barco, en una palabra, un activista, un incubador». Acaso sea la consciencia amarga de que su obra ha terminado por revelarse como una nadería lo que le impulsó a hacer semejante proclama de hombre-multi-usos. Con todo, peor es el comportamiento estelar de los comisarios que, sin cortarse un pelo, van de artistas y montan con las obras ajenas «textos» o, como a algunos les gusta decir, «dispositivos». La genealogía de este desafuero ya ha sido trazada e incluso el producto resultante, el bienalismo, ha recibido collejas por doquier. Creo que el comienzo de la gran caída de las macro-exposiciones fue la Documenta que comisarió Enwezor, con aquellas «plataformas» de sociología barata prolongadas en documentales soporíferos.

Continuar leyendo "Bienales, más de lo mismo - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 30 de Septiembre | Comentarios (2)

Septiembre 29, 2007

Joan Jonas, de lo híbrido y lo auténtico. David G. TORRES

Originalmente en EL CULTURAL.es:

21297 1

La exposición Un teatro sin teatro, este verano en el Macba, significaba un punto de inflexión en uno de los objetivos que se ha fijado el museo en estos últimos tiempos: la revisión del concepto de teatralidad en el arte. No se puede negar que el Macba intenta explicar algo (lo que no es poco, dada la errabunda situación actual de las instituciones artísticas y sus actores). A saber: que el concepto de teatralidad en arte implica un intento de refutación de los retornos al orden y neoformalismos que este mismo verano ejemplificaban la Bienal de Venecia y la Documenta de Kassel (a pesar de las relaciones que el Macba ha mantenido con el evento alemán y que se llegase a decir que Barcelona y el centro eran el laboratorio para esta Documenta); que como fuentes de ese anti-purismo, incluso anti-puritanismo, en el arte, el centro subraya lo que denomina discursos contra-hegemónicos como el feminismo. Y, finalmente, que estas actitudes se gestaron a principios de la década de los setenta, unos años que revisa a partir de la dualidad teatralidad-formalismo.

Continuar leyendo "Joan Jonas, de lo híbrido y lo auténtico. David G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 29 de Septiembre | Comentarios (0)

Itziar Okariz, desde el espacio social. David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL.es:

21299 1

Las obras de Itziar Okariz (San Sebastián, 1965) se construyen desde el gesto mínimo, desde la acción que anuncia un acontecimiento dilatado que permite constituir regímenes de intensidad diversos para la imagen. En este caso es la acción de trepar edificios, algo que históricamente hemos construido como ilegal y subversivo. Como en su conocido proyecto de mear en los espacios públicos, detrás de todo se esconde una posición política y de resistencia hacia ciertas ficciones sociales o convencionalismos, ahora con la intención de subvertir la forma que tenemos de transitar por la ciudad. Su manera de presentar el trabajo a partir de una narrativa cruda, sin artificios, así lo acredita.

Continuar leyendo "Itziar Okariz, desde el espacio social. David BARRO"

Enviado por salonKritik el 29 de Septiembre | Comentarios (0)

La tentación virtual. Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es:

1(25)
Los artistas británicos Heath Bunting y Kayle Brandon han dispuesto, en BorderXing, una guía on-line para cruzar subrepticiamente las fronteras de Europa. Su página web está, según declaran, dirigida a activistas e indocumentados que necesitan pasar de un país a otro. La Tate Gallery y el Musée d´Art Moderne de Luxemburgo patrocinan este proyecto que vendría a ser tanto una meditación sobre la emigración ilegal cuanto una «facilitación», en clave hacktivista de la misma.

Cierto esteticismo de la documentación fotográfica y, sobre todo, el «pactismo» museal de estos autodenominados «combatientes», desactiva el componente crítico de esos itinerarios. Una vez más, el «radicalismo subvencionado» impone la pregunta de qué es lo que en realidad se está haciendo.

Continuar leyendo "La tentación virtual. Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 29 de Septiembre | Comentarios (0)

Venecia tiene «un Calatrava». Delfín Rodríguez

Originalmente en abc.es

40(5)20070921

Abrumado y emocionado me siento ante la buena nueva que nos anuncia que, por fin, Venecia es ya otra Venecia, más ciudad y más moderna, gracias a un puente de Santiago Calatrava, famoso y verdadero constructor del mundo, ya que casi no hay ciudad, país, continente o sueño que no tenga ya «un calatrava», lo que habla de su celebridad. Sólo los más despistados o recalcitrantes no se han dado cuenta de lo importante del fenómeno. Pero Venecia no ha cometido ese error y se dio cuenta hace casi once años de la importancia de Calatrava y aceptó como un regalo su proyecto para el «cuarto» puente del Gran Canal, muy cerca del Ponte degli Scalzi. No estaba dispuesta a que se le pasase la oportunidad, como le ocurrió en el siglo pasado con otros proyectos de Le Corbusier, Wright o Kahn, aunque pudo tener el consuelo de la construcción de pequeñas joyas como las de Gardella o Scarpa, exquisitas arquitecturas de la ciudad, modernas y venecianas, tan lagunares como el inolvidable «Teatro del mondo» de Aldo Rossi, que, en 1979, navegaba por la laguna, como una arquitectura más de la ciudad, pero moviéndose y usando las aguas turbias de la incertidumbre como cimientos de su obra, sin herirlas, sabiendo que son los muros mismos de su fortaleza y de sus equívocos.

Continuar leyendo "Venecia tiene «un Calatrava». Delfín Rodríguez"

Enviado por salonKritik el 29 de Septiembre | Comentarios (0)

Vocación por lo impuro. ANNA MARÍA GUASCH

Originalmente en abc.es | ABCD:

Jonas02 Big
Una de las preguntas que asaltan al visitante ante la primera retrospectiva de Joan Jonas (Nueva York, 1936) en España es por qué es tan poco conocida la obra de la que fue una de las pioneras de la performance y del video-arte y activa militante del discurso feminista en los años setenta. Y si su condición de artista «marginal» -como también ocurrió con Nancy Spero, Judith Chicago, Lynda Benglis o la propia Louise Bourgeois- fue la que le restó visibilidad en la escena artística internacional de los años setenta y ochenta, es esta misma «marginalidad alejada del canon» la que le ha devuelto con contundencia a este mismo escenario desde los años noventa hasta la actualidad.

Continuar leyendo "Vocación por lo impuro. ANNA MARÍA GUASCH"

Enviado por salonKritik el 29 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 27, 2007

Hamish Fulton. Objetos invisibles de un artista errante - Mariano NAVARRO

Originalmente en EL CULTURAL.es:

21296 1
Una fotografía de Hamish Fulton recoge ese material que para sí puede que sueñe el artista: un numerosísimo conjunto de zapatillas deportivas perfectamente ordenadas en el estante de una tienda. Súmenle una mochila pequeña, en la que nunca puede faltar una botella de agua del país en el que se encuentre, y un bloc de notas y ya tiene Fulton todo lo que necesita para trabajar en el que es su medio desde hace ya casi medio siglo: el paisaje. Es, en sus propias palabras, un artista errante, un caminante sempiterno y pertinaz, que ha hecho del andar obra de arte.

Continuar leyendo "Hamish Fulton. Objetos invisibles de un artista errante - Mariano NAVARRO"

Enviado por salonKritik el 27 de Septiembre | Comentarios (0)

La década 00s en Lyon - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL.es

21300 3R
Tal vez el conjunto de esta novena edición de la Bienal de Lyon habría resultado más cohesionado, y más convincente, si el planteamiento inicial de Stéphanie Moisdon y Hans-Ulrich Obrist (el llamado “primer círculo”) no se hubiera complicado con otras propuestas paralelas (el “segundo círculo”). O tal vez no, porque la fórmula ya apuntaba a la dispersión. Ante la constatación de que –a causa de su extrema variedad en intenciones, formatos, orígenes, referencias formales y argumentales –es casi imposible sistematizar el arte producido desde el año 2000–, Moisdon y Obrist pensaron en reflejar esa multiplicidad a través de un caleidoscopio de miradas. Invitaron a 49 críticos y comisarios a que eligieran a un artista que consideraran esencial en lo que va de década (algo prematuramente). La fórmula no es inédita como criterio expositivo, pero sí en la historia de las bienales. De las que precisamente lo que esperamos es una lectura ordenada de la actualidad. Podríamos interpretar el método desde diversos puntos de vista: democratización de la selección, rendición ante el reto, afán de originalidad, consolidación del protagonismo de los comisarios...

Continuar leyendo "La década 00s en Lyon - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 27 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 26, 2007

Entrevista a Fernando Castro Borrego: "Un museo de arte no puede ser dirigido por un licenciado en Derecho" - MARIANO DE SANTA ANA

Originalmente en La Provincia - Diario de Las Palmas

— ¿En qué se diferencia un patronato de un consejo asesor?

—El consejo asesor asesora al director y el patronato lo fiscaliza. Las decisiones que toma el patronato tienen carácter vinculante, lo que no ocurre en un consejo asesor. El patronato aborda compras de obras, depósitos y préstamos -hoy mismo hemos hablado de las peticiones de obra del MoMA y otros museos-. Además, a petición del director general de Bellas Artes, José Jiménez, en esta fase vamos a redefinir la relación entre la colección permanente y las exposiciones temporales, entre museo y centro. Se trata de equilibrar esa relación porque últimamente la faceta contemporánea que concierne a su dimensión de centro estaba abandonada. Vamos a reforzar la contemporaneidad del Reina Sofía con especial atención a la creación de las distintas autonomías, para que sea centro nacional de verdad.

Continuar leyendo "Entrevista a Fernando Castro Borrego: "Un museo de arte no puede ser dirigido por un licenciado en Derecho" - MARIANO DE SANTA ANA"

Enviado por salonKritik el 26 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 23, 2007

Ibon Aranberri: "Me enfrento a lo que me produce rechazo" - FIETTA JARQUE

Originalmente en EL PAIS

20070922Elpbabart 2
Un áspero monolito de piedra se alza en medio de la nada. Ibon Aranberri (Itziar-Deba, 1969), que realizaba fotos aéreas para su trabajo Política hidráulica, se queda mentalmente con él. En la galería Pepe Cobo yace ahora despiezado y numerado, aparentemente convertido en varias esculturas de familiares formas geométricas. Pero no es la escultura lo que le interesa a este artista, sino lo escultórico. Para ello se basa en el modelo arcaico del monolito y lo ata al extremo abstracto. Principio y fin. Negación y afirmación de la forma.

PREGUNTA. En esta exposición vemos cierta voluntad escultórica frente a la propuesta documentalista de anteriores muestras.

RESPUESTA. Sí, hay una voluntad escultórica y además definitoria de la escultura. Me interesa tanto probar las posibilidades de la forma y del objeto, la materialidad arcaica, así como en otros casos he trabajado con información, con la textualidad de la materia. Me interesa la descomposición siniestra de la idea de la escultura, que parece casi como un cadáver.

P. ¿Por eso titula la muestra Found dead?

R. No es una exaltación, ni siquiera una defensa de la disciplina sino al revés: lo que trato de probar es un capítulo diferenciado. Casi incrédulo ante el propio objeto de representación.

Continuar leyendo "Ibon Aranberri: "Me enfrento a lo que me produce rechazo" - FIETTA JARQUE"

Enviado por salonKritik el 23 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 21, 2007

Miradas y procesos - Javier HONTORIA

Sobre Ocho visiones sobre el Distrito C. Originalmente en EL CULTURAL.es:

C7C4A7Telefonica1G
Una de las fotografías que componen el gran políptico de Xavier Ribas muestra una mano sosteniendo el pequeño fragmento de lo que podría ser una acreditación. Ribas ha recuperado e iconizado pequeños objetos desechados y prescindibles, y este pequeño trozo de carné revela una presencia que es tan incierta como cualquiera de las otras que conforman el políptico. La mano que sujeta esta pieza puede ser buena metáfora del proyecto con el que la Fundación Teléfonica saluda la creación de su nueva sede, la mano que sostiene y congela la fragilidad de un instante, donde lo que fue y lo que será se funden en un momento único.

Continuar leyendo "Miradas y procesos - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 21 de Septiembre | Comentarios (0)

Filipa César, ansiedad, ingravidez- Rocío DE LA VILLA

Originalmente en EL CULTURAL.es

21242 2R-1
La reflexión sobre la gama emocional de los sujetos sometidos a la complejidad de la sociedad actual es una de las tendencias acusadas en el arte contemporáneo. Un estudio reciente de Christine Ross (The Aesthetics of Disengagement. Contemporary Art and Depression, 2006) ha puesto el acento sobre el cambio de la representación moderna del saturnismo, y otros extravíos mentales plasmados por expresionistas y surrealistas, hacia la asunción en las propias estrategias formales de la desconexión depresiva en la obra de artistas destacados de final del siglo XX (Douglas Gordon, Vanesa Beecroft o Rosemary Trockel). A la vuelta del milenio, la novedad estriba en el protagonismo que ha venido alcanzando en concreto los síntomas de ansiedad –un mal común de nuestra época–, así como la exposición más o menos dramatizada y/o documental de diversas terapias en vídeos que exploran el exorcismo discursivo del trauma. En esta línea, ha sido muy influyente el trabajo que comenzó a desarrollar a finales de los noventa la finlandesa Eija-Liisa Ahtila (Hammelinna, 1959), y como hoy día son legión, baste recordar, por ejemplo, en nuestro entorno, vídeos de Dora García, recientes de Eulàlia Valldosera o más puntualmente el Father Mother que mostró Susy Gómez en Soledad Lorenzo la pasada temporada.

Continuar leyendo "Filipa César, ansiedad, ingravidez- Rocío DE LA VILLA"

Enviado por salonKritik el 21 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 18, 2007

Coleccionistas como comisarios - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL.es

21182 1
En los años en que se comenzaba a organizar exposiciones de arte contemporáneo en España no era raro que se trajeran grandes colecciones internacionales a los museos; actuaciones justificadas por la escualidez de las pocas públicas que entonces había. Es de suponer que los museos han tenido tiempo para formar colecciones y que tienen medios para mostrar lo que consideran más relevante en el arte reciente. Pero parece que no es así, pues se ha acentuado la práctica de llenar salas de exposiciones de acuerdo con el gusto de ricos aficionados o, lo que es peor, de empresas que invierten en arte (y persiguen una revalorización de sus pertenencias artísticas y/o una operación de imagen). Saatchi y Taschen son los gurús de los nuevos coleccionistas, ávidos de protagonismo y ganancias. Pero ha habido otros casos recientes muy sonados de “amistades peligrosas”. La Hamburger Bahnhof de Berlín firmó un acuerdo aún vigente con Friedrich Christian Flick, que ha financiado el acondicionamiento de un nuevo espacio para que su enorme colección se vea en público a razón de dos exposiciones anuales durante siete años; el hecho de que su fortuna se originara en la fabricación de armas, con trabajadores forzosos, para el régimen nazi ha escandalizado a muchos alemanes, pero no ha impedido la bendición de altas autoridades. La Tate Modern, cada día más descocada en sus relaciones con el dinero, ha brindado sus salas a la financiera UBS, que ya ha mostrado una selección de sus fotografías, otra sus dibujos (ésta se puede ver hasta noviembre) y, se dice, planea una más de sus pinturas. No importa que Nicholas Serota prometiera en 2000 que nunca incluiría colecciones privadas en su programación: UBS está financiando muchas actividades del museo. También en Gran Bretaña, se prepara la presentación, el 21 de este mes, de la muestra de fotografías de la colección de Elton John en el Baltic Centre of Contemporary Art de Gateshead; se puede argüir, para defender la decisión, que atraerá una gran cantidad de público curioso, tal vez poco interesado en el arte aunque sí en las celebridades pero, ¿qué decir de la exposición que se inaugura el mismo día con obras de la colección de Anita Zabludowicz? El día 20 abre su propio espacio en Londres: ¿qué papel juega aquí el Baltic?

Continuar leyendo "Coleccionistas como comisarios - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 18 de Septiembre | Comentarios (2)

Entrevista a José Luis Brea - Diana Fernández Irusta

A propósito de cultura_RAM. Originalmente en LANACION.com

Brearam
José Luis Brea es docente de la Universidad Carlos III de Madrid, director de la revista Estudios visuales y crítico independiente. Hace años que estudia los cambios producidos por el encuentro entre las prácticas comunicacionales, las nuevas tecnologías audiovisuales e Internet. Con el auspicio del Cceba, inauguró el flamante Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas del Centro Cultural Rojas-UBA y comentó algunas de sus más recientes investigaciones.

–¿Cuál sería el principal cambio tecnológico-cultural de nuestra época?

–En el libro que acabo de publicar (cultura_RAM. mutaciones de la cultura en la era de su distribución electrónica), investigo un cambio muy profundo en la función que cumple la cultura. Cada vez se ocupa menos de garantizar que los hallazgos se conserven y transmitan de una generación a la siguiente y, en cambio, desarrolla una tarea más inventiva. Esto lo relaciono con dos formas de memoria. Por un lado, la memoria de archivo, la que podríamos identificar con el disco duro de la computadora: una memoria de inscripción, de registro, ligada con la idea de monumento, que tiene esa función rememorativa y de repetición. La otra es la memoria inventiva, la memoria RAM, de proceso, que gestiona los datos para producir enunciados nuevos. En nuestro tiempo, la cultura está teniendo esta función productiva, creativa, que nos ayuda a enfrentar escenarios novedosos. Su objetivo último no es repetir una tradición, sino ayudarnos a habitar lugares nuevos.

Continuar leyendo "Entrevista a José Luis Brea - Diana Fernández Irusta"

Enviado por salonKritik el 18 de Septiembre | Comentarios (1)

Propuestas sin riesgo - ALICIA MURRÍA

Originalmente en ARTECONTEXTO

D12
Nos preguntábamos hace unos meses si la coincidencia de las tres grandes citas del verano 2007 se convertiría en la oportunidad para im-pulsar algún tipo de análisis sobre el presente y las prácticas artísticas. La respuesta es no. Un no tajante, radical.

Desde luego, entre los centenares de obras que pueden verse en Venecia, Kassel y Münster hay un significativo número de trabajos relevan-tes cuya presencia merece el recorrido por las tres ciudades, pero los es-fuerzos e inversiones que mueven estas grandes maquinarias en absoluto se encuentran al servicio de los muy necesarios debates de ideas que les correspondería impulsar y que, en buena lógica, se les debería exigir.

Continuar leyendo "Propuestas sin riesgo - ALICIA MURRÍA"

Enviado por salonKritik el 18 de Septiembre | Comentarios (0)

La simpleza - Vivianne Loría

Originalmente en Lápiz

02-1
Éste ha sido un fin de temporada muy movido en el mundo del arte. En nuestro caso, después de descubrir que el peor pabellón nacional de I Giardini en la Biennale di Venezia era el de España -apenas alcanzado por Canadá en su exasperante mediocridad-, hemos padecido una travesía del desierto en la deplorable Documenta 12 de Kassel, donde la ausencia de buen arte y buen hacer curatorial amenaza con socavar ir reme diablemente la buena fama de este evento.

En ambos casos, el arte español ha salido muy mal parado. En el Pabellón de España en Venecia, encontramos una difícil amalgama de obras del fotógrafo Manuel Vilariño, del inexperimentado Rubén Ramos Balsa, del cineasta José Luis Guerín y de una pareja de malos comediantes llamados "Los Torreznos" (nombre a primera vista más apropiado para una taberna de mala muerte en una calleja olvidada de la España profunda, pero que se revela perfectamente adecuado a la calaña de lo que proponen sus portadores). Éstos últimos dieron la nota la noche de la desorganizada fiesta del Pabellón de España en el Palazzo Zenobio, en Venecia, en donde presentaron una infame pseudo performance (que dio paso a un bufet al que se lanzaban los hambrientos asistentes como una jauría). Resultaba imposible no sentirse soliviantado ante el indignante espectáculo elevado al nivel del arte gracias a la esclavitud de la promoción de las comunidades autónomas llevada a sus más absurdas consecuencias.

Continuar leyendo "La simpleza - Vivianne Loría"

Enviado por salonKritik el 18 de Septiembre | Comentarios (0)

Antonio Zaya, una isla aparte - FERNANDO DELGADO

Originalmente en ELPAIS.com

Antonio Zaya
Los grafiteros más importantes de Nueva York -Coco 42 y Nato, entre ellos- se reunieron ayer para homenajear al poeta y crítico de arte Antonio Zaya, que será enterrado hoy en San Feliu de Guíxols con los atavíos de Príncipe de la Santería. Pongo en relación un acto con otro, los dos tan distintos, para resaltar la complejidad de un personaje que también hizo de la vida un llamativo acto de creación. En estos tiempos de ortodoxias y correcciones se singularizan más, y para bien, los disparates o las extravagancias que en la juventud de los hermanos Zaya -él y su gemelo Octavio, uno de los más reputados críticos de ahora- dieron lugar a lo que después sería una atinada visión del arte en el ámbito internacional. Las abundantes anécdotas de aquellos dos jóvenes radicales, cultivadores de la confusión con el parecido, expertos en marginalidades que pasaron por casi todos los excesos, los llevó juntos al riesgo de la crónica de sucesos y de la de tribunales por sus provocaciones y sus bromas.

Continuar leyendo "Antonio Zaya, una isla aparte - FERNANDO DELGADO"

Enviado por salonKritik el 18 de Septiembre | Comentarios (1)

Septiembre 17, 2007

Un archivo poliédrico - Anna Maria Guasch

Originalmente en abc.es

Robinson6-15-07-22
Cuando faltan pocos días para el cierre de la Documenta 12 de Kassel debemos reconocer que su visión nos decepcionó bastante menos o nos interesó bastante más de lo esperado. Especialmente nos interesó por el planteamiento y el proceso curatorial con todas sus paradojas. Una de las primeras y casi insalvables contradicciones que ha desarrollado el tándem Buergel/Noack es la de proyectar sobre un mundo supuestamente globalizado y deslocalizado (no muy diverso, por otra parte, del que mostró Enwezor en 2002) un ideario más cercano a los postulados «modernos» (o a los de un proyecto moderno «inacabado», como diría Habermas) que a los posmodernos que giran en torno a los conceptos de «valor» y «esencia».

Las bases teóricas que Buergel/Noack han expuesto en los escasos dos folios introductorios del catálogo hablan de la «experiencia del espectador», de la «poética de la muestra», de la «negociación en las relaciones arte-vida», de la «directa confrontación» con la obra más allá de todo componente teórico y de todo discurso interpretativo. En especial, de los «valores esenciales» (¿puede el arte ayudarnos a penetrar en lo que es esencial?, se preguntan), algo que hacía mucho tiempo no encontrábamos en los discursos curatoriales.

Continuar leyendo "Un archivo poliédrico - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 17 de Septiembre | Comentarios (0)

Estambul: entre el activismo y el elitismo - ROBERTA BOSCO

Originalmente en EL PAIS

20070915Elpbabart 1-1

Han pasado veinte años y diez ediciones desde que Estambul se convirtiera en la decana de las bienales periféricas. Para celebrar la efeméride, la Fundación para el Arte y la Cultura de Estambul, que gestiona el evento, ha elegido como comisario al chino afincado desde hace años en París, Hou Hanru (Pekín, 1963), quien tras una meteórica trayectoria ya se ha consolidado como el principal enlace entre la escena artística oriental y Occidente. Su propuesta, titulada No sólo posible sino también necesario: optimismo en la era de la guerra global, es sólida y bien estructurada, con las obras adecuadas para impulsar una reflexión sobre la crisis del modelo político, económico y social occidental y los retos que aguardan los países emergentes. Hanru apuesta por artistas social y políticamente comprometidos, que han conseguido despojarse de los aspectos más autocomplacientes y autocompasivos para plantear su crítica y sus reivindicaciones, desde una perspectiva irónica, lúdica e incluso optimista, lo cual -como bien se afirma en el título- no sólo es posible sino también necesario.

Con este espíritu, el chino Xu Zhen expone fotos, vídeos y materiales varios de su empresa imposible en la cumbre del Everest junto con la punta de la montaña que afirma haber cortado; Alexandre Périgot convierte la problemática geografía de Europa del Este en una serie de plataformas rodantes que dificultan el paso del visitante, y Taiyo Kimura crea un conjunto de relojes cuyas agujas se rozan haciéndose perder tiempo recíprocamente.

Continuar leyendo "Estambul: entre el activismo y el elitismo - ROBERTA BOSCO"

Enviado por salonKritik el 17 de Septiembre | Comentarios (0)

Peinar a contrapelo el arte mexicano - Alberto López Cuenca

Originalmente en abc.es

Led696-1

A peinar historias, a contrapelo o no, se vienen dedicando desde hace años los museos. Exposiciones-tesis, nuevas propuestas historiográficas y revisiones de periodo son inauguradas a cada rato. Unas, con tocados de haute coiffure y otras, con trasquilones de unisex de barrio. Ya documentó este fenómeno capilar Anna María Guasch en su oportuno texto Los manifiestos del arte posmoderno: textos de exposiciones, 1980-1995. Ahí se subrayaba esa función crucial de la exposición como matriz de construcción de las nuevas narraciones artísticas. El papel legitimador de los libros de Historia del arte o de las universidades había sido suplantado por la mayor visibilidad y capacidad de atracción de los museos, con sus catálogos, conferencias, ciclos de cine, camisetas y cócteles.

Continuar leyendo "Peinar a contrapelo el arte mexicano - Alberto López Cuenca"

Enviado por salonKritik el 17 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 16, 2007

El pulso de Asia - Javier HONTORIA

Thermocline of art. New asian waves. Comisario: Wonil Rhee. ZKM. Karlsruhe. Alemania. Originalmente en EL CULTURAL.es:

Jitish Kallat X

Desde hace ya varios años se vienen sucediendo en instituciones europeas y norteamericanas grandes exposiciones colectivas dedicadas al arte realizado en Asia que, con mayor o menor fortuna, han tratado de evadir el gran peligro de caer no sólo en falsos exotismos sino también en el riesgo de presentar miradas contaminadas por el prisma occidental. Éste fue el principal problema de algunas de las exposiciones, autoproclamadas “de referencia”, que, a finales de los ochenta y principios de los noventa, se montaron en algunos centros europeos. No es de extrañar que la forma de mirar y entender el arte realizado en Asia desde nuestra perspectiva sea uno de los asuntos centrales tratados por los artistas asiáticos. Muchas instituciones, impulsadas por las modas vigentes, quieren programar una exposición de arte chino, siendo éste el país más pujante con un mercado del arte y una estructura institucional en febril efervescencia. Es difícil que estas exposiciones aporten a sus visitantes una mirada global de lo que ocurre en cada lugar, un examen objetivo desde un atento trabajo de campo. Son en su mayoría impresiones sesgadas, esbozadas mayoritariamente por comisarios occidentales, de escenarios artísticos que o bien se encuentran aún en proceso de gestación, o, como en el caso chino, no conocen aún sus límites.

Continuar leyendo "El pulso de Asia - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 16 de Septiembre | Comentarios (1)

Septiembre 08, 2007

Buenas prácticas y malas artes - FRANCISCO CALVO SERRALLER

Originalmente en EL PAIS

A pesar de haber sido la primera directora del MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) con una licenciatura en Historia del Arte y, asimismo, la primera en cubrir tan alto puesto tras una contrastada experiencia museística -creó y dirigió el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia, tras haber sido secretaria general de la Fundación de Amigos del Museo del Prado y adjunta a la dirección de dicho museo, entre otras actividades-, a Ana Martínez de Aguilar le acompañó la polémica desde su nombramiento. Si, en términos comparativos, no parecía justificado discutir la pertinencia de su elección para el puesto, el proceloso mundo del arte actual, pleno de ansiedades e intereses, dispara hoy contra quien sea, incluso antes de ponderar su trayectoria y de esperar a analizar su actuación durante un tiempo razonable. En este sentido, la dirección de Ana Martínez de Aguilar ha sido un calvario atizado por ciertos sectores y medios que le imputaban responsabilidades que no le correspondían y hasta la acusaban para lo que paradójicamente había contribuido a solucionar. El ejemplo más flagrante fue la rocambolesca historia de la pérdida de la monumental escultura de Richard Serra, desaparecida durante periodos anteriores al de su dirección, y que ella no sólo denunció, sino que logró que fuera rehecha desinteresadamente por su autor. Tuvo que, además, inaugurar la ampliación del MNCARS, proyectada en época del Gobierno del PP y bajo la dirección de José Guirao, debiendo sin embargo padecer ella como propios los supuestos defectos del nuevo edificio y las deficiencias funcionales de su quizás precipitada puesta en marcha. A pesar de este asedio, Ana Martínez de Aguilar sacó adelante un proyecto museográfico, refrendado por su Real Patronato, y desarrolló una política de exposiciones temporales, que, el año pasado, fue considerada por un conjunto de críticos como la mejor de nuestro país. Pero ni este reconocimiento, ni el haber logrado aumentar de manera sustancial el número de visitantes del museo, encarriló la situación, impidiéndole ahora rematar su labor con sus dos últimas actuaciones más brillantes: la inauguración de la instalación de la recuperada escultura de Serra y la exposición sobre Picasso con los fondos del Museo Picasso de París, que, sin duda, será la iniciativa más importante jamás realizada por nuestro país en honor del genio malagueño.

Continuar leyendo "Buenas prácticas y malas artes - FRANCISCO CALVO SERRALLER"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Un fracaso anunciado - FERNANDO CASTRO

Originalmente en ABC.es

Ana Martínez de Aguilar dimite cuando la situación era de naufragio total. No tenía el perfil profesional adecuado para hacerse cargo de la dirección del Museo Nacional de Arte Contemporáneo. Se dijo que no era la primera opción de Carmen Calvo y que «otros» no aceptaron un sillón comprometido. Lo cierto es que la persona que finalmente tomó el timón ni tenía criterio ni publicaciones ni experiencia curatorial acorde con la institución que estaba, en ese momento, ya en una situación deprimida. Ella le ha dado el remate al Museo, que ha perdido la poca credibilidad que le quedaba. El MNCARS no pinta nada en el orden artístico internacional, su programación es el colmo de lo arbitrario y la colección está montada con una desidia impresionante. Anunció un programa museográfico que era demencial y que, afortunadamente, fue guardado en un cajón oscuro. Llegó para «inaugurar» la ampliación de Nouvel que es, de verdad, un desastre.

Continuar leyendo "Un fracaso anunciado - FERNANDO CASTRO"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

"En el espacio público ideal el conflicto es continuo" - IRIA CANDELA

Originalmente en EL PAIS

Harvey
Harvey ocupa la cátedra de antropología del College University de Nueva York, tras haber enseñado geografía y urbanismo en Oxford y Baltimore durante más de treinta años. Desde la década de 1970, este veterano geógrafo de reconocido prestigio internacional ha contribuido a renovar la disciplina a través de la óptica del materialismo histórico.

Este verano, sendos congresos organizados por la Universidad Internacional de Andalucía y el Foro Complutense lo han traído, respectivamente, a Sevilla y a Madrid, en donde se realizó esta entrevista.

PREGUNTA. ¿Por qué considera necesario enfatizar la relación actual entre capital y territorio?

RESPUESTA. Porque la producción del espacio es un aspecto central de la economía capitalista. Últimamente he prestado atención al importante papel que el desarrollo urbanístico ha jugado en las dinámicas de acumulación de capital. Ahora mismo hay un auge de la construcción en el mundo. El otro día pasé cerca de Ciudad Real ¡y pude contar hasta ochenta grúas! Lo paradójico de esto es que cuanto más dinero parece invertirse, menos asequible resulta la vivienda.

Continuar leyendo ""En el espacio público ideal el conflicto es continuo" - IRIA CANDELA"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Un caldo indigesto - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

Ferran-Adria
El hombre, ese singular animal omnívoro (como la rata, el cerdo o la cucaracha), consigue, por medio de la comida, fundar comunidad; ese acto de comer, que tiene que ver con la muerte, también implica un intenso placer. Carolyn Korsmeyer ha señalado en El sentido del gusto. Comida, estética y filosofía (Ed. Paidós, Barcelona, 2002) que en cualquier acto de comer se puede descubrir que lo que se destruye o se consume pierde su propia identidad mientras ayuda a mantener la del otro: «El hambre y su satisfacción se alternan perpetuamente en este ambiente de cambio continuo. Mihail Bajtin señala que a través del acto de comer "el cuerpo transgrede [...] sus propios límites: traga, devora, desgarra el mundo, se enriquece y se desarrolla a expensas del mundo. El encuentro de un hombre con el mundo, que tiene lugar dentro de la boca que muerde, desgarra y mastica, es uno de los más antiguos y más importantes objetos del pensamiento y la imaginería humanos"». No cabe duda de que un sentido tan importante como el del gusto ha sido históricamente marginado en beneficio de los prodigios de la vista o de las armonías que el oído capta.

Continuar leyendo "Un caldo indigesto - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

La hora de John Bock - Juan Antonio Alvarez Reyes

Originalmente en abc.es

51H0614Xxml. Ss500
Al entrar en la sala de exposiciones, donde en principio se va ver una muestra de vídeo, una señorita conduce al público a una sala de espera. Empieza así la función. Uno puede esperar casi cualquier cosa de John Bock y, puesto que la experiencia es un grado y ya han sido numerosos los encuentros con el artista y su obra -de Documenta a la Bienal de Venecia, pasando por Manifesta o su individual en Montevideo, por citar algunos-, sabe que suele montar el circo allá donde va con sus performances, conferencias e instalaciones caóticas con restos de sus acciones.

Por esto mismo, lo que no cabía encontrar era algo tan pulcro, limpio y bien dispuesto como una sala de espera. Es pura contradicción -palabra que por otra parte no sorprende demasiado aplicada a Bock, tan predispuesto al disparate- y precisamente por ello, por esa no adecuación entre el contenido y la forma del trabajo en sí y la manera de exponerlo, es lo que queda al final de esta exposición que se centra en las películas y vídeos de un artista bien conocido del panorama internacional. A ello, a la solución expositiva, habrá que dedicar mayormente esta reseña, pero antes, para que se pueda comprender esa contradicción entre contenido y montaje, habrá que detenerse en el contenido.

Continuar leyendo "La hora de John Bock - Juan Antonio Alvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Ibon Aranberri: "He estado enfrentado al sistema expositivo. No lo veía necesario" - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL.es

21131 1
El trabajo de Ibon Aranberri es profundo y complejo. Las dos cosas. Recurre a referencias y temas de carácter histórico, geopolítico o artístico y los altera para reflexionar sobre cómo entendemos el imaginario colectivo. Habla desde una estética objetual, desde la escultura (“sólo desde un estado de crisis puedo defender la idea de escultura”), que deconstruye en múltiples partículas que luego rearma para ofrecer nuevos mensajes. Su presencia en Madrid no ha sido todo lo continuada que se podría esperar sobre todo si atendemos a su curriculum, prolijo en alusiones a una intensa trayectoria internacional. Participó en la Manifesta de Fráncfort de 2002, es un habitual de exposiciones colectivas europeas y ahora está presente en la Documenta de Kassel, que se puede ver hasta el próximo día 23.

– ¿Qué veremos en Pepe Cobo?
–La exposición es una continuidad del trabajo que vengo realizando en estos últimos años. Es una reflexión sobre algunos de los elementos utilizados por el poder en la construcción de obras públicas, como monolitos u obeliscos, que se utilizan para comunicar o conmemorar, para identificarse con las masas. Hay un tipo de monolito que aparece en varios pantanos y en algún acueducto y puente. Es un estereotipo de carácter propagandístico que puede tener sus orígenes en Egipto y en Grecia y que no es muy distinto a algunos monumentos levantados durante la guerra civil bajo un contexto bien distinto. Lo que hago es reutilizar materias anacrónicas propias de la escultura totémica. He desmontando un monumento-escultura sobre un paisaje de fondo ruinoso de obras públicas en los alrededores de Madrid.

Continuar leyendo "Ibon Aranberri: "He estado enfrentado al sistema expositivo. No lo veía necesario" - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Ars Electronica ve las estrellas - Carlos Albaladejo / Marta Peirano

Originalmente en ADN.es

13
Para empezar, la estrella destacada en el Ars Electronica de este año es Marko Peljhan, fundador del medialab esloveno Ljudmila y responsable de Makrolab , un espacio interdisciplinar de comunicación, investigación y hábitat humano que contiene a cuatro personas en condiciones de aislamiento/insulación durante 120 días como máximo.

Makrolab comenzó en 1994 y se desarrolló por primera vez durante una exposición artística, la Documenta X , en Kassel, en 1997. La exposición temática del festival, Situational Awareness, es hija de ese proyecto.

Continuar leyendo "Ars Electronica ve las estrellas - Carlos Albaladejo / Marta Peirano"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Cultura 'sarko' - ENRIQUE LYNCH

Originalmente en EL PAIS

20070908Elpbabens 1
Cuando se habla de Cultura (con mayúsculas) no sólo se trata de los asuntos que ocupan a las personas llamadas "cultas" sino que se alude a una especie de corporación o industria o política de Estado que, en tiempos modernos, expresa y administra la autoconciencia colectiva en toda suerte de escenarios: artísticos, literarios, cinematográficos, deportivos, de educación y comunicación, etcétera. Se reconocen dos posiciones irreconciliables: el elitismo -explícito o ponderado- que defiende una idea de la Cultura entendida como patrimonio o tradición que se ha de conservar per se; y el populismo más o menos encubierto, que invoca la necesidad de democratizar y extender la Cultura y su capital simbólico a amplios sectores sociales. Así pues, los elitistas se suelen colocar del lado de lo sagrado y los populistas en el de lo profano; y el diferendo que los separa es la hegemonía cultural de sus respectivas minorías, porque ya se sabe que las gentes verdaderamente cultas son una pequeña parte de la población y sólo ellas pueden plantearse esta cuestión. El elitismo enarbola referencias ilustradas pero muchas veces muestra tintes algo reaccionarios; y el populismo, en cambio, que presume de progresista, invoca que no se ha de marginar a las masas sino más bien sumarlas y orientarlas o educarlas (y, en el fondo, tenerlas bajo control), con la razonable coartada de que se les ha sido negado el acceso a los bienes, culturales o de cualquier otro orden.

Marc Fumaroli (Marsella, 1932) se coloca de manera resuelta en la primera postura pero, para que no se diga de él que defiende una Cultura para élites y que la suya es la típica actitud retardataria y ultramontana, despliega sus argumentos en forma de una pormenorizada crítica histórica, pasa revista a la conformación de lo que llama "Estado Cultural" en la Francia de finales de la III República y sanciona que se trata de una idea original de Bismarck y el Estado prusiano: los franceses, ya se sabe, siempre le echan la culpa de sus males a los alemanes. Podría parecer que estamos ante un libelo chauvinista y germanófobo pero no, el blanco de Fumaroli es la política cultural de las administraciones socialistas, pese a que paradójicamente los socialistas hicieron propia la invención de la Cultura y del "Estado Cultural" por André Malraux, que fue conspicuo ministro de Gaulle.

Continuar leyendo "Cultura 'sarko' - ENRIQUE LYNCH"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Un cineasta perturbador - GONZALO DE LUCAS

Originalmente en La Vanguardia

El descubrimiento del cine de Garrel puede ser perturbador. El que se siente afectado por sus películas, suele sentir que la obra de Garrel afecta también a su concepción del cine. Sobre él se han puesto en común bastantes cosas: que es un hijo desencantado del 68 y el mejor cineasta francés de su generación, que le bastó con rodar un corto con dieciséis años para formar una comunidad de espectadores (sucedió en 1964, un año antes de Pierrot le fou de Godard, de quien parecía tomar el testigo) y que durante los años setenta se consagró al retrato de la cantante Nico ( "mi musa, el amor de mi vida") en películas underground esotéricas y misteriosas que le dejaron cada vez más aislado. A partir de 1982, las drogas, la paternidad, las rupturas sentimentales y las desilusiones de su generación formarían el tejido de experiencias con que rodaría sus siguientes películas, más narrativas y en continuidad autobiográfica con las primeras.

Cuando se ven o recuerdan varias películas de Garrel, de sus distintas etapas, los planos empiezan a entrechocar y, tras su levedad, conmueven afectos íntimos (deseos, celos, ensimismamientos) que se extienden como ondas. El estilo es muy sobrio y está marcado por la voluntad pictórica - Georges de La Tour es una influencia tan importante para él como Godard- en la búsqueda del gesto, el ángulo o la luz reveladora con que retratar a una mujer. De su obra se admira la tenacidad con que ha mantenido que sólo habría para él un modo de filmar (en 35 mm, con la cámara como instrumento de registro de la realidad, sin virtuosismos). Sin embargo, poco importa la serenidad del estilo frente a los desbordes que desmoronan la vida en pareja. Un cine abocado al vagabundeo, el repliegue y la locura, sobre el que se cierne una amenazadora fatalidad.

Continuar leyendo "Un cineasta perturbador - GONZALO DE LUCAS "

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Philippe Garrel: Cine en las venas - ENRICH ALBERICH

Originalmente en La Vanguardia

Garrel
Garrel recupera episodios clave de su propia experiencia, como las consecuencias del Mayo del 68 en el reciente 'Los amantes habituales'

Encuadres precisos, bellos, sin afectación. Retratos del amor, del desamor y de otras soledades. Miradas al vacío, perdidas o ensimismadas. Gestos delatores, silencios que hieren, que curan y un halo de melancolía. Y de repente un ángel pasa, esparciendo una impronta de vida en el seno de la ficción. Así es el cine de Philippe Garrel, triste pero hermoso, doloroso, terapéutico, potente como pocos a la hora de transfigurar lo cotidiano en poesía. Una poesía que asoma tras la sutileza de un leve ademán, tras la pericia de una elipsis brutal o de un fuera de campo elocuente.

Hija de la nouvelle vague y de la modernidad cinematográfica a la par que solitaria auspiciante de una nueva narrativa que apenas ha gozado de epígonos a su altura, la obra de Garrel, aunque de vocación minoritaria, ha ejercido una poderosa fascinación sobre todos aquellos que nos hemos dejado envolver por ella, de tal modo que, pese a su escasa difusión comercial fuera de Francia, ha consolidado a lo largo de los años una pequeña gran legión de seguidores en muy diversos rincones del planeta. En nuestro país la situación ha sido significativamente penosa, puesto que sus filmes se han visto confinados a muy espaciadas retrospectivas o a esporádicas proyecciones en circuitos marginales. Por eso es tan de agradecer la reciente edición enDVD de sus cuatro últimas películas: El corazón fantasma (1995), El viento de la noche (1999), Salvaje inocencia (2001) y Los amantes habituales (2005), títulos que vienen a sumarse a El nacimiento del amor (1993), ya editada con anterioridad.

Continuar leyendo "Philippe Garrel: Cine en las venas - ENRICH ALBERICH"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Matando la modernidad cada noche - ROSA LLEÓ

Sobre Panick Attack! Art in the Punk Years BARBICAN LONDRES
Originalmente en La Vanguardia

Panik
"Esta canción es sobre el resultado de la crisis de la civilización. Vas por la calle y ves unas cuantas fábricas en ruinas, trozos de periódico con fotos porno tirados por el suelo… Tuerces la esquina y hueles los cubos de basura. Y oyes ese ruido extraño de fondo". Esta fue la introducción que uno de los miembros de Throbbing Gristle hizo de uno de los conciertos que la banda ofreció en el ICA en 1976. Eso mismo día, bajo el nombre de COUMTransmissions,habían presentado una exposición por la que fueron acusados de sádicos, nocivos y destructores de la sociedad. Fueron punks. Treinta años más tarde, el Barbican reivindica su espíritu.

La promesa de futuro y de utopía social construida en los años sesenta se había convertido en una realidad represiva y desilusionada. En el Londres de aquel entonces no era posible escapar de los bloques sin balcones e innumerables pasillos. Parecían prisiones. Bajo la crisis del petróleo y el final de la guerra de Vietnam, en Nueva York tampoco había mucho lugar para la esperanza.

Continuar leyendo "Matando la modernidad cada noche - ROSA LLEÓ"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Una niñez escandalosa - CARLES GUERRA

Sobre El rey de la casa LA VIRREINA BARCELONA Comisarios: Andrés Hispano y Marc Roig
Originalmente en La Vanguardia

Egurbide

Lo habitual en las exposiciones que se han dedicado a la representación de la infancia es que resultasen o bien escandalosas o bien ñoñas. A finales del pasado año en París se juzgó a los comisarios de Presumés innocents,una exposición presentada en el CAPC de Burdeos a finales del año 2000. La demanda interpuesta por una asociación de padres y las ansias de Alain Juppé por recuperar notoriedad meses antes de las elecciones desataron un proceso judicial ampliamente seguido por la prensa. A principios de aquel mismo año 2000, la Fundació la Caixa de Barcelona abrió sus puertas a Almost Warm and Fuzzy,una muestra montada por un grupo de comisarios norteamericanos cercanos a la moral republicana. Aquí se tituló Retorn al país de les meravelles,y aunque los medios estaban siguiendo el juicio por el caso del Raval (un asunto de pederastia en pleno centro de Barcelona y a principios del siglo XXI), la exposición pasó sin pena ni gloria. A nadie se le ocurrió vincularla con el proceso. En parte, porque Retorn al país de les meravelles blindaba la imagen de la infancia entre emociones confusas, sentimientos de nostalgia y paraísos perdidos. Nada que ver con perversiones y patologías de adultos.

Continuar leyendo "Una niñez escandalosa - CARLES GUERRA"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Vida de los cuentos - J. A. MASOLIVER RÓDENAS

Sobre Enrique Vila-Matas Exploradores del abismo ANAGRAMA
Originalmente en La Vanguardia

Las raíces del Enrique Vila-Matas (Barcelona, 1948) que por inercia calificamos, simplificando, como metaliterario, se encuentran en Historia abreviada de la literatura portátil, de 1985, y no se continúa hasta el año 2000 con Bartleby y compañía, para iniciar un crescendo narrativo que culmina en el 2005 con Doctor Pasavento.En cada una de estas novelas se ahonda en un tema específico que forma, sin embargo, parte del conjunto de obsesiones que van iluminando el resto de su obra.

En Historia abreviada se nos introduce a una sociedad secreta cuyos miembros son escritores nómadas y exiliados que se exigen un alto grado de locura y para quienes cultivar la insolencia no está reñido con la melancolía y la soledad. Rasgos estos que encontramos en toda la escritura de Vila-Matas, poblada de escritores que escriben al borde del precipicio atraídos por el vértigo del abismo, lo que puede llevarles a dejar de escribir para siempre o a querer desaparecer, a deslizarse lentamente hacia el silencio. El escritor convive con otros autores, se identifica con ellos, los convierte en personajes, personaje él mismo, borrando así la frontera entre vida y ficción.

Continuar leyendo "Vida de los cuentos - J. A. MASOLIVER RÓDENAS"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

El niño como invención del sistema ideológico - MANUEL ASENSI PÉREZ

Originalmente en La Vanguardia

Un pensador intempestivo es aquel que descubre y denuncia los errores más grandes y sutiles de una época histórica, tan grandes y tan sutiles que no sólo es que en general no nos demos cuenta de que son errores, sino que además los tomamos por verdades inconmovibles y necesarias sin las cuales no podríamos hacer nada. O dicho de otra manera: un pensador intempestivo es aquel que no está en la verdad de un momento histórico; tiene la verdad, pero no está en la verdad. Un ejemplo: Galileo Galilei tenía la verdad (que la tierra giraba en torno al sol), pero no estaba en la verdad de su época (que el sol giraba en torno a la tierra). René Schérer es un pensador intempestivo, más intempestivo que Derrida, Deleuze o Foucault, quienes a su lado eran casi políticamente correctos. Naturalmente estoy exagerando, pero mi hipérbole la pongo al servicio de ilustrar el hecho de que el error denunciado por Schérer es sin duda de los que causan escándalo: un niño (y valga aquí niño por todo el espectro de las posibilidades sexuales) no es lo que creemos que es. Muchas mañanas, cuando dejo a mi hija en el colegio me asalta la siguiente duda, ¿estaré haciendo bien encerrándola en este recinto? Y me la represento con un traje a rayas propio de los presos, con gorrito incluido, y me marcho de la puerta de ese colegio con pena (lo confieso). Tal es la tesis fundamental de Schérer: lo que entendemos por niño es una imagen construida, ficticia, artificial, producto del deseo del adulto, muy alejada del niño real. El niño es una invención al servicio deun sistema ideológico.

Continuar leyendo "El niño como invención del sistema ideológico - MANUEL ASENSI PÉREZ"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (1)

Desdramatizar la educación: ENTREVISTA a René Schérer - MANUEL ASENSI PÉREZ

Originalmente en La Vanguardia

"La educación libre no significa que el estudiante pueda hacer lo que le venga en gana"

A finales del año pasado se publicó la reedición de su libro ¿L'Emile Perverti¿ que escribió en 1974 y que en español se tradujo en 1984 como 'La pedagogía pervertida'. ¿Podría contarnos la tesis principal de ese libro?

Desde finales del siglo XVIII, y de una manera muy especial con el Emilio o de la educación de Rousseau, surge lo que he llamado la ideología pedagógica,una forma de pensar el niño como alguien que no puede educarse a sí mismo, una especie de proyecto de hombre, cuyas carencias han de ser suplidas por el educador o pedagogo. Este educador ha de vigilar, además, que en el momento en que empiece a despertar la sexualidad del niño, ésta pueda ser domesticada evitando, en especial, la masturbación por lo que supone de desviación respecto a la razón principal de la sexualidad humana: la reproducción. Para lograr esos objetivos se hace necesario vigilar al niño las veinticuatro horas del día, pues sólo de esa manera se podrá evitar las desviaciones que, según el propio Rousseau, corren el riesgo de subvertir el orden social. De este modo, el niño queda convertido en un ser incapaz carente de sexualidad. Lo más llamativo es que esas tesis de Rousseau, en especial la necesidad de la vigilancia, han pasado sin mása las pedagogías aparentemente liberales. Hasta los pedagogos libertarios viven con la obsesión de vigilar al niño y negarle su autonomía por miedo a lo que esa libertad pueda suponer.

Continuar leyendo "Desdramatizar la educación: ENTREVISTA a René Schérer - MANUEL ASENSI PÉREZ"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Otra pedagogía posible - XAVIER ANTICH

Originalmente en La Vanguardia

Los interrogantes sobre la educación y la infancia son elemento de reflexión permanente y recurrente. Al hilo de algunas polémicas actuales, recuperamos también a René Schérer, pedagogo y pensador intempestivo

La infancia y de la educación han sido, desde los griegos, uno de los ámbitos medulares en todos los procesos a través de los cuales una cultura ha reflexionado sobre sí misma. Por este motivo, son inagotables. Por este motivo, también, siempre serán polémicos, contradictorios, paradójicos de forma esencial. Últimamente, los debates en torno a la infancia y la educación han quedado punteados por algunas cuestiones de extrema actualidad que, puestas juntas, permiten reabrir el debate con nuevos ingredientes y, tal vez, con nuevas perspectivas.

Continuar leyendo "Otra pedagogía posible - XAVIER ANTICH"

Enviado por salonKritik el 8 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 03, 2007

'Souvenirs' y turistas - FERNANDO ESTÉVEZ GONZÁLEZ

Originalmente en ELPAIS.com

20070818Elpbabart 1

Los más ubicuos objetos del consumo turístico, los souvenirs, esconden una poderosa carga simbólica tras su aparente banalidad. Estos artefactos que pululan en todos los paisajes y escenarios turísticos, de muy distinta naturaleza en materiales y una enorme variedad de contenidos y estilos, han ocupado sin embargo un lugar marginal en las agendas de los estudiosos del turismo. Por lo general, su interés se ha reducido a señalar su importancia en tanto indicador del comercio turístico. Pero los souvenirs son, si cabe, más interesantes como materialización de la naturaleza y subjetividad del turista. Por un lado, constituyen metonimias de pasados y lugares distantes y, por otro, metáforas de narrativas personales y colectivas de viaje y apropiación cultural. Se incrustan de pleno en los procesos de formación de las identidades sociales y culturales, involucrados en nuestras memorias de lugares, gentes y cosas, y adquiriendo diferentes "regímenes de valor" en función de sus poseedores. Pero, en el fondo, la materialidad de los souvenirs remite, ineludiblemente, a la imposibilidad para el turista de escapar a la permanente oscilación entre la seducción de lo exótico y las pulsiones de posesión y apropiación del Otro y, en el otro extremo, a la nostalgia por su muerte y desaparición.

Continuar leyendo "'Souvenirs' y turistas - FERNANDO ESTÉVEZ GONZÁLEZ"

Enviado por salonKritik el 3 de Septiembre | Comentarios (0)

Septiembre 02, 2007

El teléfono en las películas y en la vida - VICENTE VERDÚ

Originalmente en ELPAIS.com

No se ve apenas una nueva película de acción, desde el último James Bond al Bourne de El ultimátum de Bourne, que muestre su peripecia sin la omnipresencia del móvil. Se trata de algo mucho más que un empleo funcional del instrumento y más capital que un elemento asociable a la modernidad. El móvil actúa ya en el film como un actor central a través de cuya entidad discurren las intrigas, se urden las mayores añagazas, se muñen las conspiraciones y las operaciones financieras, se condensan, en suma, las mayores claves.

El teléfono analógico aumentaba la escala de la boca y de la oreja. Hacía saber que con su auxilio crecía aparatosamente la facultad de hablar y de escuchar. El robusto micrófono potenciaba la voz y el auricular magnificaba el pabellón que oía. Pero en el móvil ocurre precisamente lo contrario. Ni el oído ni la boca se encuentran esbozados y el tamaño, cada vez menor, del artefacto contradice su aportación.

Continuar leyendo "El teléfono en las películas y en la vida - VICENTE VERDÚ"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

El idilio como ficción - Javier HERNANDO

Originalmente en EL CULTURAL.es

21079 1-1
El DA2 acoge en coproducción con el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León una nueva exposición colectiva articulada a partir de un concepto de inequívoco carácter literario: el idilio, ya que en su origen era una composición característica de la poesía latina que tuvo como autor emblemático a Virgilio y sus Bucólicas. Pero el idilio implica, más allá de un tipo de composición métrica, una específica orientación temática: las relaciones amorosas entre pastores en un espacio imaginario perfecto, en un paraíso. De manera que tanto el lugar como los aconteceres habidos en el mismo pertenecen al ámbito de la utopía. La evidencia por tanto de la inexistencia de ese lugar de felicidad plena propicia una inmediata frustración, un atisbo de melancolía. Lo que explora esta muestra es la presencia de aquel concepto en el arte de hoy, siendo el diagnóstico en la práctica totalidad de los artistas que la abordan negativo, y por ello invierten su carácter utópico sustituyéndolo por la distopía, en expresión de uno de los tres comisarios de la muestra, Javier Panera.

Continuar leyendo "El idilio como ficción - Javier HERNANDO"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

Filósofos en Pekín - VÍCTOR GÓMEZ PIN

Originalmente en ELPAIS.com

"Además de las formas de sociedad que comparten con los animales, los humanos tienen cosas como moneda, propiedad, gobierno y... congresos de filosofía", dijo con humor el pensador americano John Searle en la conferencia que clausuró el encuentro filosófico que se acaba de celebrar en Pekín. La inauguración del mismo, exactamente un año antes de los Juegos Olímpicos de 2008, coincidió con las pompas tendientes a conjurar los malos augurios (polución de la ciudad en primer lugar, quizás exagerada) que algunos vierten sobre este acontecimiento. Reunión de filósofos que, dóciles ante una obligada excursión, se sorprendieron al ver que el Libro Rojo de Mao (en su día objeto de tanta controversia "dialéctica") se vende entre baratijas a lo largo de la intransitable Gran Muralla, como se vende la camiseta con la imagen de Che Guevara en la no menos intransitable Rambla barcelonesa.

Continuar leyendo "Filósofos en Pekín - VÍCTOR GÓMEZ PIN"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

Sean Snyder, lo que los medios esconden - Ramón ESPARZA

Originalmente en EL CULTURAL.es

21078 1
Sin duda, el factor que más ha contribuido al encogimiento del mundo actual son los medios de comunicación y su permanente lucha por alcanzar la velocidad absoluta, por mostrarnos la vida en directo. Pero ese afán de instantaneidad oculta complejos sistemas discursivos. Los medios no reflejan el mundo, construyen mundos; elaboran regímenes de visibilidad, en los que unos hechos son sobrevalorados (léase el famoseo), mientras otros jamás alcanzan sus cinco minutos de atención. Es difícil seguir creyendo en aquella teoría del espejo que los propios medios defendían hace un siglo. Lo que éstos nos ofrecen no es un reflejo de lo que pasa, sino un relato construido en base a un entramado de ideologías profesionales, modelos narrativos y, cada vez más, puros intereses comerciales. Aunque, por encima de todo ello, hay un principio que casi siempre olvidamos: no hay comunicación sin manipulación.

Continuar leyendo "Sean Snyder, lo que los medios esconden - Ramón ESPARZA"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

La estética de lo insustancial - Arnau Puig

Originalmente en abc.es

Pensar

Un amigo mío de los heroicos años cuarenta y cincuenta de lucha juvenil, Salvador Aulèstia, autor algún tiempo después de una monumental escultura, Sideroploide, obtenida del desguace de un buque mercante, se dedicaba a crear mobiliario hacia los años sesenta, entre el que abundaban unas sillas que él señalaba como útiles para pensar, pero no para la comodidad. Pues bien, esta muestra colectiva en el espacio de Santa Mónica ofrece unos llamados objetos artísticos que no son para el goce y solaz del alma y la sensibilidad, sino para perturbarla, para provocarla, para que se conviertan en inquiridoras e inquisitivas, preguntándose: ¿a qué viene a cuento eso? Cuestión que surge porque aquellos objetos e imágenes se hallan emplazados en un recinto que se entiende como dedicado al arte. De encontrarse estos enseres, fotografías y vídeos en casa propia o en la calle, sólo les prestaría atención quien entrara en comunicación interesada con lo que ve o capta en lo que se ofrece a su sensibilidad.

Continuar leyendo "La estética de lo insustancial - Arnau Puig"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

El humor. Seis artistas en busca de la ironía - Rocío DE LA VILLA

Originalmente en EL CULTURAL.es:

21074 1
El enunciado que da título a la muestra (Esto no es una broma) puede llamar a engaño, pues incluso en su negativa parece indicarnos que tuviera algo que ver con la risa; o más bien, con el rechazo de la historia del arte a aceptar de buen grado la comedia, el chiste y el humor en general. Y sin embargo, es bien adecuado, ya que el eje de esta exposición es la ironía, esa figura retórica mediante la que se da a entender lo contrario de lo que se dice, de manera que el fingimiento y la simulación son estrategias intrínsecas. En Occidente, el modelo más antiguo es Sócrates quien fingía ignorar las cuestiones que, supuestamente, dominaban los sofistas para, precisamente, poner de manifiesto su falsa sabiduría. Pero en el arte contemporáneo la capacidad de desarmar discursos a partir de interrogaciones y disensos visuales se ha convertido en una estrategia básica: sin ser tan evidente como la negación contundente de la protesta o la afirmación rotunda de la propaganda, se erige más bien como crítica sutil, suspensión del juicio y creación de espacios de resistencia mental. De manera que, sin llegar al sarcasmo, puede desembocar en el humor del absurdo, el nonsense que nos salva: es la sonrisa en la tristeza moral que nos circunda.

Continuar leyendo "El humor. Seis artistas en busca de la ironía - Rocío DE LA VILLA"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

Geografía del doble - JOSÉ LUIS ESTÉVEZ

Originalmente en ELPAIS.com

20070825Elpbabart 2
¿Todos tenemos un doble? Una exposición en Vigo plantea a ocho artistas su interpretación plástica del Doppelgänger, concepto alemán del doble fantasmagórico. Sólo que estos creadores llevan esa idea al terreno de los actos, los mitos, la ficción o el tiempo.

La figura del doble es un tema clásico del arte y la literatura, pero en esta ocasión la comisaria mexicana Montserrat Albores realiza un planteamiento muy original que va más allá de la habitual sucesión de tópicos sobre la existencia o inexistencia del otro yo. Ocho creadores se inspiran en las múltiples aristas del concepto del doble para presentar otras tantas piezas que plantean un auténtico debate filosófico sobre cuestiones tan etéreas como la verdadera naturaleza del tiempo o la identificación entre pensamiento y realidad.

Continuar leyendo "Geografía del doble - JOSÉ LUIS ESTÉVEZ"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

¿Quién teme al hipertexto feroz? - ENRIQUE GIL CALVO

Originalmente en ELPAIS.com

Cuando sueña que es engullida por el irresistible ascenso de Internet, la Galaxia Gutenberg se echa a temblar. Y su pesadilla se parece al cuento de Caperucita, pues quienes están siendo devoradas no son las empresas editoriales, cuyas sucursales electrónicas hacen de cazadores mercenarios vendidos al lobo feroz, sino las criaturas juveniles, cuya cándida mente se deja seducir por los perversos peligros que les acechan en el bosque digital: pederastia, pornografía, manipulación, etcétera.

En efecto, la educación sentimental de los menores de la e-generación está guiada por el influjo de la lectura digital, y ya no por el espíritu de la lectura impresa como se cree que sucedía con las generaciones previas. Y al decir de los oráculos, ese cambio educativo ejercerá consecuencias decisivas, venturosas para los panglosianos que ensalzan las virtudes mágicas del digitalismo, desastrosas para los agoreros que denuncian sus vicios perversos. Pues aunque unos lo interpreten como un impacto providencial y los otros catastrófico, tecnófilos y tecnófobos coinciden en atribuir una importancia desmedida al cambio de soporte lector, sin que se les haya ocurrido que estemos ante otro caso de vino viejo en odres nuevos.

Continuar leyendo "¿Quién teme al hipertexto feroz? - ENRIQUE GIL CALVO"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

Informe a una academia - CARLOS JIMÉNEZ

Originalmente en ELPAIS.com

20070901Elpbabart 2
Esta exposición de Thomas Jocher (Saalfelden, Austria, 1961) podría considerarse como su particular Informe a una academia porque todos los cuadros expuestos responden a una manera de mirar que observa todas las cosas que nos rodean como si fueran raras, extrañas, inesperadas. A esa mirada desde la extrañeza Miguel Copón ha intentado definirla en el texto del catálogo como una mirada teórica, por fenomenológica, por metafísica si se quiere, que se arroja sobre las cosas que se le ponen delante desde el adanismo de quien las ve y descubre de pronto que ellas valen por sí mismas, con independencia de los impulsos, los intereses o las pulsiones a las que habitualmente las sometemos. Y de los discursos en los que le asignamos sentido a todas ellas.

Continuar leyendo "Informe a una academia - CARLOS JIMÉNEZ"

Enviado por salonKritik el 2 de Septiembre | Comentarios (0)

Agosto 06, 2007

La ficción de la dignidad - ENRIQUE VILA-MATAS

Originalmente en ELPAIS.com

3374078Coincidiendo con el secuestro del semanario que publicó la viñeta de los príncipes de Asturias, aparecía entre nosotros Contra la censura, ensayos de J. M. Coetzee, audaz explorador del lenguaje, escritor de estilo tan directo y distante como a veces sorprendentemente anfibio y paradójico, a la cabeza de la más genuina vanguardia contemporánea. Cruza por el libro de Coetzee el espíritu de Erasmo de Rotterdam, de quien admira su extrema libertad intelectual y la "suavidad aterciopelada" de su ambiguo lenguaje en estado de inquietud eterna desde que prefiriera no tomar partido en el enfrentamiento entre católicos y calvinistas, dos voluntades totalizadoras. Cabe pensar, por cierto, que en la guerra de España a Erasmo lo habrían fusilado a la primera de cambio, pues éste es un país, dicho sea de paso, no apto para las sutilidades. Pero sigamos. Coetzee sitúa el origen del gesto punitivo de censurar en la capacidad de ofenderse: "La fortaleza de estar ofendido radica en no dudar de sí mismo; su debilidad radica en no poder permitirse dudar de sí mismo". Es una hermosa paradoja, que descarta al verdadero literato del oficio de censor. En el caso de los príncipes de Asturias, la indignación oficial del juez Del Olmo nos confirma algo tan elemental como que, en efecto, sin su capacidad de ofenderse, no habría existido represión y se habría incluso evitado que el propio presidente Zapatero registrara la supuesta ofensa y se apresurara a hablar de la dignidad del Príncipe: "Puedo decir, sin exageración y por conocimiento directo, la gran responsabilidad y dignidad con la que el príncipe Felipe realiza su tarea".

Continuar leyendo "La ficción de la dignidad - ENRIQUE VILA-MATAS"

Enviado por salonKritik el 6 de Agosto | Comentarios (0)

Agosto 04, 2007

Nada se destruye, todo se transforma - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Barney
Hay cosas en la vida que chocan e, incluso, que a priori no casan en absoluto. Reunir en una exposición a dos artistas tan distantes en el tiempo y en las intenciones para poner a dialogar sus obras se antoja, antes de visitar la exposición, cuanto menos caprichoso -por mucho que la internacional Guggenheim tenga sus almacenes atestados de piezas de ambos-. Sin embargo, hay que reconocer que, afortunadamente, no siempre se acierta con las prevenciones, siendo esta muestra un claro ejemplo de esto último.

Hay dos elementos que ya atraen respecto a esta propuesta. Por un lado, su título. Sin duda, esta frase puede ser reconocida en las intenciones estéticas y políticas de Joseph Beuys, pero, ¿también se desprendería del trabajo artístico desarrollado en las dos últimas décadas por Matthew Barney? Aunque, realmente, ¿cómo no estar de acuerdo con el lema «todo en el presente debe ser transformado»? La única diferencia sea tal vez el tiempo, el presente, que no es el mismo en Beuys (1921-1986) que en Barney (EE.UU., 1967). El de Beuys es el tiempo de la Guerra Fría vivida desde una perspectiva alemana y crítica respecto al bando capitalista, con una visión cultural heredera del pensamiento moderno. El tiempo de Barney es el del triunfo del Imperio, tanto en sentido literal -caída del Muro e intento de instauración del fin de la Historia-, como en el dado por Hardt y Negri, al mismo tiempo que se difunde en una concepción cultural postmoderna.

Continuar leyendo "Nada se destruye, todo se transforma - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 4 de Agosto | Comentarios (0)

EL PODER DE LA ARQUITECTURA: Entrevista a Deyan Sudjic - ANATXU ZABALBEASCOA

Originalmente en ELPAIS.com

Recorte.Php
Cuando Deyan Sudjic (Londres, 1952) se dio cuenta de que jamás sería un gran arquitecto cambió los plazos largos de la construcción por la inmediatez del periodismo. Crítico de arquitectura en The Observer, fundó la mítica revista Blue Print y dirigió la italiana Domus. Hoy es, además, director del Design Museum de Londres, junto a Tower Bridge, en la renovada orilla sur del Támesis. Allí habla de su polémico ensayo La arquitectura del poder (Ariel), en el que sostiene que la arquitectura nunca cambia, que siempre tiene que ver con lo mismo: el poder, la gloria, el espectáculo, la memoria, la identidad y las preguntas primordiales.

PREGUNTA. ¿La arquitectura tiene que ver hoy con lo mismo que hace 2000 años?

RESPUESTA. Es cierto que hoy las cosas suceden antes. Hay más gente y nos movemos más. Pero no es algo novedoso. Tampoco lo es la globalización. La gente siempre se ha movido. Las ciudades son más antiguas que los países. Londres existió mucho antes que Inglaterra. Alejandría era hace 2000 años una ciudad con judíos, latinos y árabes. Y eso, para mí, es la condición contemporánea.

Continuar leyendo "EL PODER DE LA ARQUITECTURA: Entrevista a Deyan Sudjic - ANATXU ZABALBEASCOA"

Enviado por salonKritik el 4 de Agosto | Comentarios (0)

Julio 22, 2007

Entrevistas de a-desk sobre Documenta

Reproducimos aquí una selección de entrevistas en formato vídeo con diversos críticos de arte españoles sobre la Documenta de Kassel: Peio Aguirre, María Corral, Beatriz Herráez, Chus Martínez y Sergio Rubira. La selección es parte de un conjunto de ellas realizadas por la gente de a-desk, en una iniciativa que desde aquí aplaudimos.

Originalmente en www.a-desk.org/media.php

Continuar leyendo "Entrevistas de a-desk sobre Documenta"

Enviado por salonKritik el 22 de Julio | Comentarios (0)

Arte público en un minigolf - ÁNGELA MOLINA

Originlmente en ELPAIS.com

Piramide Invertida Bruce Nauman-1
Una manera de abordar la importancia del comisario artístico es negarla. Marcel Duchamp regaló al anfitrión de una fiesta de cumpleaños una elegante caja de cerillas forrada en seda, con unas letras doradas que decían: "A good host is a ghost" (un buen anfitrión es un fantasma). Los tres responsables de la IV edición del Skulptur Projekte de Münster recurren a la ironía duchampiana para justificar su rechazo a fiscalizar al artista: "Nosotros no interpretamos su trabajo, simplemente les explicamos por qué han sido invitados y los márgenes en los que se han de mover, pero no les decimos lo que tienen que hacer".

La fe de Brigitte Franzen, Carina Plath y Kasper König (director del Ludwig Museum de Colonia y alma del Skulptur Projekte) en la visión individual del artista aumenta nuestra felicidad, pero su miedo a la responsabilidad agrava la calamidad. Si Münster encarnaba la energía optimista y un faro de vitalidad de la creación artística en el espacio público, treinta años más tarde representa el reino menos físico y más especulativo de la escultura, una prueba de la impotencia de un concepto para proyectarse sobre el espacio. La idea y su materialización se han separado, y la sensibilidad del comisario no parece capaz de conciliarlas. El fantasma ha dado permiso al sepulturero.

Continuar leyendo "Arte público en un minigolf - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 22 de Julio | Comentarios (0)

Pierre Huyghe: «Apuesto por que arte, placer y juego sean el mismo concepto» - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

20530 1-1
Es uno de los artistas más interesantes del panorama internacional. Cada una de sus exposiciones se convierte en una forma de experimentar el espacio expositivo y el tiempo que lo sustenta. Eso es justamente A Time Score, la primera individual de Pierre Huyghe (Francia, 1962) en España.

¿Por qué lo del MUSAC no es una retrospectiva sino un «evento»?
Efectivamente, no es una retrospectiva. Podría haberlo hecho, pero me gusta más la idea de «reactivar» las obras. Eso es un «evento», en el sentido de que se trata de la presentación de diferentes trabajos que se encuentran, que se influyen, pero en la que lo determinante no es el marco. Una exposición debe ser una experiencia, no simplemente algo que se contempla desde la distancia. Quiero que la gente juegue, que sea activa, que sienta cada cosa como si acabase de ocurrir. A eso es a lo que me refiero con ese término.

Continuar leyendo "Pierre Huyghe: «Apuesto por que arte, placer y juego sean el mismo concepto» - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 22 de Julio | Comentarios (0)

Julio 12, 2007

La familia y Münster - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

Sp07 Bijl Rm W1P
Tal vez los melancólicos terminaran peor de lo que estaban tras el «Grand Tour». El único consuelo que podían recordar es el de haber visto espléndidas ruinas y, si la suerte les había acompañado, algún naufragio ajeno. También sus colecciones, con toda seguridad, habían aumentado con la introducción de algo aberrante, por ejemplo, una cárcel piranesiana. Al completar la gran paliza de Venecia-Basilea-Kassel-Münster la sensación es de completa desazón. Como los antiguos sabios, he llegado a saber que no sé nada o, por lo menos, que no soy capaz de entender el calamitoso estado contemporáneo de lo que llegó a denominarse «práctica curativa».

En la Bienal -ya lo he escrito hace poco- tan sólo se manejaban nombres de referencia para complacer tanto al galerismo como a esa franja del público que adora lo que está consagrado por el mero de hecho de que ya está perfectamente enmarcado. Aunque Storr ha realizado un guiño -bastante patoso por cierto- a la retórica de la guerra y del conflicto, en realidad, lo que le interesa es formular un canon con el que hay que comulgar o declararse apóstata, y colaborar -aunque sea de mala gana- con los que tiran piedras contra la sacrosanta institución del Arte. Entre algunas de las perogrulladas que este comisario ha desgranado destaca la siguiente: «Las exposiciones no son como las ferias, porque hay mayor selección y concentración. No es sólo que el dinero no cambie de manos. Ni que haya tanta fiebre, tanta especulación. Es, simplemente, que alguien coge las riendas y dice: "Vamos a ver estas cosas en estas circunstancias y de este modo". Una exposición se hace, precisamente, para que el arte pueda verse en circunstancias que favorecen lo que el arte puede realmente mostrar».

Continuar leyendo "La familia y Münster - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 12 de Julio | Comentarios (0)

Luces que se hacen sombras - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Elmgreen Dragset
Si una reorientación es lo que se demandaba de la cuarta convocatoria de los Proyectos Escultóricos de Münster, ésta no se ha producido, pese a que los comisarios -en esta edición ha entrado savia nueva, además del habitual Kaspar Köening- así lo pretendían. En vez de esto, más bien predomina todo lo contrario: repasar -y repensar de paso- la propia tradición y, aunque resulte paradójico, es aquí donde se encuentran los trabajos específicos más interesantes y los que le dan una personalidad adecuada a esta edición. Es decir, la propia historia y el concepto de escultura en un lugar público sería lo que definiría Münster?07. Nada de reorientación, poco de investigar en nuevas esferas públicas y práctica ausencia de trabajo e interacción social.

En este sentido historicista y autonarrativo, conviene empezar el recorrido en el LWL-Landesmuseum, puesto que ahí se ha montado una exposición documental con la historia de este programa de escultura pública iniciado en 1977 y que sucede cada 10 años, resultando de clara utilidad para la memoria y para situarnos en la escena. Posteriormente, en esta necesidad de repensarse repasando la propia historia, habría que ir al «parque de esculturas» que ha montado Dominique González Foerster, que cuenta la historia del Proyecto Escultórico de Münster reproduciendo a escala reducida algunos de sus hitos en un campo de césped. Algo así como un escenario infantil plagado de algunos de los ejemplos triunfantes elaborados en ediciones anteriores.

Continuar leyendo "Luces que se hacen sombras - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 12 de Julio | Comentarios (0)

De gestión y pensamiento - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en EL CULTURAL.es

20921 3R
En 2003 el Centro de Arte Santa Mónica (CASM) comenzó una nueva etapa con una iniciativa innovadora dentro del contexto español. El director de la institución, Ferrán Barenblit, explicaba que su referente eran los “kunsthalle” europeas, centros caracterizados por la producción de arte joven. El objetivo no era la formación de una colección, ni articular retrospectivas, ni explicar el arte del siglo XX, sino producir obras de artistas tanto nacionales como extranjeros con el objetivo de impulsar intercambios y lograr una proyección internacional. La responsabilidad del proyecto correspondía a una “mesa curatorial” que se iría renovando con el tiempo. En vez de acoger propuestas externas, se invita a dos comisarios independientes –uno local y otro extranjero– para que, en un período determinado, junto con el director, formen un equipo que decida la programación de exposiciones.

Continuar leyendo "De gestión y pensamiento - Jaume VIDAL OLIVERAS"

Enviado por salonKritik el 12 de Julio | Comentarios (0)

Junio 23, 2007

Mercaderes en Venecia - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

Dsc00923
Si, como llegó a pensar Baudelaire, la crítica de arte ha de ser poética, apasionada, parcial y política, entonces el rastreo de una bienal como la que se ha inaugurado en Venecia ha de ser también una actividad política e ideológica urgente, una recelosa lectura del actual momento libidinal del arte caracterizado por un -nada sofisticado- impulso a liquidar existencias y, sobre todo, stocks ideológicos. Como en el episodio de El Mercader de Venecia, vemos a lo largo de las exposiciones que tienen lugar en los Giardini y Corderie a los opulentos shylocks del arte que han decidido obtener el pago de sus deudas o llevarse "una libra de carne" (del comisario), codillo o chicharrón, no importa qué tajada.

Desconcierta que el afamado Robert Storr haya tenido tan poca fluidez natural o intuición como artista. Él mismo afirma ser pintor, también es historiador, crítico de arte y, ante todo, baudeleriano. Pero su bienal es penosamente mala, torpe y frustrante. La razón no se puede encontrar en otro sitio que en el sistema actual del arte, colonizado por el consumo, sus códigos y su lenguaje. De él no pudieron escapar ni Harald Szeemann, ni Francesco Bonami, ni María de Corral, ni Rosa Martínez. Pero en el caso del curador norteamericano, resulta algo más que una conclusión sustantiva, pues prácticamente todo el recorrido por la bienal conduce al visitante, con suficiente naturalidad, a una situación de mercantilización global del arte que no puede ser controlada de frente. Al no haber excelencia artística, ni mediación, ni fuerza de pensamiento capaz de sobrevivir a las afinidades electivas de estética y capital, la bienal de Robert Storr se muestra, desde luego, sujeta a las más graves sospechas y críticas.

Continuar leyendo "Mercaderes en Venecia - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 23 de Junio | Comentarios (0)

Documenta sin documentos - José Manuel Costa

Originalmente en abc.es

Fridericianum55-1
«La Documenta es una exposición amorfa». Esto dice Roger Buergel (Berlín, 1962), el director junto a Ruth Noack (Bremen, 1964) de esta duodécima edición que atraerá hasta Kassel (rodeada por los paisajes de los Hermanos Grimm) a una multitud que quizás se acerque al millón de personas. En esta medida, la Documenta, esa peculiar exposición que tiene lugar cada cinco años, parece adoptar los rasgos «pop» que el mismo Buergel y Noack reclaman para el evento. Otro asunto es que estas categorizaciones, como el resto de las intenciones, implícitas o explícitas que gobiernan esta super-exposición de cien días, más de cien artistas y un presupuesto de más de 19 millones de euros, se hayan plasmado en la realidad. La mayor diferencia entre la Documenta y cualquier otra exposición es su frecuencia. En Museos o Bienales, los directores artísticos han de trabajar con una cierta premura y con una intención temática y sus intenciones suelen estar claras. Pero aquí no. Aquí el director tiene muchos años para pensárselo, un presupuesto muy elevado y una libertad de acción difícil de encontrar en otros lugares. Esto tiene como consecuencia que la Documenta tienda a convertirse en una exposición muy cargada de sentido(s), hasta el punto de que estos se superponen, se entrelazan y se potencian o anulan, como si se tratara de una entidad orgánica, más que de una simple muestra.

Continuar leyendo "Documenta sin documentos - José Manuel Costa"

Enviado por salonKritik el 23 de Junio | Comentarios (0)

Con toda la intención - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

070621 Mohnblume1 Jz Web
Conviene decirlo desde el principio: aunque ésta no sea la Documenta necesaria aquí y ahora -y puede que tampoco otee el horizonte de los próximos cinco años-, sí es una gran exposición. «Gran exposición» en sus dos sentidos: por su tamaño y por su calidad. Así, sus responsables cortan con el bienalismo de las listas de nombres. Se olvidan de él, de su potencial indicador y de amplificación de estéticas, visualizaciones geopolíticas y medios dominantes para establecer un contundente discurso visual con el que se puede no estar de acuerdo, pero en el que se observa una clara intención y seriedad no muy frecuentes.

Aunque, claro está, no todo es perfecto. Hay errores generales, de disposición y de selección -incluida la operación mediática de Adrià-. Pero esos errores no invalidan un conjunto que podría ser definido como el de la migración de las formas. Unas formas que viajan, se aposentan, se adaptan y transforman, para volver a sus orígenes convertidas en algo distinto, y vuelta a reiniciar el proceso. Si bien esto no es nada nuevo, sí lo es la conjunción de los dispositivos discursivos y visuales que Roger Buergel y su mujer consiguen mediante un medio -la exposición- que muestra desde hace tiempo evidentes dosis de agotamiento. Migración de las formas y de su carga política implícita, pero también la forma -el formalismo- como modo de pensamiento político. Aquí están, pues, las palabras clave que deben ser encadenadas: formas, migración y política, que combinadas nos darían la citada «migración de las formas», el «formalismo político» y ciertas «políticas de la migración». Y esto, sin ser demasiado evidente. Si uno hace el vía crucis -también llamado el «Grand Tour»-, y tras Venecia llega a Documenta, observa que algo está cambiando, que el formalismo y la musealización triunfan frente al bienalismo (por ahora, encuentra su mejor acomodo en las ferias).

Continuar leyendo "Con toda la intención - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 23 de Junio | Comentarios (0)

Junio 20, 2007

MARC FUMAROLI: "La cultura se ha convertido en una ensaladilla rusa, ¡en una pizzería!" - IGNACIO VIDAL-FOLCH

Originalmente en ELPAIS.com

20070620Elpepicul 1
Marc Fumaroli (Marsella, 1932), autor de varios libros sobre la historia de la cultura francesa, estuvo en Barcelona para presentar la versión castellana de su ensayo El Estado cultural (editado por El Acantilado), que cuando se publicó en 1991 generó un intenso debate sobre los beneficios y los excesos de la intervención del Estado en la gestión de las artes.

Pregunta. ¿Qué le llevó a convertirse en todo un polemista cultural?

Respuesta. En realidad, en mis libros y en mis investigaciones he analizado la literatura pero también las condiciones en las que se produce. Siempre me han interesado las relaciones entre los poetas, los escritores, los artistas, los músicos con el poder real en el antiguo régimen. En la monarquía, el rey delegaba la función del mecenazgo en académicos, es decir, en gente de la profesión Y ante mis ojos, en la V República, nació un fenómeno totalmente diferente: una burocracia inventada para ocupar el lugar de mecenas colectivo. Y en la que los artistas, los poetas, los escritores, los hombres de letras no tenían voz ni voto. El Estado se presentaba no sólo como responsable del patrimonio de la conservación de los museos y de las actividades fundamentales de la educación, sino que él mismo pretendía ser una vanguardia literaria, artística, teatral, pictórica y patrocinar a sus propios artistas.

Continuar leyendo "MARC FUMAROLI: "La cultura se ha convertido en una ensaladilla rusa, ¡en una pizzería!" - IGNACIO VIDAL-FOLCH"

Enviado por salonKritik el 20 de Junio | Comentarios (0)

Junio 17, 2007

Cuento de la jirafa y las sillas chinas - FIETTA JARQUE

Originalmente en ELPAIS.com

20070617Elpepicul 4
Kassel es una ciudad silenciosa y verde, situada en el corazón de Alemania, que cada cinco años recibe a más de medio millón de visitantes a lo largo de 100 días. Llegan a Documenta, gran muestrario del arte contemporáneo que a lo largo de 60 años ha venido marcando pautas para el desarrollo de la creación plástica. La 12ª edición que se inauguró ayer pretende plantear algunas interrogantes sobre la relación con el arte del pasado o la verdad que brota a veces de un gesto mínimo. Un lugar donde conviven al mismo nivel un sutil dibujo a lápiz con una jirafa tamaño natural (Peter Friedl), o una escultura serpenteante que atraviesa un gran salón y se escapa por la ventana (Iola de Freitas). El director de Documenta 12, Roger Buergel, y la comisaria Ruth Noack han querido poner el énfasis en la educación hacia el arte. Hasta tres días antes de la inauguración no revelaron la lista completa del centenar de artistas invitados con cerca de 500 obras. Sólo habían dejado trascender algunos nombres, como el del cocinero Ferran Adrià, un gesto mediático que ha tenido tanta repercusión que ha ensombrecido hasta ahora el proyecto expositivo. Aunque prácticamente nadie ha cuestionado el genio creativo del chef de El Bulli, sí que se ha criticado en los medios artísticos a Buergel por esta maniobra publicitaria.

Continuar leyendo "Cuento de la jirafa y las sillas chinas - FIETTA JARQUE"

Enviado por salonKritik el 17 de Junio | Comentarios (0)

Máscaras, todas - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

Obra Serie Media Project
La exposición de Sanja Ivekovic en la Fundación Tàpies recupera para el público barcelonés gran parte de lo que era radical para el activismo artístico durante los setenta y que tiene que ver con la subversión de los mecanismos socioculturales de construcción de la identidad. Fotografía, vídeo, performance, instalación e intervención en el espacio público son los medios que emplea esta artista nacida en la antigua Yugoslavia (1949) para reflexionar sobre la naturaleza y el origen de los estereotipos de la feminidad, las relaciones entre el género y el poder, el abuso y violencia ejercida contra los sectores más desfavorecidos y la amnesia colectiva sobre la era socialista en los países de la antigua órbita soviética.

Doble vida (1975) se compone de una serie de 66 pares de fotografías donde la artista alterna, según la similitud del aspecto y las situaciones, imágenes de su álbum familiar con otras de mujeres de revistas consideradas "femeninas". Ivekovic pone en evidencia cómo la mujer se acomoda a ciertos moldes sociales y los convierte en elementos identitarios. Una crítica parecida sugiere en Tragedia de una Venus, compuesta por fotografías que ponen en paralelo algunos aspectos de la vida pública de Marilyn Monroe y de la propia artista.

Continuar leyendo "Máscaras, todas - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 17 de Junio | Comentarios (0)

Junio 15, 2007

El regreso al orden - DAVID G. TORRES

Originalmente en A-Desk

Rothenberg
En la edición 52 de la Bienal de Venecia, la enorme sala central del pabellón italiano (a pesar del nombre, único pabellón no nacional y, junto con el Arsenale, sede en la que se expone la selección oficial de la bienal) está presidida por siete cuadros de casi cinco metros de largo de Sigmar Polke. En la edición de 1999 comisariada por Harald Szeemann esa misma sala exhibia una escultura de Katharina Fritsch, “Rat King”: una decena de gigantescas ratas en círculo cuyas colas en el centro formaban un ovillo. La escultura de ratas ocupaba todo el espacio central como dos años después lo haría el enorme adolescente arrodillado de Ron Mueck pero en la entrada del Arsenale. La desproporción del adolescente de Mueck en la primera sala buscaba resaltar su espectacularidad, las ratas de Katherina Fritsch se podían ver incluso desde la entrada del pabellón, los cuadros de Polke nos devuelven a la historia, vía una referencia artística fuerte, la frontalidad y la visita en las salas blancas del museo. Entre la bienal de 1999 y la de 2007 no sólo han pasado ocho años y cuatro bienales. La de Harald Szeemann fue un hito, tal vez esta, comisariada por Robert Storr, también lo sea, pero por diferentes motivos.

Continuar leyendo "El regreso al orden - DAVID G. TORRES"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

"No he querido hacer un espectáculo en Venecia": Robert Storr - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

R.Storr 1-1

A partir del lema: "Piensa con los sentidos, siente con la mente: el arte del presente", el crítico y profesor de la Universidad de Yale Robert Storr plantea la 52ª edición de la Bienal de Venecia, que se inaugura mañana, como la ruptura de cierta tendencia en el arte a separar las facultades críticas de la sensualidad y otros tipos de percepción. "Es absurda la idea de que alguien no es capaz de pensar mientras aprehende el mundo a través de los sentidos. Cuando invité a participar a Sol LeWitt -que murió recientemente- y le comenté el título de la bienal, estaba encantado, según él disipaba cualquier duda sobre la compartimentación de prácticas y actitudes que, creía, muchos habían impuesto al arte conceptual. Él mismo escribió en Sentences on Conceptual Art (1969) que los artistas son místicos que llegan a conclusiones que los formalistas no alcanzan por procedimientos racionales. Pienso que en el arte lo importante son las correspondencias, buscar diferentes conexiones de inteligencia. Estoy de acuerdo con Baudelaire, el arte, como la crítica y el trabajo del comisario, debe ser no sólo poético, también apasionado, parcial y político".

PREGUNTA. Usted fue conservador jefe del MOMA y acostumbra a trabajar con formatos de exposición mucho más pequeños y diferentes de los de una bienal. ¿Cómo se ha planteado su trabajo en Venecia?

RESPUESTA. Muy progresivamente. El proceso para explorar una idea, ponerla a prueba contra una posible confusión o debilidad crítica y repensarla en el lenguaje de las imágenes, las formas y los espacios, no se puede hacer de prisa. Si el comisario no resuelve con paciencia las permutaciones de un concepto y considera desde el principio las cuestiones específicas del arte desde todos los ángulos, ¿cómo puede esperar que el espectador haga ese esfuerzo? Las buenas exposiciones no son meras listas de autores que se entregan a investigadores y diseñadores para clasificarlos y convertirlos en algo sustancial.

Continuar leyendo ""No he querido hacer un espectáculo en Venecia": Robert Storr - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

Puntos de encuentro - Anna Maria Guasch

Originalmente en abc.es

Dsc00864-1

Robert Storr finaliza el texto del catálogo de la 52ª edición de la Bienal de Venecia, titulada Piensa con los sentidos. Siente con la mente. Arte del presente, citando uno de los poemas de los Cantos con los que el poeta norteamericano Ezra Pound renovó en los años veinte la representación literaria de Venecia. La apuesta por parte de Pound de una visión serena y vital de la ciudad, a diferencia de ciertas corrientes de literatura decadentista como las de Rilke, parece ser también el leiv motiv de la presente bienal en la que Storr ha pretendido desafiar una cierta tradición de pensamiento occidental: la que desde Platón en adelante divide y compartimenta el conocimiento humano en relaciones dicotómicas y jerárquicas entre lo racional y lo sensible, la intuición y el intelecto, el cuerpo y la mente.

Ahora -parece decirnos Storr- el constante flujo de experiencias nos invita a un constante entrecruzamiento entre teorías, sistema, ideologías y sensaciones. Vaga y «simple» proposición que, de entrada, entusiasma poco, pero que parece estar dotada de un cierto sentido común, quién sabe si no necesario en estos tiempos que corremos. En la bienal no hay -siguiendo a Storr-, un espectador ideal; la bienal no es un lugar para las elites, sino un lugar donde la multiplicidad de los mundos del arte se encuentra con públicos inesperados. La bienal no debe caer en el espectáculo y, más que embelesar, debe comprometer, pero siempre «preservando» unos ciertos momentos de revelación o ciertas «epifanías», porque las epifanías no sólo tienen que producirse, sino que tienen que «permanecer».

Continuar leyendo "Puntos de encuentro - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

Venecia, manual de instrucciones - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Mcqueen-1

¿Sentido y sensibilidad? ¿Será acaso esta simple combinación lo que el comisario norteamericano -el primero de la historia de la Bienal de Venecia- nos propone en su recorrido? ¿Para esto han sido necesarios casi tres años de trabajo? Realmente esta bienal no llega a la cursilada de la novela y película que lleva ese nombre, pero la simpleza de su propuesta ha sido compuesta para que también tenga un supuesto final feliz para el arte contemporáneo: combinar diferentes aspectos de la creación contemporánea en una inmensa musealización de una bienal, la más importante del mundo y la más veterana. Por tanto, como todo cóctel que se precie, lleva muchos ingredientes. Por un lado, ciertas dosis de belleza. Por otro, ciertos recuerdos a la situación política del presente. En medio, una gran base que bien pudiera ser sustituida por otra y que tiene como misión llegar a la unión de opuestos que el comisario quiere conjugar. Hay, sin embargo, algunas gotas discordantes que recuerdan el peso de ciertas galerías anglosajonas, la cercanía personal o los favores debidos, que juegan, al no controlarse, malas pasadas.

Continuar leyendo "Venecia, manual de instrucciones - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

La cultura del fraude - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

Gran Bretagna-1

Me quedé corto en mis previsiones con respecto al inicio veneciano del Grand Tour. La peor de las bienales que he podido ver entregaba dosis elevadísimas de aburrimiento y academicismo. Aunque pensé que era una fraude total, lo que me decepcionaba no era la presunta «calidad museística» de las obras, como tuve que escuchar de labios de ciertos acólitos, sino la falta total de orden y concierto, la necesidad de imponer a machamartillo un canon sin asumir riesgos ni hacer otra cosa que aclamar lo que ya está desde hace años entronizado. Si Storr ha cumplido su proyecto de montar un «Salón» de convencionalismos y bautismos étnicos (resulta especialmente chocante que pretendan redimirle por incluir un presunto «Pabellón Africano» que es una colección privada de un millonario de aquellos dominios que, para más sorpresa, se dedica a restaurar la Academia veneciana), favoreciendo las bodas de la papanatería y el cinismo, los pabellones todavía nacionales eran la cima de lo lamentable. La palabra «fraude» se queda corta a la hora de calificar la impostura pictórica de Tracey Emin y, en el caso español, lo de «paraíso fragmentado» era el puro y simple sinsentido, un verdadero patinazo curatorial en el que se mezclaba lo acaso gracioso con actitudes pretenciosas o completas nulidades. Aunque los abrazos se administraron a diestro y siniestro, la indignación ante el déjà vu y lo banal fue en aumento.

Continuar leyendo "La cultura del fraude - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

Venecia. Una Bienal sin riesgo - Pilar RIBAL

Originalmente en EL CULTURAL.es

Alys-2

Propagándose en nuevas sedes y en eventos colaterales en los que caben desde cenas hasta el más variado repertorio de exposiciones, ferias de arte e incluso presentaciones espontáneas, Venecia ha vuelto a soñarse a sí misma en el espejo multicolor de la Bienal. Este año brillan con más fuerza que nunca artistas ausentes durante mucho tiempo de esta cita estrella, como Giovanni Anselmo y Giuseppe Penone, uno de los nombres que más se repite entre bastidores. Su impresionante instalación escultórica en el recuperado Pabellón Italia (que comparte con el joven enfant terrible italiano Francesco Vezzoli) avala la actual potencia creadora de uno de los padres del Arte Povera. África, un continente entero injertado entre los muros industriales del Arsenale merced a la cesión de una colección no exenta de polémica y con la presencia significativa de Miquel Barceló como un artista africano más. Las incorporaciones de Turquía, Líbano o México –con el As en la manga de Rafael Lozano-Hemmer–, las participaciones de los ya fallecidos Jason Roades –en el Arsenale– y de Félix González-Torres –en el pabellón de Estados Unidos– o la concesión del León de Oro al malinés Sibidé Malick, se comenta en los pasillos, en los jardines, en las terrazas.

Continuar leyendo "Venecia. Una Bienal sin riesgo - Pilar RIBAL"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

«Hacemos un uso irrespetuoso de la foto» - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

W Rrn 0748
Sin proponerse ser una exposición de tesis, la de Rosângela Rennó (Brasil, 1962) en La Fábrica es una buena oportunidad para reflexionar sobre la fotografía desde la sección off de un festival, el de PHotoEspaña, que cumple diez años dedicado a la disciplina. La despedida sin traumas de las técnicas analógicas y los retos de la digitalización son ideas que deambulan por esta muestra que da fe del buen hacer de su autora.

Esta exposición no es una cita fotográfica en un sentido estricto.
Me gusta decir que mis trabajos giran siempre en torno al universo fotográfico. Nunca son puras fotografías o simples tomas, sino que se asientan en una discursión sobre lo que se puede entender por fotográfico, independientemente de sus soportes u objetos. Me interesa mucho más la amnesia que la memoria como concepto. La memoria es algo muy fluido, y el ser humano tiene más capacidad para olvidar que para recordar. Mi obra tiene que ver con ello y con cómo la foto sirve de apoyo a estos mecanismos. Y como prefiero trabajar con la amnesia, también persigo que las imágenes no estén ligadas a sus referentes. Por eso las manipulo y formulo una especie de pacto con el espectador, de forma que pueda verter en ellas su memoria.
De ahí el título: «El uso cultural de la imagen».

Continuar leyendo "«Hacemos un uso irrespetuoso de la foto» - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

El laberinto Blaufuks - Abel H. POZUELO

Originalmente en EL CULTURAL.es

Blaufuks
La sensación que tiene uno al recorrer esta muestra individual de Daniel Blaufuks es, de algún modo, la de estar ante un compendio de imágenes que se escapan a la firma de un autor determinado. Estampas extraídas de distinto tiempo y lugar a la vez que, casi paradójicamente, se percibe una marcada unidad, un conjunto de ideas concretas y orientadas tras las imágenes que en ella se muestran y su cuidada disposición en las salas y espacio de la galería. Algo recuerda aquí a aquellos gabinetes de pintura del pasado, a una colección de estampas encontradas, coleccionadas. En el otro extremo, está el elocuente título de la exposición, Blaufuks, y su prolongación en el mimado libro-catálogo confeccionado por el artista y editado por La Caja Negra. Un libro que parodia una monografía de bolsillo sobre un artista histórico, la firma, la autoría: todo el peso de tales convencionalismos tan profundamente consolidados dentro del mundo y la apreciación del arte.

Continuar leyendo "El laberinto Blaufuks - Abel H. POZUELO"

Enviado por salonKritik el 15 de Junio | Comentarios (0)

Junio 14, 2007

Pianofortissimo - Michel Hubert

Cartel Pianofortissimo
Contra las barbaridades de las guerras, la pobreza y el hambre asociados con el egoísmo sin límite de la sociedad capitalista (véase el panorama sociopolítico actual), una única arma artística: la ironía de Dada y de su heredero mayor Fluxus. Los 16 pianos preparados, que la Junta de Extremadura y la Fundación Mudima (Milán, Italia) han reunido en el Museo Vostell Malpartida para la exposición Pianofortissimo, son buenos ejemplos de esa capacidad de reírse de los valores burgueses que tanto caracteriza al grupo Fluxus. La historia nos enseña que John Cage (en 1938) fue el primer artista a quien se le ocurrió modificar la armonía musical de los pianos en su lucha contra la música de compositores tan serios como Schönberg (Cage había sido alumno suyo) con quien se identificaba el modernismo conservador imperante en aquella época. Para ello “preparaba” sus pianos antes de tocarlos, colocando entre sus cuerdas una gran diversidad de objetos como destornilladores, llaves, botellas de coca-cola, etc.

Se puede considerar a John Cage, que fue profesor de algunos artistas fundadores del grupo Fluxus (Brecht, Jones, Higgins y Paik) y cuyos conceptos fueron capitales en la formación de La Monte Young cuando éste los descubrió en el seminario de Stockhausen del verano de 1959 en Darmstadt, como elemento clave para orientar el espíritu del grupo hacia la práctica del Happening y de la performance. Desde luego Higgins no consideraba a John Cage como un simple miembro más de Fluxus (1), sino como un precursor tan fundamental como Marcel Duchamp, al que el propio Cage, que era amigo suyo y con quien jugaba al ajedrez, reconocía también deberle mucho: llegó hasta decir que ``una manera de escribir música era estudiar a Duchamp´´. Como bien dice Germano Celant, al igual que los ready-made de Marcel Duchamp, la música de Cage “ya está hecha” y, para reconocerla, sólo basta elegirla a nuestro alrededor, objetivarla y nombrarla. En lugar de ser un productor de sonidos, Cage se limita a hacer emerger la música, lógica e ilógicamente: ésta no es producida, sino que se le permite existir. Por tanto, a partir de esta facultad de ``encontrar´´ sonidos como Duchamp encontraba objetos, cualquier motivo de la vida real puede ser fuente de música, y de ahí la aparición azarosa del silencio, de las historias habladas, etc. (2). Esta interactividad constante entre el arte y la vida, heredada de Dada y de Duchamp, fue desde el principio el elemento más característico del espíritu Fluxus.

Continuar leyendo "Pianofortissimo - Michel Hubert"

Enviado por salonKritik el 14 de Junio | Comentarios (0)

Junio 06, 2007

Lawrence Lessig: "La ley está en contra de la nueva creatividad" - PATRICIA F. DE LIS

ELPAIS.com

Las leyes que han protegido la creación cultural en los últimos cien años no sirven en la sociedad digital. Es lo que defiende Lawrence Lessig, catedrático de Derecho en Stanford y fundador de Creative Commons, la alternativa más extendida al copyright. En la era YouTube, en que las herramientas creativas están en manos de millones de personas, Lessig defiende las licencias copyleft, en las que el autor decide qué derechos ejerce y qué libertades otorga a sus usuarios.

León Tolstói estaba avergonzado. Su mujer le presionaba para que aceptara el dinero que procedía de sus derechos de autor, pero él creía que no debían ponerse límites, ni precio, a la extensión de sus ideas. "Para mí es un sufrimiento, una vergüenza", reflexiona en sus Diarios. "¿Por qué debilitar el efecto que podría tener la prédica de la verdad?".

Más de cien años después, Lawrence Lessig se declara dispuesto a devolver al autor la capacidad de decidir cómo quiere que se difundan sus ideas. El catedrático de Derecho Constitucional en la Universidad de Stanford (EE UU) es uno de los mayores especialistas del mundo en derechos de autor. Aunque Lessig ha sido calificado de "radical" por las entidades gestoras de derechos, él defiende el copyright. Sólo que no cree que sea para todo el mundo.

Continuar leyendo "Lawrence Lessig: "La ley está en contra de la nueva creatividad" - PATRICIA F. DE LIS"

Enviado por salonKritik el 6 de Junio | Comentarios (0)

Deseos robados - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

G Vieites
La diversidad del arte feminista desde los años setenta ha abarcado prácticamente todas las estrategias y formatos: las farsas de la feminidad de Cindy Sherman, la crítica a la obscenidad de la guerra de Nancy Spero, el activismo gráfico incriminatorio en las cáusticas estadísticas de Guerrilla Girls, las fotografías terapéuticas de Joe Spence y Eleanor Antin, el accionismo callejero de Mona Hatoum, la experiencia del cuerpo de Ana Mendieta, Eva Hesse y -de manera diferente- Louise Bourgeois, la agudeza melancólica de la primera Pipilotti Rist... A partir de sus trabajos, nos preguntamos, ¿es el término "arte feminista" útil para describir una obra que se sirve de modelos y técnicas radicalmente diferentes de orientación y género? En realidad, todo intento de considerar estas prácticas como una categoría específica de la historia del arte es un error. Digámoslo claro, el feminismo ha transformado y redefinido los términos esenciales de la creación artística al politizar el vínculo entre lo público y lo privado y explorar la "diferencia" del individuo, determinada por el género, la raza y la clase social.

Continuar leyendo "Deseos robados - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 6 de Junio | Comentarios (0)

La «Operación Triunfo» de Oteiza - Anna Maria Guasch

Originalmente en abc.es

Jorge Oteiza
Javier Manzanos, el comisario de la IV Bienal de Sao Paulo, empieza el texto del catálogo intentando imaginar la «experiencia» que Jorge Oteiza pudo disfrutar cuando viajó a Brasil, y justifica su labor curatorial recordando la excitación que le supuso seguir los pasos de Oteiza en el Brasil de 1957. A nosotros, la vista de la exposición ha supuesto también algo más que ver esculturas en peanas, pinturas en paredes y documentos en vitrinas. La IV Bienal de Sao Paulo catapultó a Oteiza al reconocimiento internacional, pero también aportó las claves que definen la compleja y contradictoria personalidad de un escultor que, en pleno apogeo de las vanguardias formalistas de la «alta modernidad», apuntaba hacia otros derroteros que explican el que iba a ser su prematuro abandono (entendido por algunos como fracaso y por otros por su condición de «adelantado») de la escultura.

Oteiza se presentó a la bienal más importante después de la de Venecia como algo más que un escultor abstracto vanguardista. La famosa «Operación H» ( que se inició el 11 de noviembre de 1956 con la firma del contrato entre Oteiza y el empresario navarro Juan Huarte) incluía no sólo el mecenazgo económico necesario para la ejecución de las esculturas en distintos talleres de Madrid (uno de ellos, en Nuevos Ministerios) sino un plan mucho más ambicioso: «la conquista de Sao Paulo».

Continuar leyendo "La «Operación Triunfo» de Oteiza - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 6 de Junio | Comentarios (0)

Lo estás viendo. ¿está pasando? - Miguel Cereceda

Originalmente en abc.es

Expo Aqui Y Ahora 03 Jph
Con el propósito confeso de hacer un balance del momento actual del arte español se presenta Aquí y ahora, colectiva que, a pesar de sus múltiples problemas, puede que termine siendo verdaderamente representativa de la situación artística nacional. No es fácil aceptar que el arte español contemporáneo sea tan asexuado, liofilizado, estéticamente bello e ideológicamente neutro como esta exposición nos lo quiere presentar. No sólo por la estética de jardinería en la que se enmarca, con césped artificial por toda la sala, arbolitos al fondo y flores de cristal en el centro, sino también por la más que dudosa justificación teórica de la selección. Hacer balance en el arte contemporáneo ha sido siempre una ocasión para repasar lo más importante y significativo de la temporada, así como el medio por el que el arte nos permitía intuir el decurso de los tiempos. La comisaria de la exposición ha querido hacer balance en el primer sentido, al modo de los salones de otoño o de los salones de los 16, espigando algunos de los artistas más jaleados de entre los nacidos en los setenta, pero se ha desentendido por completo de la perspectiva que esta nómina pueda arrojar sobre el clima espiritual de nuestra cultura contemporánea.

Continuar leyendo "Lo estás viendo. ¿está pasando? - Miguel Cereceda"

Enviado por salonKritik el 6 de Junio | Comentarios (0)

El «Grand tour» del arte - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

63883
Los síntomas son claros: es lunes y no me quiero levantar, las sábanas pesan como el plomo, ideas empantanadas giran como un burro en la noria. Aunque sé de sobra que la depresión se alimenta de sombras, tengo una «causa» y muchos culpables. Todo comenzó anoche cuando escuche la fatídica expresión «empate técnico»; la mente, lo juro, se me nubló y, a partir de ahí, solo acerté a ver como ínclitos «líderes», empezando por Pepiño Blanco que, para más INRI pronunció en varias ocasiones «resultados ótimos (sic)», se ponían la máscara grotesca de la sonrisa de oreja a oreja y entonaban el alirón. Esa pesadilla en plena vigilia suponía que todos habían ganado. En una catarata se desgranaron pueblos, poderes territoriales, concejalías, diputaciones provinciales e incluso comentaristas dados al florilegio como José Bono (acaso el menos indicado para sacar la jeta esa noche toledana) colaboraban a triturar la poca sensatez que me quedaba. «Empate técnico» era el eje de las letanías y a mí, que en el patatal no me iba nada, se me revolvía el estómago. Tras levantarme a una hora de crápula profesional, he decidido que lo único que podría sacarme de este calamitoso estado sería la Cultura, esa religión contemporánea que flagela sin piedad Marc Fumaroli. He acudido, devotamente, al Reina Sofía de mis amores y me he introducido en una exposición cinética. Tenía que haberlo previsto: he empeorado hasta límites indescriptibles. Resulta que un comisario cubano afincado en ese Museo ha metido a capón todo lo que se mueve o lanza destellos y ha montado un casino demoledor. Es, no exagero, una de las exposiciones más horrendas, paradójicamente con algunas obras maestras, que he visto en mi vida. Tamaño desastre curatorial me ha impulsado a aceptar todas las invitaciones que tenía, desde hacía bastante tiempo, durmiendo el sueño de los justos en mi correo electrónico. Siguiendo la vieja sabiduría homeopática espero que lo semejante con lo semejante se cure. Me voy a lanzar a lo que, lúcidamente, la Sibila de este suplemento (Laura Revuelta) ha calificado como el Grand Tour.

Continuar leyendo "El «Grand tour» del arte - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 6 de Junio | Comentarios (0)

Junio 02, 2007

Andrés Serrano: “Trabajo sobre el lado oscuro de la humanidad pero desde la curiosidad, no desde la maldad o la subversión” - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

6665
Andrés Serrano es ya un clásico entre nosotros. A las numerosas exposiciones que le ha dedicado su galerista española, Juana de Aizpuru, se une la retrospectiva que le dedicó el Artium de Vitoria hace tan sólo unos meses y que ahora recala en el Círculo de Bellas Artes de Madrid como uno de los platos fuertes de este festival. Con una trayectoria internacional de 25 años, el artista, nacido en Nueva York de padre hondureño y madre afro-cubana, ha venido trabajando sobre temas como la religión, la muerte o el sexo. Sus fotografías, de formato grande, tienen el aspecto de las grandes composiciones clásicas y son reminiscentes de su periodo de formación, cuando corría todas las tardes al Metropolitan a ver la obra de los maestros renacentistas. Abandonó su High School con quince años y empezó a estudiar arte en el Brooklyn Museum School. Pintó durante un tiempo pero pronto cambió el pincel por la cámara.

–¿Qué le ofrecía la cámara?
–Cuando dejé la escuela de arte me mudé a un piso con una mujer que tenía una cámara y empecé a hacer fotos. Me interesó la posibilidad de crear imágenes sin tener que pintarlas o dibujarlas pues, como descubrí en la escuela, no conseguía pintar y dibujar como quería.

Continuar leyendo "Andrés Serrano: “Trabajo sobre el lado oscuro de la humanidad pero desde la curiosidad, no desde la maldad o la subversión” - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 2 de Junio | Comentarios (0)

Satánica majestad del exceso - ITZIAR BILBAO URRUTIA

Originalmente en CULTURA | s de La Vanguardia

Kate Moss fue recientemente expulsada de la gala de premios del NME, la revista de pop y rock con más solera de Gran Bretaña, por darse el lote con su novio, Pete Doherty de los Babyshambles. Eligieron retirarse a un reservado a meterse mano, cuando en realidad deberían haber estado otorgando figurillas a sus amiguetes famosos.

Primal Scream, a los que debería haber presentado un premio, le dedicaron el galardón con un irónico: "gracias, guapa". Para entonces, Kate y Pete estaban, según nos asegura la prensa amarilla, enredados en un callejón de la parte trasera del teatro. Quizás sea un feo a sus amigos, pero no es exactamente lo que llamaríamos escándalo público.

Sobre todo, en la esfera del rock.

Continuar leyendo "Satánica majestad del exceso - ITZIAR BILBAO URRUTIA"

Enviado por salonKritik el 2 de Junio | Comentarios (0)

Beckett irreductible - MANUEL GUERRERO

A propósito de Samuel Beckett CENTRE POMPIDOU PARÍS y Alain Badiou, Beckett. El infatigable deseo ARENA LIBROS.

Originalmente en CULTURA | s de La Vanguardia


Beckett
Una gran ampliación de un espléndido retrato fotográfico de Samuel Beckett, realizado por Lüfti Özkök, en París, en 1960, preside la fachada del Centre Pompidou. Austero, con chaqueta oscura, apoyado con el brazo derecho sobre una mesa, con sus inconfundibles cabellos cortos grises erizados, el viejo Sam, impenetrable, con gesto severo y desconfiado, parece observarnos, detrás de sus gafas redondas, con su mirada penetrante, para contagiarnos su silencio y su quietud. El contraste de esta mirada limpia y inquietante con el gran supermercado del arte contemporáneo que nos ofrece la nueva disposición de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno para celebrar los 30 años del Centre Pompidou es altamente significativo. Ante la opulencia, la acumulación, el exceso y la falta de discurso, se agradece una exposición clara y exigente como la de Marianne Alphant y Nathalie Léger dedicada a Samuel Beckett (1906-1989). Un año después de la commemoración del centenario del gran escritor irlandés, esta muestra nos permite conocer su singular percurso creativo en toda su complejidad y diversidad así como destacar la influencia decisiva que su obra ha tenido en el arte del siglo XX. Pocos escritores han tenido la irradiación que ha tenido

Continuar leyendo "Beckett irreductible - MANUEL GUERRERO"

Enviado por salonKritik el 2 de Junio | Comentarios (0)

El arte que une tecnología e industria - ROCÍO DE LA VILLA

Originalmente en CULTURA | s de La Vanguardia

Laboral-1
Si todo programa inaugural ha de ser una declaración de intenciones, Feedback sirve para dejar planteadas las bases de una forma de entender el arte en conexión con la tecnología y su influencia en el tejido social, Gameworld asegura el compromiso del Centro con la industria de la sociedad de la comunicación y LABciberespacios anuncia la importancia que se pretende que tenga su Oficina de Proyectos, para pulsar e incentivar la producción en torno a debates del presente sobre las relaciones entre arte, tecnología e industria. Tres exposiciones modélicas, a cargo de comisarios de reconocido prestigio internacional y con un impresionante montaje de Leeser Architecture - premiado estudio neoyorquino especializado en la incorporación de tecnología digital en arquitectura, sea de museos públicos o entidades bancarias privadas.

Continuar leyendo "El arte que une tecnología e industria - ROCÍO DE LA VILLA"

Enviado por salonKritik el 2 de Junio | Comentarios (0)

Mayo 28, 2007

De uno y otro lado - Nilo Casares

Originalmente en abc.es

78
Para entender la bienal de Valencia de esta edición -bueno, el Encuentro entre dos mares. Bienal São Paulo-Valencia, que así han decidido llamar ahora a esta bienal en reconstitución-, lo mejor es pasar de puntillas sobre lo visto en la ciudad y correr hacia las afueras, para encontrar refugio en La Nave de Sagunto, donde el dúo americano Kewin Power y Ticio Escobar, responsables de Otras contemporaneidades. Convivencias problemáticas, y el cuarteto español Alberto Cruz, Ricardo Forriols, Fernando Golvano y Piedad Solans, de Anámnesis. Encrucijadas de la memoria y astucias de lo real, consiguen un verdadero entendimiento entre dos mundos tan distintos.

Las 7 diferencias.
Es importante resaltar la diferencia conseguida entre las obras americanas y las españolas: las primeras giran sobre la violencia social a flor de piel, tal vez para mejor reflejar eso que las estadísticas dicen representa la realidad del otro lado del charco, aunque las cosas nunca sean así del todo: no hay más que ver las cosas más de cerca para sorprendernos con la frivolidad también al otro lado del Atlántico, de lo que serían buena prueba los Autorretratos de Thelma Saraiva da Rocha. Fuera de este caso, la representación americana mete el dedo en el ojo de la violencia hasta resultar por momentos tan molesto como son este tipo de cosas.

Continuar leyendo "De uno y otro lado - Nilo Casares"

Enviado por salonKritik el 28 de Mayo | Comentarios (0)

Ian Curtis canta desde su tumba - DIEGO A. MANRIQUE

Originalmente en ELPAIS.com

Ocurrió el 18 de mayo de 1980. Solo en su casa de Manchester, Ian Curtis se enfrentó a su angustiosa situación. Su esposa, Deborah, insistía en el divorcio. Vio Stroszek, una tragicomedia de su director favorito, Werner Herzog. Escuchó The idiot, un disco introspectivo de su amado Iggy Pop. En algún momento de la noche se ahorcó en la cocina. Tenía 24 años.

Veintisiete años después, Ian Curtis sigue, de alguna manera, vivo. Sus canciones mantienen una enorme influencia y una película sobre su vida, Control, se acaba de presentar en el festival de Cannes dando fuelle a la recuperación de su extraña figura.

Pero volvamos a 1980. El día en que murió, sus compañeros no daban crédito. En unos días, Joy Division iniciaba una gira por EE UU y el cantante parecía excitado por la aventura. Sabían que Ian había intentado suicidarse tragándose un puñado de medicamentos, pero creían que era un gesto para la galería. Ingleses al fin y al cabo, en el grupo no se hablaba de sentimientos personales. Además, Joy Division se había situado en la cresta de una ola llamada after punk y la gloria estaba al alcance de la mano.

Continuar leyendo "Ian Curtis canta desde su tumba - DIEGO A. MANRIQUE"

Enviado por salonKritik el 28 de Mayo | Comentarios (0)

Se alza el telón - Anna Maria Guasch

Originalmente en abc.es

Aw1653-Nauman~Falls-Pratfalls-Sleights-Of-Hand-Posters
El «modelo» de museo del MACBA crea opinión. Y continúa haciéndolo desde las teorías de Michael Fried, que ha sido el «leiv motiv» de la presente temporada expositiva, iniciada con la muestra Absorción y teatralidad hasta la actual Un teatro sin teatro. Fried protagonizó a finales de los sesenta una agria polémica por enfrentar a los minimalistas, que buscaban «integrar distintas artes», con los defensores de las esencias «irreductoras» y las disciplinas puras. La identificación del «espacio del arte» con el «espacio del espectador» que implicaba el minimalismo derivaba en el teatro y, consecuentemente, «pervertía» (o «corrompía») las auténticas esencias del arte.

Nuevas páginas.
Es esta identificación del espacio del arte con el del espectador la que sirve de hilo conductor al MACBA para crear «opinión» y reescribir algunos capítulos de la Historia del arte del siglo XX. Una Historia en la que aparecen nuevos nombres fundamentales, como el de Alain Badiou (la contraofensiva a Fried) y su defensa del teatro como acontecimiento que supera la imagen fotográfica o cinematográfica y que informa de una de las pasiones del siglo XXI: la transformación del mundo y la llegada de un Hombre Nuevo.

Continuar leyendo "Se alza el telón - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 28 de Mayo | Comentarios (0)

¿Han desertado las musas de nuestros museos? - Román GUBERN

Originalmente en EL CULTURAL.es

20538 1
Decididamente, los parques temáticos y la realidad virtual inmersiva están mordiendo espectacularmente el terreno al modelo de museo tradicional, descendiente de aquel Museo Británico fundado en 1753 en Londres, depositario de un patrimonio heteróclito, en el que se mezclaban los frutos de la rapiña colonial -desde Alejandría a Atenas- y las donaciones de próceres, como el doctor Sloane o la biblioteca de Jorge III. Su identidad un poco monstruosa se fue formando por agregación, del mismo modo que las capas geológicas erigen una montaña en el paisaje, en este caso en el paisaje de cemento y humo londinenses. Distinto fue el caso del Museo del Louvre, que se alzó erigido en 1791 como primer "archivo de imágenes" público de la historia de la humanidad. Este modelo fue, en realidad, un depósito o almacén que los poderes públicos revolucionarios abrían al pueblo (léase la burguesía ilustrada) para que pudiera admirar los bienes artísticos incautados a la realeza y a la aristocracia en el torbellino social republicano. Se tardó mucho tiempo en organizar racionalmente el interior de esta gran vitrina, agrupando ordenadamente sus piezas por épocas, escuelas o artistas.

Continuar leyendo "¿Han desertado las musas de nuestros museos? - Román GUBERN"

Enviado por salonKritik el 28 de Mayo | Comentarios (0)

Como en un sueño - Enrique Lynch

Originalmente en Las Nubes

200 12Inland-Empire-Dern1 1166001774
La idea convencional de la memoria es la agustiniana: un reservorio o tesoro que conserva imágenes de las cosas y todo tipo de elementos que se guardan, nadie sabe por qué. Ciertas nociones aprendidas o imaginadas, las leyes de los números y la forma de las cosas, las objeciones argumentativas, los estados del alma que interpretamos como alegrías o tristezas (Agustín, Confesiones, 399). Así pues, recordar es para Agustín una prueba elíptica o recursiva del dualismo, porque no parece que la memoria tenga un lugar asignado en el cuerpo –de hecho, de acuerdo con las actuales investigaciones sobre las funciones neuronales, tampoco lo tiene en parte alguna del cerebro– de manera que su existencia sólo puede explicarse si nos pensamos dobles, como un compuesto de cuerpo y alma. La memoria es, por lo tanto, un testigo fidedigno de que hay un alma en nosotros.

La disquisición sobre si esa alma, en el fondo, es o no somática, es ciertamente metafísica, por mucho que se esmeren los científicos en dar cariz diferente, más o menos materialista o fisicalista, a sus discusiones sobre la naturaleza de la conciencia, así que no vamos a incursionar en ese terreno. Nos interesan mucho más algunos otros matices que apunta Agustín de Hipona a propósito de la memoria; por ejemplo, cuando observa que no hay conocimiento de lo nuevo sino de lo recordado en tanto que reconocido en la memoria (Agustín, Confesiones, 415) y, más aún, cuando se detiene a considerar esa extraña circunstancia que se da en el momento en que reconocemos algo olvidado, lo que permite pensar que, en términos de pensamiento, somos capaces de un “recuerdo del olvido”, es decir, que la memoria conserva –sea lo que sea que quiera decirse con esta fórmula– reminiscencia de lo olvidado y es capaz de su función inversa, esto es, de olvidar. Sabemos que las meditaciones de Agustín en las Confesiones conducen a la afirmación de la experiencia de Dios, objeto del que no puede haber experiencia posible y, por lo tanto, tampoco puede haber memoria porque, en cuanto presencia, no está y, en cuanto memoria, de Él no podemos hacernos imagen. Se diría entonces que el alma agustiniana se encuentra, se topa (o se reencuentra) con Dios a través del recuerdo de un olvido. De esta manera, Dios puede “estar”en nosotros sin haber dejado rastro, simplemente porque recordamos haberlo olvidado.

Continuar leyendo "Como en un sueño - Enrique Lynch"

Enviado por salonKritik el 28 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 22, 2007

Salto al vacío - ROBERTA BOSCO

Originalmente en ELPAIS.com

Imagen Video Electrones Libres
Una chica se pasea insegura en la plataforma de un trampolín, sin decidirse a saltar, mientras que la gente alrededor de la piscina la mira expectante. La duda vital que expresa el vídeo de Johanna Billing, incluido en la exposición Electrones Libres, ya no parece afectar a Tabacalera, el nuevo Centro Internacional de Cultura Contemporánea (CICC) de Donostia/San Sebastián. Tras un arranque dificultoso, Tabacalera da inicio a su nueva etapa como "fábrica de cultura" bajo la dirección de Joxean Muñoz, con esta exhibición, la primera de producción propia, que reúne doce obras audiovisuales de artistas internacionales, seleccionados por Carolina Grau, en los fondos de la colección de Isabelle y Jean-Conrad Lemaître. Sin embargo, aunque esta pareja de incansables viajeros, apasionados del vídeo, empezó a adquirir obras en España, la selección no incluye a ningún artista nacional.

Continuar leyendo "Salto al vacío - ROBERTA BOSCO"

Enviado por salonKritik el 22 de Mayo | Comentarios (0)

Apología del «píxel» - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abc.es

6 G
Nacido en Francia, residente en Nueva York, Stepeh Dean (París, 1968), celebra su primera individual en nuestra capital en medio de cierta expectación que lo acompaña tras su presencia en la última Bienal de Venecia, la inminente inclusión de parte del proyecto que hoy nos ocupa en el MoMA, de San Francisco, y, en general, un impecable currículum jalonado de los tópicos ya habituales a que nos tiene acostumbrado el perfil medio de artista prometedor de su generación, que Dean representa a la perfección: inquieto, altamente profesionalizado, atendido por el coleccionismo institucional tanto como por el sector privado, con el don de la ubicuidad, facilidad de producción, operando bajo premisas de rápida asimilación en un contexto globalizado, etcétera.

Y, sin embargo, a pesar de que pareciera ocioso tener que recordarlo, lo cierto es que bien poco es lo que se garantiza realmente [sic] en arte a pesar de semejantes preámbulos, aun todavía hoy, cuando parecen irresistibles los manejos del telemarketing mundial que, a la postre, terminan siendo igual de implacables y fungibles para todos: los elegidos, los que no. Total que, para asombro, fastidio o tedio de algunos, a diario nos encontramos con casos como el suyo, donde el éxito alcanzado es directamente proporcional a la capacidad de la obra para ocupar un lugar extensivo y plano en la medida de lo posible; unidireccional si cabe, infalible en su propia evidencia, de mínima conflictividad, y que se mueva con absoluta comodidad en medio del ornamento entendido en su sentido más laso y dudoso: la decoración epidérmica, las lindes de lo banal.

Continuar leyendo "Apología del «píxel» - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 22 de Mayo | Comentarios (0)

Gratos encuentros - Anna Maria Guasch

Originalmente en abc.es

21378940794616Aeea19275
El peculiar estilo «curatorial» del Centro de Arte Santa Mónica parece imponer cada día una fórmula según la cual las exposiciones se contextualizan más por el hecho de aportar penetrantes o perspicaces conexiones entre las obras que por la necesidad de recurrir a temáticas o taxonomías comunes. Las muestras de Santa Mónica -y sirvan de ejemplo las de Ceal Floyer, Montserrat Soto y Jill Magid- no aluden a aspectos de contenido, sino a encuentros y yuxtaposiciones que proporcionan nuevas percepciones y, a la vez, nuevas lecturas sobre las obras expuestas. De ahí que lo que más nos ha interesado de la presente entrega sean los diálogos que encontramos entre los espacios plagados de «silencios» de Montserrat Soto y los mínimos, ascéticos y simples de Ceal Floyer.

Continuar leyendo "Gratos encuentros - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 22 de Mayo | Comentarios (0)

Memoria y panorámica - Javier Rubio Nomblot

Originalmente en abc.es

010010111010110
Es ésta la exposición más recapitulatoria que ha programado el MEIAC desde su fundación en 1995, y posee cierto carácter conmemorativo: el museo se agita, y ya el año pasado, citas como Meta-morfosis -donde 26 artistas versados en lo que el propio centro consideró como «el nuevo arte del siglo XXI», es decir, «el arte conceptual generativo, el Net-art, el hacktivismo y el bioarte» reflexionaban sobre el futuro de la institución-, o las incluidas en el ciclo Post-Local Projects -un programa de producción de obras in situ- demostraron que el museo dedica buena parte de sus recursos a pensarse a sí mismo -simultáneamente como museo y como centro de arte, un equilibrio al que otros ya ni siquiera aspiran- y a tratar de permanecer permeable a lo que haya de venir. Por otra parte, el MEIAC nació con la vocación de promover el estudio de la Historia y del patrimonio artístico extremeño (ocupando en él un lugar destacado las obras de Ortega Muñoz, Barjola y la fotógrafa de la Hispanic Society Ruth Matilda Anderson, por ejemplo), lo cual suele traducirse en exposiciones que contraponen a los «estereotipos del nacional-regionalismo» una modernidad que siempre parece en trance de irrumpir (porque tal vez sea sólo el enésimo espejismo). Esta exposición, Secuencias 76 / 06. Arte contemporáneo en las colecciones públicas de Extremadura, resume lo pretendido y lo realizado por el museo en estos años y es reflejo de su filosofía y de sus nuevas inquietudes. Su catálogo, de casi seiscientas páginas y textos de una veintena de autores es, salvo error, el más voluminoso que ha editado el MEIAC.

Continuar leyendo "Memoria y panorámica - Javier Rubio Nomblot"

Enviado por salonKritik el 22 de Mayo | Comentarios (0)

Y llegó para quedarse - Javier Montes

Originalmente en abc.es

Nam-June-Paik-Tv-Cello
El éxodo de muchos artistas hacia el vídeo empezó a finales de los sesenta. Desde entonces el arte de imágenes en movimiento (distinto del cine tradicional, aunque las fronteras de uno y otro son lábiles e inciertas) ha recorrido un trecho largo: de los laboratorios experimentales de las televisiones públicas europeas hasta las pantallas ultra-planas en los salones de los coleccionistas más modernos. Ha tanteado todo tipo de experimentos formales y narrativos, desde la pura y simple imagen en pantalla (eso que los iniciados llaman monocanal) hasta la documentación de acciones, las performances filmadas y las instalaciones cada vez más complejas; de la película con principio y fin a la proyección en bucle, de las piezas de pocos segundos a las que se alargan días enteros. Y se ha adaptado sobre la marcha a la evolución de los soportes y del software: del celuloide al vídeo, del cátodo al bit, del CD-Rom y del DVD a Internet y la imagen informatizada.

Continuar leyendo "Y llegó para quedarse - Javier Montes"

Enviado por salonKritik el 22 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 19, 2007

Siegfried Kracauer, trapero del espíritu - Alberto Ruiz de Samaniego

Originalmente en abc.es

El clima convulso de la Alemania de entreguerras propició el surgimiento de una serie de ensayistas y pensadores que hubieron de capear con desigual fortuna el temporal socio-político que se avecinaba tras la República de Weimar. Resulta bien conocido el caso de Walter Benjamin, no tanto el de Siegfried Kracauer (1889-1966), de quien el Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos técnicos de la región de Murcia acaba de editar, en edición y traducción de Vicente Jarque, bajo el título Estética sin territorio, una selección de textos relevantes para conocer la figura de este pensador extraño, disperso, atento -como él mismo señalara- a las exigencias del día; en la creencia de que en esta práctica puntillosa -incluso puntillista- radica «la sola y única solución ante la ruidosa condición aparencial de la época». Kracauer es, ciertamente, un pensador sintomático, en todo el sentido del término. Está convencido, por ejemplo, de que el contenido básico de una época y sus impulsos inadvertidos pueden aclararse mutuamente.

Dimensión simbólica.
En ese sentido, podemos comprobar en sus escritos el esfuerzo continuo por tratar de entender el más simple de los fenómenos bajo una dimensión simbólica, como algo que remite a otras muchas situaciones o acontecimientos de mayor alcance o profundidad. Como en el caso de Benjamin o de Adorno, sobre quienes escribió, encontramos en Kracauer un mismo espíritu asistemático y, al tiempo, una difícil exigencia de claridad conceptual. Lo importante es que Kracauer considera que en todas y las más mínimas expresiones de la vida se encuentran innumerables relaciones, y que ninguna puede ser separada de las conexiones en que se encuentra con las otras. La idea de constelación benjaminiana no se halla nada lejos de aquí. «El más insignificante acontecimiento -escribe Kracauer- remite hacia abajo a los pozos del alma; a cada suceso se le puede arrancar desde uno u otro punto de vista un sentido significativo».

Continuar leyendo "Siegfried Kracauer, trapero del espíritu - Alberto Ruiz de Samaniego"

Enviado por salonKritik el 19 de Mayo | Comentarios (0)

Supercuerdas y desacuerdos - Andrés Ibáñez

Originalmente en abc.es

Una de las últimas etapas en la discusión entre los que defienden las supercuerdas y los que defienden la «paradoja del diseño inteligente» la constituye el libro de Leonard Susskind The Cosmic Landscape: String Theory and the Illusion of Intelligent Design. No he leído el libro, pero sí la extensa, erudita y fascinante reseña que le ha dedicado José Luis Fernández Barbón, profesor de la UAM e investigador del CSIC, en la Revista de libros.

Al parecer, la última baza de los «antrópicos» (y me apresuro a pedir perdón por las deformaciones que mi ignorancia va a introducir inevitablemente en mi exposición) consiste en relacionar la idea del «diseño inteligente» con la del «multiverso».

Continuar leyendo "Supercuerdas y desacuerdos - Andrés Ibáñez"

Enviado por salonKritik el 19 de Mayo | Comentarios (0)

Los intelectuales y el adiós a Mayo del 68 - Fernando Rodríguez Genovés

Originalmente en abc.es

Z1(16)20070517
Según opinión muy extendida entre los analistas políticos, la victoria en las pasadas elecciones presidenciales francesas de la candidatura liberal-conservadora liderada por Nicolas Sarkozy, frente a la opción socialista, representada por Ségolène Royal, trasciende con mucho la política doméstica gala. No examinaremos aquí las repercusiones de orden estratégico y en las relaciones internacionales, tanto a escala de la órbita europea como en la perspectiva del orbe en su conjunto, que, no cabe duda, concurren en este caso y son de gran alcance. Reparemos ahora, aun sin ignorar lo anterior, en una circunstancia de tipo cultural -subgénero, intelectuales-, a saber: la tendencia hacia la reorientación ideológica y el cambio de rumbo en cuanto al celebérrimo «compromiso» observada estos últimos tiempos en buena parte de los intelectuales, y verosímilmente confirmada tras los comicios en el país vecino.

Anuncio en montpellier.
Una declaración pública de Sarkozy en el cierre de la campaña electoral ante más de quince mil seguidores en Montpellier, puede darnos un indicio revelador de este fenómeno: «Quedan dos días para decir adiós a la herencia de Mayo del 68». El testimonio no es anecdótico ni el hecho, trivial. Tampoco cabe archivar el augurio como una promesa electoral más.

Continuar leyendo "Los intelectuales y el adiós a Mayo del 68 - Fernando Rodríguez Genovés"

Enviado por salonKritik el 19 de Mayo | Comentarios (1)

Pierre Huyghe: "El entretenimiento no hace mal a nadie. El arte estúpido y las ideas estúpidas, sí" - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL.es:

20530 1
El sábado -19 de mayo- se inaugura A Time Score, el proyecto que el artista francés Pierre Huyghe ha concebido para el MUSAC, bajo el comisariado de Marta Gerveno y Agustín Pérez Rubio. Huyghe, que presenta ahora su trabajo de forma individual por vez primera en España, lleva quince años palpando los límites del arte, de la representación, desde una perspectiva lúdica y a un tiempo profunda. León de Oro en la Bienal de Venecia de 2001, Huygue ha realizado una visita relámpago a León y ha hablado con El Cultural de su inminente première española, de algunas de sus obras ya míticas y de la deriva del arte de hoy.

"Estamos en el año 2001. Entre las montañas y la orilla del río Hudson, un pequeño pueblo crece lentamente. Las familias están llegando, las casas y las calles están ya listas, los jardines crecen y los parques pronto estarán llenos". Con estas palabras describía Pierre Huyghe algunas de las pautas de uno de sus proyectos más conocidos, Streamside Day. El 11 de octubre de 2003, organizó en el pequeño y aún joven complejo residencial de Fishkill, al norte del estado de Nueva York, una serie de actos para festejar la creación de la nueva comunidad, Streamside Knolls. A lo largo del día se plantó un arbol conmemorativo, se montaron desfiles en los que participaron los diferentes estamentos de la comunidad (bomberos, policía...) así como figurantes disfrazados de animales, y se distribuyeron puestos de hamburguesas y perritos.

Continuar leyendo "Pierre Huyghe: "El entretenimiento no hace mal a nadie. El arte estúpido y las ideas estúpidas, sí" - Javier HONTORIA"

Enviado por salonKritik el 19 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 15, 2007

GASTROVILLE Y GESAMKUNSTWERK - Peio Aguirre

Publicado originalmente por Peio Aguirre en su blog: peioaguirre.blogspot.com

Elbulli-008968
Hola, a continuación publico un fragmento de una conversación de dos prestigiosos chefs sobre la cocina como arte y sobre el arte de la cocina. La participación de Ferrán Adriá como cocinero-artista se entiende como una batalla del gremio (cocineros) en busca de su reconocimiento como "artistas". Ya lo deciamos en otro sitio, la actitud de Roger M. Buergel con respecto a esta decisión sentará un antes y un después. ¿La cuisine como el 8 arte? Habrá que verlo. De momento no es extraño en el contexto vasco encontrar estas colaboraciones entre los "sentidos" que reunen a poesía, pintura, música y gastronomía. Siempre habrá algún mito griego que los reuna. Por ejemplo una exposición en el Koldo Mitxelena de San Sebastián ahora mismo. Si la industria del vino, como bien apunta el sociólogo David Harvey, ha sido pionera en la cuestión de la renta del suelo, ahora esta misma industria aliada con el empuje mediático-social de los cocineros como celebridades amenaza con introducirse en el territorio cultural. ¿Berasategui, Arzak y compañía al lado de Chillida y Oteiza? Tiempo al tiempo pero el proceso de encumbramiento está siendo similar.

Continuar leyendo "GASTROVILLE Y GESAMKUNSTWERK - Peio Aguirre"

Enviado por salonKritik el 15 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 13, 2007

Retrato del monstruo como joven artista - J. M. Coetzee

Originalmente en abc.es

Hite12
En su doble biografía sobre los que fueron los dos carniceros más sangrientos y los peores monstruos morales del siglo XX, Stalin y Hitler (¿pero no aparece Mao ahí con ellos?, ¿y no se hace referencia a Pol Pot?), Alan Bullock reproduce, una junto a la otra, las fotografías de clase de unos jóvenes José y Adolfo tomadas en 1889 y 1899 respectivamente o, dicho de otro modo, cuando ambos rondaban los diez años. Contemplando los dos rostros, intentamos divisar cierta esencia, algún halo oscuro, algún malicioso indicio de los horrores que estaban por venir; pero las fotografías son antiguas, la definición es pobre, no podemos estar seguros y, además, una cámara no es una herramienta que sirva para adivinar.

Conciencia moral.
La prueba de la foto de clase -¿cuál será el destino de estos niños?, ¿cuáles llegarán más lejos?- es especialmente incisiva en el caso de Stalin y Hitler. ¿Es posible que algunos de nosotros seamos malos desde el momento en que abandonamos el útero materno? De lo contrario, ¿cuándo entra el mal en nosotros y cómo? O, por formular la pregunta de una manera no tan metafórica, ¿cómo es que algunos de nosotros nunca desarrollamos una conciencia moral que nos refrene? En relación con Stalin y Hitler, ¿radicó el fallo en el modo en que fueron criados? ¿En las prácticas educativas de Georgia y Austria de finales del siglo XIX? ¿O en realidad los niños desarrollaron una conciencia y la perdieron más tarde? En el momento en que eran fotografiados, ¿José y Adolfo todavía eran muchachos normales y agradables y se convirtieron en monstruos después, tal vez a consecuencia de los libros que leyeron, las compañías que frecuentaron o las presiones de su época? ¿O, al fin y al cabo, no tenían nada de especial ni antes ni después? ¿Acaso el guión de esta historia sencillamente requería dos carniceros, uno de Alemania y otro de Rusia, y si José Dzhugashvili y Adolfo Hitler no se hubiesen encontrado en el lugar adecuado en el momento adecuado la Historia habría encontrado otro par de actores igual de buenos (es decir, igual de malos) para interpretar los papeles?

Continuar leyendo "Retrato del monstruo como joven artista - J. M. Coetzee"

Enviado por salonKritik el 13 de Mayo | Comentarios (0)

El artista que odiamos amar - Javier Montes

abc.es

Beuys Port Dpa 400Q
Beuys el utopista, el exorcista, el pintor, el escultor, el diseñador gráfico, el performer, el sanador, el teórico del arte, el político, el poeta, el dandy, el hombre de las cavernas, el profesor, el líder carismático, el chamán, el padre de familia, el miembro de las juventudes hitlerianas, el héroe de guerra, el que descendió a los infiernos y resucitó de entre los muertos. Incombustible, en el sentido más literal de la palabra (según su poética y estupenda versión de los hechos, sobrevivió envuelto en fieltro y grasa a las quemaduras tras el accidente del avión militar que pilotaba sobre Crimea), desde los cincuenta y hasta su muerte en los ochenta, Beuys dedicó tanto tiempo a moldear una mitología personal como un abrumador corpus de obras. Y en realidad entreveró una y otras hasta hacerlas indistinguibles. Aún hoy resulta difícil -y quizá inútil- separar hombre y obra, realidad y ficción, carisma y calidad al acercarse a un trabajo que, pese a quien pese, parece haber conservado sus cualidades ignífugas. Beuys tuvo el don de la conciliación de opuestos: el libertario demócrata del «arte para todos» enseñaba en Düsseldorf ni más ni menos que escultura monumental. El condecorado dos veces con la Cruz de Hierro se reconvirtió en político pacifista y verde.

Continuar leyendo "El artista que odiamos amar - Javier Montes"

Enviado por salonKritik el 13 de Mayo | Comentarios (0)

Carlos Garaicoa. Transeúnte por las palabras - Mariano NAVARRO

Originalmente en EL CULTURAL.es

20470 1
La mirada tiene un elemento literario”, le dijo Carlos Garaicoa a Thomas Loeb en una conversación que mantuvieron en 2004; y ese componente resulta, creo, más definitorio y determinante en su trabajo que aquél que más veces ha sido resaltado por la crítica: su interacción con la arquitectura.También cabe decir que lo textual no conocería lo poético o sarcástico si no fuese por la potencia de las imágenes y, al revés, que sus edificios y ciudades no resultarían jamás tan sugerentes si no fuese por la narración que los genera.

Carlos Garaicoa es un hijo de la revolución que ha transitado, fundamentalmente, por una Habana encaminada a la ruina y cubierta, eso sí, de una piel escrita de consignas y lemas. Califica su relación con la memoria de “violenta” y los vínculos de los cubanos con su ciudad natal de “nostágicos”. Un choque entre la persona y lo colectivo, en el que la primera tiene la voluntad no sólo de recuperar lo que perdió, sino de curar y sanar la ciudad del presente. El recuerdo, pues, como terapia social de la angustia y desesperanza contemporáneas. Él mismo ha insistido tanto en considerar sus instalaciones como recreación de los objetos como si fuesen fragmentos importantes de la historia –así, por ejemplo, la idea de devolver a Rusia, remitiéndola en sellos postales, la estética soviética que todavía hoy inunda las ciudades cubanas–, como en el carácter nada utópico de sus propuestas arquitectónicas. “No se trata de simples construcciones mentales o debates sobre la posibilidad de transformación de una ciudad, sino de propuestas actuales sobre sitios reales. Para mí la arquitectura es una forma de debatir cuestiones que otros artistas debaten por medio de la pintura o de la escultura”.

Continuar leyendo "Carlos Garaicoa. Transeúnte por las palabras - Mariano NAVARRO"

Enviado por salonKritik el 13 de Mayo | Comentarios (0)

Mayo 05, 2007

La impugnación de Narciso - CARLOS JIMÉNEZ

Originalmente en ELPAIS.com

Img-36-1
Son vídeos realizados sin medios, con equipos domésticos. A los artistas hispanoamericanos les sobran temas y eso compensa con creces las otras limitaciones. El Museo Colecciones ICO de Madrid presenta veinte ejemplos de esta impactante producción en la que la gente se refleja a sí y a su entorno a la vez que aproximan a los demás a una realidad cruda con una estética propia.

Esta exposición es una refutación por un serio alegato en contra de Rosalyn Krauss, quien sostiene que la estética del vídeo es inevitablemente una estética narcisista. Y no es que falten en ella obras como la del colombiano Óscar Muñoz, que es de hecho un autorretrato, en el que él -como el Narciso del mito clásico- se mira en el espejo de las aguas, ni como la del ecuatoriano Juan Caguana, que es narcisista por partida doble o triple. En primer lugar porque su vídeo sin título es de hecho el autorretrato de quien se ve a sí mismo reflejado en oscuro espejo de una cristalera. Y en segundo lugar porque en ese mismo autorretrato en movimiento él aparece dibujando con el dedo y sobre el polvo de la cristalera el perfil de aviones, de barcos, de coches o de personajes de cómic partiendo siempre del esquema de una polla, que es tanto el símbolo desafiante de su propia identidad sexual como la expresión de su deseo de exhibirse como grafitero: ese narcisista anómico de la gran ciudad.

Continuar leyendo "La impugnación de Narciso - CARLOS JIMÉNEZ"

Enviado por salonKritik el 5 de Mayo | Comentarios (0)

Escenarios de un crimen - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

Hiperarquitectura
Los surrealistas se apropiaron de las fotos callejeras de Eugène Atget, deliberadamente "antiartísticas", y Walter Benjamin recordaba que aquellos caminos de París estaban representados como si fueran "escenarios de un crimen". La fotografía es persuasiva, se presta a ser descontextualizada, a parecer más enigmática, más melancólica, o sencillamente más real -¿hiperreal?- con el fin de ser expuesta en galerías, museos, o a ser publicada en forma de libro. Ahí radica hoy su ser absolument moderne, tal como pedía Rimbaud. El vínculo que une la imagen fotográfica con el mundo ha cambiado por completo el carácter de la representación.

Continuar leyendo "Escenarios de un crimen - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 5 de Mayo | Comentarios (0)

El turista intencionado - ALBERTO MARTÍN

Originalmente en ELPAIS.com

Parr New Brighton Martin Parr es un fotógrafo del exceso, inclinado a poner en evidencia las facetas más corrientes y banales, a menudo grotescas, de los modos de vida dominantes en la sociedad contemporánea. Su mirada incisiva, satírica y casi siempre cargada de un acusado sentido del humor, le han convertido en uno de los principales cronistas visuales de nuestro tiempo y nuestras costumbres. Su práctica documental, de apariencia ligera, directa y muy sintética, que transita con frecuencia por la provocación, está bien asentada en un estilo muy personal construido desde mediados de los años ochenta, en el que destacan un acentuado uso del contraste y la saturación del color, ángulos y puntos de vista que resaltan lo paradójico y lo contradictorio, o la utilización radical del primer plano y el desenfoque. Con Martin Parr nos encontramos cara a cara con lo excesivo, los excesos de lo social, del consumo, del turismo, de la banalidad, de los procesos de globalización, pero también nos confrontamos a los excesos en el uso de la imagen, a su estandarización y proliferación, a su mediatización por la propaganda y la publicidad, a la estética saturada.

Continuar leyendo "El turista intencionado - ALBERTO MARTÍN"

Enviado por salonKritik el 5 de Mayo | Comentarios (0)

El ojo de cristal frente al mundo - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abc.es

Candida Hoffer Handelingenkamer
El sello que Candida Höfer (1944) imprime a sus trabajos es casi inconfundible, y más ahora, cuando, con el paso de los años, buena parte de los condiscípulos de aquella neo-objetividad alemana que tanto compartían al principio se han ido distanciando sutil y heterodoxamente de las exitosas premisas que les impartieran los Becher desde su docencia en la Kunstakademie de Düsseldorf, articulando uno de los focos de mayor relevancia internacional en el ámbito de la fotografía de las tres últimas décadas.

Pero, frente a la experimentación o paulatina deriva hacia nuevos territorios que han asumido casi todos ellos, Höfer ha optado por otra estrategia: la de la máxima fidelidad, consolidado su voz a partir de la afirmación constante e indudable de un catálogo restringido que explota al máximo infinitas variantes ofrecidas por un registro corto y por completo localizado, lo cual le ha llevado a recrear una suerte de clasicismo de sí misma donde caben pocas dudas y prácticamente blindado a la objeción.

Continuar leyendo "El ojo de cristal frente al mundo - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 5 de Mayo | Comentarios (0)

Hegel y la epopeya de la conciencia - Mariano Álvarez Gómez

Originalmente en abc.es

Hegel
Se cumplen doscientos años de la publicación de la «Fenomenología del espíritu», de Hegel, obra cumbre de la filosofía, que invita al lector a encontrar en ella su propia experiencia intelectual. Hegel concibe su Fenomenología como el modo de legitimar, desde el desarrollo de la conciencia, la verdad propia de la filosofía, fundamento de toda otra verdad. En su realización se ponen de manifiesto una serie de aspectos que representan otras tantas innovaciones respecto de lo que venía siendo la actividad filosófica. De tales aspectos pueden mencionarse los siguientes.

1. Es propio de la verdad aparecer de una forma determinada en el tiempo, no por casualidad ni como efecto de meras ocurrencias ocasionales, sino como exigencia del tiempo mismo. La verdad va pues aconteciendo, como con posterioridad han puesto de relieve, desde su propia perspectiva, tanto Heidegger como Gadamer. Además de ser una novedad, esto permite integrar las más diversas concepciones filosóficas como «momentos de la unidad orgánica», que es la verdad misma. Por eso Hegel es el creador de la historia de la filosofía como disciplina filosófica.

2. En la Fenomenología del espíritu, Hegel logra hacer ver que la suya es una concepción peculiar irreductible a cualquier otra y, simultáneamente, que las demás quedan incorporadas en aquella como sus partes o momentos. No estamos pues ante una forma más de eclecticismo, donde todo cabe, a la vez que se diluye y pierde sus perfiles propios. Aquí ocurre lo contrario. El pensamiento de Hegel es inconfundible, posee referentes perfectamente definidos y a la vez acoge en sí y legitima toda otra forma de pensamiento. La encendida polémica contra otras corrientes contemporáneas no tiene como finalidad su refutación sino convertirlas, mediante la acción transformadora que es inherente al pensamiento, en alimento del propio organismo conceptual, llamado a ser propiedad de todos, es decir, «de la razón consciente de sí misma».

Continuar leyendo "Hegel y la epopeya de la conciencia - Mariano Álvarez Gómez"

Enviado por salonKritik el 5 de Mayo | Comentarios (0)

Jana Sterbak, en suspenso - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en EL CULTURAL.es

20416 2R
Al entrar en la galería, en un primer ambiente y a modo de preámbulo, lo primero que observa el espectador es una corona de laurel plateada suspendida del techo. Aislada y flotando en el aire, con su sombra proyectada en la pared, se trata de una imagen de una singular intensidad: es el símbolo del artista y la creación. Complemento y asociado a este símbolo, aunque en un segundo plano, se exhibe una serie de pequeños dibujos, Migraciones (2004), realizados con procedimientos automáticos, es decir de una manera totalmente espontánea y sin ninguna idea previa.

Esta suerte de introducción viene al caso porque el tema de la exposición no es otro que el misterio de la creación y las imágenes, de cómo éstas se forman y de cómo se desarrollan. Las piezas que siguen y que se presentan en otros ámbitos de la galería poseen el mismo carácter que los dibujos automáticos mencionados: la artista no acaba por controlar el proceso, hay en ellas un elemento de azar… Jana Sterbak elige los procedimientos, el tema, el lugar… pero intencionadamente deja aspectos abiertos, ambiguos, no conclusos. Y las imágenes germinan gracias a la renuncia del control. Lo que las posibilita es precisamente ese dejar hacer, que las imágenes surjan sin la intervención estricta de la artista. No hace falta recordar que la problemática del azar fue explorada y explotada por los surrealistas, pero Jana Sterbak se aproxima a ella con una nueva sensibilidad y nuevos procedimientos.

Continuar leyendo "Jana Sterbak, en suspenso - Jaume VIDAL OLIVERAS"

Enviado por salonKritik el 5 de Mayo | Comentarios (0)

Abril 30, 2007

Amistad - Francisco Calvo Serraller

Originalmente en ELPAIS.com

HAY QUE saludar la reedición castellana de La amistad (Trotta), del escritor francés Maurice Blanchot (1907-2003), no sólo por el interés y la variedad de temas que aborda esta recopilación de ensayos críticos, cortados siempre, sin embargo, por el mismo patrón de hurgar en ese sutil y decisivo intersticio de separación entre lo divino y lo humano, sino por lo que significa de ejercicio de la verdadera amistad intelectual, que es la interlocución con el otro como viviente, aunque haya muerto y, por supuesto, aunque no se haya tenido ningún contacto personal directo con él. Ese otro como otro que nos anima a ser lo que somos. Conocidos por él o no, Blanchot se interroga a través de la obra de los autores que comenta, a los que ni ensalza, ni rebaja, sino que se hace acompañar por ellos, intentando que esta complicidad devenga amistad.

Continuar leyendo "Amistad - Francisco Calvo Serraller"

Enviado por salonKritik el 30 de Abril | Comentarios (0)

Sarcasmos arquitectónicos - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

02
Carlos Garaicoa es uno de los artistas contemporáneos más lúcidos, con una trayectoria excepcional en la que ha renunciado a seguir los dictados de las modas. No es un talento cubano más, uno de esos singularmente dotados que añaden a la potencia de su obra la «fascinación» por el contexto. Desde sus dibujos de arqueología y reconstrucción pseudo-utópica de La Habana, a las maquetas de edificios y su urbanismo crítico-delirante que presentara, por ejemplo, en la Sala Montcada de la Caixa o en la última Documenta de Kassel, Garaicoa ha sido capaz de acotar un territorio propio en el que lo narrativo se mezcla con las preocupaciones políticas, siendo el hilo conductor una deconstrucción de los paradigmas arquitectónicos. Se trata de un artista «filosófico» que no recurre ni a la dogmática, ni a la argumentación o la retórica de las consignas; antes al contrario, aplica un finísimo sentido del humor que en esta su segunda exposición en la galería Elba Benítez adquiere su tono más intenso.

El mismo artista califica los trabajos que ahora presenta como «divertidos» y «necesarios», huellas de sus intereses y signos de que se libera del patético imperativo de la seriedad. Unos cedés abren el recorrido, una selección de música latina que asocia al amor o a la violencia, pero también manifestaciones sonoras de los estereotipos que rodean a la plural comunidad latinoamericana. Garaicoa, con un contacto permanente con Madrid, revela una parte de la cartografía de la exclusión y del desarraigo que conoce sobradamente.

Continuar leyendo "Sarcasmos arquitectónicos - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 30 de Abril | Comentarios (0)

Viajo, luego existo - Javier Rubio Nomblot

Originalmente en abc.es

A-Needle-Woman-Shanghai
Uno de los trabajos más notables de Kimsooja (Corea, 1957) es la vídeo-instalación A needle woman (1999-2001), que recoge experiencias muy concretas acaecidas durante algunos de sus viajes a países lejanos y de la que realizó una segunda versión, que se expuso en la Bienal de Venecia de 2005. Ella confesaba, en una entrevista de Oliva Mª Rubio -quien trajo su espléndido Respirar-Una mujer espejo al madrileño Palacio de Cristal en 2006- que aquel primer paseo por Tokio había sido «la experiencia más fuerte de su vida» y, aún a riesgo de que la cita sea desusadamente larga, transcribiré su relato, no sólo porque ilustra bien cuál es su arte y permite relacionarla con otros autores, sino, sobre todo, porque resulta bastante alucinante: «Iba caminando por la ciudad con un equipo de cámaras para encontrar el momento y lugar que me permitieran hallar la energía de mi propio cuerpo. Cuando llegué al área de Shibuya había centenares de miles de personas dirigiéndose velozmente hacia mí y me encontré totalmente abrumada y cargada de la poderosa energía de la multitud. No tuve más remedio que detenerme en medio de la calle, entre el denso tráfico de peatones. Abrumada por la energía de la masa, me concentré en mi cuerpo y permanecí inmóvil, y sentí una fuerte conexión con mi propio centro. Al mismo tiempo, me di cuenta de que existía una separación muy clara entre la multitud y mi cuerpo. Hubo un momento zen cuando un trueno golpeó mi cabeza mientras yo seguía allí plantada y decidí filmar la performance dándole la espalda a la cámara. (?) Hubo momentos en que era consciente de mi presencia, pero a medida que transcurría el tiempo, era capaz de liberarme de la tensión entre la multitud y mi cuerpo. Además, sentí como un momento de paz, plenitud e iluminación, que crecía con una luz blanca y se hacía más intensa sobre las oleadas de gente que caminaban hacia mí».

Continuar leyendo "Viajo, luego existo - Javier Rubio Nomblot"

Enviado por salonKritik el 30 de Abril | Comentarios (0)

Wolfgang Laib: «Con mi arte, sigo ejerciendo la medicina» - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

Laib Pollen6
Lo comentaba la directora del museo, Ana Martínez de Aguilar, el día de la presentación de la muestra de Wolfgang Laib (1950) en el Reina Sofía: «Intentamos luchar contra la Naturaleza y la Naturaleza nos dio una lección». Y es que, si recuerdan, el tiempo no dio tregua, y la exposición de este alemán tan zen, que trabaja con y para la Naturaleza, programada el pasado otoño en el Palacio de Cristal, hubo de ser cancelada a causa de las intensas lluvias. Ahora, y en las salas del museo, cuatro de las efímeras y delicadas instalaciones de aquel licenciado en Medicina que decidió dejarlo todo por el arte se ofrecen al público madrileño. Su artista, sin embargo, se resiste a no mostrar su trabajo en un entorno tan espiritual como el de El Retiro y se guarda un as en la manga...

Si bien en su caso es complicado hablar de retrospectiva, esta exposición es buen ejemplo de los materiales y procesos empleados a lo largo de décadas. ¿Cómo la concibe usted?

Esta exposición, como bien sabe, tiene una larga historia. Se planificó hace un par de años y, en un principio, estaba prevista para el Palacio de Cristal, uno de los ámbitos expositivos más bellos del mundo, sólo comparable a un espacio del museo de Burdeos. Estoy muy mal acostumbrado a que me ofrezcan bellos espacios para presentar mi obra. La invitación para exponer en El Retiro me alegró mucho.

Continuar leyendo "Wolfgang Laib: «Con mi arte, sigo ejerciendo la medicina» - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 30 de Abril | Comentarios (0)

El pálpito de lo anómalo - Javier HERNANDO

Originalmente en EL CULTURAL

20361 1
Lo anómalo se halla instalado en las entrañas de la normalidad. La represión del deseo genera neurosis, como señaló Freud, y sus consecuencias son de manera inequívoca comportamientos patológicos de distintos grados. Los artistas contemporáneos no se han mostrado particularmente pródigos en la atención a los problemas de la psique humana. Tras la intensa dedicación de los surrealistas a la exploración del inconsciente, sólo a partir de los años setenta, en el marco de la teoría feminista del arte, se produjo una reincorporación del psicoanálisis, ahora lacaniano, al ámbito de la creación artística, aunque será la generación de artistas fotógrafos nacidos en la década de los sesenta la que profundizará en esta dimensión. Son fundamentalmente creadores del ámbito anglosajón entre los que Gregory Crewdson tiene un protagonismo indiscutible.

Continuar leyendo "El pálpito de lo anómalo - Javier HERNANDO"

Enviado por salonKritik el 30 de Abril | Comentarios (0)

Místico Wolfgang Laib - Mariano NAVARRO

Originalmente en EL CULTURAL

20359 1
La muestra que, tras aplazamientos y cambios de sede, dedica el MNCARS al alemán Wolfgang Laib (Metzinger, 1950) sabe a poco, por más que los cuatro bocados que ofrece deparen gustos e impresiones sensoriales de una intensidad tan extraña como poco habitual en el panorama artístico. Reciente todavía la extraordinaria retrospectiva que le dedicó la Fundación Beyeler en 2005 –que resaltaba el hecho de que fuese precisamente Laib el artista más joven al que dedicaba una individual de estas características–, ésta, titulada como su pieza mayor Sin principio-Sin fin, sólo puede ser contemplada como una introducción a la sustancia de su trabajo, entendida tanto en su sentido material como filosófico.

Continuar leyendo "Místico Wolfgang Laib - Mariano NAVARRO"

Enviado por salonKritik el 30 de Abril | Comentarios (0)

Abril 21, 2007

Una mentira cómoda - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

Underneath Mounir Fatmi
La octava edición de la Bienal de Sharjah, en los Emiratos Árabes, presenta en esta ocasión como motivo principal la reflexión sobre los diversos impactos que tienen en la naturaleza la contaminación, la fiebre urbanística y otros atentados ecológicos. Con un gran número de artistas árabes e internacionales, estará abierta hasta el próximo 4 de junio.

La musa del cinismo no es demasiado estimada entre nosotros, ni en el mundo de los creadores ni en el de la crítica (que sepamos). Sin embargo, no deja de ser grotesco visualizarla cuando la política aparece con un consumado ejercicio muscular de su potente pragmática en los infinitamente metamórficos paisajes del arte, superproducciones y otros espectáculos conocidos. Las bienales de arte se han convertido en estructuras transnacionales, lugares de "distribución" de bienes culturales fundamentales de todos los gobiernos burocráticos en los países capitalistas del Primer -y Tercer- Mundo. En estos momentos, necesitaríamos dar un paso atrás y examinar la vocación utópica de los movimientos artísticos de vanguardia -dadaístas, constructivistas, surrealistas, fluxus, situacionistas- cuando intentaban definirse en contra de la hegemonía cultural ligada a cierta ética nacional. A este respecto, resultaría revelador transferir al nivel artístico la definición clásica de la guerra "como prolongación de la política por otros medios". Así, el arte y todas sus prácticas han de suponer hoy el uso de las armas y estrategias de su archienemigo para glorificarse por medios de felicidad personal y la "satisfacción", anulando todo deseo de transformación social.

Continuar leyendo "Una mentira cómoda - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 21 de Abril | Comentarios (0)

La película de nuestra vida - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Parc-Central-White-Sands
Pensar la exposición, someter sus mecanismos al análisis, estudiar la posición y el deambular del espectador, resignificar las herramientas tradicionales expositivas, utilizar conscientemente los mecanismos de visión propiciando nuevas posibilidades de recepción y conocimiento? Todo esto está presente -desde el propio título de la muestra al catálogo producido- en la exposición individual de Dominique Gonzalez-Foerster en París. Pero no sólo eso, puesto que, junto a esta necesidad de repensar el lugar y la manera de comunicar el arte contemporáneo, hay otro concepto fuerte que pasea con los visitantes: la idea de compartir, de colaborar o, por decirlo con sus palabras, la construcción de un «equipo de exposición». Por tanto, pensar la muestra y compartirla devienen motores de este proyecto que huye de la idea de retrospectiva y se decide por la investigación de lo que está por venir pero que ya ha empezado.

Tiempo variable. Por eso, la jornada expositiva que nos proponen la artista y su equipo no es tanto de enseñar lo interno como de señalar una intención. Una jornada expositiva con tiempo variable, que empieza con una especie de regalo al espectador -un solárium- para continuar con otras experiencias sensoriales: el sonido asociado a la electricidad; una fuerte lluvia; la luz; el color y su reflejo; los placeres de la lectura; la contemplación celestial-planetaria; el espacio cinematográfico... Y todo entendido suavemente como construcción y artificialidad.

Continuar leyendo "La película de nuestra vida - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 21 de Abril | Comentarios (0)

"No defiendo mis convicciones a gritos. El público debe discernir cuáles son" - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

Martin Parr 2
Conversamos con Martin Parr (Reino Unido, 1952) por teléfono. Marcamos su número, y al otro lado de la línea nos responde una voz muy british -y, todo hay que decirlo, muy como de galán de cine-, de una educación desmedida. Es la hora del té, y esperamos no haber estropeado nada. Acudimos a todos estos tópicos, porque durante años han sido la base del trabajo de este fotógrafo de clase media (como gusta definirse) de mirada escrutadora obsesionado con el detalle. Los disgustos que suponen la globalización y el consumo masivo son también un buen terreno de cultivo para su obra. La frontera entre México y EE.UU. es ahora objeto de su interés. Los resultados se ofrecen desde ayer en la galería Espacio Mínimo de Madrid.

¿Por qué México?
Quería mostrar las diferencias entra la cultura mexicana y la estadounidense, cómo se mezclan, y la iconografía resultante. Toda mi obra se ha centrado en la riqueza de Occidente y la influencia estadounidense en las demás culturas. EE.UU. ha sido obviamente muy importante, pero hoy en día, la relación con sus vecinos y con el resto del mundo es crucial tanto cultural como políticamente. La exposición muestra de alguna manera su extraña relación con México, una relación cultural, que en ocasiones es buena y en ocasiones es problemática.

Continuar leyendo ""No defiendo mis convicciones a gritos. El público debe discernir cuáles son" - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 21 de Abril | Comentarios (0)

Abril 19, 2007

Perejaume. Cartografías de la danza - Elena VOZMEDIANO

EL CULTURAL.es:

20241 1
La historia geológica de la Tierra es algo verdaderamente apasionante. La tectónica de placas ha modificado sin cesar la superficie del planeta, sumando y fraccionando continentes, atravesando meridianos y paralelos, desde la gran Pangea a los continentes actuales. Ese lento desplazamiento, con sus empujes convergentes y divergentes, ha ocasionado fallas, erupciones y colosales cadenas montañosas. Que el relieve del planeta baila, como dice Perejaume, es algo más que una imagen poética. Es algo que podemos sentir.

Uno de los pilares de la obra de este artista, que acaba de recibir el Premio Nacional de Artes Plásticas, es su raigambre en el territorio: su intensa experiencia tanto física como intelectual del mismo. Entrelazando artes visuales y literatura, lleva años profundizando en los lenguajes con los que el paisaje se expresa. El género pictórico paisajístico ha sido examinado por él con distancia irónica, y ha puesto en valor otras formas de representación visual y mental del territorio, como la cartografía y la toponimia. Entendiendo como una misma realidad las dinámicas naturales y las dinámicas humanas: no hay paisaje sin presencia del hombre, y no podemos ignorar todas las vías, señales, desmontes y usos que lo marcan. “Hemos acelerado el tiempo geológico”, dice Perejaume en su texto para el catálogo de esta exposición, Los horizontes y las cinturas.

Continuar leyendo "Perejaume. Cartografías de la danza - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 19 de Abril | Comentarios (0)

Abril 17, 2007

ENTREVISTA: Candida Höfer - ALBERTO MARTÍN

Originalmente en ELPAIS.com

Hoffer
Candida Höfer (Eberwalde, Alemania, 1944), una de las figuras más representativas de la fotografía alemana, está centrada desde hace tres décadas en la realización de un extenso cuerpo de imágenes sobre interiores de edificios, preferentemente de uso público o semipúblico. Son fotografías de bibliotecas, museos, iglesias, archivos, palacios o bancos, realizadas cuando ha cesado toda actividad y se encuentran vacíos. Su método de trabajo, que ofrece una enorme continuidad a lo largo del tiempo, es de un gran rigor formal, tanto en la composición como en el tratamiento de la luz. La aparente austeridad de sus imágenes encierra una compleja lectura de la arquitectura en relación con sus usos y funciones actuales, así como una reflexión sobre la historia de la cultura a la que están estrechamente ligados los espacios que fotografía. Ahora se presentan en Madrid una quincena de sus últimas obras, realizadas en diversos lugares de Europa y el continente americano.

PREGUNTA. Hace algunos años cambió el formato en que trabajaba habitualmente para pasar a formatos grandes, ¿en qué medida ese cambio corresponde a una evolución de su trabajo y cómo cree que puede afectar a la recepción de su obra por el espectador?

RESPUESTA. Es fruto de la experiencia. Creo que existe una relación entre lo que intentas mostrar y el tamaño en el que debe ser mostrado. No sé lo que los espectadores piensan o ven, pero lo que yo deseo es provocar una experiencia tridimensional en la condición bidimensional de las imágenes, de sus planos, de sus formas geométricas y de sus colores.

Continuar leyendo "ENTREVISTA: Candida Höfer - ALBERTO MARTÍN"

Enviado por salonKritik el 17 de Abril | Comentarios (0)

Sala de máquinas - Laura Revuelta

Originalmente en abc.es

Laboral
Si las primeras sensaciones son las que valen, lo que de verdad se percibe una vez se traspasa la puerta de LABoral se parece bastante a un grato apabullamiento. Metros y metros cuadros, situados en lo que eran los antiguos talleres de este siniestro lugar concebido al más puro estilo fascista, antes de llegar a las salas de exposiciones y luego, metros y metros de espacios expositivos arropados por dos montajes (Feedback y Gameworld) que quitan el hipo. Rosina Gómez-Baeza es la directora de LABoral, Centro de Arte de Creación Industrial, y este proyecto rezuma su filosofía y estilo por los cuatro costados o por esos metros y metros. No en vano, ella dirigió durante un par de décadas la Feria de Arte de Madrid (ARCO), época durante la cual pudimos ver y conocer algunas de sus fórmulas y, sobre todo, de sus inquietudes con respecto a lo contemporáneo. Por ejemplo, dar cabida a jóvenes diseñadores (en este caso, la asturiana afincada en Milán, Patricia Urquiola, ha proyectado el LabCafe y una zona de descanso a la entrada del centro), a arquitectos (Leaser Architectures, que han ideado el montaje de las exposiciones), a lo teórico (con programa paralelo de conferencias), a las intervenciones de artistas locales (Avelino Sala, Cuco Suárez, Pablo Armesto...) por distintos lugares dentro del proyecto Anclajes, en este caso, de la geografía asturiana, y, sobre todo, una especial atención a las nuevas tecnologías, aunque algunas no sean tan nuevas, como ya veremos, a lo que tenga que ver con internet, con el mundo del videojuego...

Continuar leyendo "Sala de máquinas - Laura Revuelta"

Enviado por salonKritik el 17 de Abril | Comentarios (0)

Abril 16, 2007

El videojuego gana la partida - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Scr Implant 2 Normal
En la expansión y reestructuración del mapa de los medios y los géneros artísticos producido desde la revolución digital, el sector de los videojuegos se posiciona y avanza a una velocidad vertiginosa. Como parte de la industria cultural, los datos que cada cierto tiempo se facilitan sobre su potencia comercial señalan que desplaza económicamente a la música y al cine -incluso, engulléndolos a los dos juntos-. Esta velocidad y realidad económica deben ser tenidas en cuenta puesto que este segmento de la industria cultural tiene que ser analizado desde diferentes ópticas y, como en toda economía capitalista tardía -de la que los videojuegos son arte y parte-, las industrias del ocio conforman una vida social que produce plusvalías de diferentes signo, entre ellas, las económicas y culturales de propagación de un sistema-mundo.

Así, los factores económicos y biopolíticos son esenciales para enfocar el amplio campo de los videojuegos. En este sentido, la apuesta más relevante de la apertura del nuevo Centro de Arte de Gijón no es su exposición principal, titulada Feedback, sino Gameworld. Es más: seguramente más allá de la posible contextualización histórica que ofrece la primera, es la segunda la que realmente resulta más pertinente en relación con el sobrenombre de LABoral, puesto que la industria cultural de nuestros días, la más pujante si nos atenemos a esas magnitudes económicas, es la de los videojuegos. Si fuera posible que un Centro de Arte sirviera para dinamizar «la creación industrial», renovándola, abriendo nuevas vías como alternativa al declive, casi como de reconversión de un sector secundario a una terciarización inclusiva, este segmento bien pudiera serlo, aunque es de suponer que requiera de algo más que una exposición.

Continuar leyendo "El videojuego gana la partida - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 16 de Abril | Comentarios (0)

Mirando las palabras - Rocío DE LA VILLA

Originalmente en EL CULTURAL.es

20246 1
Contra todos los que opinan que no hay pensamiento sin lenguaje, se alza la expresión plástica que con su polisemia nos interroga a través de los siglos. Desde siempre, expresión plástica y lingüística se han envidiado, han rivalizado y se han visto obligadas a conjugarse. De una parte, la experiencia íntima de nuestra iniciación a la lectura a través de los cuentos ilustrados nos refiere a la raíz creativa de la doble vertiente del lenguaje desde las inscripciones en el origen. Por otra, en la historia de la progresiva autonomía del Arte la palabra ha cumplido siempre un papel decisivo, a través del debate poesía/pintura al comienzo de la Modernidad y después, en el definitivo giro lingüístico de las vanguardias históricas (del cubismo al surrealismo) y su refundición contemporánea a partir de los años 50: movimientos como letrismo y tachismo, el arte postal en el seno de fluxus y el grupo Art & Language en el conceptual serían precedentes imprescindibles para abordar su rotunda pervivencia. El hálito creativo, poético, por un lado, y la potencia crítica, por otro, son los extremos donde una y otra grafía, a la fuerza paralelas, confluyen.

Continuar leyendo "Mirando las palabras - Rocío DE LA VILLA"

Enviado por salonKritik el 16 de Abril | Comentarios (0)

Abril 12, 2007

Canetti destilado - ANDREA AGUILAR

A propósito de la publicación de Apuntes (1942-1993). Originalmente en ELPAIS.com

20070412Elpepicul 3
Corría el año 1942 y el nazismo arreciaba en Europa cuando el escritor Canetti, sefardí próximo a los círculos intelectuales de la Viena de 1900, decidió escapar de su trabajo en Masa y poder, "su gran obra", con una serie de apuntes y aforismos aparentemente inconexos. Se encontraba refugiado en Inglaterra junto a su esposa Veza y a Friedl Benedikt, discípula y amante. No fueron ellas sino una tercera mujer, la pintora Marie-Louise von Montesiczky, la destinataria de la primera colección de notas que el escritor reunió. El cuadernillo Apuntes para Marie-Louise, que el propio Canetti copió para su nueva amante y protectora, permaneció inédito, oculto entre los papeles de ella hasta 2005.

Continuar leyendo "Canetti destilado - ANDREA AGUILAR"

Enviado por salonKritik el 12 de Abril | Comentarios (0)

Abril 10, 2007

Más allá de la lógica - JUAN ANTONIO RAMÍREZ

Originalmente en ELPAIS.com

146741016 Aa0D396Fcb
Cuando Sol LeWitt llegó a Nueva York, en 1953, el expresionismo abstracto estaba cosechando los primeros frutos de la madurez. En los cenáculos artísticos se hablaba de cosas como la autoexpresión o el gesto irrepetible del creador individual. Allí intentó orientarse aquel joven (había nacido en Hartford en 1928), ganándose la vida como diseñador gráfico, y se dice que, siendo recepcionista del MOMA, entabló los contactos necesarios para figurar, años después, en la exposición Primary structures (1966). En este evento nació oficialmente el minimalismo, otro movimiento abstracto, pero nada propenso a pagar tributo a la subjetividad, ni a los sentimientos o pasiones del creador. Las formas eran sólo geometrías elementales, y estaban elaboradas de un modo impersonal, industrialmente. Nadie se preocupaba de exhibir ninguna mística de la ejecución.

Sol LeWitt se singularizó entre los otros representantes de aquella tendencia por su deseo de desvelar las estructuras, es decir, los patrones lineales subyacentes a las formas. No era la suya la obsesión de un matemático puro, sino la de un dibujante que ha de visualizar en superficies planas formas geométricas tridimensionales: se trazan entonces los contornos, con un tiralíneas, o con un lápiz muy afilado, y aunque no se rellenen con color los planos, el espectador los ve y reconstruye mentalmente los cuerpos creados. Pues bien, Sol LeWitt llevó literalmente ese procedimiento al espacio real, haciendo esculturas de formas cúbicas modulares que se definían solamente por los contornos angulares. Se trataba de líneas en el espacio, por parafrasear una expresión utilizada hace ya muchos años para ciertos trabajos de Picasso. No era cuestión de colocar juntos varios cuerpos repetidos, como hacían otros minimalistas (Donald Judd o Morris Louis, por ejemplo), sino de jugar con la multiplicación modular de una misma estructura en el interior de una malla lineal muy compleja, aunque comprensible.

Continuar leyendo "Más allá de la lógica - JUAN ANTONIO RAMÍREZ"

Enviado por salonKritik el 10 de Abril | Comentarios (0)

ENTREVISTA: Christiane Paul - "España es el país europeo que más ha impulsado el arte digital" ROBERTA BOSCO

Originalmente en ELPAIS.com

Clark2 Normal
Christiane Paul, comisaria de FEEDBACK, es conservadora de new media art en el Museo Whitney de Nueva York y responsable de Artport, el portal dedicado al net.art, abierto en 2001. A ella se deben muestras de referencias como Data Dynamics, sobre los sistemas artísticos para la visualización del flujo de la información a través de internet, y CODeDOC, sobre el software art, el arte basado en el código informático. Es autora de Digital Art (Thames & Hudson), un libro que revela las claves del arte digital, así como los momentos, las obras y los artistas más importantes de su historia.

PREGUNTA. ¿Cuál es su definición de new media art?

RESPUESTA. El new media art o arte digital es el que usa la tecnología digital como medio y no como instrumento. Las características que lo definen son interacción, participación y red.

P. ¿Cuál es el elemento más importante del arte digital?

R. Internet. Hace 10 años, estaba sólo dentro del ordenador, ahora está por doquier. El net.art ya no es algo que sucede sólo dentro del ordenador, sino que se ha enriquecido con componentes instalativas, objetuales y móviles.

Continuar leyendo "ENTREVISTA: Christiane Paul - "España es el país europeo que más ha impulsado el arte digital" ROBERTA BOSCO"

Enviado por salonKritik el 10 de Abril | Comentarios (0)

Laboral. Entre el arte y la industria - Paula ACHIAGA

Originalmente en EL CULTURAL

20134 3R
A escasos kilómetros del centro de Gijón, en la carretera de Villaviciosa, se impone la torre de iglesia de la Universidad Laboral de Gijón, un edificio mastodóntico construido durante la dictadura por el arquitecto Luis Moya Blanco (que hoy da nombre a la calle) y cuyo objetivo fundacional fue el de acoger a lo niños huérfanos de padres víctimas de los accidentes de la minería. El proyecto de Moya es, todavía hoy, la obra arquitectónica más importante de Asturias. Cincuenta años después de su construcción, surge ahora el que será el núcleo de la creación contemporánea más grande del Principado y el que está llamado a convertirse en el gran punto de referencia del arte dedicado a las nuevas tecnologías, no sólo en España, con la firme intención de participar del diaógo que ya generan, desde hace años, centros de Austria, Alemania, Holanda o Estados Unidos. Bajo la dirección de la incombustible Rosina Gómez-Baeza (recién salida de la organización de la I Bienal de Canarias), Laboral Centro de Arte y Creación Industrial es un proyecto que comenzó a gestarse hace 5 años, cuando la asturiana, entonces aún directora de ARCO, propone a las autoridades locales la creación de este centro para, de algún modo, tratar de arrojar luz sobre las particularidades de la Universidad Laboral. El resultado, un espacio enorme de más de 14.000 metros cuadrados en una readaptación arquitectónica de la zona de los talleres profesionales.

Creación industrial y arte
¿Porqué dedicarlo a lo que hoy llamamos nuevos media? Rosina Gómez-Baeza estima que “durante muchos años, Asturias ha estado aislada de la escena artística, aun cuando en la zona ha habido una efervescencia cultural tremenda, no se ha seguido de cerca la contemporaneidad. Ahora hay festivales importantes y comunidades artísticas de gran interés. No queremos –dice–un centro de arte contemporáneo al uso. Quisimos levantar un centro relacionado con la creación industrial para tratar los problemas que existen en torno a nuestra identidad cultural en relación con la actualidad en el ámbito artístico”. Gómez-Baeza sabe que la relación entre el arte y la creación industrial no es nueva, que es algo que ya se da en la mayoría de los grandes centros y museos del mundo: “En el MoMA tienen su sección de diseño, de arquitectura, de cine... y el Pompidou también lleva implícita la denominación ‘centro de creación industrial’”. No en vano, la directora se ha puesto en contacto con José Luis Cienfuegos, director del Festival de Cine de Gijón, así como con el director teatral Mateo Feijoo (hasta este año responsable de Escena Contemporánea) para la programación teatral.

Continuar leyendo "Laboral. Entre el arte y la industria - Paula ACHIAGA"

Enviado por salonKritik el 10 de Abril | Comentarios (0)

Veo veo,¿qué lees? - Óscar Alonso Molina

Originalmente en abc.es

Poemabrossaok

En una de esas deliciosas anécdotas con que organizó la titubeante, y un tanto fantástica, incipiente historiografía artística de Las vidas..., cuenta Vasari cómo en un rincón del claustro de San Francisco de Pisa se hallaba en la época en que publicó la segunda edición de su libro, 1568, «un cuadrito al temple» salido de la mano de Cimabue; allí, el maestro había pintado una crucifixión con algunos ángeles en derredor, los cuales, llorando, tomaban en sus manos ciertas palabras que aparecían escritas en torno a la cabeza de Cristo para acercarlas, por un lado, a los oídos de una Nuestra Señora que aparecía compungida a mano derecha de la escena, y, por otro, a los de un San Juan Evangelista, también él todo acongojado. «Y son las palabras latinas a la Virgen -detalla el aretino-: Mujer he aquí a tu hijo, y las dirigidas a San Juan: He aquí a tu madre, y las que tiene en la mano otro ángel apartado: Desde aquella hora la recibió el discípulo como suya».

LA TRAMA DE LO MODERNO.
Lo cierto es que conociendo el gusto insaciable por la novedad y la bizarría del erudito mandarín en que a esas alturas ya se había convertido Vasari, semejante imagen no podía pasarle desapercibida llegado el momento de organizar «la trama de lo moderno». De hecho, Vasari habla del arte de su propia época, tan intelectualizado y caprichoso, tan sofisticado y «torcido», siempre en términos de culminación de una larga conquista, después de que emergiera de entre las sombras del Medievo. En la «tercera età», la contemporánea, tras la perfección alcanzada por Miguel Ángel, a Vasari todo se le iba en buscar quiebros inesperados, gracias, sorpresas, escorzos y morbideces sin parangón... Vamos: ¡el remate!, ¡el acabóse! Tales alardes de finish, que diría Greenberg, son los detalles de factura inéditos en los que se enfrascaba un arte que había llegado al final de su crecimiento, entonces y cuatro siglos después con la quiebra del tardomodernismo.

Continuar leyendo "Veo veo,¿qué lees? - Óscar Alonso Molina"

Enviado por salonKritik el 10 de Abril | Comentarios (0)

Abril 07, 2007

Un trabajo sucio - Fernando Castro Flórez

Portada
Aunque lo más frecuente es, en un mundo bienalizado, que las exposiciones colectivas carezcan de toda teorización y sean el perfecto ejemplo de lo «desacogedor», mostrándose la complicidad o la tradicional representatividad territorial como únicos criterios, si es que tal palabra tiene algún sentido en estos derroteros curatoriales, también resulta que cuando las muestras están cimentadas conceptualmente el resultado es de una confusión superlativa.

2move. Movimiento doble. Estéticas migratorias es un ejemplo de ideas sin hechos, por emplear una fórmula propia de Marx en su 18 Brumario. Ahora no nos referimos, obviamente, a las Cortes de Cádiz sino a una tremenda acumulación de piezas de vídeo seleccionadas por Mieke Bal y Miguel Ángel Hernández-Navarro, esto es, por una de las teóricas que se ha convertido en referencia de los «estudios visuales» y por un joven y muy lúcido ensayista. De forma paralela a esta exposición se ha desarrollado en el CendeaC (la institución que en España está planteando el programa de Teoría e Historia del arte de mejor nivel) un seminario internacional dedicado también a la cuestión migratoria. Tras asistir al encuentro y ver en la sala de Verónicas la muestra de marras cobré conciencia de que se trataba de un enorme malentendido en el que se hablaba de estética, historia del arte, filosofía o antropología sin que se estuviera empleando rigurosamente alguno de los conceptos que esos campos del saber proporcionan. Lo más increíble es que la migración no parecía ser otra cosa que una movilidad que proporcionaba «emociones» que tenían que ser entendidas en sentido positivo. De una forma extremadamente mecanicista, esto es, anti-dialéctica se viene a sostener que el vídeo es la forma «natural» de dar cuenta de lo migratorio dado que las imágenes están en movimiento. Nuestro desarrollo tecnológico nos permite emprender el descarado archivo documental o, para ser más preciso, testimonial de las peripecias ajenas. Si ya Benjamin advirtió que no faltará un marginado sin un fotógrafo dispuesto a desplegar la mirada «compasiva», nosotros podemos añadir que la escenificación del drama requiere, en la cultura de la realidad convertida en show, del otro que a nosotros nos sirve para pulir nuestra impotencia teórica.

Continuar leyendo "Un trabajo sucio - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 7 de Abril | Comentarios (0)

Abril 04, 2007

El enigma de un pianista revolucionario - ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS

Originalmente en ELPAIS.com

Glenn Gould
Encorvado, siempre ensimismado, canturreando, el pianista canadiense rompió con su excéntrica personalidad las leyes que hasta entonces marcaban la pauta estética -y escénica- de los concertistas. Subía al escenario con el frac arrugado bajo una -o varias- bufandas, abrigo y mitones. Dejaba sus manos a remojo durante veinte minutos antes de tocar y siempre evitaba el contacto físico (a lo Howard Hughes) con extraños. Huía de la fama, de su público, y sólo encontró respiro en las herméticas salas de grabación.

Pero sus salidas de tono, su adicción a las pastillas y su patológica fobia a lo extraño sólo son parte del culto a la personalidad de uno de los pianistas más intensos y brillantes de la historia, un hombre escurridizo y errático, que plantó cara a las tradiciones y cuya versión de Las variaciones Goldberg de Bach (más allá de ser la pieza predilecta de los banquetes de casquería del caníbal Hannibal Lecter) es un hito del siglo XX.

Continuar leyendo "El enigma de un pianista revolucionario - ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS"

Enviado por salonKritik el 4 de Abril | Comentarios (0)

Marzo 26, 2007

Triste vida corporal - Javier Montes

Originalmente en abc.es

Helena Almeida
Hace relativamente poco tiempo que el trabajo de Helena Almeida es conocido en España. Las retrospectivas de la Casa de América (1998) y sobre todo del CGAC (2000, organizada por María Corral) y el premio PHotoEspaña 2003 la han vuelto familiar a ojos de un público que sigue teniendo con el arte y la cultura portugueses rachas de irritante e incomprensible desmemoria.

Porque Helena Almeida llevaba para entonces más de treinta años trabajando, y había desarrollado plenamente una obra seca, concisa, de una enorme intensidad. Treinta años trabajando en torno a un motivo fundamental: su propio cuerpo. Un cuerpo que contiene todos los demás, un tema que resume todos los posibles. Por eso nunca ha llegado a hacerse repetitivo su trabajo.

Continuar leyendo "Triste vida corporal - Javier Montes"

Enviado por salonKritik el 26 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 24, 2007

Fotografía china: objetivo cumplido - Fernando Castro Flórez

Orginalmente en abc.es

004Zhuyi!
Aunque los «popes» de la teoría del arte contemporáneo se atrincheran y usan descaradamente anteojeras que les impiden ver más allá de las galerías de Chelsea, por todas partes se van abriendo fisuras que permiten que el arte sea algo más que lo que desde el Poder Imperial nos presentan canónicamente. No cabe duda de que desde China llegan algo más que modalidades temibles de la gripe o productos clonados y a bajo precio. Esa sociedad que quedó profundamente marcada por la la Revolución Maoísta ha experimentado una nueva «transformación cultural». Llevamos por lo menos un lustro asistiendo al ascenso imparable de los artistas chinos a la primera plana de la escena internacional con obras que no tienen nada de ingenuismo, antes al contrario, revelan una increíble asimilación de las mutaciones postmodernas.

Desde que se abrió el grifo.
Desde que Harald Szeemann llevará a la Bienal de Venecia del año 2001 a una nutrida representación de creadores de aquel inmenso país asiático no han cesado las muestras, destacando por su intensidad Alors la Chine o Between Past and Future: New Photography and Video From China. En España, a pesar de que las «modas» llegan habitualmente con bastante retraso, se ha producido una rápida recepción de creadores como Huang Yang, que montó una impresionante performance en la plaza de la Quintana de Santiago de Compostela (convertido en una suerte de botafumeiro humano) o Li Wei, que ha tenido una magnifica exposición individual en la galería Espacio Mínimo, que está, en los últimos años, verdaderamente volcada y con muy buen criterio hacia lo asiático. El Espai d?Art Contemporani de Castellón presentó en el 2002 Asianvibe. Arte Contemporáneo Asiático con trabajos de los chinos Zheng Gougu y Zhu Jia; el año pasado la Fundación ICO mostró una excelente selección de vídeo-creadores chinos. Sin duda, Zhù Yi! es una extraordinaria exposición que, con toda justicia, llama la «atención» sobre las propuestas de treinta y tres artistas chinos que emplean la fotografía. El trabajo curatorial desarrollado por Susana Iturrioz ha sido excelente y revela que cuando se trabaja con rigor se pueden abordar contextos culturales distantes sin caer ni en sociologismo, ni en la mirada condescenciente. Ni la actitud patrimonialista del curator local que intenta que no intervengan agentes externos, ni el llamado «arte de embajadas» pueden ser las únicas fórmulas que nos permitan establecer diálogos provechosos con procesos creativos que están, en muchos sentidos, distantes de nosotros.

Continuar leyendo "Fotografía china: objetivo cumplido - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 24 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 22, 2007

El artista reversible: Brian Eno -ROBERTA BOSCO

Originalmente en

20070322Elpepicul 5
ELPAIS.com

Han pasado poco más de cinco años desde la última vez que mister Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno -para sus fans, afortunadamente, sólo Brian Eno- se ha dejado ver por Barcelona. Entonces dio un concierto junto con el percusionista alemán Peter Schwalm, con el que acababa de editar el disco Drawn for life; en esta ocasión ha venido para presentar 77 millon paintings, una obra visual digital, instalada en el foro de la FNAC hasta el 24 de marzo y a la venta también en formato DVD.

Eno es un mito y lo sabe: fundador con Brian Ferry de los Roxy Music e inventor de la música ambient, ha colaborado con estrellas de la talla de David Bowie, Robert Fripp de King Crimson y David Byrne de Talkings Heads, y es el productor de grupos como U2 o Coldplay. Enteramente vestido de negro, con gafas de diseño colgando del cuello y más bajo de lo que parece en el escenario, llegó a España con dos semanas de retraso sobre lo previsto, debido -según parece- al robo de su pasaporte.

Continuar leyendo "El artista reversible: Brian Eno -ROBERTA BOSCO"

Enviado por salonKritik el 22 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 17, 2007

Ciencia-ficción - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

Serie Every Gravedigger In Lisbon
Que los cuerpos hablan lo sabemos desde siempre. "El cuerpo es el lenguaje", dice Klossowski. También lo argumentaron, pictóricamente, Ingres y Courbet. El cuerpo se "flexiona", las palabras se reflejan entre ellas, copulan, imitan a los gestos. Ahora bien, ¿qué ocurre cuando una lengua y un cuerpo particulares se quedan cada uno en suspenso y pierden a sus interlocutores, cuando ya no pueden desear ni su propio silencio? En la obra de João Onofre, los cuerpos re-flexionan, se articulan en frases puramente visuales, en un teatro unilateral donde no hay acción. En sus trabajos, el artista portugués (Lisboa, 1976) filma con una cámara fija y sobre un fondo neutro a músicos y bailarines; él mismo se retrata en su estudio (Levitation in the studio, XMAN H version, 2002) con la ayuda de un mago, y el resultado es una imagen que se presenta acompañada de un certificado del laboratorio donde se ha producido la fotografía, dando testimonio de que ésta no ha sido trucada. O introduce un buitre en su taller, con el consiguiente revuelo y destrozo de objetos y papeles (Untitled. Vulture in the Studio, 2002). Siempre pasa algo, cualquier cosa puede suceder en el lugar de trabajo del artista. Sin embargo no existe acción (ni pasión), los actores especulan, pero nunca actúan.

Continuar leyendo "Ciencia-ficción - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 17 de Marzo | Comentarios (0)

Las fronteras permeables - Anna Maria Guasch

Originalmente en abc.es

Am 03
Zona B se enmarca claramente en la emergente presencia de una nueva disciplina denominada «geografía del arte» que intenta dar cobertura a la creciente circulación de personas, de bienes de consumo y de datos que generan los nuevos paisajes culturales, sociales y virtuales de la globalización. Y constituye además una de las primeras muestras que en nuestro país presenta la reestructuración geográfica de Europa desde un proyecto a la vez estético, ético y político. Carles Guerra, uno de los comisarios, inscribe, en uno de los textos del catálogo, esta muestra en un proyecto de «pedagogía colectiva» que, tanto en documentales como en vídeo-ensayos, busca crear una contrainformación en la trama de acontecimientos mediáticos que marcan el día a día de una Europa señalada no sólo por las restricciones del Tratado de Schengen, sino también por las políticas «excluyentes» generadas tras los ataques del 11 de septiembre.

Continuar leyendo "Las fronteras permeables - Anna Maria Guasch"

Enviado por salonKritik el 17 de Marzo | Comentarios (0)

Detrás de la pantalla - Miguel Cereceda

Originalmente en abc.es

Stereoscope-400
A pesar de que la relación con la imagen es uno de los grandes temas del arte contemporáneo, es extraño comprobar cómo la reflexión sobre la misma se ha producido más en el ámbito de la pintura y de la fotografía, es decir, en el ámbito de las artes de la imagen detenida, que en el de la imagen en movimiento. Tan sólo algunos filósofos como Gilles Deleuze o algunos raros artistas, como el surafricano William Kentridge, han desarrollado una reflexión sistemática sobre los enigmas de la imagen en movimiento, abriendo con su investigación nuevos caminos de experimentación formal. El cine es, sin embargo, el gran arte del siglo XX, y su influencia no sólo en nuestra visión y concepción del tiempo, sino también en la propia comprensión de la realidad es incuestionable. De hecho, la propia evolución de las otras artes, desde la música a la novela, pasando por la pintura y la arquitectura, se debe también y en buena medida a la influencia del cine.

Continuar leyendo "Detrás de la pantalla - Miguel Cereceda"

Enviado por salonKritik el 17 de Marzo | Comentarios (0)

Eric Baudelaire y la lógica del cliché - Rocío DE LA VILLA

EL CULTURAL

20020 2R
Vigilar el estatuto de la imagen en la actual vorágine de pantallas y otros proyectiles debiera ser la primera de las tareas en la agenda de quienes se dedican a la representación visual. Por eso nos interesa el trabajo de Eric Baudelaire quien hace explícito este compromiso en sus fotografías y vídeos, que se balancean irónicamente entre lo documental, la ficción narrativa y la construcción de un creciente archivo histórico. Baudelaire aspira a rescatar del olvido sucesos e identidades que no logran su eco en los media –como con la serie de fotografías États imaginés, tomadas en el Estado jamás reconocido de Abkhazia, “la perla del mar Negro” dependiente de Georgia, después de 10.000 muertos–, e intenta dotar de sentido a los grandes acontecimientos que están cambiando irreversiblemente nuestra época, sin desdeñar referencias literarias y artísticas, de Leonardo a Tarkovski.

Continuar leyendo "Eric Baudelaire y la lógica del cliché - Rocío DE LA VILLA"

Enviado por salonKritik el 17 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 11, 2007

ENTREVISTA: Joseph Kosuth "Soy artista en una época en la que la filosofía ha muerto" - MARIANO DE SANTA ANA

Originalmente en ELPAIS.com

Joseph Kosuth
Contra la opinión mayoritaria de los cartógrafos de su tiempo, Martin Waldsemüller sostenía que la Tierra no era plana sino esférica y para argumentarlo construyó en 1507 un globo terráqueo, el único en que no figura el continente americano, confundido con la India por su descubridor. La Casa de Colón posee uno de los escasos facsímiles de aquel globo, y en él, y en algunos de los mapas que custodia el museo de Las Palmas, se ha basado Joseph Kosuth (Toledo, Ohio, 1945) para construir su instalación Otro mapa para no indicar: El mundo antes de América, una de las cuatro de que consta su exposición Terra Ultra Incognita. Kosuth, referente histórico del arte conceptual, ha intervenido también por encargo del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) entre las momias del Museo Canario, donde ha dispuesto a modo de epitafio lápidas con sentencias de Pascal, Camus y otros pensadores; en la sala San Antonio Abad, que ha empapelado con una maraña de citas sobre las nociones de invitado y extranjero, y en la fachada del propio CAAM, sobre la que ha extendido neones con las versiones de la palabra "significado" en distintas lenguas. Aunque los manuales al uso siguen cargando el acento en el Kosuth de los años sesenta, asociado al ala más dura del conceptualismo y a una práctica artística autorreferencial obstinada en trasladar al arte algunas reflexiones del positivismo lógico, hace tiempo que el creador norteamericano emprendió un cambio de rumbo para explorar las posibilidades de mediación de la obra en el contexto. ¿Qué queda entonces del Kosuth subyugado por Wittgenstein? A juzgar por aserciones románticas como las que hace en esta entrevista -"soy artista en una época en la que la filosofía ha muerto"- no mucho, todo lo más una serie de dispositivos tautológicos dispuestos sobre un tablero de juego formal.

PREGUNTA. ¿Puede hablarnos sobre el núcleo del proyecto que ha producido para el CAAM?

RESPUESTA. Mi proyecto básico como artista se centra en los mecanismos de producción de significado, éste ha sido el objeto de mi investigación durante los últimos 35 años. Intento entender cómo construimos el significado en el arte para comprender las dimensiones sociopolíticas e históricas de nuestro tiempo. Soy artista en una época en la que la filosofía ha muerto.

Continuar leyendo "ENTREVISTA: Joseph Kosuth "Soy artista en una época en la que la filosofía ha muerto" - MARIANO DE SANTA ANA"

Enviado por salonKritik el 11 de Marzo | Comentarios (0)

J. Kosuth: «Vivimos un saludable estado de descontrol» Por Javier Díaz-Guardiola.

Originalmente en abc.es

P1820070308
Es uno de los padres del arte conceptual y uno de los máximos defensores del valor -intelectual- del trabajo artístico. Joseph Kosuth (EEUU, 1945) regresa a España con la exposición «Terra Ultra Incognita», una reflexión sobre el sustrato cultural e histórico en el que se inserta la obra de arte y que tiene muy en cuenta los cuatro espacios de Gran Canaria, con el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) a la cabeza, que albergan las instalaciones concebidas ex profeso.

No le veímos por España desde 1995. ¿Qué es lo que le ha seducido del proyecto del CAAM para decirle otra vez sí a nuestro país?
La invitación misma. La verdad es que he estado muy ocupado en todas partes durante los diez últimos años. Es España he trabajado con Juana de Aizpuru, pero no he sido su preocupación principal durante este tiempo. Me apetecería hacer una exposición nueva ahí, pero no sé cuándo.

Ésta no es una muestra al uso, sino que se basa en intervenciones en cuatro espacios diferentes de la ciudad. Exactamente, ¿qué es «Terra Ultra Incognita»?
Es una exposición que se asienta en un contexto de gran concentración histórica y cultural, que son precisamente los materiales con los que yo trabajo. Por eso razón, la muestra pasó de ser una invitación en el CAAM a convertirse en una exposición en cuatro museos. El nexo causal, en cierto modo, es la obra Guest & Foreigners, en San Antonio Abad, que refleja lo que hace de Gran Canaria un lugar tan interesante como punto de encuentro. La misión del arte conceptual no es trabajar con palabras, sino con significados. El experimento modernista fue de un valor incalculable, pero, al final, se dejó de lado el significado, y el arte se convirtió en una manera cara de decorar. Nuestro proyecto en los sesenta consistió en cuestionar la institucionalización del significado en todos los ámbitos. Un proyecto que sigue siendo relevante, para gran sorpresa mía.

Continuar leyendo "J. Kosuth: «Vivimos un saludable estado de descontrol» Por Javier Díaz-Guardiola."

Enviado por salonKritik el 11 de Marzo | Comentarios (1)

La nueva gramática del arte - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

Kosuth1
En sus Sentencias sobre arte conceptual, Sol Lewitt apuntaba que los artistas conceptuales son más místicos que racionalistas. Se sitúan en los límites de la lógica, en ese lugar de una visión sub aespecie aeternitatis. Lewitt consideraba sus aforismos como comentarios acerca del arte pero no como frases artísticas. Kosuth, sin embargo, piensa que la indagación artística es el lenguaje del arte mismo: una obra de arte es una especie de proposición presentada dentro del contexto del arte como comentario artístico. Las obras son proposiciones analíticas, en el sentido de Alfred Ayer, es decir, tautologías, definiciones del arte. La condición artística del arte es que debe ser un estado conceptual, aun cuando en ocasiones se aproxima a los «lenguajes privados».

Kosuth escribe contra Kant cuando afirma que el arte no puede ser una proposición sintética. En realidad, al hablar de un arte artístico está dictando las nuevas Lecciones de estética que dan la vuelta a Hegel. Las obras no están «presentes» al ser vistas; al contrario, todo el andamiaje de la decepción que despliegan artistas como Reinhardt se da únicamente para poner en cuestión la visibilidad. Hay una exigencia de considerar el arte en su totalidad en una clave filosófica wittgensteiniana, esto es, terapéutica; hay que tener en cuenta que la viabilidad del arte estaría tanto en resistir a ser mera distracción o material decorativo, pero también a asumir el rol de patética «ilustración» de la filosofía.

Continuar leyendo "La nueva gramática del arte - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 11 de Marzo | Comentarios (0)

La reordenación de las cosas - David BARRO

Sobre "Entre fronteras". Comisaria: Carolina Grau. MARCO Vigo. Originalmente en EL CULTURAL

19958 1
Entendamos la frontera como una herida más o menos cicatrizada, como fisura. La frontera es como un colador donde siempre queda lo tejido, un otro tiempo que se dibuja al modo de un punto de partida. Superarla implica un punto de inflexión, algo así como el derribar una estatua, principal síntoma de la llegada de un nuevo tiempo pero también signo iconoclasta capaz de pervertir una tradición –el devenir de la escultura en el siglo XX sabe mucho de eso–. Como el arte, frontera es sinónimo de tensión, de choque; imposibilidad declinada en suicidio si pensamos en Walter Benjamin. La frontera es deseo soñado, como aquel de Neruda con Alberti anhelando la tumba de Lorca, o el simple acto de abrir un libro para Julio Cortázar.

Europa es una telaraña de fronteras: reales e imaginarias, asumidas y convulsas. Aunque no son pocos –sobre todo Edouard Glissant– los que proponen pensar la historia como un archipiélago y no como si estuviese conformada por grandes continentes. Posiblemente sería más fácil en el mundo helénico y entenderíamos esa identidad como relación, como ente mutante en su contacto con el otro, como culturización. Hoy, no obstante, la globalización torna porosas las fronteras en lo que a información se refiere.

Continuar leyendo "La reordenación de las cosas - David BARRO"

Enviado por salonKritik el 11 de Marzo | Comentarios (0)

João Onofre. Vanitas contemporáneas - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en EL CULTURAL

19951 1
La exposición que presenta João Onofre, tal y como se dispone en la galería Toni Tàpies, es una suerte de itinerario dramatizado. Un itinerario que, como en una obra teatral, se desarrolla a modo de presentación, nudo y desenlace. La interpretación variaría si la muestra se contemplara en otra sala de exposiciones y con otro orden, pues el significado de este tipo de piezas se actualiza en cada espacio expositivo.

Al entrar en la galería lo que primero que encuentra el espectador es una especie de inscripción, “Dive and Lie”, realizada con cristales de Swarovsky, que centellea como un anuncio publicitario. Aquí se expresa la idea de la imagen como atracción, como apariencia engañosa de algo maravilloso… Según parece, esta leyenda deriva de un lema de Bruce Nauman, “Live or Die”, de cuya combinatoria de letras el artista portugués hace un juego de palabras. Calambur, el de Onofre, que, como el brillo de la tipografía, no es inocente: el “Sumergirse y mentir” del portugués significa una vuelta de tuerca del “Vivir o morir” de Nauman. Y es que la exposición es una reflexión sobre la muerte y la apariencia, sobre las mentiras y la vacuidad de lo visible y la sombra que se esconde tras las imágenes. La idea del proyecto se podría definir como una vanitas barroca, aunque expresada con una sensibilidad contemporánea. Pero, además, se introduce otra reflexión y es la posición que juega el artista en ese juego de muerte, mentiras, brillo y alucinación de la imagen.

Continuar leyendo "João Onofre. Vanitas contemporáneas - Jaume VIDAL OLIVERAS"

Enviado por salonKritik el 11 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 08, 2007

El pensamiento como provocación - JOSÉ LUIS PARDO En la muerte de Jean Baudrillard

Originalmente en ELPAIS.com

Jean Baudrillard
Marx comenzaba el primer libro de su "crítica de la economía política" con la constatación de que el mundo moderno presenta una imagen indiscutible: es una gigantesca acumulación de mercancías. O, lo que es lo mismo, una gigantesca acumulación de valor. El hecho manifiesto de que este valor no guarda proporción con la utilidad de los objetos que lo ostentan proporcionaba a Marx la ocasión de una crítica radical de la sociedad industrial -una sociedad en la cual el valor de cambio ha eclipsado por completo al valor de uso: no circula lo que vale, sino que vale únicamente lo que circula- y de la consiguiente resolución del enigma del capitalismo: el trabajo humano abstracto e indiferenciado como origen secreto de la estructura social. Cuando Baudrillard, al comienzo de su carrera como teórico, publicó su Crítica de la economía política del signo, todo invitaba a ver su discurso como una versión, ampliada y actualizada por el desarrollo de la sociedad de consumo y el impacto del estructuralismo, de una crítica que se atenía en lo esencial a esas mismas coordenadas: en la hipertofiada acumulación de signos que constituye el rostro del mundo postindustrial, la incesante circulación de significantes no obedece al contenido de los significados que vehiculan, sino que es perfectamente autónoma con respecto a ellos y encierra en sí misma un valor independiente de todo significado, el valor "simbólico" generalizado y descualificado.

Continuar leyendo "El pensamiento como provocación - JOSÉ LUIS PARDO En la muerte de Jean Baudrillard"

Enviado por salonKritik el 8 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 04, 2007

ENTREVISTA: Alberto Ruiz de Samaniego - "El fetichismo de los nombres es uno de los problemas del arte" - JOSÉ LUIS ESTÉVEZ

ELPAIS.com - "El fetichismo de los nombres es uno de los problemas del arte" - Cultura y Espectáculos - Agenda Ocio:

Alberto Ruiz Samaniego
Filósofo y crítico de arte, Alberto Ruiz de Samaniego (Fene, A Coruña, 1966) será el comisario encargado del pabellón español en la 52º Bienal de Venecia que se inaugurará el próximo 10 de junio. Más ligado al mundo académico que al de los comisariados internacionales, más profesoral y especulativo que comunicador pragmático, está preparando un proyecto que tiene a la propia ciudad de Venecia como eje de su reflexión estética. Los textos de Nietzsche, Ezra Pound y Marcel Proust son clave para entender el punto de partida del comisario ante el reto de presentar una propuesta atractiva dentro del gran evento del arte contemporáneo. Aunque de momento no quiere dar muchas pistas sobre los artistas españoles que participarán en la biennale, ya se conoce que entre los elegidos estarán el gallego Manuel Vilariño (fotógrafo y poeta con trabajos conectados con la naturaleza, la taxidermia y la ornitología), y, a falta de confirmación, el dúo conceptual madrileño Los Torreznos.

PREGUNTA. ¿Le sorprendió su nombramiento como comisario en la bienal dado que estos puestos suelen recaer en personas con más experiencia en este tipo de acontecimientos?

RESPUESTA. Yo diría que desde el punto de vista de la hermenéutica solamente son posibles las experiencias si se tienen expectativas, por eso una persona de experiencia no es la que ha acumulado más vivencias, sino la que está capacitada para permitírselas. En este sentido me agrada ver que se puede hacer una lectura amplia de ese perfil de experiencia necesario para tomar decisiones de representación de la actividad creativa actual en España. Por ejemplo, un artista como comisario tendría una visión diversa, probablemente muy enriquecedora, al igual que un poeta. Por lo demás, la maquinaria técnica de la bienal tiene un recorrido de años y las decisiones técnicas no son tan complejas cuando se cuenta con el equipo que ha llevado a cabo las muestras en las últimas ocasiones, con una gran profesionalidad, por cierto. Según me han transmitido, el criterio por el que he sido seleccionado es el de independencia, con el que puedo trabajar de un modo distinto del de otras personas.

Continuar leyendo "ENTREVISTA: Alberto Ruiz de Samaniego - "El fetichismo de los nombres es uno de los problemas del arte" - JOSÉ LUIS ESTÉVEZ"

Enviado por salonKritik el 4 de Marzo | Comentarios (1)

¿Qué historia es la que nos quieren contar? - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

Gforg01Web
Tengo la impresión de que todavía no hemos sido capaces de sacar partido de la segunda de las Consideraciones intempestivas, esto es, no hemos encontrado la potencia (suprahistórica, sea ésta el arte, la religión o el olvido) que nos permita salir de ese letargo mortal que nos caracteriza como perfectos epígonos. Cuando Nietzsche atacaba -con saña- el historicismo decimonónico tenía clarísimo que la opinión pública, el positivismo y la filosofía hegeliana habían encontrado en el filisteo cultural un caldo de cultivo extraordinario para imponer la pura y dura inercia. Y, sin embargo, no era ni mucho menos cierto que todo estuviera hecho y que tan sólo quedara adecentar lo recibido y añadir glosas a la tradición.

Repliegue bizantino.
La conciencia de que la Historia no tiene una clausura teológica desde el punto de vista del saber absoluto no puede suponer que sea un mero repliegue bizantino en el que no exista ninguna clase de exterioridad. «Que la Historia se construye -escribe Gloria Moure- desde sí misma, sobre sí misma e, incluso, contra sí misma es algo difícilmente cuestionable, ya que incluso los discursos más rupturistas apuntan a esa inquebrantable voluntad metalingüística». No estoy de acuerdo con esta afirmación que, según parece, no tendría fisuras; entre otras cosas, porque la Historia no es el delirio exponencial de la interpretosis, sino que el acontecimiento, por emplear un término analizado a fondo por Badiou, tiene lugar.

Continuar leyendo "¿Qué historia es la que nos quieren contar? - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 4 de Marzo | Comentarios (0)

Marzo 01, 2007

Retrato del artista como crítico cultural - José Luis Brea

Una versión extractada de este texto se publica hoy en el dossier sobre la formación del artista en El CULTURAL
----->

Hay una función a la que el artista contemporáneo es invocado con cada vez mayor insistencia -y me atrevería a decir que ello constituye su demanda diferencial frente a la que nuestra sociedad dirige a otros productores expertos de imágenes-: la de proporcionar al ciudadano elementos de análisis crítico que le permitan afrontar reflexivamente la circulación de las imágenes en las sociedades actuales, el bombardeo de ellas a que se ve sometido. Diría que, cada vez más, se pide del artista que actúe como interruptor activo de esos flujos de transferencia de imaginario: que en lugar de constituirse como un mero productor más, acomodado a su forma de circular acelerada y banalizante, provea los materiales analíticos y conceptuales para que ese flujo pueda abordarse con conocimiento crítico de las dependencias e intereses que ellas (las imágenes) impulsan y guardan de hecho con unas u otras epistemes culturales, con unos u otros marcos genéricos de articulación de los conceptos y las representaciones, las narrativas y formaciones de imaginario a través de las comprendemos y actuamos sobre el mundo que hay y sus transformaciones posibles.

Continuar leyendo "Retrato del artista como crítico cultural - José Luis Brea"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (1)

Cuestión de actitud - J. MIGUEL CORTÉS

Cuestión de actitud

La formación de l@s futur@s artistas es algo complejo debido al cúmulo de circunstancias interrelacionadas entre sí que dificultan cualquier renovación, ya que una posible modificación de un determinado aspecto conlleva el cambio de muchas otras cuestiones. Aspectos, todos ellos, que tienen que ver tanto con la situación misma de las Facultades de Bellas Artes (sentido endogámico y gregario de las disciplinas, mantenimiento de parcelas de poder de los departamentos, conceptos trasnochados sobre el carácter del arte ligado a una profunda desconfianza hacia la teoría...), como de la propia universidad pública española (corporativismo y anquilosamiento de un profesorado con una plaza fija de por vida). Todo ello, junto a un alumnado que, en su mayoría, en vez de aprovechar la experiencia de su paso por la Universidad, tan sólo está motivado por acabar lo antes posible y sin excesivo esfuerzo.

Continuar leyendo "Cuestión de actitud - J. MIGUEL CORTÉS"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

Significado y sistema de valores - Marina Núñez

Significado y sistema de valores

Las facultades de Bellas Artes juegan un papel relevante en la producción y reproducción cultural; no pueden entenderse como meras transmisoras de conocimientos previos y externos a ellas, sino como creadoras y consolidadoras de significados y sistemas de valores. Los modelos que sobre el arte y los artistas proponen están cargados ideológicamente, es irreponsable simular que manejan conceptos eternos, carentes de contexto. Por ejemplo, un profesor que utilice términos como expresividad, libertad, naturalidad... tiene poco en común con otro que incida en lo lingüístico, la referencialidad o la deconstrucción.

Continuar leyendo "Significado y sistema de valores - Marina Núñez"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

La Educación del artista: Tutorizar o tutorizarse - CABELLO/CARCELLER

Publicamos en cuatro posts sucesivos cuatro columnas de opinión sobre la cuestión de la formación del artista. Todas ellas extraídas de un monográfico centrado en el tema publicado hoy en EL CULTURAL de El Mundo

Tutorizar o tutorizarse

Una observación crítica del contexto artístico que nos rodea bastaría para darnos cuenta de un hecho que puede parecer irrelevante. El entorno profesional español exige a sus artistas jóvenes haberse formado en el norte de Europa o en Norteamérica: los artistas necesitamos experiencia y el conocimiento de otros contextos se hace imprescindible para nuestra formación. Pero tras esta diáspora se esconde el fantasma de una formación artística deficitaria. Nuestros aspirantes a practicar las artes visuales deciden por sí mismos, cuando pueden se van y cuando ello no es posible, pasan a protagonizar el creciente fenómeno de las “aulas vacías” tan habitual en numerosas facultades de Bellas Artes. Si a ello añadimos la escasez de recursos, el cóctel del fracaso está ya servido.

Continuar leyendo "La Educación del artista: Tutorizar o tutorizarse - CABELLO/CARCELLER"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

De Jabès al libro (y viceversa) - PABLO NACACH

Originalmente en CULTURAS de La Vanguardia

Tal y como hiciera en su día Pierre Menard, autor del Quijote,para celebrar la extraordinaria reedición de El libro de las preguntas sería necesario comenzar, si lo hubiera, por el principio deun libro cuya historia tangible es "la toma de conciencia de un grito". Y, a partir de allí, reproducir con meticulosa caligrafía una a una las letras, las palabras, las voces subterráneas de un texto tan radical como inclasificable. "Sólo en lo indecible se halla el puro poder de la palabra", escribía Walter Benjamin a Martin Buber, afirmación que podría oficiar de iniciática guía de lectura para comprender los escrutables senderos escogidos por un escritor de la inmensa categoría de Edmond Jabès (1912-1991).

Porque, en efecto, Jabès pone su brillantez al servicio de las preguntas esenciales que moldean al ser humano, de las respuestas imposibles - por meramente provisionales- que lo enfrentan a su propio desierto, utilizando para ello una estrategia que abarca y combina historia y filosofía, antropología y psicoanálisis...

¿Poesía, tal vez?

Continuar leyendo "De Jabès al libro (y viceversa) - PABLO NACACH"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

Dan Flavin: La mística del material - CARLES GUERRA

Originalmente en CULTURAS de La Vanguardia

Flavin2
Faltan un mes para que cierre la gran retrospectiva dedicada a Dan Flavin (1933-1996) en la Pinakotek der Moderne en Munich. Aquí termina el periplo de la más importante exposición que jamás se le haya dedicado, tanto en vida como después de su muerte. La dificultad de instalar sus piezas ha impedido que su presencia fuera tan ubicua como la de otros autores. Los tubos fluorescentes que emblematizan la obra de Flavin conviven mal con otros tipos de arte. Emiten un resplandor inconfundible y tiñen de color el espacio en el que se sitúan. Las obras de Flavin sólo se llevan bien entre ellas.

La retrospectiva de Munich es la más exhaustiva hasta la fecha, incluso más que la de la National Gallery of Art de Washington, donde arrancó el tour a finales de 2004. El esmero invertido en esta producción está fuera de lo habitual. Se nota que a los alemanes les gusta este artista. Incluso en la Pinakotek der Moderne, con una trayectoria irregular hasta el momento e inaugurada hace cuatro años, esta es la primera exposición de envergadura que muestran al público. Aunque esta historia de amor entre el arte americano y los museos alemanes viene de lejos. A mitad del recorrido de la exposición se muestran unas fotos de Stephan Moses, tomadas a raíz de una exposición de arte americano en 1968 que tuvo lugar en la Haus der Kunst de la misma ciudad. Allí está Flavin departiendo con coleccionistas y otros artistas. Y por cierto, también está Joseph Beuys, zampándose un sandwich sentado en las escaleras. Curiosamente, sobre los mismos peldaños que llevaban a Hitler hasta el balcón desde el que pronunciaba sus encendidos discursos para la aristocracia de Baviera. Beuys parece esbozar una sonrisa.

Continuar leyendo "Dan Flavin: La mística del material - CARLES GUERRA"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

Arrollados por el hedonismo - JOSÉ MARTÍ GÓMEZ

Originalmente en ELPAIS.com

Alguien le escuchó decir un día a un campesino peruano: "En ésas llegó el progreso y nos arrolló". Recordé la frase en la abarrotada gran sala de actos en la que, las tardes de los lunes, se reflexiona sobre el hiperconsumo en el que vivimos, tiempo de religiones y sanidad; de bienes de todo tipo e individualismo; hedonismo y cambios frenéticos de moda. Un mundo que creíamos nos traería la felicidad pero más bien parece que va camino de arrollarnos.

El ciclo del CCCB -Sentido, interrogantes sobre la existencia en tiempos de hiperconsumo- ratifica que vivimos un tiempo en el que, como resultado de la técnica, asistimos a una abusiva humanización de la máquina. En la humanización de las máquinas, ¿buscan algunos hombres respuesta a la eterna pregunta sobre la esencia del homo sapiens? Búsqueda estéril, ya que la inteligencia artificial no existe, si por inteligencia entendemos la capacidad de pensamiento abstracto y de lenguaje.

Continuar leyendo "Arrollados por el hedonismo - JOSÉ MARTÍ GÓMEZ"

Enviado por salonKritik el 1 de Marzo | Comentarios (0)

Febrero 25, 2007

Mariposas en el estómago - Wendy Navarro Fernández

Originalmente en Sublime Art

Y si durmieras? Y si en tus sueños soñaras?
Y si soñaras que ibas al cielo y allí recogías una
extraña y hermosa flor? Y si cuando despertaras
tuvieras esa flor en las manos?
Ay, entonces, qué?[1]

Intermitencia-1

Gran parte del discurso artístico contemporáneo tiene lugar como reacción ante todo un conjunto de factores que afectan y transforman, cada vez más, el paisaje político, económico, social e ideológico de nuestros días. La propia existencia del individuo, compleja, difícil, en medio de crisis y ausencias, pérdidas sucesivas, estrategias de supervivencia, incertidumbres y avatares diversos, experimenta la agudización de conflictos y problemáticas en detrimento de aquellos valores que han identificado la naturaleza de lo humano. Indiferencia, incomunicación, superficialidad, banalidad, inercia, hastío, violencia, entre muchos otros, se extienden como dilemas acuciantes de la sociedad. “Tal vez el mayor problema sea que la vida, tal y como la conocíamos ha dejado de existir y aún nadie es capaz de asimilar lo que ha sobrevivido en su lugar. Sólo si recupera el espacio que primero ha deshabitado, el hombre más que un enigma, un desencuentro, puede alcanzar lo que impropiamente llama totalidad, el deseo y la imaginación superan las limitaciones, pugnan por estar fuera de la ley, inventando ese otro lado de la vida”[2].

Continuar leyendo "Mariposas en el estómago - Wendy Navarro Fernández"

Enviado por salonKritik el 25 de Febrero | Comentarios (0)

La televisión desde el arte - MARTI MANEN

Originalmente en A-Desk

El contexto del arte contemporáneo ha vivido, desde hace ya un buen tiempo, la discusión sobre los formatos de presentación, sobre los modelos institucionales, así como sobre la voluntad de aproximación a sus usuarios. Al mismo tiempo, los debates sobre la necesidad de transparencia, y el gusto por lo procesual y temporal han llevado a una situación de redefinición constante, con deconstrucciones de la exposición, pruebas y cambios en la institución, la búsqueda en otros campos, y, también, propuestasartísticas que se cuecen entre los parámetros mencionados.

Paralelamente, lo temporal (habitualmente acompañado por lo visual) llena los espacios de presentación, obligando a entenderlos más como tiempos de presentación y menos como espacios en sí. Y claro, el vídeo tiene mucho que ver con todo ésto. Las décadas de democratización de los media (pensando en el vídeo) han llevado hasta una creación artística ya absolutamente aceptada. Seguramente se trata del formato que se ha incorporado más rapidamente no sólo en las coordenadas del trabajo artístico, sino también en el funcionamiento institucional y en el mercado del arte. El vídeo ha facilitado la internacionalización de las exposiciones, ya que el coste de instalación y transporte se reduce más que considerablemente. Y ahora, cuando la red es ya un espacio válido para el consumo individual (sea entendido como un consumo de información o como contexto expositivo) volvemos a replantearnos los sistemas de comunicación.

Continuar leyendo "La televisión desde el arte - MARTI MANEN"

Enviado por salonKritik el 25 de Febrero | Comentarios (0)

Devoto de Lacan - ENRIQUE LYNCH

Originalmente en ELPAIS.com

El filósofo esloveno Slavoj Zizek es un devoto incondicional de Lacan, aunque su libertad de espíritu, su heterodoxia y su temperamento intempestivo, le han permitido saltarse la estricta regla escolástica lacaniana. Aunque la mayor parte de sus claves teóricas son en verdad ideas de Lacan, Zizek las instrumenta brillantemente para la renovación del pensamiento crítico. Sus obras suelen ser variaciones de hitos centrales del lacanismo: o ejemplificaciones de las principales consignas y trouvailles de Lacan o desarrollos tangenciales de sus escritos y seminarios en los que el freudismo se enriquece gracias a una estimulante dialéctica con la filosofía, la ciencia, la literatura y la cultura de masas. No hay casi nada original en él, pero el lacanismo ya puede ver en Zizek una tabla de salvación para evitar hundirse en la cerrazón sectaria. Más aún, a diferencia de Lacan, quien en vida se ocupó de pelearse con casi todo el mundo, Zizek polemiza, y hasta se permite ser impertinente, pero evitando beligerancias irreductibles. Su psicoanálisis de la sociedad está constantemente trazando conexiones y alianzas decisivas con Hegel, con Kierkegaard, con Marx y con la nutrida hueste de los filósofos del deseo, sin olvidar las frecuentes referencias demagógicas a la cultura popular, licencia teórica (o poética) que habría horrorizado a Lacan.

Continuar leyendo "Devoto de Lacan - ENRIQUE LYNCH"

Enviado por salonKritik el 25 de Febrero | Comentarios (0)

El gozo intelectual y la tristeza del pensamiento - Jorge Wagensberg

Originalmente en ELPAIS.com

Declaro que he experimentado el gozo intelectual. Ya está dicho. Sólo por eso, el gozo intelectual existe. Más aún: ocurre cada vez que comprendo o intuyo algo nuevo. El gozo intelectual es la culminación de todo proceso cognitivo y ocurre súbitamente en la más estricta soledad, aunque en el extremo de alguna forma de conversación. Ocurre cuando la comprensión es nueva para una sola mente (educar, aprender...), pero sobre todo cuando es nueva para cualquier mente pensante (investigar, crear...). El fenómeno es fundamental porque la mente puede dudar entre si comprende o cree comprender, pero no se plantea dudas entre si goza o cree gozar. El gozo intelectual es el gran logro de la selección natural que da paso a la selección cultural y, con ella, a la creatividad humana. El gozo intelectual empuja y orienta nuestra natural indolencia hacia el conocimiento inteligible, algo decisivo tanto a la hora de sobrevivir como a la hora de sublimar el alma.

¿Encaja esta idea en el pensamiento filosófico? Probemos con dos clásicos: Friedrich Wilhelm Nietzsche y Friedrich Wilhelm Schelling. Del primero dice su biógrafo Rüdiger Safranski (Tusquets, 2006): "... para Nietzsche el pensar es un placer sin parangón, en ningún caso quiere renunciar a él, y está agradecido a la vida por haberle concedido este placer. Quiere vivir para poder pensar. Y en tanto que piensa, soporta aquellos ataques del cuerpo que podrían quitarle el gusto de vivir". Para Schelling, en cambio, existe una profunda e indestructible tristeza (Schwermut) asociada justo a nuestra facultad de pensar. George Steiner aborda la cuestión en un breve ensayo titulado nada menos que Diez (posibles) razones para la tristeza del pensamiento (Siruela, 2007). ¿Hay contradicción?

Continuar leyendo "El gozo intelectual y la tristeza del pensamiento - Jorge Wagensberg"

Enviado por salonKritik el 25 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 22, 2007

Buenos días, buenas prácticas - DELFÍN RODRÍGUEZ

Originalmente en ABC.es

La reciente y aplaudida aprobación del Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo es un acontecimiento feliz y lleno de buenas intenciones, tantas que no sé de casi nadie que pueda dudar del carácter de ideario que posee. Después de leerlo, le embarga a uno un sentimiento de dicha y dignidad, de sosiego y confianza, en verdad inesperados en el panorama de las artes (contemporáneas, en este caso) en nuestro país que, por otra parte, había sido, hasta este momento inaugural y luminoso, un sencillo y lacónico correlato del desencuentro cotidiano de nuestra vida política, social, cultural, ética y moral. Pero ya no va a ser así y este documento es mucho más que algo que tenga que ver sólo con las artes (contemporáneas), porque acabará afectando benéficamente a todos los ámbitos de nuestra vida, ya lo verán.

Continuar leyendo "Buenos días, buenas prácticas - DELFÍN RODRÍGUEZ"

Enviado por salonKritik el 22 de Febrero | Comentarios (1)

Solidaridad en la pasarela - MARTÍ PERAN

Originalmente en ELPAIS.com

Hace apenas unas semanas, la Pasarela Barcelona provocó una fugaz polémica con el desfile ideado por el diseñador Antoni Miró para presentar sus propuestas para la próxima temporada. Los hechos son conocidos ya por todos los lectores: el modista, proclive a presentar sus colecciones con algún gesto heterodoxo, utilizó como modelos a unos apuestos senegaleses en situación irregular, desfilando impecablemente ataviados frente a un supuesto cayuco procedente de la colección del Museo Marítimo. Para la ocasión, los eventuales modelos recibieron una paga de 150 euros sin mediar ningún tipo de contratación. Los resultados de esta muestra de solidaridad aparentemente inocua no se hicieron esperar; por una parte, una polémica mediática que sobrepasó las expectativas del diseñador y, de inmediato, el anuncio de una inspección por parte del Ministerio del Trabajo, que podría suponer una multa al modista y la expatriación de los inmigrantes implicados por vulneración de la Ley de Extranjería (El PAÍS, 23 de enero). A día de hoy, como era de esperar, parece que los que actuaron como modelos permanecen desaparecidos frente a esta suerte de amenazas. Sin duda alguna, y a pesar del apoyo recibido por entidades como SOS Racismo, parece evidente que Antoni Miró pecó de un exceso de frivolidad; pero lo interesante de la tesitura creada con esta ingenua actitud es que permite amplificarla para reconocer algunas de las paradojas que se producen, desde el ámbito cultural, cuando éste aborda la situación de aquellos que eufemísticamente llamamos "los más desfavorecidos".

Continuar leyendo "Solidaridad en la pasarela - MARTÍ PERAN"

Enviado por salonKritik el 22 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 19, 2007

Sobre la historia (y sus réplicas) - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

20070217Elpbabart 2
En Sobre la Historia, Gloria Moure tan sólo nos ha dado la primera y optimista mitad de su visión del tiempo perdido, y este hecho, en el contexto en que se produce la exposición, requiere una pronta y tranquila réplica. Estamos ante el trabajo de 11 firmas indudables, 11 autores que desafían cualquier manía crítica, a pesar del paisaje extático de la corporación que los arropa, la mejor ciudad posible de los poco fiables banqueros que, al menos, tienen el mérito de haber sido testigos activos de los hechos culturales que conforman la Historia, de establecer verdaderos cánones de autentificación para el arte. ¿Quién se atreve a plantear pegas frente a la rotunda vetustez de unos tapices flamencos o de los apabullantes murales de Sert que cuelgan en el amplio recibidor del museo de la Ciudad Grupo Santander como mistificaciones de la España negra de Gutiérrez Solana?

Más allá de estas reliquias, en Sobre la Historia lo que cuenta no es el tiempo, sino cómo se representa, o mejor, cómo éste alcanza a la narrativa para crear tensiones irreductibles. En ese orden, prácticamente pictórico, la postura del artista canadiense Jeff Wall es numantina. Analicémosla con un trabajo que no está en la exposición, pero que de haberlo incluido su comisaria, habría dado un giro coperniquiano a su tesis, más centrada en cuestionar nuestra comprensión del pasado a partir de unos trabajos ligados a la estetización del medio -el vídeo, la fotografía, el cine- que en ofrecer una visión, por así decir, profana (¿un sentimiento del tiempo "anticapitalista"?). La obra -no elegida- lleva por título The Storyteller (1986), y es una transparencia de tamaño mural en la que se ve a un grupo de personas nativas de la Columbia Británica sentadas en un terreno agreste cercano a un puente, en Vancouver. Un personaje cuenta una historia -el artista alude a un tiempo en que los hechos se transmitían de forma oral y se mezclaban mitos, ficciones y sucesos reales-, es alguien que representa los elementos esenciales de la memoria, los valores excluidos por el progreso capitalista. Sólo en momentos de crisis, esa memoria recobra todo su potencial, y es cuando los marginados la rescatan y la transmiten. Para Jeff Wall, los nativos de Canadá representan un típico caso de desposesión.

Continuar leyendo "Sobre la historia (y sus réplicas) - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 19 de Febrero | Comentarios (0)

La risa del arte - Iván de la Nuez

Originalmente en ELPAIS.com

La solemnidad no es siempre una buena invitada del arte. Suele traer consigo unas alforjas demasiado pesadas; lastres que concentran el peso trágico del mundo. Injusticias y guerras, privilegios y desigualdades, riquezas y miserias son temas que, ciertamente, admiten pocas alegrías y componen la esencia misma de los proyectos artísticos. Pero también los contaminan con sus causas y se expanden sobre ellos con la corrosión de un virus. Crean el peligro de que el artista acabe, ante tales problemas, como "el niño del espejo" y repita, con la mano cambiada, todos y cada uno de esos vicios tan propios de los poderes que detesta.

Es por eso que, más de un creador, se siente llamado de vez en cuando a cambiar el registro, despojarse de la seriedad del drama y desplazarse, en dirección contraria, mediante la risa y el sarcasmo. Ese deslizamiento no es nuevo. Todos tenemos presente al Duchamp del urinario o el bigote en la Gioconda. Sin embargo, desde mucho antes los creadores se sintieron confortables en las zonas cómicas del arte. De ello da buena cuenta un libro reciente de José Emilio Burucúa: La imagen y la risa (Periférica). Allí recorre esa sonora tradición de los primeros modernos, en la que las carcajadas acompañaban a los grabados de Françoise Langlois, Nielo Nelli, Louis Richer, Iaspar Isaac, Lagniet, Pierre Bertrand o Jean de Gourmont. Tanto Burucúa como Emilio Temprano, en El arte de la risa (Seix Barral), persiguen el rastro entre Giordano Bruno y Aby Warburg, Rabelais y Carlo Ginzburg, Cicerone y Hobbes, Goethe y Arthur Koestler. Para éstos y otros, la risa responde a motivos de todo tipo: políticos o anatómicos, cultivados o primitivos, fisiológicos o culturales, éticos o estéticos. En esa línea, cuando la revista Exit dedicó un número al tema, el editorial de Rosa Olivares catalogó a Erwin Wurm, Teun Hocks, Maurizio Cattelan, Sarah Lucas, los hermanos Chapman, Karen Knorr, Pedro G. Romero, Martin Parr o Miguel Calderón como artistas que ríen, si bien cada cual con distinta intensidad, sofisticación o eficacia.

Continuar leyendo "La risa del arte - Iván de la Nuez"

Enviado por salonKritik el 19 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 15, 2007

La diferencia radical - LAURA TRAFÍ

Originalmente en CULTURA | S de La Vanguardia.

A propósito de Vanessa Corby y Griselda Pollock Encountering Eva Hesse PRESTEL, MUNICH, 2006)

En el contexto de crítica a la modernidad, los historiadores del arte han experimentado con un modelo de escritura que sigue, en palabras de Griselda Pollock, una temporalidad retardada.Esta concepción del relato histórico se inspira en el Jetztzeit de Walter Benjamin, un término de sus Tesis de filosofía de la historia (1942), que explica cómo el potencial de interpretación que ofrece un determinado momento puede no estar presente en la obra o acontecimiento en el tiempo de su producción. Es una crítica al historicismo que también alude a la estética negativa de Adorno, y a la capacidad del arte para desactivar repetidamente la posibilidad de un significado final. Situada en este marco ideológico, la historiadora tiene la responsabilidad ética de poner en diálogo la historia, la práctica artística y el análisis cultural con el fin de escribir sobre lo no contado, reprimido, deseado y así encarar el encuentro con el presente permanentemente renovado de las obras de arte. Este es el punto de partida de Encountering Eva Hesse (Prestel, 2006), un libro editado por la propia Pollock y la artista Vanessa Corby.

Continuar leyendo "La diferencia radical - LAURA TRAFÍ"

Enviado por salonKritik el 15 de Febrero | Comentarios (0)

Historia (s) del arte moderno - CARLES GUERRA

Originalmente en CULTURA | S de La Vanguardia.

A propósito de Hal Foster, Rosalind Krauss, Yves-Alain Bois y Benjamin Buchloh Arte desde 1900. Modernidad, antimodernidad y posmodernidad AKAL, MADRID, 2006 y Anna Maria Guasch La crítica dialogada. Entrevistas sobre arte y pensamiento actual (2000-2006) CENDEAC, MURCIA, 2006)

Hasta hace poco la historia del arte moderno parecía condenada a desaparecer, a convertirse en cosa del pasado. Nadie daba un duro por esa disciplina. La figura del historiador y del experto en arte se fundían en un perfil autoritario. El carácter prescriptivo de sus comentarios a menudo resultaba poco grato. Tomando una expresión del filósofo norteamericano Donald Davidson, se diría que la historia del arte moderno cometía un abuso de autoridad de la primera persona.El historiador del arte sería cómplice de elevar juicios subjetivos a la categoría de verdades epocales, de convertir su opinión en dogma. Pero no sólo eso. La historia que se cuidaba de poner en orden el arte del siglo XX empezó a perder peso específico con el descrédito de las narrativas nacionales y el triunfo del internacionalismo. A finales de los 80, Achille Bonito Oliva ya dijo que los artistas de nuestro tiempo no pasan a la historia, sino a la geografía. Algunos museos pautados por épocas, estilos y nacionalidades vieron como del día a la noche su itinerario histórico adquiría tintes sospechosos de inmovilismo y conservadurismo.

Continuar leyendo "Historia (s) del arte moderno - CARLES GUERRA"

Enviado por salonKritik el 15 de Febrero | Comentarios (0)

Apropiaciones - ANTONI MARÍ

Originalmente en CULTURA | S de La Vanguardia.

A propósito de Jean-François Chevrier, Jeff Wall FERNAND HAZAN, PARÍS, 2006.

Jean-François Chevrier, en una de sus recientes exposiciones, ´Art i utopia: L´acció restringida´ - inaugurada en el Macba en 2004-, afirma que el poeta Stéphane Mallarmé es la fuente del arte contemporáneo puesto que actualizó algunos de los conceptos clave del poeta como el de la constelación, la yuxtaposición y la metáfora. En el magnífico ensayo ´Jeff Wall´, Chevrier construye una genealogía del artista canadiense y reconoce su origen en el universo estético de Baudelaire y Manet, tan próximo al de Mallarmé y al germen de la modernidad que se inaugura con la ciudad industrial y su cultura. En el libro de Chevrier se recorre la obra de Wall desde sus inicios, evolución y consolidación, atendiendo a las apropiaciones que el artista viene recogiendo desde sus primeras obras y el modo en que son transformadas - las apropiaciones- por su nueva ubicación y nuevo soporte artístico.

Continuar leyendo "Apropiaciones - ANTONI MARÍ"

Enviado por salonKritik el 15 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 14, 2007

Dossier sobre el lugar de la historia del arte y los estudios visuales - CULTURA | S de La Vanguardia.

Republicamos aquí el excelente dossier publicado hoy por el CULTURA | S de La Vanguardia.

Wall Historia
Historia (s) del arte moderno

La historia del arte moderno parecía a punto de pasar a la historia. El género que pone en orden la producción estética contemporánea se encontraría amenazado por otras formas de hablar sobre las imágenes. Pero la publicación de ´Arte desde 1900´ invita a reflexionar sobre la vigencia de la disciplina y a preguntarnos a quién le importa todavía la historia del arte. La obra de Jeff Wall, atravesada por una obsesión hacia el legado de la modernidad, ilustra el tema

Indice de artículos (en sucesivos posts):

- Apropiaciones, Antoni Marí, Sobre el Jeff Wall de Chevrier

- Historia (s) del arte moderno, Carles Guerra, sobre Arte desde 1900 y La crítica dialogada, de Anna Guasch en Cendeac)
- La diferencia radical, Laura Trafí, sobre el Encountering Eva Hesse de Vanessa Corby y Griselda Pollock.
- (Re)construyendo un "afuera", José Luis Brea, sobre el sistema-arte en España y el lugar posible del discurso crítico. (en post separado)

Enviado por salonKritik el 14 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 13, 2007

Entrevista Lourdes Fernández: "Hay una absoluta falta de debate en el arte contemporáneo" - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

Lourdes Fernandez Directora Arco
Pregunta. Usted sostiene que el éxito de Arco vendrá de su reorganización y profesionalización. ¿Con qué dificultades se ha encontrado?

Respuesta. Me he encontrado con un proyecto de gran magnitud que necesita tiempo, atención y esmero, y esto a veces dificulta poder pararse a reflexionar, diseñar una estrategia o repensar las líneas estructurales de la feria. Además, profesionalizar la feria supone evitar ciertas confusiones y, sobre todo, ser muy exigente y selectivo en las elecciones de cada uno de los aspectos que la rodean. Y esto no gusta a todo el mundo. Pero también he de decir que me he sentido apoyada por quienes creen en un proyecto que será bueno para todos.

P. Usted pasó de trabajar en la Marlborough a dirigir la galería DV en San Sebastián, y en 2004 a gestionar la bienal Manifesta V. Éste es su primer Arco. ¿Cómo adapta estos cambios a su perfil de historiadora?

R. Son los propios cambios los que le condicionan a uno. Para bien o para mal, mi formación hizo que me inclinase más hacia el mundo de los museos. Comencé en el Museo d'Orsay de París, pero luego, sin querer, me encontré desarrollando mi carrera profesional en el mundo del comercio del arte. Mi bagaje fue determinante en el trabajo con los artistas en la DV. En Manifesta lo viví con mayor intensidad, pues muchos aspectos del proceso de trabajo de los comisarios habrían resultado muy difíciles de entender o desarrollar si no hubiera tenido esos conocimientos.

Continuar leyendo "Entrevista Lourdes Fernández: "Hay una absoluta falta de debate en el arte contemporáneo" - ÁNGELA MOLINA"

Enviado por salonKritik el 13 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 11, 2007

El contagioso 'boom' del mercado - Amanda Cuesta

Originalmente en ELPAIS.com

Habitaciones Conversaciones Dora Garcia
Sin duda estamos viviendo un momento excepcional. Éste ha sido el mejor año de los últimos veinte, en cotizaciones y demandas, y todo indica que el ritmo va a continuar creciendo. No sólo asistimos al fortalecimiento de los mercados americanos y europeos, de mayor tradición, sino que además se han incorporado los mercados asiáticos y latinoamericanos. En Arco 2006, el negocio creció un 13% respecto al año anterior. Según Artprice, el beneficio total obtenido en subastas en 2005 fue de 3.200 millones de euros, mientras que el año anterior la cifra no llegó a los 3.000. Todo apunta a que la inversión se ha reencontrado con el mercado del arte.

El arte contemporáneo español está viviendo una bonanza que es más fruto de una coyuntura internacional favorable que resultado de su propia fortaleza. La situación actual sin duda es buena, sobre todo respecto a los paupérrimos años noventa y eso ha de permitir que los buenos proyectos galerísticos se consoliden. La actual edición de Arco podría ser la confirmación de que nuestro mercado nacional ha ganado en madurez y responsabilidad, y que se está gestionando mejor este crecimiento que durante el boom de finales de los ochenta. Hoy se hace evidente que la profunda crisis de los noventa fue en parte consecuencia de la desconfianza que ocasionó la enorme especulación en torno al arte, y especialmente el arte joven, de aquellos desenfrenados años. Los precios deben subir basándose en la demanda, pero en equilibrio con el reconocimiento crítico de los artistas (el número de exposiciones y ensayos que una obra genera), de no ser así se estará propiciando de nuevo la inversión en modas pasajeras en lugar de hacerlo en valores seguros, y eso tiene sus riesgos. Quizá por ello, Arco haya endurecido en los últimos años sus criterios de admisión, buscando en la solvencia de los proyectos seleccionados la profesionalidad que ha de garantizar un crecimiento del sector real y sostenido. También a esto se debe el peso que los espacios curatoriales, como The Black Box o Proyectos, fiables escaparates de los valores en alza, han ganado en la feria. Ése es el camino para recuperar la confianza inversora.

Continuar leyendo "El contagioso 'boom' del mercado - Amanda Cuesta"

Enviado por salonKritik el 11 de Febrero | Comentarios (0)

Pensar contra uno mismo - JOSÉ LUIS PARDO

Originalmente en ELPAIS.com

¿Qué fue de la filosofía francesa? ¿Se encuentra también ella, como parece encontrarse todo lo francés en los últimos tiempos, incluyendo el PIB, en una fase aguda de decadencia? Algunos títulos recientemente traducidos parecen indicárnoslo: Aprender por fin a vivir es la última entrevista concedida por Jacques Derrida en las inmediaciones de una muerte que habita ya en su palabra de modo ineludible y que, al haber acaecido después de las de Michel Foucault, Jean-François Lyotard, Gilles Deleuze, Maurice Blanchot y Pierre Bourdieu, parece simbolizar el agotamiento natural de una vitalidad filosófica que pintó con sus nietzscheanos colores tres décadas prodigiosas de pensamiento europeo.

Los que quedan vivos de aquella singular generación, como Jean Baudrillard y Alain Badiou, proponen títulos poco alentadores protagonizados por la agonía y el desastre. Y no se trata únicamente de los títulos: Baudrillard describe al poder político como un enfermo moribundo artificialmente mantenido con vida gracias al entubamiento mediático y, si habla de un "complot" del arte es casi únicamente para remitir a un fulgor antiartístico llamado Andy Warhol, que habría sido enterrado en vida por sus imitadores con pretensiones estéticas. Por su parte, Badiou aprovecha toda la lírica vertida en los últimos tiempos por los "comunistas literarios" herederos de Bataille (Nancy, Esposito) para revitalizar una suerte de mao-leninismo filosófico que recupera en toda su crudeza el viejo rencor marxista contra el derecho burgués de la democracia "formal" y que reclama vehementemente una "política sin Estado", yendo con ambas cosas en una dirección asombrosamente parecida a la que persiguen aquellos que uno supone -quizá ingenuamente- que deberían ser los verdaderos enemigos de un izquierdista.

Continuar leyendo "Pensar contra uno mismo - JOSÉ LUIS PARDO"

Enviado por salonKritik el 11 de Febrero | Comentarios (0)

Siegfried Kracauer - ESTÉTICA SIN TERRITORIO

Originalmente en ELPAIS.com

Siegfried Kracauer (1889-1966) fue un intelectual alemán heterodoxo que influyó con sus análisis de la cultura moderna en pensadores de la Escuela de Francfort como Adorno. Se ha editado ahora un compendio de sus textos sobre arte y estética.

Siegfried Kracauer era un tipo raro que se definía a sí mismo como una "retama" o "ginesta", ese arbusto amargo de alegres flores amarillas que crece en los márgenes de las vías de tren o carreteras. Este pensador alemán compartió inquietudes intelectuales con Walter Benjamin y Adorno, y, como ellos, se interesó por el cine, la fotografía y la sociología. Kracauer se doctoró en arquitectura en 1914, con un estudio sobre El desarrollo del arte de la forja en Berlín, Postdam y algunas ciudades de la Marca del siglo XVII al XIX, que sería publicada un año después. El mero sesgo de la tesis ya le significaba como autor "extraterritorial", aislado, que flota en un mundo desencantado y racionalizado en donde "queda cerrado el acceso a toda plenitud de sentido, a toda forma de trascendencia". Su teoría del "desamparo existencial" planea sobre este conjunto de ensayos y artículos extraídos de sus colaboraciones en el Frankfurter Zeitung, donde trabajó desde 1921, primero como colaborador cultural del feuilleton, más tarde como jefe del suplemento cultural berlinés. Sus apelaciones al compromiso nacional con la libertad democrática, en el marco de un nazismo cuyo auge se consideraba ya imparable, fueron apareciendo como cada vez más incómodamente izquierdistas. Al poco de llegar a la capital alemana, se le redujo el sueldo, se le desalojó del despacho y sus textos fueron rechazados o censurados. Con Hitler en el poder, Kracauer se exilió a París.

Continuar leyendo "Siegfried Kracauer - ESTÉTICA SIN TERRITORIO"

Enviado por salonKritik el 11 de Febrero | Comentarios (0)

La máquina de Paik - David A. Ross

Originalmente en ELPAIS.com

Tv Buddha
Nam June Paik, artista estadounidense nacido en Seúl en 1932, reconocido como figura precursora en la historia del videoarte, en realidad fue mucho más que un pionero en el mundo artístico. Cierto que fue un artista distinguido, performer y compositor de primer orden, y también un señalado intelectual, un pensador visionario que hace 30 años predijo y dio nombre a la "autopista de la información", que ahora conocemos como internet.

Pero Nam June Paik, que murió el 29 de enero de 2006, también era un complejo animal político, un insurrecto listo que se consideraba a sí mismo un "terrorista estético". Al crecer bajo la represiva dictadura militar que se asoció con las fuerzas estadounidenses ocupantes en la Corea del Sur de la posguerra, Paik aprendió que los gobiernos de todo tipo (socialistas o capitalistas) podían crear las condiciones que defraudasen las supuestas libertades propugnadas por los generales, los diplomáticos y los políticos. Como miembro de una familia cuyas posesiones fueron expropiadas en su totalidad por el gobierno, y que se vio obligada a huir al exilio en el vecino Japón, Paik estaba muy al tanto de la relación entre la corrupción y el abuso del poder, aunque éste sea legítimo. Entendía a la perfección que esta relación podía prosperar en cualquier sistema económico si tuviese una base autoritaria y una prensa complaciente.

Continuar leyendo "La máquina de Paik - David A. Ross"

Enviado por salonKritik el 11 de Febrero | Comentarios (0)

Proyectar la proyección - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Large Image 2311
No es suficiente con repetirlo, sino también resulta necesario investigarlo. La imagen proyectada ha ido, poco a poco a lo largo de la última década, ocupando más y más espacio en las salas museísticas. Si numerosas han sido las exposiciones que han examinado el auge del vídeo y del cine de exposición en el arte reciente, si otras muchas se habían ocupado de investigar los primeros e heroicos años, pocas -aunque sí alguna- se habían centrado en el mismo acto y efecto de la proyección en sí. En esta muestra colectiva en el MuHKA de Amberes se ha optado por esto último de una manera muy abierta y por momentos poco precisa, pero añadiendo a la fisicidad inmaterial de la proyección lumínica de la imagen la misma idea de proyecto, también muy unido al desarrollo artístico de las última décadas.

Múltiples posibilidades.
«El proyecto proyección» resulta así enriquecido en su tautológico título: no sólo estamos ante la posibilidad de la proyección de imágenes, sino también ante la misma idea de proyectar-idear algo. Como afirman los comisarios, la proyección es un procedimiento tan viejo como el mundo, pero sumido en continuas transformaciones técnicas: desde los juegos de sombras al teatro óptico, desde la fotografía al cine, a la televisión y al vídeo. Sin duda, esta exposición recoge un catálogo de las posibilidades que la proyección ofrece, pero sin hacer demasiado hincapié en ello o, al menos, sin ser ese el motivo esencial. Más paradójicas y ambiguas resultan otras intenciones de los comisarios, pero, sin duda, una que habla de un próximo futuro requiere ser citada: aquella que dice que «ahora que la proyección pierde su utilidad tecnológica y, por tanto, su estatus disciplinario, reconquista su poder alegórico». Es esto lo que, al fin y al cabo, se recoge de las obras más interesantes o poderosas de la exposición, pero sobre lo que no puede profundizar más todo aquel que no hable neerlandés, ya que el libro de textos que acompaña la muestra (y que suponemos muy interesante por quiénes escriben en él) ha sido editado sólo en esa lengua. Una lástima. La pieza que abre el espacio, tres proyecciones fragmentadas de Marie José Burki, nos muestra a personas en el parque, tumbadas, e invita a la interacción y la proyección de las sombras de los espectadores en la pared al colocar los proyectores a ras de suelo. Cerca -y para demostrar esa variedad de medios y propuestas dispares- se sitúa una maqueta de Rodney Graham o el conjunto de Joost Rekveld que hace clara referencia a toda una época preocupada por los artilugios que pudieran crear imágenes fantasmas en movimiento.

Continuar leyendo "Proyectar la proyección - Juan Antonio Álvarez Reyes"

Enviado por salonKritik el 11 de Febrero | Comentarios (0)

Entrevista/Fotografía - THOMAS STRUTH, FOTÓGRAFO

Originalmente en abc.es

Fotografia Museo Prado
Deambulamos por El Prado un lunes, cuando sus salas están vacías de visitantes. Y lo hacemos acompañados por Thomas Struth (Alemania, 1954), el fotógrafo interesado en los centros expositivos, en las formas de exhibición de las obras de arte y en la manera de recibirlas por los espectadores. El alemán es el primer artista vivo que expone en la pinacoteca madrileña, y lo sabe, pero intenta que no le influya demasiado. Un total de once fotografías, algunas realizadas ex profeso para el museo, se mezclan con las pinturas de los grandes maestros que alberga esta institución, mientras otro grupo espera la apertura del ala de Moneo. Contemplamos su trabajo, estas obras de personas que contemplan otras obras, mientras Struth desgrana las claves de su trabajo.

Hay tantos museos del Prado como visitantes tiene. ¿Cómo es el Prado de Thomas Struth?
Para mí El Prado es un lugar extraordinario, porque es el único museo de esta dimensión que yo conozca que alberga la colección principal de tres artistas «locales» como son Velázquez, Goya y El Greco. Verlos aquí no es igual que una visita en el tiempo a sus estudios, pero sí algo muy parecido, conectado con el nivel artístico de los tres autores. Para un artista, venir aquí y conocerlos de primera mano es una especie de realización, que puede comprender a esos artistas íntimamente.

Continuar leyendo "Entrevista/Fotografía - THOMAS STRUTH, FOTÓGRAFO"

Enviado por salonKritik el 11 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 08, 2007

Cardiff & Bures Miller: La metafísica del sonido - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en EL CULTURAL

19725 1
Janet Cardiff (Bruselas, Ontario, Canadá, 1957) y George Bures Miller (Vegreville, Canadá, 1960) poseen una carrera como artistas autónomos; sin embargo, desde hace diez años suelen presentar y realizar obras en conjunto. Su proyecto, aquello que les une, es una reflexión sobre el sonido. Efectivamente, ellos utilizan e incorporan el sonido como un recurso creativo más y sus piezas se han descrito como esculturas sonoras. Ensamblajes de elementos diversos, sus obras interrelacionan la alta y la baja cultura… Se trata de un universo de una gran intensidad poética y que, como tal, escapa a toda definición, resulta difícilmente reductible a un significado unívoco.

¿En qué consiste este universo? Incorporar el sonido –al menos tal y como lo hacen Janet Cardiff y George Bures Millar– significa explorar cómo funciona y cuáles son sus posibilidades, preguntarse acerca de su naturaleza, como sustancia impalpable. Representa también una intensificación y una ampliación del registro creativo, que muy a menudo privilegia solamente la vista. En este sentido, es muy significativa la obra que Cardiff realizó en solitario en 2001, el Motete en cuarenta partes basada en el Spem in Alium de Thomas Tallis (1573). Esta pieza polifónica se presenta hoy en un espacio anexo del MACBA, una antigua capilla del XVI, contemporánea, por tanto, a la pieza de Tallis. Janet Cardiff graba individualmente las cuarenta voces del motete y las reproduce en otros tantos altavoces. Según los expertos, el resultado es muy diferente a un concierto o a una grabación convencional, porque en estos casos la fuente del sonido es frontal o unidireccional. Aquí, en cambio, uno puede sumergirse en el espacio sonoro como si estuviera en medio de los cantantes, gracias a la distribución de los altavoces.

Continuar leyendo "Cardiff & Bures Miller: La metafísica del sonido - Jaume VIDAL OLIVERAS"

Enviado por salonKritik el 8 de Febrero | Comentarios (0)

Lourdes Fernández, directora de Arco: "La Feria ya está vendida"

Originalmente en EL CULTURAL

19729 1
Lleva en Ifema poco más de un año (llego en enero para tomar contacto con la feria mientras todavía estaba su antecesora Rosina Gómez-Baeza) y ya se ha hecho con el funcionamiento interno de la casa. Lourdes Fernández, que el próximo jueves inaugura su primer ARCO, recibe a cinco críticos de arte de El Cultural: José Marín-Medina, Elena Vozmediano, Mariano Navarro, Rocío de la Villa y Javier Hontoria. A pesar de ser éste un ARCO de transición, como ya se ha encargado de decir la nueva directora, hay algunos cambios que adelantan ya las novedades que se reserva para 2008.

Diez días antes de su in auguración, en el Club Feria de Ifema no hay ni rastro de lo que será su primera experiencia como directora de ARCO. Pero Lourdes Fernández parece tranquila y se muestra transparente y cercana ante las preguntas de nuestros críticos. Este es el resumen de una larga conversación sobre los problemas por resolver y los planes por realizar de una feria de arte tan consolidada como ARCO, que cambia de manos.

–Rocío de la Villa: ¿Cuáles son los titulares de ARCO 2007?
–Lourdes Fernández: El primero es que éste es un ARCO de transición, y estoy dispuesta a recibir críticas por ello, pero hay que entender que es un proyecto de gran envergadura que lleva tiempo. El cambio de pabellones previsto para el año que viene es, por un lado, una excusa recurrente y por otro, una realidad: cambiamos de espacio y eso supone que hay que reorganizar toda la feria espacial y estructuralmente. Además, los tres grandes núcleos en los que hemos trabajado son la alta calidad de las 50 nuevas galerías (47 extranjeras y 3 españolas), el trabajo que estamos haciendo con corporaciones, sobre todo privadas, apostando por la inversión en arte contemporáneo. Y, por último, el esfuerzo por potenciar el coleccionismo español que ha creado la propia feria.

Continuar leyendo "Lourdes Fernández, directora de Arco: "La Feria ya está vendida""

Enviado por salonKritik el 8 de Febrero | Comentarios (0)

Febrero 03, 2007

"La democracia es el poder de cualquiera" - AMADOR FERNÁNDEZ-SAVATER

Originalmente en ELPAIS.com

Jacques Ranciere
Con tan sólo 25 años, Jacques Rancière interviene en el célebre seminario dirigido por Louis Althusser, Para leer El Capital, que se convierte luego en el libro del mismo nombre. La ola de Mayo del 68 le lleva luego lejos de su primer maestro, pero no le deja finalmente varado en ninguna playa de conformismo o arrepentimiento como a tantos otros. Por el contrario, su obra tiene hoy gran relevancia pública porque devuelve al concepto de democracia su potencia de escándalo: Rancière rompe la alternativa dominante entre el poder de las oligarquías políticas y económicas o el de los ancestros y las etnias, definiendo la democracia como "el poder de cualquiera". Conceptos y opiniones que Rancière (Argelia, 1940) explica en esta entrevista en Sevilla, tras su participación en noviembre en el encuentro sobre Nueva derecha: ideas y medios para la contrarrevolución, organizado por la revista Archipiélago y la Universidad Internacional de Andalucía (dentro del programa UNIA arteypensamiento).

PREGUNTA. ¿Cómo fue su relación y posterior ruptura con Louis Althusser?

RESPUESTA. Mi relación con Althusser tiene que ver con la circunstancia de que fui alumno de la École Normale Supérieure cuando él era profesor allí. Yo era entonces al mismo tiempo un joven filósofo y un joven militante comunista, de ahí que fuera reclutado para ese seminario sobre El Capital. En aquella época, por supuesto, estaba muy atraído por el pensamiento de Althusser. Después llegó mayo de 1968, que puso de manifiesto que toda la lógica althusseriana, la oposición entre ciencia e ideología, la dirección del partido sobre la clase obrera, se había convertido claramente en una filosofía del orden. En 1974 escribí un libro contra Althusser, La lección de Althusser, y todo el resto de mi trabajo ha sido completamente independiente tanto del pensamiento suyo como de aquella ruptura.

Continuar leyendo ""La democracia es el poder de cualquiera" - AMADOR FERNÁNDEZ-SAVATER"

Enviado por salonKritik el 3 de Febrero | Comentarios (0)

De la TV a Interntet. La pantalla total - Jorge Lozano

Originalmente en abc.es

La pantalla total. Así tituló Jean Baudrillard un artículo suyo (y un libro) hace más de diez años, refiriéndose al vídeo, pantalla interactiva, multimedia, Internet y realidad virtual. Colegía que la interactividad nos amenaza a todos: lo que estaba separado es confundido, la distancia es abolida. Con pronósticos patafísicos sentenciaba: yo mismo me convierto en un ectoplasma de la pantalla.

Pareciere en un cierto sentido como si la pantalla cobrara el mismo significado que tenía para aquel personaje, Charles Gardiner, que interpretó en su último papel Peter Sellers en la película Bienvenido, Mister Chance: una pantalla que atraía sin fin la única atención del extravagante jardinero.
Con un móvil fue grabada la execrable ejecución de Sadam Hussein. Unos jóvenes graban la performance de una mendiga quemada por ellos mismos; unos adolescentes se dejan grabar mientras, desnudos, mantienen relaciones en el aula; unos niños graban el acoso a un compañero. Así, dejan constancia, evidencia, en pantallas.

Continuar leyendo "De la TV a Interntet. La pantalla total - Jorge Lozano "

Enviado por salonKritik el 3 de Febrero | Comentarios (0)

Dionisio González, vestir la arquitectura - Mariano NAVARRO

Originalmente en EL CULTURAL

Novaheliopolisii G
El espacio habitable y sus metáforas de lugar, escenario, ambiente y circunstancias han conformado si no la totalidad, sí el núcleo y las obras a mi entender más atractivas y provechosas de Dionisio González, una de cuyas piezas primerizas, fechada hace una década, llevaba por título La casa Soliman: fotografías en cajas de luz cual ventanas simuladas abiertas a un pausado cielo de nubes quietas.

He de decir, sin embargo, que las primeras suyas que vi fueron las Rooms, de 1999-2000: también cajas de luz, acumuladas como las construcciones infantiles de cubos, en cada una de la cuales embutía su cuerpo, doblándose como contorsionista, una persona joven y de procedencia geográfica distinta, llegadas incluso del vecino exotismo de la inmigración.

Puede decirse que, en verdad, esos dos, el espacio y la persona aledaña, han sido los motivos centrales de un trabajo que, si bien se ha dispersado territorialmente para alcanzar así concreciones ciertas, también ha articulado y condensado tanto sus dispositivos formales como los fundamentos vertebradores de su intervención cívica.

Continuar leyendo "Dionisio González, vestir la arquitectura - Mariano NAVARRO"

Enviado por salonKritik el 3 de Febrero | Comentarios (0)

El acontecimiento. La imagen que fija la vida - José JIMÉNEZ

Originalmente en El CULTURAL

19676 3R
¿Cómo pasan las cosas que fija la memoria colectiva? ¿Con qué asociamos los hechos que constituyen la trama de la historia? Hoy más que nunca lo que seguimos llamando historia es sobre todo representación, imagen, y cada vez menos relato. Y este desnivel, esta fluctuación de sentido, es lo que permite apreciar esta magnífica exposición. El acontecimiento es una iniciativa de Régis Durand, el anterior director del Jeu de Paume, sustituido recientemente en ese cargo por la española Marta Gili, quien ha trabajado para su preparación con un equipo de cinco comisarios, dirigido a su vez por Michel Poivert.

Con un enfoque temático, la muestra se articula en cinco secciones que no se abordan cronológicamente, sino como núcleos temáticos: La guerra de Crimea (1853-1856), La conquista del aire (1909-1911), El 11 de septiembre de 2001, Las vacaciones pagadas (1936) y La caída del muro de Berlín (9 de noviembre de 1989). Aunque en los cinco casos se trata de acontecimientos que tienen un alcance mundial, la guerra de Crimea, el conflicto bélico que enfrentó al Imperio Ruso con Inglaterra, Francia y otros aliados, y la concesión de las vacaciones pagadas a los trabajadores por vez primera en la historia bajo el gobierno del Frente Popular francés, uno de los más grandes avances sociales del siglo veinte, tienen una incidencia especial en la historia de Francia.

Continuar leyendo "El acontecimiento. La imagen que fija la vida - José JIMÉNEZ"

Enviado por salonKritik el 3 de Febrero | Comentarios (0)

Retazos de realidad(es) Ramón ESPARZA

A propósito de Documentos, la memoria del futuro, Comisaria: Rosa Olivares. Koldo Mitxelena. Originalmente en EL CULTURAL

19669 2R
La publicación, en 1995, del libro de Hal Foster El retorno de lo real fue tomado, por quienes hicieron una lectura superficial del mismo, como una especie de indulgencia plenaria para el documentalismo. La deconstrucción de los ochenta, las despiadadas, y en muchos casos interesadas, críticas hacia cierta forma de entender la fotografía han ido siendo dejadas de lado (a veces por los mismos que las lanzaron) para volver a poner el documentalismo de actualidad, tanto creativa como mercantil.

Afortunadamente, Documentos no cae en ese fácil mundo de las tendencias y si se aproxima al documentalismo contemporáneo lo hace a aquellos autores que partieron de las críticas de los ochenta a los principios clásicos de la fotografía para plantear una mirada doble: hacia el mundo histórico (cualquiera se atreve a designar lo real hoy día) y hacia la fotografía misma como medio de representación, con sus especificidades y sus limitaciones.

Quizá la principal objección que pueda hacérsele a la exposición es su título. Uno de los temas de debate sobre el documentalismo fue su delimitación como género. Si consideramos que la fotografía es un registro de la realidad, toda foto es un documento y por lo tanto el género se disuelve: tanto puede documentar una artificiosa foto de moda como una imagen de Sebastiaõ Salgado. Hay que ir por tanto a la idea del documentalismo como un modelo de discurso basado en el principio de centro / periferia. Un núcleo ideológico más o menos estable y unos bordes en constante mutación.

Continuar leyendo "Retazos de realidad(es) Ramón ESPARZA"

Enviado por salonKritik el 3 de Febrero | Comentarios (0)

Del lápiz al píxel - José MARIN MEDINA

A propósito de Fantasmagoría. Dibujo en movimiento. Comisario: Juan Antonio Álvarez Reyes. Museo colecciones ICO. Originalmente en EL CULTURAL

19670 1
Con un brillante recordatorio clásico se abre esta exposición sobre últimas propuestas del género que llamamos dibujos animados, denominación que en 1912 le dieron los estudios americanos Éclair y que ahora empieza a ser sustituida en la comunidad artística por las de animazione povera (animación pobre) y dessins sans papier (dibujos sin papel). Es una exposición excelente por la calidad y representatividad de sus contenidos, y llena de actualidad e interés. No podía ser de otra forma: estando ahora a la alza la práctica del dibujo entre los artistas jóvenes –que lo valoran por su capacidad de construcción y sugestión, y por su sencillez, inmediatez, intimismo y poder de comunicación–, y habiéndose convertido las imágenes en movimiento en paradigma de nuestra cultura visual, resulta lógico que sean cada vez más los artistas que dotan de movimiento a sus dibujos mediante las técnicas de animación del lenguaje cinematográfico, videográfico y de mediación electrónica. El recordatorio histórico que da título y portada a esta muestra es la proyección del corto Fantasmagorie, obra de Emil Cohl –ilustrador de revistas de variedades–, que se mostró en París en el verano de 1908 y que es tenido por piedra fundacional de los dibujos animados. Fue –y sigue siendo– un comienzo lleno de fantasía, apariciones, movimiento, acción, representación y espectacularidad.

Continuar leyendo "Del lápiz al píxel - José MARIN MEDINA"

Enviado por salonKritik el 3 de Febrero | Comentarios (0)

Enero 28, 2007

Una Europa sin identidad - JOSÉ LUIS PARDO

Originalmente en ELPAIS.com

Hay quienes recuerdan con nostalgia aquel tiempo en el que la fuerza de Europa se confundía con la historia del mundo (según cálculos de Edward Said, en 1914 controlaba casi el 90% de la superficie habitada del planeta). Pero el hacer historia universal tiene un alto precio: su formidable expansión marítima y terrestre llenó el mundo de sus fantasmas, algunos hermosos y otros terribles, espejos que reflejaron sus vicios y sus virtudes y que ahora, rotos en mil pedazos, vuelven a ella en sus horas bajas como espectros amenazadores y figuras de un miedo desacostumbrado. Y es que Europa es también el nombre de un gran experimento, el de la modernización o, si se quiere, la "europeización" del orbe.

Uno de sus laboratorios más fascinantes fue, sin duda, el que se erigió en Estados Unidos, que por esta razón suscitó muy pronto la curiosidad de los intelectuales que se hicieron cargo de pensar la modernidad también como un problema teórico. Claus Offe nos propone comparar tres de estas miradas europeas sobre América, que son tres maneras en las que Europa se contempla excéntricamente a sí misma y descubre algunos de sus rasgos más equívocos. El más conocido de estos viajes, el de Alexis de Tocqueville, signa de algún modo esa mezcla de estupor, atracción, rechazo, extrañeza, entusiasmo y familiaridad que Estados Unidos produce a los europeos: América era entonces una nación incipiente, más libre de pasado y también más inconsciente, una especie de "Europa inacabada" en la que se podían presentir los conflictos que ya afloraban en el viejo continente pero que estaba aún a tiempo de corregir sus defectos. Así se lo pareció también a Max Weber, que cruzó el Atlántico para asistir a un congreso y realizó una intensísima experiencia geográfica e intelectual, entrevistándose con líderes de todos los estamentos relevantes mientras acumulaba observaciones para su investigación acerca del espíritu del capitalismo.

Continuar leyendo "Una Europa sin identidad - JOSÉ LUIS PARDO"

Enviado por salonKritik el 28 de Enero | Comentarios (0)

Broch: dicción de lo indecible - Jaime Siles

Originalmente en abc.es

Portadilla-01
No sé hasta qué punto el lector común y no familiarizado con la lengua y la literatura alemanas será capaz de comprender las variaciones y variedades de las distintas naciones que en ellas se expresan. Pero, aunque así sea, una cosa ha de quedarle clara: que la literatura escrita en Austria -sobre todo, la de los siglos XIX y XX- supone un territorio tan marcado que se reconoce no sólo por las peculiaridades de su lengua sino, sobre todo, por una serie de obsesiones y de temas que, por serle propios, caracterizan tanto su anatomía filosófica como su configuración mental. Obras como las de Hoffmannsthal, Trakl, Roth, Wittgenstein, Broch, Musil, Jandl, Thomnas Bernhardt o Jelinek demuestran que un rasgo común a todas ellas es el escepticismo lingüístico de herencia schopenhauereana que, leído a la luz de Gerber, Nietszche actualizará y que tuvo en Fritz Mauthner su máximo representante filosófico.

Experiencia del nazismo.
De él derivan casi todos ellos porque la reflexión sobre los límites del lenguaje es algo que, de diferentes modos y maneras, les atraerá. Gran parte de la obra de Hermann Broch es una insistencia y reincidencia en ello. Y, por eso, su obra narrativa -como la dramática, la ensayística y la poética- tiene como centro y objeto de su órbita tanto la materia y condición de lo expresable como la conciencia de aquello que el lenguaje nunca puede expresar. Y ello, no por naturaleza sino por historia: porque el Imperio austro-húngaro fue, dentro del continente europeo, el más sometido a todo tipo de tensiones por la triple crisis -de sujeto, de identidad y de lenguaje- que, a lo largo del siglo XIX y principios del XX, en él se da y que, desde entonces, ha acompañado siempre a lo moderno. Broch puede ser visto como un claro paradigma de ello. Su poesía, pues, sigue las líneas de un sistema y se inscribe en los ejes de una bien instaurada y conocida tradición que Broch asume e interpreta, porque, en su caso, el escepticismo lingüístico austriaco se combina con la experiencia histórica del nazismo y la persecución y el exilio producidos por él.

Continuar leyendo "Broch: dicción de lo indecible - Jaime Siles"

Enviado por salonKritik el 28 de Enero | Comentarios (0)

Cristina Iglesias - Miguel FERNÁNDEZ-CID

Originalmente en EL CULTURAL

19616 1-1
Dos exposiciones complementarias, en Elba Benítez y Pepe Cobo, la presentación inminente de sus puertas para la ampliación del Museo del Prado y una obra específica para la colectiva que, comisariada por Gloria Moure, inaugura el 7 de febrero la nueva sala de exposiciones del Santander Central Hispano en Boadilla del Monte, nos traen de nuevo a Cristina Iglesias a Madrid. Un buen momento para hablar con ella y hacer balance de su trayectoria.

Ocho años han transcurrido desde la última exposición individual de Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) en Madrid, en el Palacio de Velázquez; los mismos que habían transcurrido entonces desde la anterior, en la galería Marga Paz (“tuve la suerte de participar en una historia que internacionalmente tuvo bastante eco, sobre la cual se construyeron unas relaciones, especialmente con otros artistas, que se han mantenido y han sido muy significativas. Aquella fue un época fantástica, muy intensa, con mucho debate”). El detalle, que a otro artista español de su generación le supondría el olvido general, entra dentro del ritmo interior de una de nuestras artistas con un reconocimiento exterior más sólido. Una artista cuyo perfil se parece al de quienes han dado la batalla por la renovación de los lenguajes artísticos en las últimas décadas, con exposiciones en las galerías internacionalmente más renombradas, proyectos en los museos e instituciones que marcan tendencia, y presencia en las colectivas y los momentos de verdadero debate sobre la escultura. Lo escucha tranquila, como quien espera el comentario, y matiza: “Que no me prodigo en exposiciones en España es cierto, pero no por eso me siento ajena a lo que ocurre. Desde que volví de Londres, vivo en Torrelodones, sólo con alguna interrupción de unos meses viviendo en otro lugar. Viajo mucho, y no he parado de trabajar, porque he tenido la fortuna de tener proyectos muy interesantes, que te abren las puertas a otros, de manera que no percibes discontinuidad alguna. Este mundo es como una gran conversación: unas cosas te llevan a otras. Hace tiempo que amigos como Elba [Benítez] o Pepe [Cobo] me decían que debía exponer en Madrid, porque había transcurrido mucho tiempo desde mi última individual. Encontramos un argumento, un sentido, y empezamos a preparar las exposiciones”. La coincidencia de cuatro proyectos en el entorno madrileño –asegura– no es intencional, sino fruto de cierta casualidad.

Continuar leyendo "Cristina Iglesias - Miguel FERNÁNDEZ-CID"

Enviado por salonKritik el 28 de Enero | Comentarios (0)

Enero 25, 2007

ENTREVISTA a Ana Martínez de Aguilar - SANTIAGO SEGUROLA / JAVIER RODRÍGUEZ MARCOS

Originalmente en ELPAIS.com

Ana Martinez Aguilar
Desde su inauguración como centro de arte en 1986, el Museo Reina Sofía ha tenido una vida tan agitada en lo artístico como en lo político. Cada cambio de ministro de Cultura hacía temer siempre un cambio en la dirección del museo. En diciembre pasado, Carmen Calvo, actual titular de dicha cartera, presentó un Código de buenas prácticas en museos y centros de arte en el que se propone que los directores de los museos sean en el futuro elegidos mediante concurso público. "El Reina dará ejemplo", añadió. ¿Supone eso que el puesto de Ana Martínez de Aguilar, actual directora, es ahora interino? Nombrada directamente por el Consejo de Ministros en mayo de 2004, ella afirma que no: "Yo fui contratada como todos los directores anteriores. Eso sí, creo que en España es muy mejorable el sistema de contratación de los directores. Soy consciente desde el primer día de que me pueden cesar. Siempre he trabajado a largo plazo pero sabiendo que estoy en el corto". La entrevista con Ana Martínez de Aguilar (San Sebastián, 1955) tuvo lugar la semana pasada. Días después, la ministra de Cultura declaraba que convocaría el concurso para la dirección del museo antes del final de esta legislatura, pero ayer mismo Martínez de Aguilar afirmó que la propia Carmen Calvo, "personalmente", le había ratificado su "total confianza". No hablaron de plazos, afirmó también.

Pregunta. ¿La relación de su puesto con la política le ha creado más problemas de los que le ha resuelto?

Respuesta. A mí me gustaría hablar más de mi proyecto, de hacia dónde vamos, pero... Curiosamente, yo he sido nombrada como los anteriores directores, pero soy, que yo sepa, la primera a la que se le exige un proyecto cuando llega aquí. Ese proyecto se presenta en junio de 2005. Y es lo que estoy llevando a cabo, creo que con buenos resultados. ¿Si a mí me afecta la situación en España? Claro. El Reina Sofía siempre ha estado en el centro de atención, pero no está en el debate lo fundamental, lo que necesitan las instituciones, si la estructura es la adecuada... Está en el debate una lucha política, mediática y de intereses. Y eso es denigrante.

Continuar leyendo "ENTREVISTA a Ana Martínez de Aguilar - SANTIAGO SEGUROLA / JAVIER RODRÍGUEZ MARCOS"

Enviado por salonKritik el 25 de Enero | Comentarios (1)

Enero 20, 2007

"Mi arte es un ejercicio de catarsis histórica" - FIETTA JARQUE

Originalmente en ELPAIS.com

20070120Elpbabart 2
Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970) hace muchas preguntas. Para algunos, demasiadas. Y además se mete en terrenos espinosos, los derivados de las dictaduras, en particular la de Franco, a través de las estatuas, monumentos oficiales y otros objetos cargados de significado con los que viene trabajando desde hace casi una década. Es uno de los artistas españoles más valorados internacionalmente y hoy se abre en el Musac la exposición titulada Abajo la inteligencia, frase que pronunció el general Millán Astray contra Miguel de Unamuno en 1936, seguido de: "¡Viva la muerte! Intelectuales, habéis perdido a España". Según Sánchez Castillo, Abajo la inteligencia se refiere a "esa censura impuesta por el poder pero que luego, lamentablemente, los artistas y los intelectuales asimilamos en la forma de la autocensura. Es la tradición de los españoles de no viajar, de no hablar otro idioma. Y así nos va. El eco de Abajo la inteligencia llega hasta nuestros días".

PREGUNTA. En la muestra del Musac incluye usted el mástil y otras partes del Azor, la embarcación de recreo de Francisco Franco, en una de las obras. ¿Cómo obtiene esas piezas?

RESPUESTA. La Administración decidió deshacerse del Azor en 1985 y pasó a manos de un empresario de la hostelería, con la condición de que no volviera a navegar. Él tenía la idea de convertirlo en una discoteca o un restaurante flotante, pero le negaron sistemáticamente los permisos. Este señor decidió entonces desguazarlo, vendió piezas sueltas a coleccionistas, con su certificado, y el resto lo llevó desde Santander a la localidad de Cogollos, en Burgos. Ahí lo colocó entre su restaurante y un motel también suyo. Pero al final tuvo que venderlo todo, el Azor y el restaurante. Va pasando por distintos dueños y está totalmente abandonado, arrumbado. Ya no es ni siquiera un barco, es un escenario en mitad del aparcamiento, con base de hormigón sobre lo que han colocado los paneles de los espacios. Ahora lo tiene un empresario joven que no ha tenido ningún problema en prestárnoslo para la exposición.

Continuar leyendo ""Mi arte es un ejercicio de catarsis histórica" - FIETTA JARQUE"

Enviado por salonKritik el 20 de Enero | Comentarios (0)

Nubarrones de tormenta - Javier Montes

Originalmente en abc.es

001
Con la que está cayendo en el mundo, puede resultar muy útil el paraguas antibalas que Íñigo Manglano-Ovalle ha colocado como prólogo de su exposición justo a la entrada de la galería. Es un objeto-símbolo al que, a primera vista, uno atribuiría antepasados vanguardistas y parentesco cercano con la obra de Joan Brossa. Sin embargo, las alusiones que ha premeditado el artista son de otro tipo: el paraguas se relaciona con la inmensa nube de titanio a punto de tronar que cuelga del techo frente a él. Y ambos se refieren a un contexto histórico global que resulta por minutos más y más amenazador (no es la primera vez que el artista usa lo meteorológico como metáfora de lo geopolítico: frase tan esdrújula como esa misma pretensión acaba resultando a veces en su obra). Todo el trabajo de Manglano-Ovalle, en realidad, nace de la conciencia de esa amenaza, y se refiere a ella de forma más o menos elíptica (y, a veces, francamente críptica).

Ya flotó antes en Madrid, durante la retrospectiva que dedicó al artista la Fundación «la Caixa» en 2003, un nubarrón parecido: mitad objeto hermoso, mitad arma de destrucción masiva (por algo recuerda en su forma al hongo nuclear). La pieza, como la música «de programa» de finales de siglo XIX, necesita de una larga explicación y de un folleto de mano casi para ser entendida cabalmente: reproduce una nube muy concreta, escaneada por los científicos del Departamento de Ciencias Atmosféricas de la Universidad de Illinois; un cúmulo-nimbo que participó en una gran tormenta desencadenada cerca de Chicago en 2002. Con esos datos y la colaboración de un arquitecto, Manglano-Ovalle esculpe con planchas de fibra de vidrio y titanio cuerpos de perfiles similares. La tormenta, por su parte, era un efecto colateral de los estragos causados por un huracán tropical en el Caribe, se saltaba fronteras físicas y políticas y flotaba amenazadora sobre los habitantes de lugares muy alejados del epicentro del huracán: el high tech al que es aficionado el artista se pone al servicio de una metáfora que quizá acabe resultando más trabajosa y sobrecargada de implicaciones y mensajes que verdaderamente sugerente.

Continuar leyendo "Nubarrones de tormenta - Javier Montes"

Enviado por salonKritik el 20 de Enero | Comentarios (0)

Actos de resistencia Por Anna María Guasch.

Originalmente en abc.es

Mworld6
Es ésta la segunda exposición del ciclo «Escenarios» que, comisariada por Silvia Sauquet, sigue con una nueva secuencia y un nuevo escenario la «vertiginosa transformación que experimenta nuestra sociedad día a día»: cambios en la manera de vivir, en nuestras relaciones con los otros y con el entorno. Tras el paso por el ciclo del artista mallorquín Alejandro Vidal, en esta ocasión es la artista sueca Johanna Billing (Estocolmo, 1973) la que se desliza por esta cultura de la «movilidad» tan característica de las poéticas migratorias en las que los artistas apuestan por reflexiones de tipo transcultural y transnacional. No se equivoca Arjun Appadurai cuando identifica el mundo de la globalización como el mundo de la post-nación o de las «identidades compartidas» dentro de formas sociales postnacionales donde el «uno» se desplaza constantemente hasta los territorios del «otro» (asumiendo tanto el uno como el otro la condición de marginalidad).

Toques étnicos.
Y, en este sentido, en sus trabajos videográficos, Johanna Billing analiza tanto las etnias, los hábitos y los comportamientos de las culturas juveniles y musicales pertenecientes a su ámbito geográfico y social -como ocurre con el retrato colectivo A Great Day in Stockolm (1999), en el que junta a un grupo de disc jockeys para una foto de grupo-, como recurre a otros proyectos «étnicos», en un renovado concepto de la «etnia» más allá de lo atávico y de todo componente folklórico.

Continuar leyendo "Actos de resistencia Por Anna María Guasch."

Enviado por salonKritik el 20 de Enero | Comentarios (0)

El dibujo como algo mental - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

Pettibon
En medio del desconcierto que les produce el arte contemporáneo a los autores de Arte desde 1900, son, por lo menos, capaces de detectar algunos «síntomas» del arte que se realiza en el momento en el que, de momento, (still) están vivos (life): entre otras cosas lo que denominan «renovada importancia del dibujo». De hecho, toman como pre-texto el año 1994 y la conclusión de Felix in Exile, de William Kendrigde, que vendría a unirse a Raymond Pettibon en la reivindidación de aquel antiquísimo disegno que, por lo menos desde el Renacimiento a Delacroix, fue crucial en la vertebración del arte. No cabe duda de que el dibujo es una forma del pensamiento plástico que sufrió una significativa «marginación» en beneficio del fetichismo de la pintura, siendo acusado de carecer de presencia o, peor, de tratarse tan sólo de un modo subalterno del proceso creativo, de un estadio que podía fácilmente pasar al olvido.

Asignatura pendiente.
Los museos no suelen incluir los dibujos en sus colecciones permanentes, aspirando siempre de manera megalómana o demencial a la llamada «obra maestra». Y, sin embargo, pocos historiadores podrían considerar la Suite Vollard o Sueño y mentira de Franco (que por cierto, continua en la sombra, espero, de los almacenes del MNCARS), de Picasso, como obras «menores». El dibujo era la asignatura pendiente (aún no aprobada) de la museística y, por supuesto, de la teoría y la Historia del arte de nuestro tiempo.

Continuar leyendo "El dibujo como algo mental - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 20 de Enero | Comentarios (0)

Enero 18, 2007

Manglano-Ovalle. Desde la fecha del tiempo - José MARÍN-MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

19568 4R
Frío, conceptual, tecnológico, de realización muy bella, y apasionante por las potencialidades imprevistas y por la gama variada de productos que se derivan de su investigación, centrada sobre el tiempo: así se muestra de nuevo el arte de Íñigo Manglano-Ovalle. El conjunto de obras últimas que se exponen en la galería Soledad Lorenzo (esculturas, una instalación, un vídeo y un par de propuestas fotográficas de 2005-2006) tiene la consistencia de lo invulnerable, esa cualidad singular que caracteriza a aquello que ha sido tan bien elegido y resulta tan autónomo que no se verá afectado ni por lo que se le reconozca ni por lo que se le oponga. Es así, y se asume a sí mismo tal cual. Ello enlaza con esa proximidad relativa que estas disciplinas de arte tecnológico mantienen con la ciencia. En el caso de Manglano-Ovalle (nacido en Madrid, en 1961, hijo de un matrimonio de médicos, y formado en Estados Unidos, donde se ha graduado en Historia del Arte y en Escultura), esa situación se ve reafirmada por su propia condición de profesor –de firme vocación– en la Universidad de Chicago y por sus relaciones cotidianas con amigos científicos.

Desde la postmodernidad inicial en la década de los sesenta, las cuestiones de temporalidad se han convertido en tema preferente y en uno de los parámetros constitutivos de la práctica del arte. Ello era de esperar, dada la relevancia que en los últimos tiempos ha desarrollado el espacio como elemento plástico fundamental, y dadas las relaciones que vinculan lo espacial y lo temporal. En la práctica de Manglano-Ovalle, la cuestión temporal se viene investigando a partir de dos perspectivas: desde la paradoja filosófica que va implícita en el concepto “tiempo”, y desde las parábolas formales –y poéticas– que es posible derivar para la obra de arte desde la apreciación de los efectos del tiempo físico sobre configuraciones plásticas de elementos geográficos y climatológicos tales como las formaciones y alteraciones de hielo, glaciares e icebergs, o las avalanchas de nieve, las nubes, tormentas y tornados.

Continuar leyendo "Manglano-Ovalle. Desde la fecha del tiempo - José MARÍN-MEDINA"

Enviado por salonKritik el 18 de Enero | Comentarios (0)

Sánchez Castillo - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL

19567 1
El día es gélido y brumoso, y la vista del Azor, junto a la A-1, es quimérica. Un numeroso equipo ha llegado al mesón El Labrador, en Cogollos, con un camión-grúa, para efectuar la operación planeada por Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970). Entre golpes de radial y de viento, hablamos con él sobre este proyecto de navegación en seco y sobre el rumbo de su trabajo artístico. Cada una de sus comparecencias ha tenido un eco mayor y ha confirmado la coherencia de un ideario poco habitual en alguien que, a los 36 años, acaba de abandonar las filas de los “jóvenes artistas”. Convence por la elaboración conceptual y documental de sus piezas, y por la contundencia de sus imágenes. Ha participado en importantes colectivas de arte español, y ha representado a nuestro país en la Bienal de São Paulo de 2004. Sus proyectos más recientes se centran en las complejas relaciones entre arte y representación de la historia y, en especial, en el monumento conmemorativo. El franquismo es paradigma de la imagen como propaganda, pero también del secuestro de imágenes. Sánchez Castillo rescata una historia visual perdida, o evitada: el Azor es hoy uno de esos vestigios omitidos, oscurecidos.

–Leí que a Franco le encantaba, cuando tenía invitados a bordo, asustarles con falsos temporales.
–Supongo que quería probar a la gente en situaciones difíciles. Pero no hay que perder de vista lo que nos dice la cultura visual: el barco sin rumbo, perdido en el mar, es un símbolo vanguardista. Desde La balsa de la Medusa de Géricault al Bateau ivre de Rimbaud o el barco fantasma de Wagner.

–Es curioso que la operación que hace sobre el Azor sea cortar el mástil, que suele tener como función salvar el barco en momentos críticos.
–En combate, desarbolar un barco es dejarlo inoperativo pero a flote. En un barco hundido no hay botín. Aquí el botín es el propio mástil, su riqueza conceptual. Y podemos ver el mástil como árbol, y recordar la expresión “hacer leña del árbol caído”.

Continuar leyendo "Sánchez Castillo - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 18 de Enero | Comentarios (0)

Enero 14, 2007

Mujeres en los márgenes - BEATRIZ PRECIADO

Originalmente en ELPAIS.com

Cacerolada Defensa Derechos Prostitutas

Mientras la retórica de la violencia de género infiltra los medios de comunicación invitándonos a seguir imaginando el feminismo como un discurso político articulado en torno a la oposición dialéctica entre los hombres (del lado de la dominación) y las mujeres (del lado de las víctimas), el feminismo contemporáneo, sin duda uno de los dominios teóricos y prácticos sometidos a mayor transformación y crítica reflexiva desde los años setenta, no deja de inventar imaginarios políticos y de crear estrategias de acción que ponen en cuestión aquello que parece más obvio: que el sujeto político del feminismo sean las mujeres. Es decir, las mujeres entendidas como una realidad biológica predefinida, pero, sobre todo, las mujeres como deben ser, blancas, heterosexuales, sumisas y de clase media. Emergen de este cuestionamiento nuevos feminismos de multitudes, feminismos para los monstruos, proyectos de transformación colectiva para el siglo XXI.

Estos feminismos disidentes se hacen visibles a partir de los años ochenta cuando, en sucesivas oleadas críticas, los sujetos excluidos por el feminismo biempensante comienzan a criticar los procesos de purificación y la represión de sus proyectos revolucionarios que han conducido hasta un feminismo gris, normativo y puritano que ve en las diferencias culturales, sexuales o políticas amenazas a su ideal heterosexual y eurocéntrico de mujer. Se trata de lo que podríamos llamar con la lúcida expresión de Virginie Despentes el despertar crítico del "proletariado del feminismo", cuyos malos sujetos son las putas, las lesbianas, las violadas, las marimachos, los y las transexuales, las mujeres que no son blancas, las musulmanas... en definitiva, casi todos nosotros.

Continuar leyendo "Mujeres en los márgenes - BEATRIZ PRECIADO"

Enviado por salonKritik el 14 de Enero | Comentarios (1)

ENTREVISTA DESPUÉS DEL FEMINISMO Virginie Despentes - PATRICIA DE SOUZA

Originalmente en ELPAIS.com

Transgresora y deslenguada, Virginie Despentes (Nancy, 1969) pasó de ser una escritora marginal a convertirse en una de las voces más destacadas de su generación. Una dama de la literatura trash. La popularidad le llegó en 1993 con su novela Fóllame (Mondadori), después llevada al cine, que cuenta la violenta historia de dos prostitutas convertidas en asesinas en serie. Despentes extrae de su biografía -en la que figuran la violación, la prostitución y los trabajos basura- buena parte de su material de ficción y también de reflexión. Pero es su último libro, el ensayo King Kong Teoría (de próxima aparición en Melusina) el que la ha vuelto a poner en la mira de los conservadores. Un texto polémico que unos consideran el manifiesto de un nuevo feminismo y otros, un ajuste de cuentas personal, una guerra civil entre hombres y mujeres. "Escribo desde la fealdad, y para las feas, las viejas, las camioneras, las frígidas, las insatisfechas, las que nadie desea, las histéricas, las taradas, todas las excluidas del gran mercado de la buena mujer", escribe.

PREGUNTA. Su escritura es directa como un puñetazo. ¿Es necesaria la cólera, cierta violencia para hacerse escuchar?

RESPUESTA. No, la cólera puede dar cierta energía. Pero lo que es necesario para hacerse oír son personas dispuestas a hacerlo. Hay algunas que funcionan bien con la cólera, otras, a quienes eso les causa apenas un rasguño.

Continuar leyendo "ENTREVISTA DESPUÉS DEL FEMINISMO Virginie Despentes - PATRICIA DE SOUZA"

Enviado por salonKritik el 14 de Enero | Comentarios (0)

Amparo Garrido, la bestia humana - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL

19513 1
Las imágenes son poderosas por dos razones. De un lado, el “sujeto” fotografiado (en realidad son dos: los gorilas macho del zoológico de Madrid) es en sí mismo paradigma de fuerza en el mundo animal y, aun en reposo, su gran desarrollo muscular expresa vigorosamente la potencia –y la atenuada violencia– latente; de otro, las composiciones son monumentales: tanto en los medios planos como en los retratos de figura entera los volúmenes corporales ocupan casi por completo la superficie fotográfica, anulando toda referencia al entorno. Además, la artista ha armonizado cuidadosamente las tonalidades grisáceas del pelaje con el fondo, de manera que incluso podría pensarse que se trata de fotos de estudio y no de trabajos realizados en exteriores. Pero, frente a esta fortaleza icónica, el planteamiento conceptual del proyecto es débil, y los resultados plásticos, especialmente en el vídeo, tienen un aire de “ya visto”.

Continuar leyendo "Amparo Garrido, la bestia humana - Elena VOZMEDIANO"

Enviado por salonKritik el 14 de Enero | Comentarios (1)

Diciembre 31, 2006

Joan Morey: «El artista y su trabajo son objetos fácilmente reemplazables en este sistema» - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

Así define Joan Morey (Mallorca, 1972) Postmortem, el trabajo performativo que le lleva a Barcelona y que continuará su desarrollo en Galicia dentro del ciclo «Proyecto-Edición»: «Quizá no sea adecuado hablar de un programa de performances o de un work in progress, sino de una pieza que mutará con la intención de configurar un corpus teórico. Así, la exposición se construirá durante tres meses desde el magma de acciones y a partir de los satélites que giran en torno al proyecto: la web www.elmalejemplo.com, las diversas piezas gráficas e, incluso, los vestigios que vayan apareciendo». El artista sigue poniendo en entredicho los mecanismos de producción y gestión artísticos, que introduce, literalmente, en un ataúd, set de estas actividades. Aquí huele a muerto, y Morey es el responsable.

Miniatura1
«Postmortem» no es su forma de «enterrar» diez años de trabajo asociado a la marca STP, sino una oportunidad de hacerles una autopsia.

Postmortem no es una obra al uso instalada en un espacio expositivo, sino que responde a un site specific concebido para el claustro renacentista de un edificio convertido en centro de arte. El proyecto se desarrolla de forma expandida en el espacio del CASM y durante todo el tiempo que dura la «muestra». Conmemorar diez años de trayectoria en los que numerosos proyectos fueron armados bajo las directrices de una marca no es más que una excusa mercadotécnica. Pocos son mis intereses actuales por algunos de los patrones que impulsaban mi obra, aunque es inevitable que mi trabajo mantenga estéticas y estrategias. De ahí que Postmortem se manifieste como una autopsia, un examen a la búsqueda de los motivos por los cuales mi labor como creador se encuentra en permanente stand by, en una deriva continua hacia lugares inciertos y expectativas inadecuadas. Quizá esto tenga que ver más con una desconfianza en el medio del arte y la cultura provocada por la inestabilidad del panorama nacional, y la dificultad de acción y relación profesional, que, en la mayoría de los casos, roza el límite de lo absurdo y la ignorancia.

Continuar leyendo " Joan Morey: «El artista y su trabajo son objetos fácilmente reemplazables en este sistema» - Javier Díaz-Guardiola"

Enviado por salonKritik el 31 de Diciembre | Comentarios (0)

2006: Un año sin clásicos

Originalmente en EL CULTURAL

Sin duda, la ausencia de grandes nombres de la Historia del Arte entre las diez mejores exposiciones del año en España es uno de los rasgos más destacados de la selección de nuestros críticos. Picasso, uno de los protagonistas de la temporada, no ha obtenido suficientes votos, y ha sido la revisión del trabajo de Gordon Matta-Clark, realizada por el Reina Sofía, la muestra mejor valorada. El vídeo ha centrado otras dos de las mejores exposiciones y tanto la colectiva, también del Reina Sofía, Primera generación, como la individual de Douglas Gordon han obtenido buenos resultados. La ausencia de españoles es otra de las características principales de esta lista.

Port Arte-1
Gordon Matta-Clark. MNCARS. Madrid

Comisariada por Gloria Moure, quien ya organizó una muestra dedicada al artista cuando dirigía el CGAC, este proyecto supuso en el mes de julio un golpe de efecto en la anodina programación del Reina Sofía. Gordon Matta-Clark fue uno de los principales exponentes del cambio que, en los 70, sufrieron las artes en general y la escultura en particular. Murió de cáncer con sólo 35 años y, sin embargo, fue uno de los grandes dinamizadores de la efervescente escena neoyorquina con una obra que el propio artista definía como un permanente ejercicio de modificación del espacio a través de “la luz como nueva medida constante, el muro como límite y el espacio como condición del ser”. Como es lógico, en una exposición dedicada a un artista como Matta-Clark, tan inclinado hacia la performance, predominan los ejercicios de carácter documental, sean éstos fotografía, vídeos o dibujos. Pero la comisaria consiguió, acertadamente, que la muestra no desprendiera el aroma obvio del documental y lo hizo a partir de un excelente montaje, diseñado por Francisco Rei, quien construyó pequeñas estructuras y cabinas que alteraban, a veces dramáticamente, el espacio de la planta baja del MNCARS. En estos pequeños espacios se proyectaban muchas de las películas del artista porque al margen de su condición de escultor y arquitecto fue también un ágil fotógrafo y un consumado cineasta. La muestra es un reflejo fiel de las vivencias de este artista excepcional, “de su memoria y su vigencia”, como atestiguan las palabras de José Marín-Medina, “una exposición definitiva, concluyente” de uno de los adalides de arte de los 70, uno de los grandes renovadores del siglo XX.

Continuar leyendo "2006: Un año sin clásicos"

Enviado por salonKritik el 31 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 27, 2006

Palazuelo, en proceso - Anna María Guasch.

Originalmente en abc.es

Foto7
Sorprende que en un programa tan lleno de parti-pris como el del MACBA, tan tendente a enfatizar el lado poético, narrativo y performativo de la creación, encontrarse con una trayectoria -al menos aparentemente- tan formalista como la de Pablo Palazuelo (Madrid, 1915), muy anclada en una larga tradición de abstracción geométrica que, en la mejor estela de la Bauhaus, desarrolla metódicamente como arte no figurativo basado en la trasposición formal de unas leyes puramente matemáticas o geométricas.

Carácter híbrido.
Pero también en Palazuelo, tras esta lectura «canónica» y previsible de su obra, la que lo vincula con personajes como Max Bill o Ben Nicholson (uno de los artistas que, en su búsqueda de la «pureza arquitectónica», creemos que más ha influido en Palazuelo), se escondería, a juicio de los comisarios de la muestra, otra manera de entender su obra unida a aspectos de proceso y performatividad afines a la noción de teatralidad utilizada por el crítico norteamericano Michael Fried para cuestionar el minimalismo: «Lo que queremos destacar -afirma Borja-Villel- es el carácter híbrido de la obra de Palazuelo, cómo se encuentra a mitad de camino entre el dibujo, la pintura, la arquitectura y la música, más allá del hecho de pertenecer a cualquier disciplina en concreto». Desde este punto de vista, Palazuelo compartiría, una similar actitud a la de Joan Miró con su concepto de «obra de arte total», así como a la de Antoni Tàpies, sobre todo en la dimensión «espiritual» de una obra íntimamente vinculada a filosofías orientales ampliamente conocidas por Palazuelo a raíz de sus lecturas en los años de formación de su trayectoria artística. No en vano, Tàpies, tras recibir en 2003 el Premio Velázquez, presentó la candidatura de Palazuelo a la convocatoria de 2004.

Continuar leyendo "Palazuelo, en proceso - Anna María Guasch."

Enviado por salonKritik el 27 de Diciembre | Comentarios (0)

El cuerpo devastado - FERNANDO HUICI

Originalmente en ELPAIS.com

Marina Nueva
Salvo por la presencia, en la planta superior de la galería, de una versión de la instalación Sin título (ciencia ficción) que presentó, el invierno pasado, en el Instituto Cervantes de París, lo esencial de esta nueva muestra personal madrileña de Marina Núñez (Palencia, 1966) se centra en la producción videográfica desarrollada por la artista en el curso de los dos últimos años. Una deriva, la del vídeo, que a mi juicio viene a demostrar con esta exposición hasta qué punto se ha convertido en un vértice decisivo dentro de la producción de la creadora palentina y hasta, si me apuran, en aquel que concreta hoy de forma más intensa y rotunda el núcleo esencial de su imaginario.

Continuar leyendo "El cuerpo devastado - FERNANDO HUICI"

Enviado por salonKritik el 27 de Diciembre | Comentarios (0)

Premio Turner: ¿la hora del cambio? - Adrian SEARLE

Originalmente en EL CULTURAL

19339 1-2
A mí la obra de Tomma Abts siempre me ha parecido uno de esos derivados centroeuropeos poco conocidos del constructivismo, cuya estética modernista resulta tan poco clara como utópica. Pero no es eso. Uno puede lanzar palabras a sus cuadros, pero éstas no hacen más que rebotar. Abts dijo una vez que lo que de verdad le emociona es la idea de una obra tan difícil de contextualizar que pueda dar pistas sobre cómo será el “arte del futuro”. Nadie, ni siquiera el jurado del Premio Turner, sabe qué aspecto tendrá el arte del futuro. La gente que dedica demasiado esfuerzo a hacer un arte ceñido a su tiempo ya ha perdido el tren. Abts siempre ha hecho lo que le ha venido en gana. Su obra no hace referencias directas ni al constructivismo, ni al papel pintado de la Alemania del Este, ni a ninguna otra cosa. Rara vez he visto a un pintor con un enfoque tan preciso y tan ciego al mismo tiempo, que construya cada cuadro (siempre del mismo tamaño, y siempre trabajados horizontalmente, en vez de sobre un caballete o sobre una pared) sin usar fuente alguna, avanzando en un estado de ignorancia e intuición hasta que alcanza un punto “entre una imagen y un objeto”, como ella dice. Los cuadros parecen concretos y específicos y, al mismo tiempo, extrañamente hipnotizantes; y son como un recuerdo falso, como de esmaltes art decó o de papel pintado antiguo. ¿Por qué no?

Los cuadros de Abts no son el tipo de arte por el que es famoso –y tristemente célebre– el Premio Turner. Ganan salas vacías con luces que se encienden y se apagan (Martin Creed, 2001). Ganan animales muertos conservados en formol (Damien Hirst, 1995). Ganan cerámicas vidriosas adornadas con imágenes de abusos sexuales y chistes sobre el mundo del arte, creados por un artista cuyo alter ego travestido es tan artístico como su propia obra (Grayson Perry, 2003). Es famoso el caso de la cama de Tracey Emin, que no ganó en 1999 (en aquel momento, me culpó de ello por algo que yo había escrito, y estuvimos sin hablarnos varios años). Aquel año ganó Steve McQueen. Emin ha sido elegida como artista británica para la próxima Bienal de Venecia. Pero es imposible que alguien piense que es mejor artista que McQueen.

Continuar leyendo "Premio Turner: ¿la hora del cambio? - Adrian SEARLE"

Enviado por salonKritik el 27 de Diciembre | Comentarios (0)

Juan Carlos Robles, en el laberinto - Rocío DE LA VILLA

Otiginalmente en EL CULTURAL

19383 1
La cuarta exposición de Juan Carlos Robles en la galería Oliva Arauna contiene nada menos que quince vídeos, dos series o polípticos de fotografías y una caja de luz, One frame punk, que es un retrato de la Giralda en el instante de ser alcanzada por el rayo. La colaboración con la banda de música belga Puts Marie completa la experiencia audiovisual con tonos que van de la parodia a la frescura y del agrio rechazo al revival. Y en conjunto, desprende buenas dosis de rebeldía ante el actual sistema de imágenes, a veces un desenfado burlón casi ingenuo, raro en este artista, y mucha experimentación.

Continuar leyendo "Juan Carlos Robles, en el laberinto - Rocío DE LA VILLA"

Enviado por salonKritik el 27 de Diciembre | Comentarios (0)

Diciembre 16, 2006

El travestido arte del siglo XX - FRANCISCO CALVO SERRALLER

Otiginalmente en ELPAIS.com

Arte1900
Ante un monumental manual sobre arte del siglo XX redactado por reputados autores internacionales, cuyo prestigio se debe en buena parte a su posición de liderazgo crítico en la actualidad, lo que en principio garantiza que nos proporcionarán una versión renovada del tema, no cabe sino una admirada salutación. Pero no sólo por la autoría, sino por los mismos datos materiales de la configuración de este formidable proyecto editorial, animado en su raíz y desarrollo por un competente especialista en arte contemporáneo y, a su vez, un prestigioso editor, el recientemente fallecido Nikos Stangos (1936-2004), cuyo eficaz sentido didáctico planea por la concepción y diseño del libro, sobre cuya utilidad y éxito no cabe la menor duda.

Dicho lo cual sin la menor reserva, se nos plantea de entrada una objeción crítica: la de si hoy cabe embutir el complejo y muy todavía aleatorio relato del arte del XX en un manual didáctico, sobre todo, cuando el modelo canónico de la vanguardia lineal se ha desmembrado desde hace un tercio de siglo y aún estamos lejos de haber fraguado un recambio alternativo y, si acaso, pueden acometer esta tarea autores como los que lo han realizado, todos ellos célebres por su trayectoria como ensayistas polémicos, muy poco proclives, por tanto, a la sistematización didascálica. En realidad, todo este proyecto tiene un cierto aire travestido, como el de alguien que se nos presentara con un aspecto cerradamente convencional, pero dejando entrever unas interioridades escandalosas; en suma: como "un dos en uno", pero sin que cada uno de los dos se imponga o concierte, con el correspondiente peligro de acabar siendo ambos ninguno. Así, por ejemplo, asombra que los autores se hayan avenido a emplear una secuencia de revisión cronológica anual desde 1900 hasta 2003, como la que empleó, en 1970, Hans L. Jaffé, así como que, enarbolando metodologías como la psicoanalítica, la histórico-social, la estructuralista o la posestructuralista, muy en boga en las humanidades del último cuarto de siglo, continúen inmersos, no digo ya en un esquema narrativo tan sin atributos, sino que los valores aireados e, incluso, los nombres que los representan sean, por así decirlo, los de siempre, los del convencional vanguardismo lineal.

Continuar leyendo "El travestido arte del siglo XX - FRANCISCO CALVO SERRALLER"

Enviado por salonKritik el 16 de Diciembre | Comentarios (0)

Las formas de los argumentos - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.com

A PARTIR del posestructuralismo, el interés de la escritura crítica reside básicamente en su método. El arte, como realidad universal, suscita el juicio, otra capacidad universal de la conciencia; el juicio, por su parte, completa el arte. Pero dado que no hay manera de separar un juicio de su contenido evaluativo, el historicismo diría que en última instancia la crítica tiene que ver sobre todo con la valoración, y casi nada con el método. Dos perspectivas irreconciliables. La primera pone seriamente en cuestión las categorías del discurso artístico (obra, medio, autor, mito); la segunda considera la obra maestra como universal y transhistórica invocando a Kant, "el primer moderno de verdad". Rosalind Krauss, Yves-Alain Bois, Hal Foster y Benjamin Buchloh son los historiadores de arte más prestigiosos de las tres últimas décadas. Editores de October, una revista de arte y pensamiento que nació en 1976 como reacción al dogmatismo formal de Clement Greenberg, han llevado desde las universidades norteamericanas de Princeton, Columbia y Harvard el posmarxismo, el psicoanálisis, el estructuralismo y el posestructuralismo al terreno del ensayo crítico. Conceptos como la reproductibilidad del signo, la producción textual del tema, la escultura como campo expandido, la belleza compulsiva, el apropiacionismo o la crítica institucional son algunos de los conceptos analizados en sus trabajos teóricos, desde una dimensión ética, social y política.

Enviado por salonKritik el 16 de Diciembre | Comentarios (0)

Los «vacíos» de Antonioni - Antonio Weinrichter

Originalmente en abc.es

Blowuprevelando
Se lamentaba hace unos años el catedrático Domènec Font, en un enjundioso estudio que venía a servir de antídoto a aquello que denunciaba, del largo desinterés de la crítica de cine europea por la figura de Michelangelo Antonioni. Tras haber sido encumbrado y odiado a muerte por igual en la década prodigiosa de los años 60, el cineasta de Ferrara pareció verse sumergido en el olvido o la irrelevancia. Era como si hubieran ganado la partida los que pensaban que era el más peñazo de los cineastas de moda mientras tuvo vigencia la idea de que el cine debía volverse moderno. En eso su destino no difiere mucho de los demás cineastas de la modernidad. Pero el caso de Antonioni tenía el agravante de que sus filmes habían provocado, aun en su momento de apogeo, debates aún más furibundos que los de Godard: que si era un pedante, que si sus películas no contaban nada, que una cosa era retratar el aburrimiento y la incomunicación (¡la famosa incomunicación de Antonioni!) y otra hacer filmes aburridos que no comunicaban nada.

Continuar leyendo "Los «vacíos» de Antonioni - Antonio Weinrichter"

Enviado por salonKritik el 16 de Diciembre | Comentarios (0)

Duelo entre Cortázar y Antonioni - César Antonio Molina.

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural :

Blowup
Escribe Starobinski que la mirada no sólo ve, sino que espera ver. Y que para ver es necesario tener la capacidad de producir lo que quiere verse. Para mí, sin embargo, la esencia de los pasajes de Blow-up (1966) en el espacio acotado del parque -las escenas fueron filmadas en Maryon Park, Charlton, al sureste de Londres; mientras que la acción del relato de Cortázar, Las babas del diablo, de Las armas secretas (1959), transcurre en los muelles del Sena en París- no está en la forma de Antonioni de entender el mundo y de mirarlo, sino en el sonido de las ramas y las hojas de los árboles moviéndose al compás del corazón de Thomas (en el relato el traductor-fotógrafo aficionado se llama Roberto Michel y es franco-chileno), el fotógrafo profesional que viene atravesando el desierto metropolitano como un depredador dispuesto a captar, archivar y montar, manipular los signos y las huellas, indicios y fragmentos de lo imaginario dentro de su caverna-laboratorio.

La verdad. Los árboles conocen la verdad y tratan de transmitirla en un lenguaje muy anterior a las palabras. El error de este Jasón, a la búsqueda de la prueba, se encuentra en su afán de utilizar sólo el elemento más racional de los sentidos, la vista. Pero el bosque sólo habla con su rumor, con el crujir del lecho y del tejado que cobijaba al hombre cuando aún era nómada. Thomas, a pesar de su apariencia moderna, no busca la casa sino el rumor del bosque, el sonido del dormir a cielo raso.
Una pareja adúltera se encuentra furtivamente en una colina. El fotógrafo los descubre y ella intenta destruir las pruebas. ¿Del adulterio?, ¿de un asesinato?, ¿o de la muerte fortuita producida por un repentino ataque al corazón del veterano Romeo? Thomas hablará de asesinato a su amigo abogado. En ese minúsculo terreno están condensadas todas las pasiones del hombre: el amor, la traición y la muerte, y Dios mismo, mediante su vacío. Este invisible metafísico es lo que no logra resolver la cámara, la técnica racional del protagonista. Dios es sólo la huella de un fantasma, ausente, desaparecido, indocumentado, y nuestra razón se engaña a veces cuando cree captarlo. Quizá el revelado apenas nos entrega la imagen de un bulto, quizá el propio Thomas lo haya visto en el sueño de una noche (su segunda visita al lugar del «crimen»), pero cuando amanece, aquel cuerpo, la faz del maniquí, se nos esfuma. El fotógrafo apoya su cámara y su certeza sobre la huella casi imperceptible de aquel peso en la hierba.

Continuar leyendo "Duelo entre Cortázar y Antonioni - César Antonio Molina."

Enviado por salonKritik el 16 de Diciembre | Comentarios (0)

Perdonen las disculpas - Alberto Ruiz de Samaniego

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural :

Mutante.Jpg
Ciertamente, no hay hoy en día ninguna práctica artística que genere tanta prevención y necesidad exculpatoria como la pintura. Da la impresión de que muchos pintores dedican sus afanes reflexivos más intensos a elaborar argumentaciones que les permitan defender su existencia, como si la pintura necesitase, por principio, una justificación, cuando no de un descargo sobre su propia aparición.

Agónico mantenimiento.
Resulta ya algo penoso el hecho de que un pintor deba definirse continuamente desde un punto de vista teórico en la forma de una suerte de petición de disculpas que le obligue a redefinir una vez tras otra sus criterios, generalmente sobre la base de negar la exclusividad, el (parece que infausto) formalismo esencialista o lo (supuestamente) limitado de su práctica y, al tiempo, la defensa de la (a su vez) supuesta aplicabilidad del formato a todo tipo de factores ideológicos, conceptuales, vivenciales, grupales, transgenéricos o históricos que acabarían por garantizar su agónico mantenimiento. Sucede como si la pintura hubiese de partir por necesidad de su circunstancia intempestiva, cuando no simplemente negativa (y mercantil, ¿por mercantil?), frente a la conveniencia histórica o la positividad incuestionable de otros gestos que campean a sus anchas por el espacio expositivo de la industria cultural.

Continuar leyendo "Perdonen las disculpas - Alberto Ruiz de Samaniego"

Enviado por salonKritik el 16 de Diciembre | Comentarios (0)

ENTREVISTA Robert Buergel - "Los artistas deberían boicotear las bienales" - FIETTA JARQUE

Originalmente en ELPAIS.com

Fridericianum55
Tiene ademanes suaves, voz tranquila y amable, pero no teme sublevar los ánimos en el mundo del arte. Robert Buergel (Berlín, 1962) es el director de la Documenta 12, una cita quinquenal que ha marcado en cada ocasión las tendencias del arte contemporáneo y que se celebrará entre el 12 de junio y el 23 de septiembre de 2007 en Kassel. A Buergel le interesa particularmente la "educación" del espectador a través del arte, para suscitar en él las preguntas y respuestas que lo inciten a tomar parte activa en los conflictos de la sociedad actual.

PREGUNTA. Hace poco ofreció en Barcelona una conferencia titulada: ¿Qué es una exposición? ¿Cree que estamos en un momento del arte contemporáneo en el que es importante volver a las preguntas básicas?

RESPUESTA. No sólo es importante volver a las preguntas básicas del arte sino también a las de la condición humana. Hacer una exposición es algo más que mostrar el arte. Tiene que ver también con cómo te diriges al público y cómo pretendes que la gente se relacione entre sí en un espacio común donde pueden reaccionar unos con otros, o simplemente ignorarse. Yo concibo la exposición como un medio en sí mismo, por derecho propio. Necesitamos un concepto fuerte del medio para sobrepasar lo que tendemos a identificar como arte. Porque creo que es importante que lleguemos a una nueva idea de nuestro mundo que no esté enmarcado por la concepción europea-norteamericana de lo que es el arte.

Continuar leyendo "ENTREVISTA Robert Buergel - "Los artistas deberían boicotear las bienales" - FIETTA JARQUE"

Enviado por salonKritik el 16 de Diciembre | Comentarios (0)

Pólvora Mojada - Miguel Cereceda

Originalmente en abc.es

011F01C0Bcd8$62E50D30$0100A8C0@Abadonna
Al final de Six Years, el primer balance general del arte conceptual norteamericano, Lucy Lippard manifestaba su sorpresa con respecto a la recepción comercial de este tipo de arte que, en principio, ambicionaba romper con el carácter mercantil del arte entendido como objeto: «La esperanza de que el arte conceptual fuese capaz de evitar el mercantilismo estaba en gran medida infundada. En 1969 parecía que nadie, ni siquiera un público ansioso de novedades, pagaría por una fotocopia que hiciera referencia a un acontecimiento pasado o indirectamente percibido, por un grupo de fotografías que documentan una situación o condición efímera, por un proyecto de trabajo nunca concluido, por palabras habladas pero no registradas. Era probable, por tanto, que estos artistas se liberaran de la tiranía del mercado. Tres años después, los conceptuales más importantes están vendiendo sus obras muy caras, tanto aquí como en Europa, y están representados por (y, aún más sorprendente, exponen en) las galerías internacionales de más prestigio».

Continuar leyendo "Pólvora Mojada - Miguel Cereceda"

Enviado por salonKritik el 16 de Diciembre | Comentarios (0)

Catástrofe y artificio de la belleza natural - Fernando Castro Flórez

Originalmente en abc.es

Toda la estética, desde la Ilustración y el Romanticismo hasta la actualidad, replantea la cuestión de la relación entre Arte y Naturaleza, aunque ahora de forma polémica: en última instancia, la apelación a la Naturaleza se ha llegado a convertir en una impugnación de la modernidad, como concluye Clement Rosset en su ensayo significativamente titulado La anti-naturaleza. Elementos para una filosofía trágica. No cabe duda de que el desierto que nos corresponde es el del nihilismo, ese territorio sombrío o encrucijada en el que no es posible encontrar cobijo. Adorno señaló adecuadamente que es placentera cualquier figura de algo limitado porque no puede olvidarse la presión de quien lo ha reducido a límites, siendo sus perfiles memento. El sentimiento que goza con lo irregular y lo desordenado de la Naturaleza tiene afinidades simpáticas con el espíritu del nominalismo. Puede que la belleza natural no sea otra cosa que el mito transpuesto a la imaginación y, por ello, en nuestra época, desgastado.

Continuar leyendo "Catástrofe y artificio de la belleza natural - Fernando Castro Flórez"

Enviado por salonKritik el 16 de Diciembre | Comentarios (0)

Todo es igual a nada - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Vivimos en la sociedad del riesgo, donde el colapso es una seria posibilidad. Ulrich Beck así lo ha teorizado, afirmando que los peligros ecológicos no han sido apreciados como síntomas, pese a sus preocupantes señales, hasta después de que se hayan producido algunas de sus graves consecuencias, como, por ejemplo, la desaparición de una ciudad bajo las aguas ante la impotencia de un Estado cuyas bases de intervención y solidaridad han sido desmanteladas por la ideología «neocon».

Recientemente ha sido reeditado un libro fundamental que lanzó la idea de la sostenibilidad: Los límites del crecimiento, un trabajo liderado por un grupo de investigadores del Massachusetts Institute of Technology, en el que allá por los años 70 ya advertían que de seguir las constantes de crecimiento industrial, poblacional, de contaminación, destrucción y ocupación del medio natural? El planeta alcanzaría sus límites en cien años. Según esas previsiones iniciales -que en la revisión publicada en España este año son sustancialmente reducidas- no falta mucho tiempo para alcanzar ese límite-frontera.

Continuar leyendo "Todo es igu